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Pintura

‘TRABAJO ZUCIO’ en Arequipa

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Se inauguró en el ‘Museo Conteporóneo de Arequipa’ (MAC) la colectiva itinerante conformada  por diecisiete artistas plásticos, de amplia trayectoria nacional como internacional, miembros del Colectivo Interdisciplianrio ‘TRABAJO ZUCIO’, dichos artistas se confrontan a traves de sus propuestas, sus acercamientos con la poesía peruana vanguardista, además de presentar su perspectiva  personal  que dió inicio al proceso conceptual y creativo para la elaboración de sus proyectos, la cual nos dispone a visualizar una vertiente original en la que se reitera y se reinvindica un legado de poesía y pensamiento siempre signado con el ritmo de las trasformaciones.

Trabajo Zucio

Expositores:

Angélica NEYRA / Elizabeth HUAMANCHUMO / Patricia LIMON / Edison LIZARASO / Miguel MIRANDA / Carlos VALDEZ / Jose Luis CARRION /   Iván HUERTO / Jorge VELA / Jamir JOHANSON / Enrique BARRETO / Persi NARVAEZ /  Miguel VELIT   /  Vladimir RAMOS / Alejandro ROMANI/ INVITADOS:  Emilio SANTISTEBAN / Vito LOLI

MAC
 

En el terreno artístico, la vanguardia es la primera línea de creación, la renovación coherente y radical en las formas y contenidos para el tiempo mismo. La poesía de vanguardia Peruana entre 1916-1930 estuvo signada por devenires políticos, sociales y culturales que marcaron la historia de la vida Republicana, sus radicales representantes : César Vallejo, Martín Adán, Carlos Oquendo de Amat, César Moro, Magda Portal, Alberto Hidalgo, Jose María Eguren.
trabajo zucio

La muestra se presenta hasta   el 28 de diciembre  de  2009, en el horario de lunes a viernes de 11:00 horas a 19:00 horas.
 Ingreso libre.
Inauguración

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Cultura

Stefano Bermellón inaugura hoy su muestra “Iconos”

La Galería José Antonio, en Barranco, se complace en presentar a partir del 08 de abril de 2021 la exposición individual “Iconos” del artista visual Stefano Bermellón.

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Las obras de Bermellón en su primera muestra individual Innuendo se basaron en el figurativo que transitó en un realismo fotográfico. En su segunda individual Pigmalión, Bermellón representó su vivir, en lo introspectivo y en lo exterior, con un desenlace más calmo y sosegado, basándose en mitologías, crónicas, leyendas, e historias épicas y cotidianas.

En 2020 realizó su tercera individual Glamour con pinturas figurativas intervenidas con ligeras improvisaciones de abstracto colorido, donde la fluidez del chorreado y salpicado resaltaron la contundencia de los colores pasteles, que confluyeron con rosados y con la excentricidad del Glam.

Cabe mencionar, que Glamour fue la primera exposición de arte realizada de forma presencial en Perú, luego de varios meses de confinamiento durante la pandemia.

En esta ocasión, Bermellón inaugura su cuarta muestra individual Iconos, con figurativos en formato grande, cuyos retratos pertenecen a los personajes más icónicos del mundo de la música, el cine, el fútbol y la moda.

Stefano Bermellón.

Aquellos Iconos jamás prescindieron de esa atracción natural que desde un principio fascinó a todos los mortales del orbe. Asimismo, en esta nueva aventura pictórica, Bermellón recurrió a la técnica de la mancha y a ligeros visos de empaste para cerrar el concepto de la muestra icónica.   

La vernissage será el jueves 08 de abril a las 6.00 pm. en la Galería José Antonio (Jirón Batalla de Junín 114 Malecón-Barranco-Lima) y permanecerá abierta hasta el sábado 24 de abril de 2021.

Brindis de honor gracias a vinos OCUCAJE en su serie de tintos.

La Galería José Antonio cumple con todos los protocolos de bioseguridad y el ingreso a la sala de exposición será monitoreado.

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Cultura

Recreando las tendencias

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¿Nos puede atraer aquello que nos atemoriza? Por ejemplo, ese miedo a la oscuridad de la que huimos y buscamos sin siquiera desearlo o los abismos que avistamos desde un acantilado hasta perdernos en su distancia o por último, el miedo al mar que no permite que nos acerquemos ni siquiera a sus orillas y sin embargo anhelamos descubrir sus misterios y abarcar el horizonte infinito de sus aguas.

El artista plástico César Augusto Cirilo Quintana (Lima 1963) , egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes en 1969, vive esta experiencia singular de un modo podríamos decir, creativo, pues el respeto que le tiene al mar, según palabras textuales, no fue óbice para dejar de recrearlo de diferentes maneras, especialmente representando algunos de sus habitantes como caballitos de mar, peces, caracoles.

Para ejecutar su trabajo se acerca a las diversas tendencias que le conmovieron desde los años de estudiante como el surrealismo y a veces el abstraccionismo, pero no repitiendo formas y estilos de manera copista, sino más bien confiriéndole un sello particular y convirtiendo su arte en una nueva creación hasta que aparezca como un rompecabezas.

El artista realizó exposiciones individuales y colectivas en diversas galerías del Perú y del extranjero aunque nunca viajó a esas localidades. Obtuvo Menciones de Honor como  en el IV Concurso de Artistas Jóvenes Southern Perú ICPNA de Arequipa y la Primera Mención de Honor en la Escuela de Bellas Artes del Perú en 1989.

El Máximo galardón lo recibió el 2017 en el “Segundo Salón internacional de Pintura” del Ms Art Gallery de Los Angeles, California, USA, que lo distinguió con el Primer Premio.

Actualmente está realizando su primera presentación virtual, esta vez invitado por la pintora Mirtha Becerra. Lima Gris conversó con el artista limeño para conocer su trabajo creativo, sus motivaciones, técnicas y elementos que emplea.

Su estilo es muy original y combina cubismo, abstraccionismo y surrealismo, ¿inicialmente cuál de estas corrientes lo atrajo? 

Desde estudiante de Bellas Artes siempre me atrajo el Surrealismo y en menos intensidad el Abstracto . El Surrealismo por su  libertad creativa del inconsciente, de fantasía y de lo onírico… y el arte Abstracto por lo no figurativo, por la creación de formas  y colores y asi también por su total libertad de expresión.

Una manera de expresión es convirtiendo sus cuadros en rompecabezas ¿Tuvo esa afición alguna vez?

Bueno desde muy niño ya dibujaba y coloreaba con lo que tenia a la mano y así también armaba y creaba mis propios juguete con restos de cartón, papeles, alambres, maderas y restos de juguetes y de materiales que ya no servían, tal vez ahí la relación  de armar y componer mis personajes en mis obras.

Encuentro ciertas reminiscencias precolombinas en sus pinturas, un acercamiento a los vicus o ichmas . Le atraen las formas  prehispánicas , ¿quizá sus colores también? 

Desde época escolar me atrajo el estudio de la Historia del Perú y la Universal y especialmente dibujar, pintar y también moldear  en arcilla las cerámicas de las diferentes Culturas Prehispánicas. Ya de egresado de Bellas Artes ha influido mucho los colores  y formas de culturas como Nazca , Paracas , Moche , Chancay , pero llevándolo a un estilo personal .

Su acercamiento al universo marino se da principalmente en esos alucinantes caracoles, ¿de que otra manera lo hace? ¿El mar es un fundamento esencial de su creatividad?

El mar es el origen de la vida y mis obras tienen mucho que ver con restos marinos y ancestrales y que van aflorando de una  forma subconsciente en mis bocetos y dibujos que luego lo llevo al lienzo. Me siento atraído por formas y restos marinos pero anecdóticamente sucede que no me gusta el mar, no voy a la playa, le tengo temor y respeto al mar.

¿Qué importancia tiene la luz en su trabajo artístico?¿Las sombras no le ayudan?¿Alguna vez ha pintado paisajes nocturnos con la luz de la luna?

Primeramente siempre pinto de mañana y tarde con la luz natural, nunca de noche. La luz destaca en mis pinturas, normalmente mis imágenes están iluminadas y así su propia sombra. Mis imágenes transitan entre lo pétreo , aéreo y marino y así mismo en un espacio o ambiente de día, noche o un amanecer .

¿Es la primera vez que expone virtualmente? ¿se siente cómodo? ¿proyecta hacerlo de nuevo?

Si es primera vez que expongo virtualmente y si es una forma de mantenerse activamente exhibiendo nuestras obras  y así se pueda apreciar personalmente el color y especialmente las texturas y por qué no el olor de las propias pinturas.

¿Qué materiales utiliza en sus trabajos? ¿todos son de origen químico? ¿nunca utilizó resinas u otro elemento natural? le pregunto porque me da la impresión de que se siente comprometido con el medio ambiente.

Todos los materiales que uso son de origen químico como los oleos y la pasta acrílica que uso para modelar con espátulas  las diversas texturas en mis obras y es que también estudié 2 años de Escultura y 2 años de Cerámica en Bellas Artes las cuales también influyeron en mis pinturas  y respecto al Medio Ambiente desde niños debemos de aprender a   cuidar y proteger el mundo en que vivimos, la Tierra es nuestro único hogar .

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Cultura

Escándalo: Ministerio de Cultura no quiso premiar al gran pintor Enrique Galdos Rivas

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El gobierno no le pudo favorecer con los “Estímulos Económicos” al gran pintor Enrique Galdos Rivas con  60 años de carrera, más de cien individuales en los cinco continentes, premio de oro de su promoción bellasartina, Personalidad Meritoria de la Cultura por Ministerio de Cultura (2018) y más de cien premios y reconocimientos en el mundo entero y que, con 87 años de vida, quería despedirse enseñando a los jóvenes y entregando su casa como un museo. No, no pudo. El ministerio de Cultura no quiso. Pero, oh miseria humana, ese mismo ministerio premió a Mayra Couto para tener su programa propio de televisión y cuyos primeros capítulos son: “Mi cuerpa, mis reglas” y “Puedes hacer lo que sea, lo que quieras, lo que te motive”. 75 mil soles derrochados al estilo Richard Swing cuando faltan plantas de oxígeno y nuestro pueblo desesperado y sin empleo, se muere por no tener camas UCI. Y esto no es un meme, señores, esto es el Perú.

Lima Gris accedió a la “ficha de apoyo” que el pintor Enrique Galdos Rivas (EGR) presentó, hace unos meses, al Ministerio de Cultura. Haciendo un análisis somero, encontramos que EGR no solo presentó un excelente proyecto para enseñar y transmitir sus conocimientos a jóvenes en todo el país y de los cuáles los beneficiados directamente iban a ser diez mil (10000), sino que este proyecto es inclusivo y se iba a dar también en lenguaje quechua y en lenguaje de señas para los que tuvieran problemas auditivos u otra discapacidad. Cabe anotar, también, que esta ficha fue observada por técnicos del Ministerio de Cultura y esas observaciones fueran subsanadas con creces y en los plazos convenidos.  

Hay  que apuntar que una de las personas encargadas de dar vida a este programa es Martha Galdos Cabanillas, hija del pintor, cantante y especialista en proyectos y otros, como lo ha demostrado ganando importantes postulaciones culturales en Brasil, país donde la competitividad y las exigencias son mayores que en el nuestro por lo que todo el entorno cercano de este gran artista han quedado sorprendidos ante la negativa del gobierno.

FICHA TÉCNICA PARA SOLICITAR “ESTÍMULOS ECONOMICOS” DEL MINCUL PRESENTADO POR EL PINTOR ENRIQUE GALDOS RIVAS

SECCIÓN A: DATOS GENERALES

X Artes escénicas, visuales, musicales

SECCIÓN A2: PERSONA NATURAL EN REPRESENTACIÓN DE COLECTIVOS

(…)

Considerado uno de los máximos representantes del arte contemporáneo en Perú y América Latina, el maestro Galdos Rivas es conocido como “el mago del color”, posee 68 años de carrera y 87 años cumplidos. Entre las innumerables distinciones recibidas, se encuentra su nombramiento como Personalidad Meritoria de la Cultura por Ministerio de Cultura (2018).

Hacia los años 50, en la ENSABAP había un espíritu de crítica, donde las disputas entre movimientos artísticos procedentes de las vanguardias modernistas y posturas en relación a su compromiso social y cultural con el país estaban a flor de piel y eso, implicaba una toma de posición y, por tanto, una labor de búsqueda desde lo propio. Enrique Galdos Rivas es producto de aquella famosa Generación 59 (Alberto Basurto, Milner Cajahuaringa, Gerardo Chávez, Enrique Galdos Rivas, Alberto Quintanila, Oswaldo Sagástegui y Tilsa Tsuchiya), un hito no superado en la historia del arte peruano debido al grado de competitividad altísima ya que todos proponían un lenguaje particular de simbiosis, síntesis e integración cultural.

Juan Peralta, crítico de arte y curador de la muestra realizada en la Asociación Peruano Japonesa en 2018, señala: “El compromiso asumido por Galdos Rivas ha sido contundente y se mantiene hasta nuestros días. Esto lo podemos rescatar en cada uno de sus trabajos que ofrecen su mirada particular de asumir su labor como artista y/o agente cultural, en una situación de diálogo con la cultura peruana y lo ancestral, desde una perspectiva lúdica y de síntesis (culturas prehispánicas como pueden ser desde elementos como obeliscos, hasta las formas más complejas como los textiles y otras más actuales, en las podemos incluir los desnudos, bodegones, etc.), consecuencia de un trabajo de trayectoria continua y a contracorriente respecto a modas impuestas por el medio artístico internacional y local, proponiendo siempre la validez y vigencia de la identidad”.

ANTECEDENTES Y TRAYECTORIA DE LA ORGANIZACIÓN, COLECTIVO O PERSONA NATURAL SOLICITANTE

Describe respondiendo a las siguientes preguntas: ¿Hace cuántos años la organización se dedica a la actividad cultural? Es importante que la trayectoria incluya actividades culturales realizadas entre 16 marzo de 2019 y 16 de marzo 2020.

¿Ha recibido algún reconocimiento o premio? ¿Cuáles son las actividades más importantes que ha realizado la organización en años anteriores o que viene realizando actualmente? (4000)

El colectivo, viene actuando de forma auto gestionada hace más de 10 años con participación de Martha Galdos, comunicadora, gestora cultural, cantautora, encargada de las exhibiciones y el acervo, así como de Blanca Galdos, trabajadora social, coach ontológico, cantante, quien apoya en labores administrativas. Ambas, hijas del artista. El colectivo ha conducido su participación en bienales como la de Beijing (2010- 2017), Buenos Aires (2014), Guadalajara (2011), entre otros. Así como exhibiciones en Museo de Arte de San Marcos (2012), Asociación Peruano Japonesa (2018), ICPNA Miraflores (2020). El artista ha sido convocado a exponer en Argentina e India en 2021.

Durante enero-febrero 2020, el artista realizó en el ICPNA Miraflores, “Color, luz y fantasía” ENRIQUE GALDOS RIVAS: 100 obras, exposición de máxima convocatoria, cuya curaduría la llevó a cabo Nanda Leonardini. Solamente la inauguración convocó 800 personas, entre seguidores, formadores de opinión, nuevos públicos peruanos y extranjeros, destacándose la presencia de jóvenes y estudiantes quienes apreciaron el despliegue de la vasta y significativa obra pictórica del artista, además, pocas veces visto en una sala limeña. Asimismo, generó portada y amplia cobertura en diarios como El Comercio, entre otros medios. La exposición generó un libro catálogo en físico.

En palabras de Diana Quiroz, El Comercio, 6/1/2020 “Esta muestra nos sirve de pretexto para conocer al hombre que se impuso un año como tiempo límite para demostrarse a sí mismo que podía llegar a ser un pintor con todas sus letras. Docente de la Escuela Nacional de Bellas Artes durante más de dos décadas, con más de 100 exposiciones en su haber y más de 2000 obras creadas, Galdos se remonta al pasado para hablarnos, siempre divertido, de cómo el destino se encargó de hacer del arte su forma de vida”

Nanda Leonardini, curadora de la exposición señala: Aquella teoría que especula que su obra transita entre lo abstracto y lo figurativo, es rechazada por él, pues en sus lienzos siempre está presente, a veces con sutilezas imperceptibles, alguna figura (…) como se ha señalado y se repite en la mayoría de los escritos relativos a él, el mundo del Perú antiguo lo ha percibido a través de una iconografía examinada por largas horas y, por qué no años, en los museos nacionales para descubrir el toque especial que cada cultura ha impregnado en sus diseños.

Ha recibido más de 30 distinciones, entre ellas Personalidad Meritoria de la Cultura del Ministerio de Cultura (2018), Premio Gaviota de Plata AFP Prima (2018), Mención Honrosa VII Bienal de São Paulo (1965), Premio Municipalidad de Lima y el Premio Nacional Ignacio Merino (1960), I Premio Gulf & South American Steamship Co. (1966); I Premio Salón Sesquicentenario (1971).

En su haber figuran innúmeras exhibiciones tanto individual como colectivamente, en Perú, América, Europa y Asia. Ha representado al Perú en la Bienal de la Juventud de Paris (I, II y IV) (1959-61-65), en la VI, VII VIII Bienal de Sao Paulo-Brasil (1961-63-65), V Salón de Valencia-España (1963), II Bienal Americana de Arte, Córdoba-Argentina (1964), I Bienal de Quito-Ecuador (1968), Premio Codex, Buenos Aires-Argentina (1972), II y III Bienal de Grabado, Puerto Rico (1972-74), I Bienal Internacional de Trujillo-Perú (1983), Premio Cristóbal Colon, Madrid (1984), CXLVI Salón Valentino, Turin-Italia (1988), Bienal de Livorno, Italia (1992), Artexpo International, Nueva York (2000), Latin American Fine Art, La Haya-Holanda (2005) y en la Bienal de Beijing, China (2010 y 2017).

No cabe duda, que el Ministerio de Cultura se encuentra a la deriva. Lo lamentable es que se rechace una proyecto de gran valor cultural del maestro Enrique Galdos Rivas. Pero la realidad es que en la actualidad el MINCUL se encuentra sumergido en el pantano de la mediocridad.

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Arte

Las acuarelas virtuales de Zeballos

Juan Carlos Zeballos, un artista peruano que radica en Francia. Aquí la entrevista.

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Entre 1954 y 1955, los diarios El Comercio y La Prensa de Lima, los más prestigiosos en aquella época, fueron escenario de una ilustrada polémica sobre una nueva corriente que se iba apoderando del espacio artístico peruano, al menos en la capital.

Este denominado “Arte abstracto” nació en los inicios del siglo XX bajo el ojo avizor de la austriaca Helma af Klimt, quién en 1906 hizo representaciones visuales de ideas espirituales complejas y formas geométricas, algo nuevo y revolucionario que inmediatamente fue seguido por Kandinsky con acuarelas abstractas.

Este nuevo concepto atrajo a un joven Ricardo Grau quién lo fue imponiendo en el medio limeño y dando a conocer a sus jóvenes alumnos cuando asumió la dirección de la Escuela de Bellas Artes.

La polémica que menciono, se suscitó pues existía aún muy fuerte la influencia del Indigenismo y no se concebía un arte fuera de estos parámetros. En aquellas “discusiones de papel” intervinieron profesionales como Sebastián Salazar Bondy ( el mayor crítico de esta corriente), Luis Miró Quesada Garland, el filósofo Francisco Miró Quesada, el pintor y etnólogo Emilio Mendizábal Lózack, el periodista Edgardo Pérez Luna, los pintores Fernando de Zsyzslo, Carlos Aitor Castillo, Jorge Piqueras y otros.

Una continua transmutación

Pero, la última voz la tuvieron los artistas y el arte abstracto con sus múltiples variaciones, se fue haciendo parte del mundo de la paleta nacional, sobre todo en lo decorativo sin que esto significara una frivolidad.

El arequipeño Juan Carlos Zeballos Moscaero, es uno de sus más entusiastas seguidores y lo hace con tanta pasión que obtuvo el Primer Premio del 75 Salón de Arte Contemporáneo ARAMI, en la feria realizada en la ciudad de Ermont.

 Sus obras se encuentran en libros de acuarela y pintura contemporánea en Perú, América Latina y Europa. También figura en el diccionario biográfico de artistas visuales en Francia ARTFABETEC.

El artista nacido en Arequipa en 1976, es egresado de la universidad de San Agustín y reside en Francia desde el 2014.

Con motivo de las restricciones de la pandemia, decidió exponer de manera virtual una selecta selección de acuarelas con el título que revela los cambios de sus trabajos (y al parecer de la modalidad de exponer): TRASMUTACIONES/TRASMUTACION CREPUSCULAR.

Esta abstracta exposición será en la Galería “Yvonne Sanguinetti” y estará abierta a partir del 11 de febrero hasta el 6 de marzo. Este es el enlace para acercarnos a la muestra sideral: http://yvonnesanguinetigaleria.com/

Lima Gris, sostuvo una amena charla virtual con el artista, que compartimos para conocer su interesante trayectoria.

El arte que usted practica es esencialmente abstracto, sin embargo hay divergencias respecto a esta Escuela pues se dice que solamente llegan a ella quienes no han logrado desarrollar otras especialidades como el figurativismo, realismo, surrealismo, neo clasicismo, cubismo, etc. ¿Qué piensa al respecto?

Recurrimos a la abstracción para cada una de nuestras actividades mentales, incluso desde las primeras manifestaciones del ser humano, entonces ¿por qué no buscar nuevos discursos plásticos como sucedió desde inicios del pasado siglo’. Considero que solo era cuestión de tiempo y formalizar el discurso para una corriente que más allá de especulaciones y criticas, sigue vigente entre las demás corrientes del modernismo. Ha pasado más de un siglo desde sus primeros manifiestos que asentaron sus bases y que celebramos en  las primeras obras abstractas fechadas (Gabriele Münter, Hilma af Klimt), incluso en los ya reconocidos fundadores de la abstracción.

Los artistas abstractos conocieron bien la realidad e historia del arte, tuvieron grandes etapas en sus propuestas y su inconformidad e investigaciones los llevaron a múltiples variaciones. Existen miles de testimonios, lo podemos ver en la obra de los Maestros. Para abstraer no basta la necesidad de  conocer bien la realidad, experimentarla y pasar por un largo proceso de formación  académica o autodidacta, es una búsqueda personal, permanente del inconsciente y en las emociones. Es una opción libre que podemos elegir, una toma de riesgos donde el resultado no será una casualidad sino la sumatoria de todo lo vivido.

sdr

¿Qué tendencias existían en Arequipa en la época en que empezó a desarrollar su vocación artística? ¿Cuál practicaba usted?

Estudié en la escuela de artes de la UNSA entre 1995 y el 2000, disfruté de una formación académica competitiva y amalgamada de experiencias artísticas ya que en su mayoría mis maestros eran artistas reconocidos a nivel nacional por sus  exposiciones y la infinidad de premios que obtenían cada ano en los diversos concursos nacionales de pintura. Crecí admirando su maestría en la interpretación del realismo que hacían.

La pintura en Arequipa conservaba ese romanticismo, pero con ciertas propuestas al expresionismo, fauvismo y realismo fotográfico. Tenía en ellos y  frente a mí la mejor pinacoteca de acuarela que pudiera imaginar, el paisaje infinito de la ciudad que hasta hoy se sigue plasmando pero que no estaría dispuesto a seguir .mi obra fue realista esos años, tuve la opción y confianza por parte de mis maestros de la escuela de  poder especular en mi búsqueda y seguir otros estilos al inicio seguí el impresionismo por el trajo en taller y de campo q hacíamos pero siempre  me incline por lo urbano. Hice una tesis sobre ‘paisaje urbano nocturnos y diurnos para  graduarme y mi obra se inclinó por un expresionismo  para esos años hasta mis viajes y estudios en Brasil (a partir del 2001).

La acuarela tiene múltiples usos y siempre resulta agradable el resultado. ¿Cree que con la tendencia abstracta se puede lograr lo mismo? ¿No sería mejor hacer por ejemplo, paisajes?

Claro que sí, la acuarela permite abordar cualquier tema desde lo formal hasta lo abstracto, pese a que muchos buscan la prolijidad y precisión en la técnica, mostrar su extremo dominio, pero el  artista puede dar rienda suelta a su capacidad de ejecución, imaginación, arriesgándose ante cualquier  resultado.

Es así que la acuarela ha cobrado vital importancia en su uso para la creación de obras de arte ,el poder del agua y el color es superlativo en su definición fugaz o complejidad desde su ejecución hasta el resultado solo traducido por el mismo.

Radica en París desde el 2014. ¿Lo hizo para seguir la tradición de que un artista solo se logra si llega a la Ciudad Luz? Compruebo que los premios y distinciones los obtiene a partir de su convivencia parisina. ¿Sin este viaje cree que también lo hubiera logrado?

Fui  organizándome a medida que pasaron los años desde mi llegada: las invitaciones para exposiciones personales, colectivas, ferias  y salones se me presentaron y las aproveché. Mi obra fue mi única carta de presentación, sabía  bien que el currículo que traía de Perú no iba marcar alguna diferencia aquí terminé la escuela de artes entre los primeros de mi promoción. Gané mis primeros premios a nivel nacional e internacional desde el año 2000 hasta antes de dejar Perú con una obra realista, expresionista y expresionista abstracta (premio de pintura Pro unámonos, Michell y cia, Jhon Constable, Icpna, Cerro Verde, 50 años de la escuela de Artes Carlos Baca Flor. Fui merecedor de la medalla de la ciudad de Arequipa, medalla de la ciudad de Taubate en Sp, Brésil, Bienal de Pintura Raul Soldi en buenos aire, bienal de pintura de Álvaro Novoa en Guayaquil, Bienal de acuarela Viña del Mar, premio internacional Francisco de Zurbarán en España, entre otros.

El 2014 llegué a Francia siendo el único finalista  latinoamericano para participar en 2 bienales intenacionales de acuarela (la bienal de Narbonne y la Bienal de Arcachon), ese mismo año tenía mi primera muestra individual en Paris y luego continúe con nuevas exposiciones personales, colectivas, festivales y los salones de arte. Fue así que decidí comenzar nuevamente de cero, instalarme en esta ciudad de ensueño, vertiginosa y maravillosamente  inspiradora que aun continua sorprendiéndome, reconociendo un camino que no permitiría dar marcha atrás. Desde entonces continuo mi propia señal ética, preparo cada exposición diferente a la anterior para Europa, Asia o América, mis proyectos inspirados en la misma ciudad, donde no hay temor al límite, la bidimencionalidad o tridimencionalidad y los materiales o técnicas que utilicé. Sobre la tradición nunca la considere, sin duda es inimaginable la historia que uno encuentra y sabe que vivieron miles de artistas y dejaron de ejemplo viviente y que ahora se lleva sobre los hombros (una razón más para no desistir).

Me  fui preparando desde chico para lo que sería continuar mi vocación desde donde este, fue en París (que siento me eligió). Existe una infinidad de opciones y una crítica favorable por mi obra. Pudo ser otra ciudad o regresar al Perú, pero sin duda hubiese continuado como el primer día, sin avanzar.

Vayamos al tema de sus trabajos: capturar la luz -como los impresionistas- para manifestar sus sensaciones sobre el entorno urbano. Solamente lo puede logar en París? ¿Qué ha recogido del Perú?

Asumo la pintura en  relación a mi descontenta exploración  estética, el desencanto ante la figuración clásica  y la disolución del motivo anecdotico. La exaltación del color y su dosificación, el alto contraste, la sobrexposición, la simplicidad de la mancha, la espontaneidad del gesto, recurrir al recuerdo, a la emoción a sensaciones y experiencias lo dicen todo… no he renunciado a mi narrativa, a la observación diaria, a la fuerza instintiva  donde parecen surgir presencias, masas, ciudades, códigos urbanos, otras realidades quizá por descubrir .

La luz siempre estará  presente en mi obra porque su trasmutación comenzó en mi interior desde mis estudios y continua, no es el lugar, se trata de uno mismo. Europa reforzó este cambio y estoy convencido que toda evolución obedece a la búsqueda y al cambio.

Conservo  mis raíces, no hui de nuestro país ,ni ha disminuido mi amor y orgullo por el suelo patrio pues en cada obra que empiezo y culmino hay un  retazo del Perú, mi entorno, nuestra  historia, la tradición y folclore,  la enseñanza que recibí de mis maestros. Tengo la responsabilidad de continuar con su legado y estoy comprometido con lo aprendido en Perú.

Con la pandemia, los sentimientos, emociones y visiones se han transformado. ¿Cómo los puede traducir usted en sus trabajos?

Esta cuarentena surrealista nos ha empujado a una creatividad y reinvención absoluta donde nuestra libertad y el poder cultural nos ayudará a reconstruir una sociedad con nuevas oportunidades. El arte ha vuelto a su génesis y a todos nosotros al mismo punto de partida. Ahora dependerá de quiénes quieran aceptarlo para continuar con su pasión o permanezcan tal como los encontró la pandemia. Fortalecer sueños y luchas personales será la clave para continuar este proceso. Personalmente pienso que se vive en una cuarentena perpetua para la creación. Si hay un después, reencontrarnos a sí mismos, liberarnos de convenciones, el arte seguirá generando oportunidades de desarrollo en lo emocional, social, económico, oportunidades para uno mismo o colectivos. Pude trabajar una serie de pinturas de pequeño y mediano formato durante ese periodo (por estos años inimaginable por la concepción de mi obra), pero que me dio resultados y pude llegar a otros mercados, ahora será una práctica constante. Luego del confinamiento comencé una nueva serie de pinturas  con todos los materiales que reciclé en atelier e ilustro mi diario y las historias que describía como un tácito observador  por esos meses a manera de  crónicas y que planeo publicar este 2021 por nuestro aniversario patrio.

Me parece que es la primera exposición virtual que realiza. Se podrán apreciar los colores y formas de sus trabajos con la misma nitidez y subjetividad? ¿Cuánto se gana y cuánto se pierde?

Es mi  primera exposición individual con la Galería Yvonne Sanguineti que hago y con la que inicio este nuevo año. El 2020  continúe exponiendo mi obra e interactuando en exposiciones colectivas en Francia, América y Asia virtualmente  (muchas exposiciones fueron anuladas y otras continuaron a través de las redes, en su mayoría se  cambiaron las  fechas  para su reinicio a mediados de este año hasta el 2022). Mi obra continuará  su derrotero  desde otras plataformas hasta volver a la normalidad.

No es posible superar el encuentro físico de obra artística y público. Estar frente a ella en aquel territorio de complicidades y alquimias, pero es el riesgo que asumimos ante  esta modernidad y muchas de las banalizaciones que ofrece el sistema. el  color es emoción y se puede transmitir también a través de una pantalla, lo gestual evoca imaginar  texturas y formas, el discurso del artista, y finalmente será nuestra imaginación y la sensibilidad de cada uno lo que defina que esta frente a nosotros.

Sin  duda es más lo ganado al consumir ,compartir y aprender mediante esta globalización de los medios, es lo que tenemos y tomamos en esta sobrevivencia. La  cultura es clave y la mejor herramienta para construir un mundo mas justo y desarrollarnos mejor.

¿A qué artistas contemporáneos admira en París?

Conocí del arte mundial desde niño mediante  libros, revistas que mi madre coleccionaba y series  que hablaban de la vida y peripecias  de los artistas. No era solo coincidencia que se establecieron aquí y otros en New York, vivieron por el arte y para el arte  y comencé a  seguirlos desde los clásicos  hasta aquellos  comprometidos y transgresores  en las corrientes modernas y postmodernas. Me emociono y conmuevo ante sus testimonios, al recorrer los museos que me sean accesibles (Desde un Giotto hasta una instalación de cualquier artista de la  Young Brittish Artist), soy pintor y seguiré  su romanticismo y con pasión a aquellos que lo dieron todo por la pintura. Nombres de quienes  admiro son muchos, aprendí y aprendo aún de ellos; pero sin dudar  serian también  los artistas peruanos que llegaron aquí para preparar la ruta que seguiríamos, algunos  por poco tiempo, otros toda una  vida, y que aún persisten; mi homenaje a  los que continúan aquí y aquellos  que ya partieron dejándonos  su obra inmortal: Guzman, Braun, Sanchez, Piqueras. Arequipa y el Perú,  la nostalgia perpetua por mis maestros y su arte milenario y todos los hombres que construyeron nuestra cultura y luego  nuestros procesos  de asimilación a esta modernidad.

Ya desde Europa y en este país Francia se sabía que desde sus inicios el arte  moderno suscitó  trágicos finales pero que una vez asimilado otra sería nuestra historia. Es inevitable no ser influenciado por este arte europeo y las objeciones y tentaciones culturales que te ofrece París, un ejercicio diario y de riesgos. Entre seguidores creo tener artistas  comprometidos con la pintura y las historias de América Latina, conservando solo sus recuerdos y transmutados en emociones a ellos podrían comprender una odisea.

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Cultura

Olfer y su arte para mostrar justicia por luchadores sociales

Un destacado artista peruano que pretende grabar hechos históricos de nuestro país a través de sus obras a gran escala.

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Su nombre es Olfer Leonardo Fernández. Escultor egresado de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú en 2016. Durante su trayectoria como artista descubrió su pasión por el muralismo, huecograbado, esgrafiado, entre otras artes que demuestran su pasión por exhibir la identidad peruana.

Desde muy pequeño se sumergió en el arte. Su dote artístico lo descubrió mientras dibujaba algunas de las obras de sus padres. Al igual que Olfer, ellos también se formaron como artistas en la misma escuela y en sus creaciones artísticas se asoma una mirada profunda sobre temas sociales, culturales y políticos.

Tuvo la oportunidad de viajar a otros países que le permitieron mejorar sus técnicas e implementar nuevas, como en Argentina, donde descubrió el esgrafiado; Chile, lugar donde se interesó por las técnicas de mosaico. Fue así como se abrió a un mundo más amplio del arte, tomando muchos más talleres de especialización.

Pasión por el muralismo

El apasionado artista encontró en el muralismo una fórmula perfecta para dar a conocer su expresión, al ser un espacio a gran escala, cualquiera que pase por ese lugar se percatará de su obra, creando en ellos un sentimiento reflexivo para valorar  las maravillas del país.

Olfer describe a su arte como algo realista y de mucho color, en los cuales suele enfatizar mucho en las expresiones físicas, y siempre ligado con temas históricos. Sus creaciones toman forma en las personas, ambulantes, calles, niños, etc.: para él la inspiración es un rumbo de vida.

Encuentra en el Perú una cultura milenaria para crear arte. Una referencia clara para él son los huacos y monumentos de piedra, que se encuentran en nuestras diversas culturas, la cerámica y la textilería coloridos en pueblos como Ancash, Piura, Arequipa, entre otros lugares que cuentan con una identidad cultural marcada.


Mural “Puka Picante”, obra de Olfer Leonardo y Bridguith Valverde, en coordinación con la Asociación Cultural Retama, auspiciado por la Municipalidad Provincial de San Juan Bautista- Ayacucho.

Digitalizando las obras de Olfer

Hoy el artista y muralista presenta algunas de sus obras con la técnica linóleo en la primera galería virtual de arte en el Perú, Artplace, plataforma que invita a los artistas a exhibir sus obras de manera digital.

Obra “Lautaro”, realizada por Olfer Leonardo, grabado sobre papel opalina, y tinta tipográfica con técnica linóleo.

En esta galería online, encontrarán alrededor de 10 creaciones de Olfer, donde se evidencia su gusto por las expresiones físicas de las personas y referencias culturales de nuestro país.

El artista señala que Artplace es una vitrina fundamental para que muchos artistas muestren su arte, pues consciente de la digitalización en la que nos encontramos, es justo contar este tipo de espacios virtuales que suman con la proyección de las creaciones artísticas.

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Cultura

Cabalgando sobre el arco iris

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Un artista juninense comparte su vocación por el óleo y el lienzo con la fotografía y con esa inclinación, ha capturado  los asombrosos paisajes de su natal Junín así la Cordillera de Huaytapallana  como sus numerosos lagos.

El verano serrano es contradictorio y mágico. Sol y verdor por todas partes y lluvias intermitentes que a veces se transforman en verdaderos chubascos o huaicos. Esos cataclismos pluviosos que arrasan pueblos y destruyen caminos, son terribles. Pese a ello, hay personas que se embriagan con estas muestras de la naturaleza, pasando por alto sus excesos.

Uno de estos raros personajes es un artista plástico y además fotógrafo. Este personaje, Elio Munzón Zevallos Meza, es tan especial como los nombres que le pusieron cuando nació en la provincia de Osores en 1976.

El año pasado estuvo por la selva de Satipo en busca de paisajes y soledades  y allí se topó con un huaico ya casi cerca de Huancayo. Es que esa extraña afición por la fotografía y la pintura no logran retenerlo y cuando quiere estar en el campo, que como confiesa, es una manera de sentirse libre, busca fotografiar aquellas montañas de la cordillera del Huaytapallana o el histórico lago de Chinchaycocha, hasta sentir de nuevo el anhelo de retornar a casa y encerrarse en su taller para pintar.

Pinceles del pasado

En esta larga cuarentena, con la muerte que nos hace muecas desde todos los rincones, las vivencias son  la mejor compañera para paliar las melancolías y qué mejor que irse a vivir al campo como lo hace el artista yendo a esa encantadora estancia familiar de Osores. Su geografía construida a 4,105 mts SNM en una pampa azotada por vientos helados y vestida con el eterno ichu, alberga los poblados de Rimaycancha y Pedro de Pan, que se unen en los festejos de San Juan, los 24 de junio. A Elio, estos parajes le sirven de inspiración para seguir pintando y continuar fotografiando estos paisajes de puna y lluvia.

Elio recuerda con nostalgia aquellos tiempos en que con los amigos recorría las pampas de Junín, escenario de una de las batallas que selló la independencia americana. Pero al dejar de frecuentar a esos compañeros, decidió perpetuar los paisajes a través de la cámara, que aprendió a utilizar por afición y con ayuda de profesionales.

Por la ausencia de nombres reconocidos, como lo fueron un Chambi en Cusco, Vargas en Arequipa o Courret en Lima, no tenemos un registro de la vida social y política de Junín, a excepción de Sebastián Rodríguez, quien en 1938 logró algunas placas. Y de Teodoro Boullón Salazar (1885-1960) que recogió con su cámara la vida social de Jauja.

Esta ausencia es el motivo por el que decidió el artista Zevallos preparar una edición que en breve presentará en Junín y en Lima, titulada “Junín, colores de Libertad”. “La hice sin auspicios porque si alguno quiere apoyar condiciona el contenido, y prefiero trabajar solo”, contó al diario El Peruano.

De la foto al lienzo

Elio Zevallos se formó como artista plástico en la Escuela Superior de Formación Artística Pública San Pedro de Cajas (ESFAP). “Mi técnica es variada y pinto en acrílico, esmalte, mixto, óleo sobre lienzo. Últimamente estoy experimentando con la acuarela que encuentro, es bastante complicada pero fascinante”.

Lo que el artista omite es que para realizar esos trabajos no teme subir sobre altísimos andamios, arriesgando la vida. Al fin y al cabo lleva la herencia de aquellos pueblos wankas o quizá de los olvidados pumpush que se enseñorearon por el valle del Mantaro a más de 4,000 metros de altura.

Con la curiosidad de saber  en qué anda y cuáles son sus afanes en estas forzadas vacaciones, lo entrevistamos para LIMA GRIS, a través de los medios on line.

Entrevista  a Elio Zevallos

 ¿Cómo estás sorteando este tiempo de cuarentena? ¿sigues con tus magníficos proyectos?

Gran parte del 2020 la he pasado lejos de la ciudad, en ONDORES, lugar donde nací y que gracias a Dios mi familia aún conserva la finca (rancho) que heredamos de mis abuelos y para mí, siempre es un lugar a donde me lleva el corazón y en estos tiempos difíciles fue mi mejor refugio por así decirlo.

En cuanto a mis proyectos artísticos, casi todos quedaron en stand bye, pero gracias a estas circunstancias también surgieron otros en los que ahora voy trabajando y a la vez este pasado 2020 he realizado varios murales por encargo de instituciones gubernamentales como el CERNANP y la municipalidad, tanto para el SANTUARIO HISTÓRICO DE CHACAMARCA y LA RESERVA NACIONAL DE JUNÍN; todo esto en el marco de la reactivación económica para el sector turismo.

¿Cómo se llama el libro que estabas escribiendo? ¿de qué trata? ¿Lo terminaste?

 JUNÍN COLORES DE LIBERTAD, es el nombre que dio lugar a este proyecto, ahora no sé si este sea el titulo final; este es uno de mis  proyectos que está en espera, es una suerte de proyecto visual-literario, si cabe el término, donde estoy acompañando las fotografías con mis apuntes que también evoca este caminar en busca de  amaneceres, ocasos, paisajes, el paso del tiempo y toda la magia que envuelve al mundo andino.

La fotografía es otra de tus inclinaciones, ¿Cuántas exposiciones has efectuado? ¿Solamente capturas los paisajes juninenses? ¿Por qué la triple coalición: pintura, mural y fotografía?

 Sí, son una forma de alternar mi labor artística, cuando siento que ya el taller me va a ahogar recurro a la fotografía , esto implica salir al campo ir a pescar, levantarse antes del amanecer, buscar un buen lugar para esperar al sol, interactuar con la flora y fauna, es genial, encontré mi manera de refrescar el espíritu y todo esto hace que regrese al taller con mucho entusiasmo a vivir otro poco entre lienzos, colores, el olor del óleo , la música, etc, etc.  y así hasta que otra vez me voy al campo; pero claro, en este ir y venir  he tenido la oportunidad de compartir mis trabajos fotográficos tanto en la capital como en provincias, siendo honrado con dos premios nacionales de fotografía el 2013 y el 2018 y ahora gracias a las plataformas digitales que son el medio más inmediato he logrado importantes reconocimientos en distintos grupos internacionales de fotografía. 

En cuanto a la temática de mis fotografías, hasta hace poco han sido los paisajes juninenses como bien lo mencionas, todo esto como consecuencia del amor que le guardo a este terruño, adicional a ello ahora estoy llevando mi propuesta fotográfica hacia la figura humana y el bodegón, voy retratando elementos cotidianos que sin darme cuenta había conservado desde muy pequeño, elementos que evocan mi niñez, el amor de mis abuelos, la vida en el campo, pedazos de tiempo  que aún son mi eternidad y me ayudaron a darle un horizonte a  este nuevo proyecto.

La historia está presente en tu trabajo pictórico y mural, ¿es sólo como un afán regionalista?

Fue inevitable desarrollar esta temática, luego de entender y valorar el legado histórico de los juninenses en su lucha por la independencia del Perú, saber que entonces fue brutalmente asesinada las dos terceras partes de la población, saber que somos el primer pueblo mártir en la lucha por la independencia del Perú, saber que aún sin tener formación militar estuvieron al frente de la causa independista, y entender lo decisivo que fue el triunfo patriota en la BATALLA DE JUNÍN aquel 6 de agosto de 1824 me inspiró a desarrollar esta temática que por cierto aún estoy en deuda con este proyecto.

Descubro una tendencia hacia el lenguaje colectivo a través de las imágenes, tanto en tu pintura como en la fotografía. ¿Es quizá una manera de darles voz a aquellos que no la tienen?

En realidad no estoy muy seguro, quizás solo sea una manera de acariciar al niño desvalido que llevo dentro, quizás solo sea una manera de caminar al lado de “aquellos que no tienen voz”, pero “no tienen voz” solo para una sociedad que no tiene la capacidad de escucharlos, porque somos nosotros quienes nos desentendimos de ese mundo, de esa extraña forma de vivir hablándole a  la naturaleza, no entendimos su mágica forma de vivir pidiendo permiso a la tierra para coger algo de ella, de vivir preguntando por el mañana a la luna y a las estrellas, de vivir como hermanos…  y al no entenderlos hemos desarrollado esa terrible facilidad para ignorarlos, tanto que ahora decimos que no tienen voz, pero creo es todo lo contrario, creo que el problema parte del otro extremo.

¿Utilizas una simbología para explicar esta etapa tan  difícil a través de tus lienzos? ¿Es importante hacerlo?

Es inevitable, considerando que los colores de por sí ya simbolizan conceptos concretos, esto dependiendo claro está de nuestra influencia cultural, ahora ya tratándose de la simbología como elemento para enriquecer una obra es  definitivamente un medio eficaz; en lo personal, al desarrollar mis obras no las he considerado de manera significativa, a veces están presentes intuitivamente pero no las he considerado parte vital de mis obras, quizás porque las he asociado más con lo conceptual. 

¿Cuáles son tus proyectos?

La escultura, a pesar de ser la razón más decisiva por la que me he dedicado a las artes aún no he podido desarrollarla de manera plena, solo un par de obras que marcaron ese camino y luego circunstancias propias y externas lograron boicotear este anhelo, pero ahora estoy decidido a no postergarlo por mucho más.

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Cultura

Artplace: artistas exponen sus obras en la primera galería virtual de arte en Perú

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Artistas de diversos países se vienen sumando a un proyecto digital llamado Artplace. Esta iniciativa se trata de la primera galería de arte virtual en Perú que propicia al público: pinturas, esculturas, fotografías y tallados. Este espacio busca posicionarse como uno que brinde oportunidad de expansión y reconocimiento de obras artísticas, facilitando la adquisición de ellas de manera rápida y directa.

En el año 2020 se dio a conocer Artplace. Inició como parte de una solución ante la pandemia para artistas y usuarios amantes del arte, teniendo un contexto donde millones de personas pueden relacionarse con otras gracias a la diversidad de medios digitales que hoy existen, independientemente de su país de residencia, decidieron utilizar esta oportunidad para no tener como impedimento el tema de barreras de espacio y tiempo sobre la difusión de obras artísticas.

Asimismo, la creación de la galería se realizó en un accionar de propiciar el arte de manera expansiva y apoyar al sector de la cultura en general. Es así que se enfrentaron contra una situación donde muchas industrias de arte eran pocas conocidas o no contaban con el espacio merecedor para exponer cultura artística. Artplace iniciaría con ese principal propósito, el de hacer más expansivo este rubro.

Actualmente, Artplace cuenta con 15 artistas de talla nacional e internacional, entre ellos: Harry Chávez, Carlos León, Paco Calderón, Soledad Tomairo, Olfer Leonardo Fernandez, Silvia Mariella Aguero Di Liberto, Daniel Paz, Domingo Mendoza, entre otros profesionales con talentos artísticos. En sus obras se expresan tendencias como el impresionismo, paisajismo, abstractismo, retratismo, artes plásticas, tallados en vidrio y madera, y mucho más.

La promesa de Artplace con los artistas

La visión de Artplace es conseguir más artistas que busquen mostrar su arte de manera innovadora a miles de personas, y generar experiencias agradables para quienes aprecian obras artísticas. Sin duda, este proyecto permite reducir costos con los que normalmente tienen que asistir una galería física, convirtiéndose de manera extraordinaria en un beneficio para usuarios y los profesionales artísticos.

Puedes encontrar más información sobre este revolucionario marketplace de arte en su página web, plataforma donde exponen de manera concreta todas las obras de los artistas. De igual forma, cuenta con otros canales de comunicación como Instagram y Facebook, donde comparten contenido de valor para su público.

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Cultura

Las edades de la tierra, por Aldo Alcota

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Pintor mexicano Arturo Estrada y Ricardo Terrones.

Ricardo Terrones no abdica de su sobresaliente pincelada, de su titánico dibujo. Lo continúa gracias a ese don de la creatividad procedente de su infancia. En esta nueva exposición con carácter de retrospectiva está la evidencia de lo señalado y que lleva por título Las edades de la tierra. Era hora de distinguir las raíces pictóricas de Terrones, apreciarlas como un documento visual que se expande en ese horizonte dorado, delineado día a día por este artista.

Aquel primer realismo establece el inicio de una búsqueda hacia ese misterio continental, autóctono. Luego, la abstracción emerge como porciones de oro doblegados por la bravura del cinabrio y una abundancia de rayos solares emparentados con el fulgente maíz, toda una secuencia viva y vibrante, hasta llegar a un híbrido estilo de figuración que toma posesión del espacio pintado. En Terrones era necesario plasmar esa humanidad latinoamericana, esas deidades convertidas en animales, ese pulso natural que no escapa a lo dramático y carnavalesco.

El paisaje de Chepén cede su colorido a Terrones para que lo profundice en esas telas donde se siente el estremecimiento de los cerros y de una fauna y flora que convive con la sabiduría mochica, china, además de las tradicionales peregrinaciones y fiestas religiosas, perfectamente entrelazadas con efigies de un pasado nativo y mágico desbordado en ritos.

Ricardo Terrones en su taller.

Gracias a IZART Museo Virtual de Trujillo y revista Ananaw es posible presenciar diversas obras de Terrones, concernientes a años de intenso trabajo. Sus pinceles y sus barras de carboncillo están al servicio de una profunda reflexión sobre la humanidad, la tierra, el universo, la animalidad, la identidad y su diseminación al sur del mundo. Es riqueza emocional transfigurada en litoral, oxigenado por el asombro.

La retrospectiva es un ejercicio de memoria, de confrontar épocas, de aclarar dudas sobre lo hecho, de responderse nuevas preguntas sobre lo que viene. Terrones se plantea nuevos desafíos y no se detiene porque está siempre a la espera del llamado de lo fabuloso. Las edades de la tierra son un recorrido por una trayectoria plástica significativa, un gran aporte imaginativo a la tradición del arte en Perú y Latinoamérica. La persistencia de Terrones, una y otra vez, es darle luz y sombra a sus seres y escenarios silvestres, con el fin de encontrar las claves de un paraíso perdido.

El arte es el radiante confín para Terrones. Su batalla diaria es no caer en los abismos de un mundo cada día más inhóspito y egoísta. Porque esta retrospectiva lo fortalece y también desea compartir una pasión, un conocimiento, una esperanza, una vorágine surreal de formas y tonalidades con su público. Los sentidos se combinan y dan paso a un cambio espiritual y una sólida conciencia artística, razones de existir en medio del crepúsculo. 

Cada cuadro, cada dibujo es una porción de tierra que invita a pasear, a perderse en esa amplitud orgánica de texturas, manchas, corporalidades que giran de un extremo a otro junto al movimiento de cielos, mares y selvas. Allí todo pasa. Y seguirán pasando cosas con maestría.  

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