La ruleta del Premio Nobel de Literatura 2023 se dispara este jueves 5 de octubre, a las 8 en punto. Mientras tanto en las casas de apuestas ya se tiene un ranking. Un punto de partida es el consolidado de estadísticas de apuestas Oddspedia, en el ranking especulativo de ganadores para este año los favoritos son: la china Can Xue (¿quién?) Haruki Murakami (en serio, otra vez) y la disidente rusa Lyudmila Ulitskaya (que conveniente geopolíticamente sería que gane). En las apuestas Can Xue  va 4/1, siendo la favorita. Como solo apuesto a caballos, diré mis nominados que si o si deberían ganar. Porque para cuotas de género, origen étnico o representatividad de un continente, para esas chorradas están los premios Oscar y no Cannes. En literatura estos son los hombres fuertes de la literatura, los que realmente hace rato están escribiendo a martillazos.

Houellebecq, islamófobo y anti postmoderno

Si hay alguien que jamás debería ganar ni siquiera una mención honrosa de un certamen de literatura municipal en Murcia, esto desde la hegemónica cultura de la cancelación, ese sin dudas es Michel Houellebecq, y es que leerlo es un placer que incómoda.

Crítico feroz del postmodernismo encarnado en los valores del mayo del 68 a través de novelas como Las partículas elementales, Plataforma, Sumisión o Ampliación del campo de batalla, es sin duda, desde su aparición en los años 90, una corriente de aire fresco que devuelve a la literatura ese fuego de crítica al poder de los símbolos establecidos. Su crítica también se refiere a la creciente presencia del Islam en la sociedad europea, llegando sus novelas a ser consideradas proféticas como ocurrió en 2001 y en 2015, respecto a las Torres Gemelas y a la masacre de los caricaturistas de Charlie Hebdo, respectivamente.

Solteros inútiles y vaciados existencialmente son sus protagonistas predilectos, seres separados, aislados, a los que solo les queda el consumo. Un fiel reflejo del europeo occidental satisfecho en su insatisfacción. Son personas sin familias detrás, que irónicamente lo único que tienen son las empresas para las que trabajan, renuncian y vuelven a buscar trabajo sea en otra empresa, porque es eso precisamente lo único que tienen.

En un mundo donde todo se usa, el sexo, las ideas, el arte, la identidad, no hay espacio para el amor y la comunicación entre las personas. Su retrato es el de una sociedad donde la ciencia se ha reducido en técnica para ser usada también, para ser consumida, porque todo es consumo. Sus historias son la de personajes incapaces de ser humanos, y en la que el salvaje islam aparece en sus novelas como ese otro, que se opone a los valores democráticos occidentales, pero al que no se puede enfrentar por no tener nada seriamente con que oponerse.

Si Chul Han es el autor que acuña el término de sociedad del cansancio para referirse al postcapitalismo actual, Houellebecq es el autor en novela que acuña la cultura del cansancio de sociedades liberales sin capacidad de enfrentar culturalmente al fenómeno de la amenaza integrista. Porque el islam tiene esa convicción fanática que a la vez tiene un fundamento de juventud y lucha, que occidente no ha conocido desde la última mitad del siglo XX.

En Plataforma pareciera que, aunque accidentada, la única relación posible es hacia con el extranjero, como es el caso de la co protagonista de la novela, una tailandesa, Valérie, quien sí tiene aspiraciones de crecer, aunque sea a través del turismo sexual.

Se podría intuir que el otro a encontrar en términos pacíficos es la arquetípica figura femenina, la que le muestra otro mundo al protagonista europeo cansado. La posibilidad de vivir y tener un propósito. Las preguntas que se plantea la narrativa de Houellebecq son sobre la aparente  imposibilidad del amor, propia del cansado pensamiento global burgués, por un lado, y la de si hay una salvación o no, por el otro.

La obra de Houellebecq desde los años noventa ha sido debida y esforzadamente cabildeada por  Nelly Kaprielian, francesa de origen armenio, crítica literaria de la revista Les Inrockuptibles, su más ardiente defensora y difusora entre el hiper competitivo panorama literario francés. Fue gracias a su cabildeo que ganó Houellebecq el Premio Goncourt, el más importante premio literario en Francia.

Es sabido que los premio Nobel de Literatura son en realidad las Olimpiadas de los idiomas, dónde la pugna entre el inglés y el francés es de proporciones titánicas. A pesar de las obvias cualidades narrativas de Houellebecq, es difícil verlo ganador por razones políticas. Se lo ha intentado vincular a Le Pen y a la extrema derecha. Sin embargo sus lectores son fieles y son precisamente sus detractores sus mejores publicistas. Entre sus defensores honestos cabe mencionar a otra mujer, Eugene Basties, quien representa a esos hijos rebeldes de esa narrativa que propone el desagradable Houellebecq, quien en las apuestas va 14/1.

Mircea, el primo latino de Europa

“Le doy noticias, señor, sobre los turcos, porque he oído que el emperador salió de Sofía y no es así, y subieron al Danubio.”

El documento más antiguo que se conserva escrito en rumano es una carta datada en 1521, escrita por un tal Neacșu de Câmpulung al jude (“juez y alcalde”) de Brașov, Hans Benkner, advirtiéndole de una invasión turca proveniente desde Transilvania y Valaquia.

Siglos más tarde, un escrupuloso archivero alemán prestó atención a unos documentos municipales en abandono. Entre una serie eslavo-rumana de 700 documentos que iban de los siglos XIV al XVIII, descubrió la carta. Wilhelm Stenner, su descubridor, era el archivero de Brașov en 1894. Más adelante el lingüista rumano Aurel Nicolescu afirmó que en dicha carta no menos de 175 palabras de las 190 encontradas  tienen origen latino, sin contar las palabras repetidas y los nombres. Una expresión que se repite en la carta es “I pak”, que significa “y otra vez” y que tiene una función similar a la del latín “item”, utilizándose también para marcar el comienzo de una nueva frase, ya que es este primer documento del idioma rumano, no existían los signos de puntuación. Otra curiosidad, la carta además de estar escrita en alfabeto cirílico, tiene una introducción en lengua eslava que antecede el contenido en antiguo rumano, y que vuelve a terminar con una invocación a Dios en búlgaro, lo cual evidencia la pequeña globalización que vivía el pueblo latino con sus vecinos.

Si la historia de un escritor es la historia de su país, la historia de su país tiene por base su idioma. La historia de Rumanía desde mucho antes de su comienzo literario escrito es una historia de supervivencia. Desde los míticos tiempos de la Dacia Romana, pasando por la opresión otomana, la historia del rumano y su lengua es la historia de un pueblo latino atenazado entre rusos, alemanes, húngaros, otomanos y un sinfín de vicisitudes. A veces amigos, a veces enemigos, pero siempre vecinos.

La carta de Neacșu, tesoro de la historia de la literatura en lengua rumana, lengua que nace como carta, y además una carta de un pueblo amigo a otro pueblo amigo frente a una amenaza, eso me da gusto pensar es Rumanía, nuestro hermano latino en Europa.

Hablar del candidato al Nobel de literatura rumano, Mircea Cartarescu, exige que hablemos también en sus términos enciclopédicos. Se ha hablado de él comparándolo con Borges, Kafka, García Márquez, pero se olvidan también sus expertos de Cartarescu y su pasión de leer los once tomos de las obras completas de Dostoievski cada año, de su admiración a la obra del peruano Vargas Llosa, de quién dijo: “Para mí fue más que un referente, [fue] un héroe”, confiesa. “Yo empecé a escribir en los 70, y sus libros cambiaron mi vida. Nunca olvidaré la revelación de La tía Julia y el escribidor o de La guerra del fin del mundo, o incluso La ciudad y los perros, todos ellos libros fundamentales para mí. Nunca hubiera soñado con compartir escenario con Vargas Llosa. Ha sido un gran honor”. Señaló en una ocasión en que compartieron escena, pero ahora la proximidad puede ser más cercana. Cartarescu aparece en las quincenas de candidatos al Nobel. Y ya es voceado desde hace algunos años. El autor de Solenoide, Nostalgia y la saga de Orbitor, esta última que lo ha consagrado internacionalmente como uno de los autores hegemónicos, son perfecta muestra de porque Mircea debe y puede ganar el Nobel de Literatura.

El boom lector por Mircea en Latinoamérica (a quien muchos  confundían con una autora, por el nombre, salvo los siempre perspicaces lectores de antropología que evocaban de inmediato a Eliade a sus mentes apenas leer su nombre), se puede considerar como un fenómeno reciente y que tiene por nombre Editorial Impedimenta de España, la cual ha acercado con éxito en poco tiempo a los lectores latinoamericanos con su lejano primo.

Su obra es un realismo mágico que nos resulta totalmente familiar, el mundo de los sueños, pero sobre todo su capacidad de percibir que, tal vez, el único patrón real de nuestras vidas, sean precisamente esas anomalías que nos hacen pensar si realmente lo que sucede está ocurriendo o acaso estamos en un sueño.

La única forma que encuentro para reseñar sus historias es solo leyéndolas. Solo me queda decir: después de leer El ruletista, todo es posible en literatura.

En las apuestas Mircea Cărtărescu va 11/1

Ismail Kadaré, en los márgenes de la Historia

S. XXVI a.C. La Gran Pirámide consume los recursos y la energía de Egipto, miles de personas mueren durante su construcción mientras el faraón  Keops desata periódicamente oleadas de arrestos y torturas contra aquellos falsamente acusados de sabotear el proyecto.

El propósito de tanto esfuerzo, más allá de toda megalomanía complementaria, es simple: se trata de política. ¿Cómo asegurar el reciente paso de una sociedad de cazadores recolectores a una organizada en ciudades en plena revolución agrícola? Fácil, concentrando todo el esfuerzo y vidas de los involucrados en una tarea.

 Aprovechando los desbordamientos del Nilo, la agricultura era muy próspera y fácil, dejando varios meses a la población bastante ociosa, esto claramente para los planes de ingeniería social del faraón y su élite era un peligro que no se podía permitir por el bien de la civilización que empezaba a nacer. Entonces quizá el motivo principal de la construcción de La Pirámide y su importancia fuese no permitir el descanso y la reflexión a sus súbditos, quienes a su vez actúan voluntariamente en contra de sus propios intereses.

Este es el argumento de la novela de Ismail Kadaré, La pirámide. Porque si algo sabe Kadaré es construir metáforas políticas, y esta en especial es un monumento a la dictadura comunista que le tocó, la de Hoxha en Albania.

Albania fue en la segunda mitad del siglo XX, conocido como el país más comunista del mundo, el primer y único país oficialmente ateo (si excluimos el culto a la figura del líder), pero sobre todo un país cuya dirigencia comunista además de paranoica (Albania es un país con medio millón de bunkers, y todo el país es más chico que el departamento de Lima) era de un fanatismo ideológico tal que se peleó primero con los yugoslavos que los ayudaron a ganar la Segunda Guerra Mundial, luego se peleó con la Unión Soviética acusándola de revisionista, se acercó a China para después también pelearse con ella acusándola de desviación ideológica y al final acabar sola y aislada de todo el planeta, y todo por una ultra ortodoxia al marxismo. Y todo esto con la anuencia  de su hiper vigilado pueblo. En el caso de la Albania comunista de Hoxha se refleja perfectamente el sentido de la pirámide como símbolo de un poder total e indiscutible.

Ismail Kadaré no es nuevo en las quinielas del Premio Nobel de Literatura. Ha sido nominado casi veinte veces. Su mayor aporte en la literatura es acercar a miles de lectores a una cultura, la albanesa, la cual sigue siendo misteriosa y salvaje en plena Europa. En su obra Kadaré utiliza únicamente idioma albanés puro sin presencia de palabras extranjeras. Esta es una característica única de sus novelas, y muchos le atribuyen el mérito de haber mejorado la lengua literaria albanesa, una lengua hablada apenas por unas seis millones de personas, una lengua marginal, con una literatura de los márgenes de Europa. Ser escritor albanés y escribir desde y sobre  un  país del que apenas sabemos nada, y escrito en un idioma hablado por un puñado de gente, eso es hacer Literatura.

Kadaré creció en el mismo pueblo, y hasta en la misma calle donde nació el dictador Hoxha. Durante el comunismo se dedicó a la literatura de fondo. Y aquí viene la cuestión ¿Cómo escribir en el país totalitario, posiblemente el más comunista del mundo, sin acabar sentenciado a muerte? Pues recurriendo al folklore, los mitos y la más lejana imaginación. Se trata de alejarse en la fantasía para poder sobrevivir. Sus alegorías entretejen el acervo balcánico con las tragedias griegas de una manera propia de un autor que se puede considerar ya por merito propio, un clásico. Aunque el género hegemónico en Albania era el realismo socialista, Kadaré supo ganarse un espacio desde la fantasía más exótica y oriunda a la vez. Abril quebrado, es una novela donde retrata las costumbres atávicas de las tierras altas de Albania a través del despiadado código del Kanun, la ley de sangre que se hereda. Una forma de entender por qué los albaneses tienen fama de violentos, como los nicaragüenses en Centroamérica, quizás se deba a estos códigos ancestrales que tan bien ha sabido retratar Kadaré.

Desde hace más de una década las paredes de la universidad, de escuelas y de bibliotecas en toda Albania tienen fotos de Kadaré, dónde antes estaban las del dictador Hoxha. Detrás de unos lentes ahumados, unos ojos de los que solo se puede adivinar el color, miran con picardía al que lo ve. Kadaré es superviviente, pudo publicar su obra en una dictadura feroz, y demostró como dijo una vez Vargas Llosa, que el campo a dónde escapan los escritores en sus fantasías, huyendo de la miseria de sus pobres vidas, es precisamente ese campo el de la libertad humana, el de poder volar con el pensamiento a donde sea, incluso salir por unas horas de la Albania comunista de Hoxha, de su medio millón de  bunkers y miles de grillos (micrófonos Made in China) colocados por la Sigurimi, la policía secreta de Hoxha.

En Albania ya no hay comunismo ni ateísmo de Estado, gracias a Dios, pero el pasado queda, no importa que el pasado sea lejano o muy reciente, el pasado en Albania siempre pesa como plomo.

Volviendo al pasado, en su novela “El palacio de los sueños” (1981), se narra la historia de Mark-Alem, funcionario del imperio otomano empleado en el Tabir Saray, dónde se controla a la población mediante los sueños, que anticipan desde los intentos de derrocar al gobierno hasta las grandes catástrofes, mientras  avanza en su carrera de funcionario, Mark-Alem se irá hundiendo en las arenas del desasosiego. Escrito en plena Dictadura de Hoxha es de una osada e inteligente crítica al totalitarismo dentro del totalitarismo.

Pero volviendo a esa extraña novela, La pirámide, a medida que la narración finaliza, hace un extraño salto de tres mil años, avanzando para mostrarnos a Timur el Cojo (Tamerlán) erigiendo en Asia central otra pirámide, pero está vez hecha de 70.000 cráneos. Y con esta imagen queda claro quien es el maestro de la parábola política.

Kadaré tiene 87 años, en este año su nombre no figura en ninguna sala de apuesta, mientras nombres tan inusitados como Stephen King aparecen este año con una probabilidad de 49/1. Sin embargo, esté o no esté Kadaré, yo apuesto por él, porque “algunas gotas de lluvia llegaron a mi ventana”.

El Festival Internacional de Artes Visuales VER / VOIR presentó el programa oficial de su segunda edición que se llevará a cabo del 4 al 7 de octubre de 2023 en la ciudad de Chiclayo. El evento cuenta con el respaldo de la Embajada de Francia, el Instituto Francés y el Centro Cultural de España.

VER / VOIR tiene por objetivo profesionalizar y capacitar a diferentes actores vinculados al sector fotográfico en el noriente del país. Ello es posible gracias a la movilidad y al intercambio entre artistas, creadores y profesionales nacionales e internacionales con estudiantes y público del encuentro vinculados a la fotografía, comunicación, artes visuales y gestión cultural, entre otros.

En esta segunda edición, el festival presentará más de 20 actividades prácticas y de reflexión, tales como talleres, conversatorios, mesas de trabajo, revisión de portafolio, presentaciones de libros, exhibición de fotolibros y exposiciones fotográficas. Estas actividades serán lideradas por especialistas en las artes visuales de Perú, Latinoamérica y Europa que se darán cita durante los cuatro días del evento.

Programa e invitados

VER / VOIR propone un programa de actividades estructurado en cuatro ejes temáticos desde los cuales se busca profundizar en diversos aspectos de la creación, distribución y consumo de la fotografía.

El eje “Creación fotográfica, investigación y diseño de proyectos” plantea potenciar capacidades en los procesos de creación, diseño y desarrollo de proyectos fotográficos. Asimismo, permitirá una revisión del alcance de la investigación sobre y para la fotografía. En “Panoramas de la fotografía contemporánea”, se prestará atención a sus dinámicas de trabajo, instituciones, actores y mercado.

El tercer eje, “Edición, publicaciones y fotolibros”, pone énfasis en el campo de la edición fotográfica y la situación de la edición de fotolibros en la región y el país.

Finalmente, el eje “Intercambio y circulación de fotografía” explora nuevas maneras de acercamiento al trabajo fotográfico a partir de las experiencias internacionales y la exploración de nuevas plataformas y medios.

En esta edición se contará con la participación de un selecto grupo de expertos internacionales como los franceses Maxime Riché, Céline Lerebourg y Nicolas Villaume, la francoespañola Catalina Martin-Chico y la argentina Julieta Escardó, entre otros. Así como con los peruanos Roberto Huarcaya, Liz Tasa, Alejandro León Cannock, Sharon Lerner, entre otros.

Inscripciones

Las personas interesadas en asistir al encuentro podrán acceder a diferentes precios en preventa hasta el 15 de setiembre: Full access – general (S/ 99,00), full access – estudiantes (S/ 79,00), Pack dos días – general (S/ 79,00) y Pack dos días – estudiantes (S/ 65). La venta de las actividades serán atendidas a través del Whatsapp 951 933 722 (Alianza Francesa de Chiclayo).

Dato

Se llevará a cabo del 4 al 7 de octubre en la ciudad de Chiclayo y presentará más de 20 actividades de formación profesional.

El gobierno de Dina Boluarte continúa quebrandose al no tener idea de cómo administrar el país. Uno de los claros ejemplos es lo sucedido con la fortaleza Kuélap ubicado en Amazonas. Su gobierno al no tener logros que mostrar presionó para que nuevamente Kuélap reabra sus puertas sin haberse realizado por completo la restauración de los derrumbes que ocasionaron su cierre durante la gestión del exministro de Cultura Alejandro Salas.

Dina Boluarte teniendo como alfil a la ministra de Cultura Leslie Urteaga, impulsó que se reabra Kuélap a pesar que el derrumbe permanecie casi intacto. Es decir, sin finalizar ningún trabajo de restauración o conservación. Un despropocito que terminó obligando a los visitantes a usar un caso por seguridad para ingresar a nuestro patrimonio cultural construido por los Chachapoyas.

Para Fabricio Valencia, especialista en temas jurídicos de patrimonio cultural menciona sobre Kuélap lo siguiente: “En Kuélap no se ha hecho ninguna intervención sería, y se esta abriendo por un tema de presión, y eso esta mal. Tratemos seriamente el patrimonio cultural, por favor. No nos burlemos de la memoria de nuestros ancestros. No podemos tratar esto como cualquier cosa. A mí honestamente me fastidia que de en vez de tomar las acciones de conservación pro patrimonio se abre Kuélap seguramente para satisfacer algunnos intereses de por medio, y seguramente los muros van a seguir colapsando y van a seguir cayendose. Esperemos no haya perdidas de peronas”.

Aquí la entrevista con el especialista de temas jurídicos del patrimonio cultural.

La compañía italiana Artemis Danza visitará nuestra capital, del 23 al 25 de setiembre, para presentarnos gratuitamente lo mejor de su arte escénico en el Teatro Pirandello (Av. Alejandro Tirado 274, Santa Beatriz), bajo la dirección artística de la coreógrafa Monica Casadei. Anteriormente, presentó en Lima y con gran éxito una adaptación del Barbero de Sevilla en la Semana de la Lengua Italiana en el mundo 2019.

En esta ocasión, Artemis Danza presentará una adaptación dancística de la clásica Traviata de Giuseppe Verdi y el espectáculo familiar El circo de Fellini. Asimismo, la agrupación también impartirá una clase maestra para interesados en la danza.

Traviata es el primer capítulo del valiente proyecto Corpo d’Opera creado por la italiana Monica Casadei, ecléctica coreógrafa formada en Italia, Inglaterra, Francia y con varias estancias en Oriente. Este proyecto está dedicado al célebre maestro Giuseppe Verdi, y tiene como objetivo traducir en el lenguaje de la danza las óperas más famosas del amado compositor italiano. Todo un reto que ya ha sido muy aplaudido en varios países del mundo.

El espectáculo de Traviata, que se presentará gratuitamente los días 23, 24 y 25 de setiembre a las 8 p.m. en el Teatro Pirandello, es quizás el más conocido e icónico de Monica Casadei, que a once años de su debut continúa siendo representado en Italia y en el mundo. La obra es un viaje coreográfico en el que la danza y la ópera hacen un dueto, dando forma a un fluir de imágenes liberado de cualquier deseo de adherirse a lo didáctico, pero a la vez fuertemente ligado al drama de la historia de Violetta y Alfredo. Una experiencia artística única que fusiona la rica experiencia operística de Verdi con la danza contemporánea.

Asimismo, Artemis Danza ofrecerá, el sábado 23 de 10:30 a.m. a 1:30 p.m., y de 5:30 a 7 p.m. la clase maestra Anime di Artemis, un proyecto que busca compartir la experiencia de la compañía con los estudiantes de escuelas de danza, bailarines, actores y público en general. Esta clase también es gratuita y tiene como objetivo dar a conocer la identidad coreográfica de Casadei y de la compañía a los participantes, quienes estudiarán inserciones coreográficas especialmente preparadas para participar en una escena final de Traviata.

La magia de Fellini

También, para las familias, Artemis Danza traerá El circo de Fellini, espectáculo circense y de danza acompañado por música inolvidable que celebra la historia del cine y de la música italiana, recreando el maravilloso mundo de Federico Fellini (1920-1993), a 30 años de su desaparición, en un ambiente lleno de poesía y sentimiento. En ese sentido, tanto los pequeños como los adultos que vean la obra serán involucrados en una emocionante y misteriosa historia, capaz de divertir y hacer soñar. El circo de Fellini se presentará gratuitamente el domingo 24 a las 4 p.m. en el Teatro Pirandello y está recomendada para niños de seis a más años con el acompañamiento de adultos.

Título: Traviata

Fecha y hora: 23, 24 y 25 de setiembre 8:00 p.m. (tres funciones)

Lugar: Teatro Pirandello, av. Alejandro Tirado 274

Acceso: Gratuito con registro directamente al ingreso en el espectáculo

Título: El circo de Fellini

Fecha y hora: 24 de setiembre 4:00 pm (única función)

Lugar: Teatro Pirandello, av. Alejandro Tirado 274

Acceso: Gratuito con registro directamente al ingresar al espectáculo

Título: Anime di Artemis – clase maestra de coreografía y danza

Fecha y hora: 23 de setiembre 10:30 a.m. -1:30 p.m. y 5.30 p.m. – 7 p.m.

Lugar: Teatro Pirandello, av. Alejandro Tirado 274

Acceso: Gratuito con registro directamente al ingreso en el espectáculo

Nota: culminará con la participación de alumnos a las funciones de Traviata

En la búsqueda de saciar su sed incontrolable de seguir creando, el percusionista Manongo Mujica anuncia para finales de octubre el lanzamiento de una nueva producción musical a la que ha denominado “Ritual Sonoro Para Ruinas Circulares”, en alusión al cuento de Jorge Luis Borges, uno de los más notables escritores latinoamericanos de todos los tiempos. “Quisiera creer que Borges escribió ‘Las Ruinas Circulares’ como un homenaje secreto a los templos precolombinos del Perú Antiguo… Este disco es también un medio para contar la otra historia, la historia secreta de Las Ruinas Circulares del Perú”, afirma Mujica. 

En esta nueva producción, Manongo recrea musicalmente templos arqueológicos con los que tiene una profunda conexión, partiendo de una ficción literaria hacia una traducción libre desde el sonido, para contar una historia de búsqueda hacia lo desconocido. Para dicho propósito, el músico convocó nuevamente a su par noruego Terje Evensen como el responsable de generar atmósferas a partir de elementos electrónicos, para crear espacios sonoros monumentales. Destacan además la participación de Fil Uno, en el cello; Gabriela Ezeta, en las voces; y sus hijos Cristóbal, en los arreglos de cuerdas y Daniel y Gabriel, en las percusiones.

Cabe destacar que, a lo largo de su amplia trayectoria, Mujica no solo lanza discos, sino que va más allá, al presentar conceptos que integran diferentes productos. En tal sentido, este disco que lanzará hacia finales de octubre en plataformas digitales y, posteriormente, en formato vinilo, a través del sello Buh Records, se promocionará junto a un cortometraje dirigido por el cineasta Víctor Checa, quien llevará a la pantalla el universo sonoro del Perú ancestral de Mujica, a través de la alegoría borgiana, filmada en templos arqueológicos de la ruta norte del país, como Las Aldas, Chankillo y Túcume. 

Este cortometraje se estrenará en el Festival Internacional de Cine Lima Alterna y se espera que para el 2024 se concrete además el lanzamiento de un libro de fotografías junto a su cómplice de aventuras: la fotógrafa Pauline Barberi, para finalmente cerrar el ciclo con una presentación del ritual en vivo, en uno de estos lugares sagrados. 

Paracas Ritual
Para tomar parte en las actividades de promoción de “Ritual Sonoro Para Ruinas Circulares” el noruego Terje Evensen volverá al país en los próximos días. La extraordinaria dupla Mujica – Evensen  aprovechará esta nueva reunión para ofrecer conciertos de “Paracas Ritual”en Arequipa, Cusco y Trujillo, el 7, 11 y 13 de octubre, respectivamente. Tal y como lo hicieron el año pasado en el Gran Teatro Nacional, los músicos prometen llevar a la audiencia a lugares recónditos del alma, a través un concierto transformador, advirtiendo que “la persona que entra al concierto, no es la misma que sale…”.

Dato

Desde 29 soles, las entradas ya están a la venta en la plataforma de Joinnus.

Con una versión renovada vuelve a escena el Proyecto escénico Bicentenario, creación colectiva dirigida por Ricardo Delgado Ayala bajo la batuta de la Dirección de Producción Artística y Actividades Académicas, de la Escuela Nacional Superior de Arte Dramático Guillermo Ugarte Chamorro ENSAD. Las funciones se realizarán en la Casa Teatro Yuyachkani el viernes 22 y sábado 23 de septiembre a las 8:00 p.m.

Bicentenario nos presentará el proceso independentista peruano visto y narrado desde una mirada desconocida que durante mucho tiempo fue rechazada y excluida. En los tiempos actuales en los que vivimos, se percibe como una necesidad y es la visión humana aflorando en la heroína y el héroe con sus fortalezas, debilidades y amenazas. Todo bajo un objetivo común: ser libres.

Es bajo una mirada artística, social y política que la obra y el Grupo Cultural Yuyachkani tomaron contacto, dando como resultado de esta interacción una temporada de dos fechas en el espacio artístico del influyente grupo: La Casa Teatro Yuyachkani con la intención conjunta de contextualizar y dar mayor profundidad a nuestra realidad como peruanos desde los acontecimientos históricos de la independencia de nuestro país. El montaje ha pasado por un proceso de ensayos donde se revisó y actualizó la propuesta, llegando a esta temporada con una narrativa renovada junto a nuevos cuadros visuales, logrando un producto revitalizado y atractivo para todo público.

Bicentenarioes el resultado de un largo trabajo que se viene construyendo hace ya cinco años en constante actualización debido a los hechos históricos que se van desarrollando en nuestro país. Este montaje es la carta de presentación de todo lo que se viene desarrollando académicamente en la ENSAD, como resultado de una larga investigación, sumado a un lenguaje folclórico, decolonial e interdisciplinario.

“En el mes de septiembre cerraremos una parte de este círculo con dos funciones que nos emociona mucho, ya que es por invitación de un grupo importante e histórico del teatro peruano como lo es Yuyachkani”, nos dice Ricardo Delgado, director de la obra.

“Este encuentro será en su casa teatro, por lo cual estamos trabajando ya hace un tiempo para estas funciones y como nuestro país -y la historia nuestra- sigue transitando estamos trabajando una versión revisada, en lo histórico, contemporáneo y estético, siempre buscando tener ese diálogo tan importante que nos propone el espectador y es este encuentro el convivio que nos permite el teatro como lo sentimos, no solo como la creación de una obra de arte, también como un medio de comunicación y diálogo. Proyecto Bicentenario no plantea ser una obra documental ni histórica, lo que propone es revisar nuestra historia republicana desde la mirada de algunos de nuestros personajes que forjaron la independencia, donde nos preguntamos ¿si ellos regresaran a la vida y vieran a este Perú actual… que pensarían?”.

Forman parte del elenco: ACU Alexis Caballero Uriarte, Allison Huarcaya, Dennis Gutarra, Kelly Carrillo, Juliet Pacahuala, Jorge Luis Castillo, Rafael Mena y Stephanie “Tete” Ganoza.

Dato

Se presentará en Casa Teatro Yuyachkani (Jr. Tacna 363 Magdalena de Mar) los días viernes 22 y sábado 23 de septiembre a las 8:00 p.m. Entrada general: 40 soles. Estudiantes: 30 soles. Escolares: 25 soles.

Mi viaje a Chile duró más de un día, cruzando el largo desierto en bus. Era el 2018 y yo acaba de publicar Respirar. No tenía para el almuerzo y tuve que resignarme al plástico y cruel almuerzo de bus. El paisaje parecía un vasto cementerio de cuerpos prehistóricos. No importaba, iba a llegar a la capital. Di una lectura en la Fundación Pablo Neruda, con poetas como Rosabetty Muñóz en una de las mesas de lectura, bajo la dirección de Ernesto González Barnert. Y vagué por el centro y disfruté de un para luego visitar Valparaíso. Los recitales y talleres fueron hermosos e inolvidables. Junto a Gonzalo Geraldo, llegamos a Valparaíso y recorrimos las calles en una larga caminata. Yo diría que Valparaíso tiene algo de Barranco, el balneario cultural de nuestra capital, solo que con un aire más vetusto. Creo que llovió. Sí, llovía una salvaje lluvia del sur. Para resguardarnos, nos paramos bajo el toldo de una tienda, al pie del teleférico.

     Al rato, pudimos llegar al departamento donde vivía el poeta Patricio Contreras. El día era húmedo y claro. Diáfano. Con la generosidad de viejos amigos, nos invitó un café y charlamos de poesía en su sala. La vista, en la ventanita del baño, era hermosa: podíamos ver todo el balneario y el mar plomizo y brillante en el horizonte. Contreras no solo escribía poemas y daba talleres, sino que vendía libros, encima de una manta de tela roja, en los parques de Valpo.

     Son estas calles las que recuerdo cuando leo el bello poemario Bolero, cuyo tema es justamente las calles de su ciudad, los amores, la intensidad que nace de la palabra y el fuego de la poesía. No me sorprende encontrar dos epígrafes de autores que aprecio al pie de este trabajo -Valera y Caicedo- sino que confirma mi propia reflexión sobre la idea de este libro: el bolero, que es música intensa de nuestro sentimentalismo latinoamericano, expresa la intensidad, el fuego verbal, la música del lenguaje. Estos poemas me saben a la calle empinada donde se encontraba la mítica librería Concreto Azul, donde dicté un taller de poesía peruana. 

     Cuando pienso en poesía, necesariamente imagino intensidades; o, en todo caso, las siento: la voz de Vallejo y de Neruda tienen una intensidad particular; la de Nicanor Parra o de Eguren, otra. Cada una, claro, es un color marcado, una máscara del ser. Una música. (1) En Bolero de Contreras esta intensidad es urbana, callejera, beoda y transgresora. Hay un ánimo de mirar los vacíos de la sociedad de capitalismo radical, donde toda relación entre los cuerpos no deja de ser un movimiento bursátil. Así, en ese movimiento de vivir y poetizar, de observarse poetizando en la vereda, en el asfalto, en las madrugadas pegadas a las mesas de los bares, de los vasos de vino, en las noches gélidas y de garúa, Contreras afirma que:

 de cada palabra

aprendida por vivida en los costados

de la ciudad o de la página donde

crece esta flor sanguínea y la canción

de los cuerpos contra el pavimento

(poema Periférica)

     Así, Bolero es un canto de la vida del poeta urbano en la sociedad contemporánea. Del poeta que sabe que vivir es la teórica perfecta para esbozar los nuevos lenguajes; porque estos nacen tanto de lo leído como gozado, de lo sentido como bailo en ese bolero eterno de la sangre que mana de nuestros vecindarios.  es que, aquí, en estas zonas del mundo, donde la desigualdad y violencia triunfan, también se mantiene el incendio de los sentimientos. Pese a su longevidad, cada nueva generación encuentra un nuevo espejo en el bolero; se siente afín a ese encanto, a ese modo de tocar el corazón y de sumergirnos en el romanticismo. Así, el bolero se mantiene como clásico. Amar es necesario frente al infierno. Amar es el poema. Amar es la poesía misma. Amar y escribir es cerrar un círculo sagrado. Contreras dice:

Pero no importa / tú no te preocupes

yo te escribo un beso en tus manos amables

nunca seré ese traidor que le roba a los vecinos

sólo te quiero dedicar a contratiempo

una vieja canción de los noventa

(poema Mamá)

     Termino de escribir esta reflexión sobre Bolero escuchando Sabor a mí en versión de piano de Alexis Gonzáles, y pienso en lo que afirma, a modo de epílogo Codarlupo: la relación literaria entre el Perú y Chile se ha ido incrementado.  No lo dudo. Y así será. Y me atrevería a pensar que en la literatura podemos encontrar no solo los hilos que unen a Chile y a Perú, sino a estos dos países y a todos los países del mundo. La literatura rompe fronteras, mostrando la similitud entre los sentimientos humanos. La poesía, el relato del corazón del hombre, nos ayuda a observar las semejantes -como diferencias- humanas, a través de la lupa de la mente del que versa. Quizás una de las mejores formas de generar empatía entre todos los países sea conocer su cultura, dar una lectura a la poesía de cada localidad, para así comprender más sobre los deseos y las subjetividades.   

(1) Esto se discute porque algunos creen que la poesía no es música. Otros afirman que sí. Lo cierto es que originalmente la poesía surgió de la lira, que era una forma de hacer música. Y si mantuvo la métrica por siglos fue para darle un compás y ayudar en la memorización de los poemas. Pero, a estas alturas de la vanguardia y posvanguardia, podemos afirmar que la poesía tiene un ámbito de búsqueda donde se muestra como una secuencia del estado mental, más que sonoro. Sin embargo, yo creo que ese estado mental poético es necesariamente sonoro. Esto nos debe llevar a discutir que entendemos por armonía. 

En el programa de Lima Gris por radio Planicie 91.5 FM, tuvimos como invitado a Jhonatan Yupanqui, más conocido como Cuackbarber. Este joven talento viene cosechando varios premios en diferentes competencias a nivel nacional relacionado al mundo del barbershop.

En esta entrevista Jhonatan nos cuenta sobre sus inicios, la pasión por la barbería y sobre las batallas que implican corte, diseño y maquillaje. Un mundo estético que viene teniendo más presencia en Lima con una infinidad de locales en los diferentes distritos de la capital.

Aquí la entrevista.