Una ballena gigante, una ballena blanca, en la niebla (Perú, 70 min, 2025). Un director de cine que se siente perdido va a una ciudad para él desconocida y, milagrosamente, graba una noche, en un ensayo, un ejercicio de unos jóvenes actores que lo conmueve profundamente… Y luego, a través de un amigo, logra filmar de manera especial a una persona del grupo de teatro, una joven actriz, que parece no advertir el poder de su gracia y su misterio.  

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En 2023, se hizo de la Cámara de oro en Cannes el debut cinematográfico de Pham Thien An por Inside the Yellow Cocoon Shell (El árbol de las mariposas doradas). La propuesta vietnamita tiene la delicadeza de los planos fijos y la cámara lenta del mejor Bruno Dumont, pero con una panorámica de la emoción que le da a su cine una profundidad desconocida desde Bresson. Aquí un breve vistazo a una película que parece una postal paisajista de los interiores del alma humana.

Un tío y su sobrino pequeño viajan a su pueblo para enterrar a la madre del niño después de que ésta muriera en un accidente en moto en Saigón. La historia ofrece adicionalmente la búsqueda del protagonista Thien, el tío del niño, por hallar su lugar en la vida y propósito mientras busca a su hermano, el padre fugitivo que abandonó a su sobrino años atrás. 

«No puedo existir simultáneamente en la luz y en la oscuridad», dice en un momento de gracia Thien cuando se halla al final de su aventura personal. Esta ópera prima es más que otra aburrida y sobrevalorada película oriental al estilo francés; es, sobre todo, un viaje religioso desde el incómodo asiento secular de alguien como Thien, ajeno a las grandes preguntas, pero que, sin embargo, se ve interpelado por estas a partir de tener a su cuidado a su sobrino de 5 años y tener que afrontar su incapacidad de explicarle lo que es la muerte y lo que significa la vida.

Tres maneras de contar una misma reseña

1. Comenzamos al margen de un partido de fútbol local en el centro de la ciudad de Saigón, observando la obra desde una distancia tranquila antes de seguir a una mascota arrastrando los pies, vestida con un traje de lobo, hasta el bar contiguo. Allí, la multitud mira un partido de la Copa Mundial 2018 mientras un grupo de jóvenes, apartados del televisor, beben y discuten asuntos de fe, existencia y aburrimiento. Thien (Le Phong Vu) está tranquilo y taciturno, solo medio inmerso en una conversación ya plagada de distracciones: el discurso de venta de un representante de cerveza burbujeante, el estallido de una repentina tormenta de verano, un chirrido metálico y un golpe sombrío mientras la cámara vuelve a desplazarse serenamente para revelar las secuelas de un accidente fatal de motocicleta. En el ruibarbo resultante de la preocupación de los transeúntes, Thien se queda quieto.

2. En la bulliciosa y bulliciosa ciudad, Thien (Le phong Vu) conversa tranquilamente con sus amigos sobre la fe y el sentido de la vida en una terraza cuando quedan atónitos al oír un estruendoso accidente de moto a pocos metros. Su sesión posterior en un salón de masajes se ve trágicamente interrumpida por una llamada en su teléfono. La víctima mortal del accidente resulta ser su cuñada, Hanh, cuyo hijo de cinco años, Dao (Nguyen Thinh), sobrevivió milagrosamente. Ahora, Thien debe llevar el cuerpo en ataúd de Hanh en una furgoneta alquilada a su pueblo natal para su entierro (junto con el pequeño Dao) y en búsqueda del hermano fugitivo que abandonó a su mujer e hijo.

3. La cuñada de Thien, Teresa, muere en un accidente de motocicleta en Saigón, aunque su hijo Dao, de cinco años, sobrevive al choque. Thien lleva a Dao y al cuerpo de su cuñada a la aldea rural donde creció. Allí, ve la vida en el campo en una serie de eventos vagamente conectados. Se llevan a cabo un funeral y otras ceremonias católicas. Thien conoce a un anciano que luchó en la guerra de Vietnam, que le cuenta sus historias de supervivencia cuando tantos no lo hicieron. Sale de caza con su anfitrión y se une a Dao, y se reencuentra incómodamente con Thao, una amiga de la infancia con la que había intentado formar una relación romántica cuando era más joven, pero que desde entonces se ha convertido en monja. Él organiza que lleven a Dao a la escuela donde trabaja, donde la mayoría de los estudiantes son montañeses.

La cámara como personaje 

La cámara se desvía y gira con la lenta deliberación de un portaaviones: los personajes se mueven fuera de plano y siguen hablando fuera de pantalla hasta que la cámara los alcanza y vuelven al encuadre. Un cuadro estático se convierte en un zoom casi imperceptiblemente lento. Thien tiene encuentros cautivadores: un anciano que luchó con los survietnamitas en la batalla de Vung Rô y una anciana tan enigmática como un espectro. Una secuencia completa es simplemente el punto de vista de Thien, en silencio, mientras conduce su scooter por carreteras donde los faros del tráfico que viene en sentido contrario se encienden en un deslumbramiento que llena la pantalla.

Thien abandona el pueblo en lugar de quedarse para un evento y comienza a buscar sin rumbo a su hermano Tam, desaparecido, quizás para descubrir su paradero y decirle que la esposa que abandonó había muerto y que su hijo necesitaba cuidados. También descubre que su hermano había asistido brevemente al seminario y había considerado hacerse sacerdote, antes de decidir casarse. Muestra una foto de boda de ambos encontrada en el cuerpo de Teresa en un pueblo que cree que podría estar relacionado, y habla con la gente del lugar, pero la búsqueda es infructuosa.

Los críticos hablan

En la radio vietnamita RFI, el director Pham Thien An dice que el «caparazón» es una metáfora o símbolo de las personas atrapadas en la búsqueda de la fama o la fortuna, y que escapar del «caparazón» requiere una introspección que gira en torno a la pregunta «¿Por qué vivir?».

En el sitio web de reseñas Rotten Tomatoes, la película tiene un índice de aprobación del 94% basado en 54 reseñas, con una calificación promedio de 8.2/10. El consenso de la crítica del sitio dice: «Siguiendo su propio y fascinante camino inescrutable entre el pasado, el presente, la realidad y los sueños, Inside the Yellow Cocoon Shell recompensa a los espectadores pacientes con una absorbente odisea espiritual». Metacritic, que utiliza un promedio ponderado, le asignó a la película una puntuación de 94 sobre 100, basada en 15 críticos, lo que indica «aclamación universal».  En AlloCiné, la película recibió una calificación promedio de 3.9 sobre 5 estrellas, basada en 26 reseñas de críticos franceses. En fin, franceses.

Guy Lodge de Variety lo llamó «un cine de arte desafiante pero seductor que invita a comparaciones con titanes como Apichatpong Weerasethakul, Tsai Ming-liang e incluso Theo Angelopoulos, sin sentirse derivado de ninguno». Mientras que Peter Bradshaw de The Guardian le otorgó a la película cinco estrellas de cinco, describiéndola como una «joya del cine lento (que) es una maravillosa meditación sobre la fe y la muerte». 

«Es una joya del cine lento ambientada inicialmente en Saigón y luego en las montañosas y exuberantes tierras altas centrales, lejos de la ciudad; es una aventura épica en gravedad cero, que flota hacia su extraño destino narrativo y luego, quizás, lo sobrepasa hacia algo más. Es compasiva, íntima, espiritual y misteriosa de maneras que me recordaron a Tsai Ming-liang o Edward Yang». Peter Bradshaw, The Guardian.

«El excelente primer largometraje de Thien An Pham puede parecer narrativamente delgado para su duración de tres horas, pero su abundancia de detalles sensoriales en capas crea un hechizo inquebrantable.Toda la vida, incluida la muerte, está en el plano largo e ininterrumpido que abre el fascinante debut de Thien An Pham , » Inside the Yellow Cocoon Shell «.La ausencia de cortes en esta toma larga, impecablemente coreografiada, no se percibe como un simple espectáculo técnico, sino como un reflejo de la propia presencia distante de Thien en un mundo que lo supera.entre los debuts más auspiciosos de Cannes en los últimos tiempos, «Inside the Yellow Cocoon Shell» debería atraer la atención de distribuidores especializados que no se dejen intimidar por los bordes esotéricos de la película y su lánguida pero gratificante duración de tres horas. Hay una belleza evidente en este exuberante interior rural vietnamita, como lo demuestran las meticulosas e intrincadas composiciones del director de fotografía Dinh Duy Hung, que plasman los ricos y húmedos verdes del bosque circundante, los azules minerales de los cielos azotados por el clima y la niebla que lo cubre todo. Pero «Inside the Yellow Cocoon Shell» (cuyo título también insinúa ideas de transición natural y espiritual que la película se resiste a literalizar) nunca resulta monótonamente pintoresca: ningún paisaje se muestra aquí sin una idea precisa de cómo los personajes lo ven y reaccionan ante él». Guy Lodge, Variety.

En un momento de la película, un ex interés romántico del protagonista le pregunta: «¿Por qué ya no se pueden hacer películas así?» Una crítica a su propia película que, sin embargo, bordea algo fresco entre toda la propaganda ideológica que flota en el ambiente del cine.

“El Eternauta”, un cómic clásico argentino de ciencia ficción fue estrenada en Netflix el pasado 30 de abril, marcando una pauta de lo que puede hacer ese país en cuanto a calidad audiovisual. No estamos hablando ya de una película que puede durar dos o tres horas, sino de una serie de seis capítulos (en su primera temporada) que se ha logrado posicionar como la segunda más vista en todo el mundo. ofreciéndonos una edición de fotografía soberbia, con actuaciones destacadas, sobresaliendo por encima de todas la de Ricardo Darín.

Con tan solo quince millones de dólares, el director Bruno Stagnaro ha podido realizar con mucho detalle y dedicación una obra que ha agradado tanto el ojo de un crítico como de un espectador casual. Es por ello que la “gran N” ya anunció que habrá una segunda temporada.

En cuanto a premios Oscar obtenidos, en 1986 el director Luis Puenzo se llevó el premio a mejor película internacional por ‘La historia oficial’; y en el 2010 Juan José Campanella nos regaló la fascinante ‘El secreto de sus ojos’, con una actuación magistral de Guillermo Francella.

“El agente secreto” (O agente secreto, en portugués) es la más reciente producción brasileña que ha sido presentada en el Festival de Cannes 2025, compitiendo por la Palma de Oro con otras notables películas internacionales.

Dirigida por el cineasta Kleber Mendonça Filho — el mismo que dirigiera Aquarius (2016) y Bacurau (2019), ambas competidoras en su año por la Palma de Oro en Cannes —, ese largometraje ambientado en la dictadura militar de Brasil de la década de 1970, se presenta como la candidata por naturaleza a los premios Oscar del próximo año, intentando igual la valla dejada por la película “Aún Estoy Aquí” (Ainda Estou Aquí) que se llevó la estatuilla dorada a mejor película internacional o extranjera.

Por su parte, Chile en el 2017 con “Una mujer fantástica”, del director Sebastián Lelio, se llevó un premio Oscar como mejor película de habla no inglesa. Un año antes, el cortometraje “La historia de un oso”, de Gabriel Osorio y Patricio Escala, también se llevaron el dorado premio en su respectiva categoría. En el año 2013, la película “No” de Pablo Larraín estuvo a un paso de llevarse el premio a mejor película en los Oscar.

Colombia tampoco se queda atrás y en 1996 Patricia Cardoso se llevó el premio de la Academia por su cortometraje ‘El Reino de los Cielos’; en tanto el director bogotano David Aristizábal fue premiado en el año 2013 por su documental ‘A Second Chance’.

México se impone a todos los demás países latinoamericano con una cantidad impresionante de producciones audiovisuales anuales, tanto en cortometraje, documental o películas de drama, comedia o ciencia ficción.

El primer mexicano en obtener una estatuilla dorada fue Emile Kuri cuando se llevó el premio a mejor dirección de producción por ‘La Heredera’ (1949), de William Wyler, repitiendo el logro cinco años después con ‘Mil Leguas de Viaje Submarino’, de Richard Fleischer.

En cine destacan directores como Guillermo del Toro, Alfonso Cuarón o Alejandro González Iñarritu, todos ellos ganadores de premios en distintos festivales o competencias cinematográficas.

Perú, al fondo hay sitio

Mientras que la producción nacional se centre en ofrecernos películas ‘masticadas’ para un público que no gusta de pensar mucho en las películas y prefiere pagar su entrada al cine para comer canchita y pasar un buen rato en familia o con su enamorada/o, nuestro cine nacional continuará arrojando bodrios que en cifras pueden resultar un gran éxito en taquilla, pero que están muy lejos de competir en algún festival de renombre.

Podría citarse a ‘Madeinusa’ de Claudia Llosa en el 2005 que recibió distintos premios internacionales, o ‘La teta asustada’ de la misma directora que en el 2009 se llevó ‘El Oso de Oro’ en la Berlinale, pero hasta ahí se puede dejar de mencionar.

En serie o cortometrajes distamos mucho de nuestros vecinos, refugiándonos en nuestra ‘zona de confort’ donde se recurre al chiste fácil, a personajes estereotipados, al anuncio publicitario cada quince minutos en cada producción, a los actores de siempre, que no significa que sean malos, sino que no se les da cabida a nuevos talentos.

Mientras los productores peruanos continúen subestimando a la audiencia seguiremos recibiendo películas o series que no conducen a nada, que no tienen un guion estructurado, o peor aún, que no tengan principio ni final. Pase usted, Perú, al fondo hay sitio.

El mes de mayo es sinónimo de buen cine, de distraerse por un momento del ajetreo diario, del horror de la política, para estar al tanto de la ceremonia de gala, la condecoración a veteranos actores, del estreno de tan esperadas películas, de la reafirmación de grandes directores; en suma, doce días de buen cine en el viejo continente.

Si el año pasado ‘Anora’, la película dirigida por Sean Baker se llevó merecidamente la Palma de Oro, este año veintidós largometrajes competirán por llevarse esa importante distinción que en esta edición tendrá como presidenta del jurado a Juliette Binoche.

A continuación, algunas de las más destacadas:

“Alfha”, de Julia Ducournau

El año pasado la directora francesa de 41 años se llevó la Palma de Oro por Titane y ahora está de regreso con Alpha, una película de drama sobre las dificultades de crecer y la complicada relación entre una madre y su hija. La película sigue a una adolescente de 13 años llamada Alpha, que vive con su madre. La relación entre las dos, y su mundo, se pone de cabeza cuando Alpha llega a casa con un tatuaje que se hizo sin permiso, y termina desatando una serie de eventos inesperados que las llevan a las dos al límite.

“Nouvelle Vague”, de Richard Linlater

El cineasta estadounidense dirige esta comedia protagonizada por Zoey Deutch, Alix Bénézech y Guillaume Marbeck. La película es una oda al cine clásico y a una película icónica, ya que muestra cómo fue el proceso de producción de «Sin aliento», la icónica película de Jean-Luc Godard con Jean Seberg y Juliette Greco.

“Eddington”, de Ari Aster

Pedro Pascal, Emma Stone y Joaquin Phoenix protagonizan la nueva película de Ari Aster, que combina el género western con la comedia oscura en una historia inquietante. La sinopsis dice: “En mayo de 2020, un enfrentamiento entre el sheriff y el alcalde de un pequeño pueblo desata un caos cuando vecinos se enfrentan entre sí en Eddington, Nuevo México”.

“El agente secreto”, de Kleber Mendonça Filho

Wagner Moura regresa al cine brasileño con este thriller político, que cuenta también con el legendario Udo Kier. La película se desarrolla en 1977, en tiempos de la dictadura, donde un experto en tecnología huye de un pasado misterioso y regresa a su ciudad natal, Recife, en busca de una vida tranquila. Pero, al llegar, comienza a notar que la ciudad está atravesando por un momento complicado, y que no es el refugio pacífico que él estaba buscando.

“Sentimental Value”, Joachin Trier

Renate Reinsve y Elle Fanning son las protagonistas de la nueva comedia dramática del director danés Joachim Trier. La película es descrita como “una exploración íntima y conmovedora de la familia, los recuerdos y el poder reconciliador del arte”.

“The history of Sound”, de Oliver Hermanus

Paul Mescal y Josh O’ Connor aparecen juntos en lo nuevo del director sudafricano Oliver Hermanus. The History of Sound es un drama histórico, con elementos de romance, que sigue a dos jóvenes que, en tiempos de la Primera Guerra Mundial, deciden empezar a grabar las vidas, las voces y la música de sus compatriotas estadounidenses, mientras un vínculo poderoso se va formando entre ellos.

Este lunes 28 y martes 29 de abril, todas las cadenas de cine del Perú, en todas sus salas, ofrecerán entradas desde S/7 en los formatos regulares 2D. Los formatos especiales como Prime y 4DX a mitad de precio.

Además, la cadena Cinemark habilitará entradas 3D a S/ 8 soles y asientos Dbox a S/ 12. Es importante tener en cuenta que Cinemark aplica un recargo de S/0.5 por cada entrada comprada en línea, así como un recargo de S/0.8 por compras de productos de confitería realizadas en línea.

Por su parte, Cineplanet informó que las promociones del 28 y 29 de abril también son válidas para las películas en formato Xtreme, en todos los horarios.

Podrás adquirir tus entradas desde el viernes 25 de abril por todas las plataformas establecidas por las cadenas de cine como sus canales digitales y de manera presencial.

Es la oportunidad perfecta para no perderte ningún estreno. En cartelera: El día que la tierra explotó: una película de Looney Tunes, Until Dawn: Noche de Terror, Soltera, Casada, Viuda y Divorciada 2, Drop: Amenaza anónima, Minecraft, Amateur y más.

La séptima edición del Festival RENDER de Cine Universitario hecho por jóvenes realizadores del Perú y Latinoamérica, se presentará del 22 al 30 de abril en 13 sedes a nivel nacional, ubicadas en las regiones de Ucayali, Loreto, Huancavelica, Pasco, Apurímac, Moquegua, Ancash, Amazonas, Puno, Ica, La Libertad, Huánuco y Lima.  RENDER es una iniciativa que surgió en las aulas de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, con el objetivo de fortalecer el ecosistema audiovisual y cinematográfico desde la formación en universidades públicas dentro del Perú, y dar visibilidad a la obra y miradas de los universitarios que están haciendo cine peruano.

El VII Festival RENDER presentará más de cincuenta obras cinematográficas, entre largometrajes y cortometrajes seleccionados. El público podrá apreciar historias, posturas y diversos puntos de vista de lo que sucede en nuestros territorios a través de las obras de jóvenes creadores audiovisuales tanto del Perú como de Latinoamérica. Este año las categorías son: Competencia Nacional e Internacional de Cortometrajes para universitarios y Competencia Internacional de Óperas Primas de cineastas Latinoamericanos, con películas estrenadas desde el año 2023. 

Además, Render cuenta ahora con la conformación de un Jurado joven, integrado por jóvenes con interés en diversos aspectos del cine y el audiovisual, procedentes de distintas regiones del país, quienes pasaron por un largo proceso de selección Ellos serán los encargados de premiar las obras latinoamericanas en la categoría ópera prima.  

La inauguración del festival es el martes 22 de abril a las 6.30 pm en el Auditorio del Centro Cultural de San Marcos. El programa inaugural incluye el Foco: “La Materia de los Sueños, las películas producidas por Lali Madueño” y se proyectará la película “El Archivo Bastardo”, dirigida por Marianela Vega. Al término de la proyección habrá un diálogo con Lali Madueño.

El ingreso a todas las proyecciones es gratuito, tanto en Lima como en regiones. Las funciones se realizarán en el Centro Cultural San Marcos, Sala Armando Robles Godoy, Centro Cultural Universidad Cayetano Heredia, Cine Morún (Ancash), Cineclub Lambayeque, Grupo Audiovisual del Consejo de Cultura de Huancayo (Junín), Asociación Gargüeros (Moquegua), Cineclub Layqa (Puno), Cineclub Cusco (Cusco), y Cineclub Qawakuna (Ayacucho). Además se cuenta con el apoyo de plataformas de streaming como Retina Latina y Nuestro cine MX para acercar los contenidos a toda Latinoamérica.  Y en regiones, con cineclubes, colectivos, universidades y centros culturales que trabajan por la promoción del cine y el audiovisual peruano en cada uno de sus territorios. 

Toda la programación está disponible en las redes sociales del Festival RENDER, tanto en Instagram como Facebook y tik tok, con la información acerca de las funciones a nivel nacional, conversatorios y actividades anexas. 

Desde el inicio, lo que une a los personajes de Cenci (Mia Farrow) y Leonora (Elizabeth Taylor), es la perdida. De una madre y una hija, respectivamente. En una secuencia silenciosa, la joven Cenci sigue a quien cree es su madre (Leonora), por un tramo de la ciudad, desde las afueras de una iglesia hasta un cementerio, este último, lugar en donde la hija de la ex prostituta está enterrada. La joven observa fascinada a su madre reaparecida (revivida) –extrañamente, Leonora tiene un parecido con la occisa. (Pero ese es un dato menor, lo importante es cómo la ve la muchacha, que parece no haber salido aún de la infancia). Con persistencia logra llevar a la mujer a su casa. Leonora acepta, entre curiosa y oportunista, se entera que la joven es adinerada. (La casa enorme y laberíntica la impresiona, al mismo tiempo que la atemoriza. Es raro que no haya nadie más viviendo allí). Entre ambas, una relación compleja empieza a surgir, se desarrolla. Las comodidades a las cuales no está acostumbrada la mujer mayor son atrayentes, pero también lo es la posibilidad de replicar su papel de madre, cortado abruptamente por la muerte temprana de su hija. Entonces parece surgir una especie de acuerdo implícito, en donde cada una puede encontrar satisfacción en el papel que encarnan. Una vida que no se tuvo, una hija que se reemplaza. O la vuelta de la madre querida, de la infancia recobrada. Solo que algo parece enturbiar sus relaciones, algunos de sus acercamientos tienen la sensualidad que podría surgir entre dos adultas, sin vínculo sanguíneo. A Leonora eso le recuerda la vida que tuvo de meretriz, lo cual la atormenta y está cansada. Y ciertas conductas de su “hija” Cenci, la enfrentan a la verdad de su farsa. (En una conversación con dos parientas de la joven, resentidas porque no recibieron nada de la fortuna familiar, se entera que Cenci tiene veintidós años).

Como una aparición, un ser perverso que viene a quitarles algo, el padrastro Albert (Robert Mitchum), regresa a perturbar la relación madre-hija. Descubre a Leonora, la desprecia. Intenta llevarse a Cenci, retomar su relación (ambos están juntos desde que ella era una adolescente), y obtener el dinero de la herencia. Su presencia deteriora el frágil vínculo de las dos, recordándole a Cenci el aspecto más crudo de su crecimiento, su sexualidad. En un punto en que la joven se vuelve el objeto en disputa, Leonora parece ir quedándose atrás en su condición de símil. De pronto ya no es tan parecida a la occisa, aparentemente le falta ese “algo” que las clases sociales altas poseen en su vivencia, y que las hace reconocibles entre “sus iguales”. El desengaño provocará el suicidio de Cenci. No mucho después, Leonora tomará venganza, asesinando a Albert. 

El director Joseph Losey y su equipo, adaptan el relato del argentino Marco Denevi, colocando a sus personajes en una ciudad compuesta de parajes y calles desoladas, de lúgubres e intrincadas instalaciones. (Incluso en un hotel en la playa, solo vemos a dos o tres trabajadores, aparte de las huéspedes). Lugar donde se viven obsesiones, sufrimientos y malicias, funciona al mismo tiempo como una extensión –o proyección-, de esas mentes afligidas. Como esas calles amplias y solitarias a las cuales miran los personajes con recelo, o las habitaciones decoradas de objetos que parecen no pertenecerles, y que portan un aire antiguo y decadente, aunque de igual manera los utilicen, como si estuvieran haciendo una travesura o infringiendo alguna regla. Así, la recreación del vínculo maternal, que en un momento parece estar “protegido” por la enorme mansión y sus ventajas materiales, es al mismo tiempo una especie de encierro frágil, muy vulnerable a los “peligros” de afuera: a la “realidad” que podría devolver a la mujer a su vida retirada y obligadamente austera, y a los seres malvados que vendrán por la hija-benefactora, para poseerla y aprovecharse de ella.

“El hombre debe saber en qué mundo vive, y en este momento el mundo es Roma”. Era una época en que el mundo giraba en torno a las decisiones de un emperador, donde millones de personas vivían o morían bajo su voluntad, siendo consideradas muchas de ellas como esclavos o ciudadanos de segundo orden.

En el año 1959 la Metro Goldwyn Mayer estrenó lo que sería una de más épicas y fascinantes películas de época, utilizándose más de 2,500 caballos, 200 camellos y más de 10,000 extras. Se elaboraron enormes sets donde se rodarían las más recordadas escenas, como la carrera de las cuadrillas, la misma que fue planificado cerca de un año, pero que solo duró 9 minutos en pantalla.

Aquella película de más de tres horas de duración se llevó en los premios Óscar de 1960 once estatuillas, incluidas las de Mejor Película, Mejor Director (William Wyler), y Mejor Actor (Charlton Heston). Esta hazaña no fue igualada hasta el estreno de Titanic en 1997 y El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey en 2003.

Ahora, el largometraje dirigido por William Wyler, volverá a las salas locales este jueves 17 y viernes 18 de abril para deleite de los cinéfilos. Para ello, Warner Bros. ha decidido ofrecer a los fanáticos una experiencia renovada con una versión restaurada de Ben Hur, que promete resaltar los detalles de la película que podrían haberse perdido con el tiempo.

Las restauraciones digitales y los avances tecnológicos han permitido que los efectos especiales y las secuencias más icónicas se vean mejor que nunca, lo que hace que este reestreno sea una ocasión aún más especial para los cinéfilos y aquellos que nunca han tenido la oportunidad de ver el clásico en la pantalla grande.

El dato:

En Cineplanet se pasará los días 17 y 18 de abril en sus salas de Alcázar, Centro Jr. De La Unión, Mall del Sur, Norte, Primavera, Puruchuco, Risso, San Borja, San Juan de Lurigancho y San Miguel. En tanto, Cinemark la pasará solamente el 17, proyectándose en sus sedes de Jockey Plaza, Gamarra, Mallplaza Angamos y San Miguel, con una única función a las 3:00 p.m.