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“Fue la mano de Dios”, la otra mirada de Sorrentino

Si uno compara (y es inevitable comparar), da la sensación de que Sorrentino se ha estado preparando toda su vida para contar esta historia, la más íntima y menos artificiosa de sus creaciones.

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Nápoles, verano de 1984. Diego Armando Maradona cae del cielo para convertirse en el número 10 de la Società Sportiva Calcio Napoli y provoca una erupción tan potente como la que calcinó Pompeya.

Este fue uno de los hitos de la adolescencia de millones de hinchas en todo el mundo, entre los que se encontraba Paolo Sorrentino (Nápoles, 1970), cuyo cine ha tendido a inclinarse siempre hacia lo superlativo o, como diría Alfredo Bryce Echenique, hacia lo exagerado. El mito de Maradona ocupa un sitial importante en Fue la mano de Dios (2021), el último largometraje de Sorrentino que se estrenó en Netflix a mediados de diciembre y ya se encuentra en la lista de las 15 preseleccionadas para el Óscar a mejor película extranjera.

El título alude al famoso gol que Maradona le metió a Inglaterra con un puñetazo en el Mundial de México 86’. “Ha vengado al gran pueblo argentino […] ¡Es un acto político! ¡Es la revolución!”, dice hipnotizado el tío Alfredo (Renato Carpentieri) en una escena que captura perfectamente la pasión desaforada que llegó a despertar el argentino en sus hinchadas. Sin embargo, las proezas de Maradona no son ni por asomo el acontecimiento central de la trama, lo cual debería animar a todo aquel que (como yo) sabe poco o nada de fútbol.  

Fue la mano de Dios sigue el percorso emocional y vital de Fabietto Schisa (Filippo Scotti), un adolescente napolitano sin amigos y en pleno despertar sexual que mira todo con la perplejidad de quien acaba de descubrir el mundo. Y acaso sea eso lo que hace a lo largo de toda la cinta.

Lo poco que sabe de la vida lo ha aprendido dentro del espacio seguro —aunque no exento de contrastes— que le proveen sus padres, Saverio (Toni Servillo en un papel que no puede ser más distinto de su Jep Gambardella en La grande belleza) y Maria (interpretada magistralmente por Teresa Saponangelo, quien dota al personaje de la complejidad que se merece no solo como madre sino también como mujer). Aquel espacio es el mismo que habita la mayoría de nosotros antes de llegar a los extramuros de eso que hemos convenido en llamar inocencia.  

Los silbidos y besos volados de los padres de Fabietto, los malabares con naranjas y las bromas pesadas de su madre, el ardiente cuerpo de su tía Patrizia (Luisa Ranieri), las excentricidades de una vecina que se hace llamar la Baronessa (Betti Pedrazzi), la euforia desatada por los partidos de Maradona, las vistas del Vesuvio, Capri y Anacapri a lo lejos. Cada una de esas evocaciones, cifradas como están en una comedia costumbrista alla felliniana, forma parte de un magnífico retrato de época para el cual Sorrentino se inspiró en su propia juventud.

Pero a la comedia —tal y como sucede en la biografía del director— le sobreviene una tragedia que fractura las endebles bases sobre las que reposa la vida de Fabietto. Es entonces que la realidad le empieza a parecer chata y se ve empujado a buscar algo con qué reemplazarla. (Y no creo estar haciendo un spoiler diciéndoles que ese “algo”, ese otro mito, resulta ser el cine).

La soledad, una de las marcas de autor de Sorrentino —la encontramos en películas tan diferentes como Las consecuencias del amor (2004), El divo (2008) y La grande belleza (2013)—, es la condición natural de los habitantes de una Nápoles que parece más soñada que real, como ocurre en esa oda nostálgica al paraíso perdido que es Amarcord (1973), de Fellini. “La realidad es pobre” es la frase del director de Rímini con la que un Fabietto impotente cierra un ciclo y abre otro en su educación sentimental: uno menos surrealista, si quieren, pero igual de encaminado hacia esa fantasía sin la cual es imposible vivir a plenitud.

A nivel técnico, Sorrentino le da la espalda por primera vez al barroquismo que ha caracterizado su filmografía desde que debutó con El hombre de más en 2001. No cabe duda: Fue la mano de Dios es estilísticamente simple si la comparamos, por ejemplo, con el artificio de La grande belleza (2013) o el carnaval sin fin que es Loro (2018); pero la suya es una simplicidad que en ningún momento deviene en simpleza.

Si uno compara (y es inevitable comparar), da la sensación de que Sorrentino se ha estado preparando toda su vida para contar esta historia, la más íntima y menos artificiosa de sus creaciones. La estructura lineal sin flashbacks, las secuencias plagadas de silencio, la música estratégicamente espaciada, entre otros recursos, contribuyen a una renovada visión artística para la que las emociones son mucho más valiosas que los mensajes, la filosofía, la política y el “bla, bla, bla”.

Sientan cómo se acerca el helicóptero a una Nápoles que ya no existe. Miren a la tía Patrizia brillando como una diosa en medio del tumulto. Escúchenla hablar con San Gennaro, que le ofrece un milagro a cambio de que se suba a su carro para dar un paseo. Vayan con ella. Sientan más. //

Calificación: 4.5/5

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El faro (The Lighthouse) llega a Netflix para ‘encender’ nuestra intriga [VIDEO]

Película del director Robert Eggers desde hoy podrá ser disfrutada por todos los cinéfilos.

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Si usted es amante de Edgar Allan Poe y de las historias de terror y misterio entonces póngase cómodo, coja su bebida de preferencia y disfrute con las luces apagadas esta película del director Robert Eggers “El Faro” (The Lighthouse) estrenada en el año 2019.

Protagonizada por los actores William Dafoe y Robert Pattinson, quienes interpretan a dos fareros que comenzarán a perder la cordura cuando una tormenta los deja aislados en una remota isla de Nueva Inglaterra.

“Pronto, la relación tiránica desemboca en un conflicto de poder, un choque generacional entre la vieja guardia que clama “¡la luz es mía!” y la nueva que intenta tomarla. Todas las interpretaciones son válidas y esta no es la única. Mucho menos la más fascinante.”, escribe Ricardo Espinal del diario La República.

En efecto, los primeros visos para entender ese tipo de filme lo proporciona el propio director quien desliza que los personajes interpretados por Dafoe y Patinson “tienen una raíz simbólica del mito de Proteo y Prometeo”.

“Era innegable la alegoría sobre la obtención del fuego, su recelosa custodia y el fatídico destino de su liberador. El significado de la luz del faro variará dependiendo del lente con el que se aprecie, pero se mantiene como el eje central sobre el cual se desarrolla el conflicto entre los dos hombres.”, explica Espinal.

“También está la teoría de que ambos son realmente la misma persona, evocando irrevocablemente a la película “Persona” de Ingmar Bergman. Thomas lucha contra su contraparte, quien lo atormenta por su pecaminoso pasado e impide hacerse con la luz que representa la salvación de su conciencia. Aún si todo fue producto de su esquizofrenia, es un cliché que Eggers aborda de manera inteligente.”, subraya el periodista.

“Como si todas estas lecturas no fueran suficientes, hay que profundizar más en la psique para captar el subtexto homoerótico, simbolizado en un gigantesco falo, así como los matices edípicos. Los roles de género están en juego, la masculinidad tóxica en jaque y las emociones reprimidas afloran entre tanta tensión. La influencia de Carl Jung y Sigmund Freud fue constada por el propio cineasta.”, añade en su interpretación Espinal.

Robert Pattinson en una de sus mejores actuaciones. Foto: Universal Pictures.

El Faro ha llegado a la famosa plataforma de streaming para mostrarnos la orilla correcta en donde debemos enfocarnos para recordar que una buena película no tiene que recurrir necesariamente a grandes efectos especiales.

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Cine

Arrancó el Festival de Cannes 2022

Del 17 al 28 de mayo 75 edición del popular evento de cine vuelve a acoger a espectadores tras un receso por la pandemia.

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Ver, sentir, respirar cine. El sétimo arte no se siente igual si los sentidos no están completamente libres para poder apreciar a las verdaderas estrellas que hacen posible que una secuencia de imágenes se convierta en una película. La pasarela, la moda, el glamour, y la alfombra roja están preparadas para esta 75 edición del Festival de Cannes 2022.

Bodas de diamante para uno de los festivales de cine con mayor renombre a nivel mundial, y que oficialmente empezó ayer, en donde recibirá un estimado de 35 mil personas que recorrerán el paseo de La Croisette, sin obligación de llevar mascarilla. Un claro signo de que el festival busca recobrar la confianza de sus asistentes, que antes de la pandemia bordeaban los 40 000.

El crítico de cine Renato León nos comparte su optimismo sobre esta edición: “Ahora todos podrán ver las películas en pantalla grande, asistir a las conferencias, ver a los artistas en la alfombra roja. Además, habrá grandes directores en competencia y fuera de ella, nombres tan importantes en el mundo del cine. Será un buen año”.

Por su parte, la crítica de cine y docente Mónica Delgado nos comenta que “el festival mantiene su marca desde antes de la pandemia, y no ha cambiado su línea editorial. Siempre están los highlights, los cineastas recurrentes de Cannes, como Claire Denis, Hazanavicius y otros más. No creo que haya habido un antes y un después. En ese sentido el festival ha mantenido esa perspectiva”.

Justamente, el francés Michel Hazanavicius fue el elegido para abrir Cannes 2022, con su película “Coupez!” (“¡Corten!”, en español), una comedia de zombis, que recrea el ya clásico del género “One cut of the dead”, de Shinichiro Ueda.

Festival abordará la invasión a Ucrania.

El Festival de Cannes se originó en 1938, para competir con el de Venecia, que fue usado por Benito Mussolini como instrumento propagandístico del fascismo en expansión. Sin embargo, no fue hasta 1946, una vez acabada la Segunda Guerra Mundial, que se pudo realizar la primera edición. En ese sentido, tiene un trasfondo antibélico y lo ha hecho notar al darle vitrina a Ucrania, país que ha sido invadido por Rusia.

La crítica de cine Alejandra Bernedo nos da su opinión al respecto: “El origen antifascista de Cannes es remarcable. El apoyo a poblaciones víctimas de conflictos bélicos es imprescindible, cosa que, lamentablemente, no han mostrado en ocasiones anteriores con otros conflictos tal como procederán a hacerlo esta vez con Ucrania”.

Así, el 21 de mayo será considerado el “Día de Ucrania”, que se dará dentro del “Mercado de Cannes”, donde cineastas y productores de dicho país podrán exhibir sus películas y presentar proyectos. Buena parte de estas producciones serán documentales.

Una de las películas que se proyectarán es “Mauripol 2”, del cineasta lituano Mantas Kvedaravičius, que murió a manos del ejército ruso el pasado abril, en la ciudad de Mariúpol. La cinta lleva imágenes grabadas en Ucrania y recuperadas por la pareja del director Hanna Bilovroba, quien además presentará el filme.

Por otra parte, los organizadores del festival anunciaron que no recibirán delegaciones oficiales rusas ni a personas vinculadas con el Gobierno ruso. Sin embargo, no se boicoteará ninguna película proveniente de dicho país y hay una en competencia: “La esposa de Tchaikovsky”, de Kirill Serébrennikov.

Nominados al Festival de Cannes 2022

  • Holy spider – Ali Abbasi
  • Les Amandiers – Valeria Bruni Tedeschi
  • Crimes of the future – David Cronenberg
  • Tori et Lokita – Jean-Pierre y Luc Dardenne
  • Stars at noon – Claire Denis
  • Frére et soeur – Arnaud Desplechin
  • Close – Lukas Dhont
  • Armageddon time – James Gray
  • Broker – Kore-Eda Hirokazu
  • Nostalgia – Mario Martone A
  • R.M.N – Cristian Mungiu
  • Triangle of sadness – Ruben Östlund
  • Haeojil Gyeolsim – Park Chan-Wook
  • Showing up – Kelly Reichardt
  • Leila’s brothers – Saeed Roustaee
  • Zhena Chaikovskogo – Kirill Serebrennikov
  • Walad Min Al Janna – Tarik Saleh
  • Zhena Chaikovskogo – Kirill Serebrennikov
  • Pacifiction – Albert Serra
  • Un petit frére – Léonor Serraille
  • EO – Jerzy Skoliwski
  • Le otto montagne – Charlotte Vandermeersch y Felix Van Groeningen

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La película de acción y horror “Desastre en Corea” se estrena a nivel nacional

Este 19 de Mayo llega a la cartelera peruana ¨Desastre en Corea” una película de acción y horror de principio a fin.

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Cuando una  familia e invitados estaban  celebrando un cumpleaños en un hotel,  un camión repleto de gas tóxico se estrella contra este causando la fuga del gas y  una gran explosión. El gas se esparce rápido por todo Seúl causando pánico en las calles así como muchos accidentes y muertes.

El gas continua ascendiendo por la ciudad y para que no los alcance, a  una pareja de amigos  no les queda otra que subir al techo del hotel y usar unas cuerdas  para pasarse de un  edificio a otro subiendo cada vez más alto escalando las paredes hasta llegar en lo alto a una grúa donde podrían ser rescatados.

En el mundo ha habido varios casos, en los últimos años, de desastres causados por una fuga de gas. Los más comunes son los  accidentes de camiones que lo transportan  y que terminan chocando  por un impacto de bala, mal tiempo, por un desperfecto del vehículo  o  por una maniobra imprudente del conductor. 

En los  países en vías de desarrollo la informalidad y las normas poco favorables en el sector transportes hace que estos accidentes sean más frecuentes y más trágicos dejando más muertos, heridos y viviendas afectadas.

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Mi cuarto desde la cámara web, de Pedro Viloria (2012)

Lee la crítica de cine de Mario Castro Cobos.

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¿Tentativa de vanguardia devenida curiosa pieza arqueológica? No estoy seguro, y eso es parte del encanto. (Dirán o diré que mucho de la vanguardia ya quedó hace rato en la retaguardia, y que por eso la pieza arqueológica es interesantemente temprana.)

Todos queremos grabarnos a nosotros mismos, de maneras desde muy indirectas hasta otras bien directas. Narcisismo, inocencia. Ganas de descubrirse. Y de cubrirse: juego de máscaras (‘sinceras’). Necesidad de hablar desde lo único (¿te diste cuenta?) que tienes: a ti. En esta película se acumula la pátina del tiempo tanto como una apreciable frescura. Mezcla contradictoria, al parecer necesaria. La precariedad es fuerza y también nostalgia. Pero sobre todo testimonio…

Espía de ti mismo, dejas (voluntariamente, o ¿compulsivamente?) a la cámara hacer lo suyo. Hacia el principio del cine y más allá, entre las muchas cosas que se dijeron, se dijeron dos que recuerdo ahora: con el cine la muerte ya no es tan definitiva como antes. Y: el cine filma a la muerte haciendo su trabajo.

La cámara hace lo suyo (hasta ve lo que no ves, incluso a pesar tuyo) con algunos toques intervencionistas, como para que no olvides que aquí se tiende hacia el puro registro pero no es, precisamente, un puro registro.

Uno no sabe si predomina el aspecto ventana o el aspecto espejo. También puedes pensar, de rebote, en todo lo que no ves en el acto de mirarte (o como dije, en dejar que la cámara te mire). ¿Pero no pierdes más si no te ves, pensando que ves como si no estuvieras condenado a ver -hagas lo que hagas- todo a través de ti?

Si los que con mayor o menor suerte se atreven a mirarse serán narcisistas los que no se miran sino a través de fórmulas gastadas o calculadas son ciegos voluntarios, militantes del sistema opresor que hacer del cine una fábrica de ciegos.

Película

Página de Pedro Viloria
https://sites.google.com/view/pedroviloriamusic/inicio?fbclid=IwAR19wm2iNONozo4i3Vxmdml52F7MXXZwZTyINOfdN32Bl6LagsNTZ4NlI74

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“Granizo”, el fiasco protagonizado por Guillermo Francella

Lee la columna de Gabriel Rimachi Sialer.

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Esperaba con muchas ganas esta nueva película de Francella, dirigida por Marcos Carnevale, que no suele decepcionar al escoger los guiones y las cintas donde participa -siempre sorprende con algo-, y además ya la idea que plantea la historia en el espectacular trailer es alucinante, pero esta vez ha sido una tremenda decepción. Esta es una cinta para el olvido promovida con un trailer estupendo (brillante, en realidad).


Miguel Flores es un meteorólogo que ha logrado el sueño de todo hombre del clima: hacer que la gente se interese en lo que dicen. Así, cada uno de sus pronósticos del tiempo han sido tan acertados, que se convierte en un referente de la vida cotidiana de los porteños, al punto de que le confían la salud de sus mascotas o las labores de limpieza de las calles. Su influencia en el mundo que lo rodea es tal, que nada se puede hacer sin antes consultarle cómo estará el cielo. Con ese poder en las manos, su ego lo hace sentir como un Dios del tiempo. Hasta que falla. Y a lo grande.

Perseguido por toda la comunidad que lo quiere crucificar porque ese yerro les ha arruinado las vidas, Flores escapa al interior del país, a Mendoza, donde encuentra el real motivo de esta cinta: una forma de reconciliarse con su hija, a la que no ve desde hace muchos años. En paralelo descubre a un hombre que con solo ver el cielo, puede pronosticar con una exactitud horaria, el minuto y segundo en que empezará a llover.

Y a estas alturas ya la cinta está arruinada. Es innegable que los efectos especiales del granizo que azota Buenos Aires son alucinantes, en realidad es lo más espectacular -y predecible- de la película, que los colores son buenísimos, que la música también, que tiene chispazos interesantes, como la historia del taxista que quiere asesinar a Flores porque el granizo lo arruinó, el papel de Laurita Fernández como la influencer que destrona al meteorólogo (cargando a su horroroso chihuahua a todos lados en un bolso), o el del productor y amigo que pone a la empresa por encima de la amistad porque así es el mundo de la TV… es decir, tiene todos los elementos para ser una gran cinta pero le falla el guion -escrito por Nicolás Giacobone y Fernando Balmayor- por más esfuerzo que hace Francella, que es un buen actor. Una de esas cintas donde lo mejor que tiene, lo más alucinante y espectacular, es el impresionante trailer.

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Estreno: Predicciones para el año del tigre, de Mario Castro Cobos (2022)

Película número quince del cineasta independiente y crítico de cine.

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Predicciones para el año del tigre, de Mario Castro Cobos (Perú, 87 min, 2022). Los diferentes habitantes de la ciudad, reales o imaginarios, se manifiestan; cada uno a su peculiar manera, que la cámara registra con curiosidad, intriga y deleite.

Las (hasta ahora) 15 películas del director
https://www.youtube.com/channel/UCh_P6oM9taiVLLQ_TxtFXlQ/videos

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Netflix estrenará este 19 de mayo “El fotógrafo y el cartero” documental sobre el asesinato de José Luis Cabezas [VIDEO]

A 25 años de su muerte, plataforma de streaming revelará detalles de ese emblemático caso que desnudó una red criminal que llegaba a las más altas esferas del gobierno de Carlos Ménem.

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José Luis Cabezas en la actualidad tendría 60 años de edad

Una fotografía le costó la vida al reportero gráfico José Luis Cabezas en el verano de 1997. En Argentina su asesinato se volvió emblemático porque era un claro atentado contra la libertad de prensa que estuvo restringida hasta el año 1983.

El pasado 25 de enero se cumplieron 25 años del terrible asesinato del periodista gráfico por ordenes de un personaje ligado a las más importantes autoridades de Argentina, Alfredo Yabrán, quien para ese entonces todos hablaban de él pero nadie tenía un imagen de ese misterioso empresario postal.

Fue un año antes de la muerte de Cabezas, en febrero de 1996, cuando el agudo fotógrafo finalmente consiguió capturar las imágenes de Yabrán caminando junto a su esposa en la playa de Pinamar, quien ya había advertido de la peligrosidad de semejante atrevimiento.

“Sacarme una foto a mí es como pegarme un tiro en la frente. Ni los servicios de inteligencia tienen una foto mía”, era lo que mencionaba Yabrán para asustar a los curiosos.

El enigmático empresario era propietario de la empresa OCA, encargada de la entrada y salida a través de los aeropuertos, las empresas de depósitos fiscales, las empresas de correo, también de la circulación interna, las empresas de carga y descarga de aviones. Tanto era su poder en ese entonces que dentro de los círculos de poder le temían.

Posteriormente, tanto Cabezas como su pareja, Cristina Robledo, comenzaron a recibir amenazas telefónicas y un año después, un funcionario cercano a la gestión del entonces intendente de Pinamar, Blas Altieri, le confió a Cabezas que “gente de Yabrán” había indagado sobre la dirección donde se alojaría durante la cobertura de la temporada.

Un mes antes del crimen, el policía de la bonaerense Gustavo Prellezo, condenado como uno de los autores materiales del hecho, se reunió con Yabrán en Buenos Aires, en las oficinas que el empresario tenía en Carlos Pellegrini al 1100.

En esa reunión, ´Don Alfredo´ le confió que quería “pasar un verano tranquilo sin fotógrafos ni periodistas”, según lo que el oficial declaró luego ante la Justicia.

El asesinato del fotógrafo develó vínculos entre el gobierno, políticos y empresarios, y cinco meses después del crimen debió renunciar el entonces ministro de Justicia, Elías Hassan: el funcionario había mantenido más de cien contactos telefónicos con Yabrán, a quien le había otorgado el reparto de correspondencia de la cartera a su cargo.

La cobertura del caso fue tema excluyente para todos los medios del país y la foto del reportero gráfico acompañada con la leyenda “No se olviden de Cabezas” se convirtió en un símbolo de la denuncia contra la impunidad que unió en un mismo reclamo a organizaciones gremiales y organismos de derechos humanos.

“No se olviden de Cabezas” fue el grito de la ciudadanía argentina a finales de los noventa. Foto: difusión.

Tras varios meses de instrucción, el juez federal de Dolores, José Luis Macchi, procesó y dictó prisión preventiva en mayo de 1999 para Yabrán como instigador del crimen.

Todos los pormenores de ese crimen que marcó un antes y un después en la Argentina podrán ser vistos por la famosa plataforma de series y películas Netflix a partir del 19 de mayo.

El fotógrafo y el cartero: el crimen de Cabezas será la nueva gran apuesta de Netflix. Mediante una exhaustiva investigación que incluye material de archivo y diversos testimonios del caso, la producción de Haddock Films reconstruye el crimen del reportero gráfico argentino José Luis Cabezas, ocurrido en el año 1997, y aborda detalladamente un insospechado entramado mafioso.

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PAZ EN NUESTROS SUEÑOS, de Sharunas Bartas

Lee la crítica de cine de Rodolfo Acevedo.

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El ritmo lento de los planos —y su concatenación—, en la película de Sharunas Bartas (Siauliai, Lituania, 1964), Paz en nuestros sueños (2015), transmite una sensación de malestar, desamparo, de peligro. Con causas evidentes en algunos casos y menos definibles en otros, los personajes sobrellevan su difícil existencia tratando de manejar sus propios dramas individuales, familiares o colectivos, mientras se encuentran atrapados en el silencio, impedidos de poder procesar sus conflictos. (Como preámbulo, en la secuencia inicial veremos un par de ciervos nervioso, mirando a todas partes, mientras los acechan unos cazadores ocultos entre los árboles. Muy cerca, un muchacho también parece esconderse de sus persecutores).

Personajes incomunicados, marcados por la incapacidad de verbalizar aquello que los aqueja. Un padre decide ir a su casa de campo con su hija y su novia, para escapar del recuerdo de la esposa fallecida. Una hija no puede hablar con su padre porque no encuentra las palabras y cuando las escucha, le suenan vacías, peroratas inútiles que no tranquilizan su dolor, su soledad. Una violinista encuentra un escape a su depresión en la familia de su novio y en el alcohol. Y de otro lado, un joven deambula por los bosques cercanos a su casa, intentando alejarse del alcoholismo de su madre y de la violencia de la pareja de esta.   

El plano quieto se concentra en los rostros, en las vistas del paisaje boscoso y sus cursos de agua —aprovechados por una pulida fotografía en tonos fríos. Los pausados desplazamientos de la cámara producen una conjunción casi orgánica entre las figuras humanas y la naturaleza, evocando una especie de distanciamiento físico y emocional, como si miráramos un ambiente lejano, aislado, propicio para el ensimismamiento, la reflexión o la evasión. Pero esa es una ilusión. Los personajes se encuentran entre sí —algunos— pero no se reconocen (como admisión del otro), o se escuchan sin creerse —o eso parece—, o simplemente no se dan importancia. 

En el desarrollo de estos dramas encerrados en la foresta, sus formas de resolución, o de término, están marcados por las divisiones sociales y los recursos de cada grupo familiar. Deliberado o no, el papel del padre (viudo) se posiciona como guía de la familia burguesa que intenta salir adelante, configurado en una especie de patriarca argumentativo que no se sabe bien si ayuda realmente a su hija y a la novia o no, pues los rostros de ellas, filmados en primeros planos, nunca dejan de mostrar cierta perplejidad, cierta incomprensión. Así, el duelo, la insatisfacción y el marasmo en el que transcurre la vida del trío padre-hija-novia, queda suspendido, frustrado en sus búsquedas (de felicidad, reconciliación), y cerrado en un discurso que propugna cierto egoísmo autocomplaciente, explicitado en la voz del padre viudo.

En contraste, la familia del joven, que viven de pequeños empleos y del propio bosque, encontrará la tragedia al final de sus conflictos. La palabra, fuera del insulto o el delirio, está ausente por lo general. (La excepción sería apenas, el trato diario con los clientes). Tampoco existe algún rol mediador, que intente tranquilizar sus angustias, sus problemas. La película nos muestra a esta familia envuelta en la violencia y el dolor que se ocasionan ellos mismos, con lo cual sus faltas, sus limitaciones —afectivas, cognitivas, materiales—, parecieran condenarlos desde el principio. La muerte aparece casi como una consecuencia inevitable: la muerte del esposo de la madre en manos del joven —cansado de los abusos—, y la muerte de este último atropellado por un grupo de otros jóvenes que regresan de un paseo.

En el registro de estas vidas fracturadas, dañadas, sobrevuela la visión de un mundo carente de sentido, sin un horizonte vital que lo pueda redimir. La belleza del ambiente y de las imágenes acoge a unos personajes que expresan sus crisis a través de largas contemplaciones, actos gratuitos o huidas desesperadas a ninguna parte. Su sobrevivencia, por comparación, parece depender de su posición en la estructura social. En la última secuencia de la película vemos como una familia se refugia de una lluvia o tormenta en su cómoda casa de campo, luego de un monólogo, poco persuasivo, del padre. Pero unos planos antes, dos cuerpos quedarán abandonados en el bosque.

Aquí el trailer.

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