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Pintura

Memorias de la Ciudad

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Los cuadros de Luis Alberto Espinoza contienen una narrativa: Lima como un gran relato conjunto de historias que se cruzan y coexisten, dando a conocer la identidad de nuestra ciudad mestiza y criolla. Se trata de una construcción itinerante que transporta consigo sus propias fronteras simbólicas a través de los personajes que ocupan masivamente las calles,  apropiándose del espacio público en masa, individualizados en expresiones corporales y faciales. Los habitantes se hacen presentes para identificarla y representarla y, en esta condición, dialogar con los observadores.

Luis Espinoza

 

Luis Espinoza se especializó en pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Seleccionado para la Medalla de Oro de su promoción. Cursó el Bachillerato complementario en Arte en la Universidad Mayor de San Marcos. Ganó el primer Premio del Concurso Arte en Libertad 2008 organizado por MAPFRE – Perú. Finalista del Concurso de Pintura XVIII de Artistas Jóvenes – Cerro Verde. Finalista del 1er Concurso Nacional de Pintura “Jóvenes Creadores 2008” Municipalidad Metropolitana de Lima.

Ha participado en las muestras colectivas Sin Óleos ni Lienzos, Vasos Conductores, Historias Paralelas. En el año 2009, presentó su primera individual “Miradas en Transición” en la galería Municipal Pancho Fierro organizada por MAPFRE – Perú como parte del primer premio del concurso Arte en Libertad 2008. Ganó el Primer Premio del II Concurso Nacional de Pintura, Jóvenes Creadores 2009, Municipalidad Metropolitana de Lima. Finalista del I Concurso de Pintura Sérvulo Gutierrez 2009 – Fundación Yacana y Bar Zela.

Pueden visitar la muestra de lunes a domingo de 9:00 a.m. a 9:00 p.m. hasta el 27 de febrero.  El ingreso es libre.

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Cultura

Herencia de artistas

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Observo este acrílico de Oskar Olazo Tupa y me enredo con sus formas singulares que me recuerdan la de los peces nativos como el suche o la trucha y quizás de aquellas larvas de las ranas serranas llamadas renacuajos, quedo estática ante esa imagen que es y no quiere ser la del  universal Quijote, pero me digo “este es un Quijote andino, porque no va montado en su famoso caballo Rocinante, sino en un gallo…!” aunque después me distraigo en la serie Figura y Geometría y me acerco al famoso “Cargador “ que a lomo de espalda llevaba pesados bultos  y según parece aún quedan algunos, en el tradicional Mercado de San Pedro, pero  ojalá con mejor suerte.

Mientras recorro esta sublimal colección, también encuentro un saludo para Picasso, como a  las Tres Gracias Andinas, un Warayoc a la manera de Sabogal, los Génesis y Brutalidad 1 y 2. Esto solo a vuelo de pincel y como parte de  los “50 Años, haciendo y desfaciendo entuertos en el arte”, que reúne más estilos, otras expresiones. Ahora el artista  Olazo, se encuentra construyendo nuevas obras, las que deben llegar a 30 para una próxima exposición. “Sólo tengo 18, me dice a manera de queja” es que en el camino, le van adquiriendo sus trabajos, restando así al número que precisa.

Oskar Olazo (1947) es cusqueño, autodidacta y lleva en los genes la herencia de dos artistas que lo precedieron. Su abuelo Ernesto Olazo Allende, fue el escultor que junto a Agustín Rivero y otros colaboradores, creó el famoso Cristo Blanco nominado también como el Cristo Redentor. Esta emblemática imagen  desde la cima del cerro Puncamoqo, extiende los brazos abrazando al Cusco y a sus habitantes, desde 1945.

Francisco Olazo o simplemente Pancho Olazo, fue un eximio artista plástico, uno de los fundadores de la ex Escuela Nacional de Bellas Artes y perteneciente a la generación de oro, pues junto a él se encuentran los grandes pintores Julio Gutiérrez, Mariano Fuentes Lira, Juan G.Medina, Teófilo Benavente.

Olazo, ha trabajado en las artes plásticas desde muy joven, dejando de lado su especialidad de Ciencias Biológicas. Es fundador del grupo Illary  y IMAPIMUSPO, una organización de arte de diferentes disciplinas. A partir de los 70 ha expuesto a nivel local, nacional y sudamericano. Fue director de eventos de la Asociación de Artistas Plásticos de Cusco.

Lima Gris conversó con este artista multidisciplinario  y de diversos estilos.

Trato de definir tu estilo y no logro hacerlo, pues dentro de la variedad, encuentro un surrealismo vestido, por así decirlo, de indigenismo y a la vez una suerte de Figurativismo. ¿quisiste hacer una simbiosis de estas tendencias?

Bueno, yo también trato de definirlo (es un decir, pues en realidad no me preocupa), creo que tiene un poco de todo; en principio la “variedad” corresponde a diferentes épocas de mi trabajo, el cual hace más de 50 años empieza con la figuración realista, especialmente paisajística, hoy es unas veces neofigurativo, otras abstracto y, quizá también, surrealista, todo esto con relación a la “Serie Onírica” que vengo trabajando en estos últimos años, ya que, anteriormente, hice la serie “Paisaje y Geometría” que, como su nombre lo dice, hace una simbiosis de ambos elementos, resultante de la observación de la geometría contenida especialmente en el paisaje urbano, desarrollando sus posibilidades estéticas que sirvan para evitar lo figurativo realista que , creo, ya está ahí, construido, y sólo debe ser un pretexto para dar paso a la creatividad.

Entre estas dos series se ubica, y traslapa, “Los Habitantes del Tiempo” que, en extrema síntesis, representa escenas humanas logradas con un mínimo de líneas continuas que, sin embargo, resultan suficientes para mostrar el tema espiritual del que trata. Lo indigenista, o más bien lo ancestral-andino está presente con alguna frecuencia en las series anteriores como un fluir natural de mi naturaleza plena de Ande; esto es algo que no procuro ni lo evito intencionalmente.

Definitivamente esos difuminados me dan la sensación de un ambiente andino,  con lluvias y niebla persistente, ¿así lo sientes?

Yo pasé espacios de tiempo de mi niñez en el campo, en el Valle Sagrado, en Calca específicamente, y quedó registrado en mi memoria esos frescos amaneceres con niebla que le dan una tenue  suavidad a la atmósfera, de modo que, especialmente cuando hago figuración paisajística (en mi estilo geométrico),  lo cual no es muy a menudo, esa sensación es trasladada al lienzo.

Dentro de la gama de variaciones, me parece que has resuelto por uno que con semejanzas de otros estilos, sea tuyo, que tenga tu propio sello.

Creo que las tres series antes mencionadas responden a un estilo muy personal y claramente definido. Posiblemente mi condición de autodidacta ha sido una ventaja en ese sentido, pues me parece inevitable recibir influencia de los maestros que nos formen en el oficio.

¿En qué te facilitan tus estudios de ciencias biológicas, en tus trabajos pictóricos? ¿Abandonaste la carrera o trabajas paralelamente en las dos especialidades?

Diez años de mi vida dediqué al desempeño de mi trabajo en laboratorio,  fue una experiencia enriquecedora que ejercí simultáneamente con el arte y ese acercamiento y observación del  microcosmos, me llevó  al deleite de encontrar composiciones “abstractas” maravillosas siendo verdaderamente, realistas, pues existían físicamente y de un modo natural. Me parece que de esa experiencia se fijó en mi subconsciente una linealidad formal y color que hoy, cuarenta años después, se expresa sin proponérmelo, especialmente en la “Serie Onírica” que vengo produciendo, en la que se perciben formas globulares o ameboideas que surgen espontáneas en secreta complicidad con el azar.

Conociste ya joven la obra de tu padre, el pintor Pancho Olazo. ¿Influyó de alguna manera en tu carrera inicial?

Siendo aún niño veía con admiración los trabajos de mi padre y sentía como una obligación moral seguir en el camino del arte que él con tanto amor había transitado. Empecé copiando  algunos dibujos y después pinturas. Ya joven , con los ímpetus propios de la edad, me sentí en la capacidad de buscar formas nuevas de expresión, que  me aproximaron al surrealismo, la abstracción y otros vericuetos del arte, creando en mi personalidad artística ese estilo personal del que hemos hablado y que me da satisfacciones y mayores desafíos.

La exposición que preparas será en Cusco, Lima o en alguna capital latinoamericana, ¿para cuándo y con qué título la presentarás?

Estoy en el proceso de consolidar una producción un poco más amplia de la “Serie Onírica”, que por ahora lleva ese título, todavía no he concretado acuerdos pero es posible que la presente en Cusco, Lima y en dos  ciudades del país y Dios mediante, fuera también (posiblemente Brasil y República Dominicana) .

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Cultura

Un estallido de colores y de luz

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La pintura de Dante Guevara Bendezú, semeja uno de esos ponientes iqueños convertido en luces multicolores sobre la arena y el mar. Fuego que estalla en el cielo transformando a la tierra en un holocausto de  rojos, naranjas y amarillos, como así lo fueron los colores milenarios con que los paracas tiñeron sus tejidos.

¿De dónde le viene esa misteriosa vocación a este artista ayacuchano, nacido en Ocaña y afincado en Ica desde 1990? Seguramente de algún misterioso ancestro, siguiendo la ruta de aquellos pueblos como los Huarpa, que hicieron tratos con los nazcas o chinchas para producir una vasta colección artesanal o los señores wari, que llegaron hasta los enclaves de Ica y Moquehua, llevando la grandeza de su cultura.

Respondiendo a ese llamado desde el pasado, Dante se afincó en Ica para capturar la belleza del huarango y empezó a recrearlo como fantasmas retorcidos por la furia de los vientos Paracas, de los vientos que podrían ser por algún encanto mágico de alguna bruja de Cachiche.

Y no contento, extrajo la resina de este árbol para utilizarlo en su paleta, tal como lo hicieron los artistas de épocas pre hispanas, creando así una obra original e irrepetible.

Su amor por el arte se despertó muy niño y eso lo llevó a realizar estudios en la ESFAP “Sérvulo Gutiérrez”, más tarde llevó una especialización en talleres particulares de Cusco y Lima, de costumbres de los pueblos originarios. Hacia el 2010, estudia caricatura francesa del siglo XX, aplicándola en el Hotel Las Dunas de Ica, y en el 2011, aprende cerámica artesanal.

Esto hasta llegar al 2020 y enfrentar la cuarentena y las consecuencias de la pandemia, por dos años. Tiempos difíciles para todos y que nos obligaron a buscar alternativas. Dante, como otros artistas debió retroactivarse y reprogramar su vida de artista plástico. En esta etapa, decidió explorar y experimentar con el óleo, por eso su nueva producción tiene otro sello, pero la misma fuerza expresionista y la misma vitalidad hecha de fuego y viento, como esos ocasos de Ica o Nazca.

Lima Gris, decidió explorar sobre su nueva tendencia y los propósitos que lo llevaron a esta técnica, paralelamente también sobre  otros aspectos concernientes a su trabajo pictórico.

¿Desde cuando decidiste incursionar con el óleo?

Trabajo al óleo desde mi formación académica en Bellas Artes de Ica, sin embargo, he pasado por varias etapas del tratado al óleo con diversas herramientas y modos sea recurriendo al arte con veladuras, aguadas, empaste al pincel, espátulas y peinetas sobre lienzo.

¿Cómo te fue en la etapa en que utilizabas la resina del huarango? ¿Dejaste escuela? ¿Te sirve para incorporarlo en esta otra técnica?

Es una técnica extraordinaria que responde muy bien el uso de la resina del huarango sobre lienzos, hojas y papeles en todo gramaje sea usando el pincel, cuchillas, plumillas, punteros, cañitas, etc.

Existe ya nuevos talentos muy jóvenes en esta técnica que voy impartiendo desde el 2010 en diversas actividades sea en mi workshop, concursos de nivel superior en Ica, Ayacucho, Arequipa, y desde el 2019 que vivo una etapa de docente en la escuela donde me formé hoy comparto en los talleres de dibujo desde el primer año de las bellas artes de Ica como una característica muy especial que dará frutos en los próximos años.

Y desde luego he incorporado otras técnicas tanto el acrílico y óleos sobre lienzos fondeados con aguadas de resinas a la tinta del huarango, todo obedece a una creatividad constante.

El confinamiento truncó proyectos y emprendimientos, ¿cuál fue tu alternativa para sortear el momento?

Si truncó varias exposiciones en Estados Unidos y mis viajes por centro y Sud América como un representante de la cultura de mi Región a través de Mercociudades y afines externos de la política cultural.

He tenido alternativas de salir adelante durante el confinamiento desde fines del 2020 porque los primeros meses fueron los más crudos sin respuesta de compradores, así que mi taller incremento el volumen de mi producción finalmente emprendí el mercadeo de mis obras por internet y todo el empoderamiento digital posible a favor de mi reinvención llegando a buenos compradores en mi entorno, del sector salud, agroindustrias, y mineros informales quienes buscaron mi producción para interiores gracias al mercado por internet; esto realmente resulta sin salir tan lejos haciendo uso de inteligencias de mercado. Y desde que podemos salir pinto en vivo en diversos lugares turísticos para retroalimentarme espiritualmente de la naturaleza y soltar los colores sobre una paleta mucho más espontáneo.

Los colores, tan brillantes y fuertes, ¿son el resultado de tu identificación con los celajes y el paisaje iqueño o una reminiscencia al arte de los paracas? ¿Te sirve de inspiración el imaginario popular? ¿De qué manera y cómo lo expresas?

Los colores es un bello legado en el mejor escenario a diario, los cielos de Ica aquel fueron la pantalla para los ojos de mis ancestros donde notaron sus carmines para sus mantos paracas, sus cálidos para su cerámica nazca, y hoy los aplico en mi tratado al óleo los colores que llaman muchos andinos también tuvo sus inicios en la costa de Paracas hace 600 a.C. Y en lo imaginario popular no hay nada mejor que sea muy artesanal que siempre me ayuda como un tema de oficio y constancia en la obra en sí, casi poco a nada participa mi pintura con los hechos sociales porque el contenido emerge de lo ancestral iconográfico y un paisajismo mucho mas esperanzador.

¿Cómo ves el mercado en la actualidad para las obras de arte? ¿Existe un público puntual a nivel nacional o quizá internacional?

El mercado del arte nunca ha sido sencillo, casi no me extraña las muestras colectivas por ejemplo porque más es una fiesta de mostrar lo nuevo, pero no se vende casi nada. Por ello siempre me ha gustado vender la obra antes de colgar, y por estos días vendo mis obras con buena aceptación en mi entorno de residencia y promuevo a través de las redes sociales creando mi propia consultora de interiores.

¿Qué acogida tienen en provincias los artistas plásticos? ¿reciben apoyo de instituciones oficiales y de la prensa?

La prensa por estos lados siempre sabe lo que ellos venden, si no eres popular casi poco hacen por una falta de identidad con la cultura de su Región, por el momento la mitad de los artistas en Ica recibieron solo una indemnización de apoyo económico del Ministerio de Cultura de 2000 mil soles en estos dos años, después ni una institución pública se ha preocupado por el arte y sus artistas.

¿Cuál es la movida artística en Ica? ¿Quiénes son los nuevos representantes de la plástica?

Ica tiene maestros y jóvenes artistas que siempre independientemente se ven preocupados y son responsables de sus actividades por sobresalir adelante.

Hay maestros que me acompañan en mi percepción de desarrollo como Pedro Sotomayor, Oscar Paukas Beramendi, Luis Peña Pérez, Miguel Ángel Aybar y un nuevo valor en el dibujo es Martin Caipo y en pintura Álvaro Luján Lancho.

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Cultura

Embajador de arte Naif

Entrevista con el artista peruano José Manuel Escóbar.

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La diferencia entre un paisaje naif y otro hiperrealista, estriba en que el primero está construido con simplicidad y de manera ingenua, mientras que el segundo establece un paralelo con la fotografía, confundiendo al espectador común y corriente. Sin embargo, ambas creaciones resumen arte. Son arte.

¿Qué encanto tiene la corriente naif, para que la cultiven tantos artistas? Y no todos lo hacen como simples aficionados, pues muchos tienen escuela. Para conocerlo, haremos un viraje hasta la Francia de fines del siglo XIX e inicios del XX, cuando el empleado de aduanas Henry Rosseau (1844/1910) pintó aquello que sus colegas denominaron como inocente e ingenuo (naif) iniciando así una escuela en donde se unieron elementos diversos, así la artesanía, el mundo rural, el folclore y la vida cotidiana. Con el tiempo, se han añadido otros, como paisajes urbanos o semi urbanos y escenas citadinas.

Después de Rousseau, surgieron artistas como Anna Mary Roberts, Antonio Ligabrie, la genial Frida Kahlo (1907/1954) que incorporó el paisaje mexicano a su obra, de manera sencilla y cándida. Otro grande fue Oswaldo Guayasamín seguido por Roque Zelaya, o los argentinos Cándido López, Laura Vidra, Pilar Sala, Paula Fisher, Verónica Claudia Labat que le añadieron elementos bonaerenses y de otras provincias, haciendo un arte naif muy argentino.

El embajador

En Perú, también se ha desarrollado este tipo de pintura como lo corroboran los artistas Luis Alfredo Angulo, German Pflucker, Bruno Peña, Enrique Bustamante, Lorenzo Talaverano, Patricia Cruzalegui Henrich, Jaime Vallardo y Jorge Chávez Morales.

Obra de José Manuel Escóbar.

José Manuel Escóbar (Trujillo 1973) es uno de los artistas más consecuentes en este el arte naif, pues le ha dedicado la vida entera como profesional desde su egreso en 1999 de la Escuela Superior de Bellas Artes, Macedonio de la Torre, hasta llegar a ser denominado “Embajador del Arte de América” que le fue otorgado por pintar en homenaje al bicentenario de la Independencia Americana. Es un artista naif, con formación académica.

Ha participado en numerosas exposiciones nacionales e internacionales, siendo reconocido con  menciones en las diferentes exposiciones internacionales como Colombia, Francia, Bélgica, España, Polonia, Brasil y México.

Lima Gris, conversó con el artista para conocer sus puntos de vista respecto al arte naif.

La pintura naif, al ser espontánea, también podría confundirse con el arte popular, tan lleno de candidez  e ingenuidad. ¿ Cuál es la diferencia entre uno y otro?

Se puede decir que no existe diferencia entre arte popular y arte naif, pues cada artista expresa en sus obras, costumbre, tradición y vida cotidiana de su región en forma espontánea, intensa e ingenua.

Por lo general, este tipo de creación se da en personas sin estudios, que ni siquiera practican el arte. Sin embargo, usted ha roto ese molde al tener estudios en una Escuela Superior. ¿Qué aportes puede conseguir a través de esos conocimientos?

Mi obra se define como un arte naif extremadamente soñador,  lleno de fantasía e ingenuidad infantil, cuando pinto obras de iconografía regional, lo hago de forma mística, más no descriptiva.

¿Por qué se dedica al parecer a tiempo completo a este arte? ¿ Qué es lo que le motiva a realizarlo?

 Desde mi inicio, el mercado del arte me fue muy difícil, recuerdo viajar a Lima para ganarme un nombre, ahí conocí marchantes, uno de ellos de la peor calaña y bueno otros que me ayudaron a madurar como artista. Ya con 20 años de experiencia, considero haberme ganado un lugar en el difícil mundo del arte.

Obra de José Manuel Escóbar.

Me gusta el título que le dieron; embajador del Arte de América. ¿Por qué lo obtuvo? ¿Y cómo puede trascender?

Un artista naif hondureño, Jaime Vallardo, organizó una exposición Internacional por el bicentenario de América, Perú – Honduras, con el apoyo de las municipalidades de Pueblo Libre en Perú y municipio de Choluteca en Honduras, fui invitado a dicho evento internacional y todos los artistas fuimos nominados como embajadores de América, fue un evento que atrajo mucho la atención de prensa nacional y de Honduras.

En nuestro medio, ¿existen  artistas que cultivan esta tendencia?¿Dónde se encuentran más, en Lima o provincias? ¿Quiénes son los nuevos?

Hace años llevé un proyecto de arte naif internacional a la galería museo, mansión Eiffel, agradó y lo organizamos juntos, pues yo había participado en muchos a nivel internacional, en dicha convocatoria conocimos más artistas de esta tendencia, como son , Marcela Delvoy, Patricia Henricy, Milagro del Rocío, Jorge Chávez, entre otros.

Obra de José Manuel Escóbar.

¿Cuándo se aventurará a una nueva exposición presencial?

Del 5 al 31 de agosto tendré una muestra individual presencial en la  casa de la identidad regional de la libertad, Trujillo, ahí presentaré una nueva colección de obras con el título MÍSTICO, con un aproximado de 40 obras en 4 salas.

En este evento presentaré también un pequeño adelanto de mi siguiente proyecto individual MÁGICO, espero poderlo presentar para 2023, se trata de una colección de obras, performance (pasarela mostrando atuendos con mis obras pintadas en ellas) también una selección de cortometrajes animadas (cuentos muy cortos donde se narra historia de mis personajes).

¿Cómo recibe Trujillo este arte? ¿Quiénes lo cultivan?

En Trujillo el arte naif aún no es muy conocido, por ello tengo el proyecto salón de arte naif internacional, Trujillo Perú, para dar a conocer no solo a nivel regional sino también al mundo entero, lo mejor de nuestro arte naif. Espero realizarlo este año, aún estoy en conversaciones para la fecha y lugar.

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Cultura

Un Amaru de todos los pueblos

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Caminando hacia el nevado de Pariacaca, ubicado entre Lima y Junín, por los Andes Centrales, nos sorprenderá la presencia de una enorme serpiente petrificada muy cerca de la laguna Culebrayoc. El reptil se ha eternizado con la leyenda que fue recogida en Huarochirí por el doctrinero Francisco de Avila  (siglo XVI) dando lugar al famoso “Manuscrito Quechua de Huarochirí, como puntualiza el investigador Eduardo Vásquez Monge.

Ese documento que guarda creencias ancestrales ahora casi perdidas, relata la pelea que tuvo lugar en aquél sagrado lugar entre el dios Pariacaca, conformado por cinco hombres y el temible Amaru, terrible reptil que causaba terremotos, tal como lo creyeron también los Incas de Cusco. Pariacaca decidió convertir en piedra a tan feroz enemigo, dejando para la eternidad su cuerpo regado por el camino.

¿Quién fue el Amaru y cómo lo vieron los conquistadores? Según la creencia andina, se trataba de una gigantesca serpiente que con el movimiento de su cola, producía los terremotos. Los hispanos la asemejaron a la bíblica serpiente, forma demoníaca que atormenta a los humanos desde la creación del mundo.

Pero no son los andinos los únicos que la conocieron e incorporaron a sus creencias religiosas, pues la encontramos también en México vestida de pájaro y serpiente con el nombre de Quetzalcóatl, lo mismo que entre los dieguitas, pueblo ubicado al noroeste argentino y también ha sido venerada por las culturas del Collao.

Obra de Alfredo Amaru.

 Fue tan trascendente su presencia en la cultura andina, que Felipe Topa o Túpac Amaru, descendiente de Huayna Cápac  y último gobernante de Vilcabamba, fuera bautizado con este nombre que significa “serpiente resplandeciente”. A Túpac Amaru primero, lo mandó ejecutar  el Virrey Francisco de Toledo en 1572, pero su nombre lo heredó el gran cacique de Tungasuca y Surimama, José Gabriel Túpac Amaru II, que habría de encabezar la más grande rebelión independista de América del Sur en 1780.

El Amaru en el arte

En el ideario andino, persiste aún  el Amaru, como un hito de resistencia y fue un artista de múltiples facetas que decidió adoptarlo como segundo nombre.

Alfredo Díaz Huamán, natural del distrito de Maras, provincia de Urubamba, profesor de las especialidades de Dibujo y Pintura de la hoy Universidad Diego Quispe Ttito de Cusco, ha escogido como seudónimo artístico el nombre de “Alfredo Amaru” y para ello creó un sello en donde aparecen dos serpientes. Una nos confesó es él como padre y la otra es su hijo Stephano como heredero de esa tradición mitológica.

El artista que radica en Cusco, pero se siente parte de todos los pueblos, está participando en la Exposición de Camélidos (galería Eiffel-Jr Ucayali 170, Cercado de Lima) hasta el 10 de enero y nos refiere que es respetuoso de la tradición. Sus obras son de carácter trascendental, atemporales, tomando en cuenta el pasado que combina con el presente.

Los estilos de Alfredo Amaru, son múltiples y él que ha viajado por el extranjero llevando su trabajo creativo, ha sabido reconocer las diferentes corrientes y estilos que le pueden servir de inspiración. Su dominio del color que a veces nos recuerdan a un Caravaggio o de repente  a los del pintor tupiceño, Guillermo Tejerina, o a los de un César Gavancho Chávez y Adolfo Sardón Abarca, artistas  cusqueños, nos muestran su actitud de independencia tanto en las formas como en la coloración.

Alfredo Amaru.

Pero esto no es todo, pues Díaz Huamán, también ha incursionado en el hiper realismo que lo aplica principalmente en el retrato, como nos demuestra el ejecutado con gran maestría al músico cubano Ibrahim Ferrer. Entre sus inclinaciones se cuentan además la artesanía (imaginería) y la música, siendo ejecutante aprovechado de la quena.

Ibrahim Ferrer formó parte de la banda “Buena Vista Social Club”.

Lima Gris, conversó con este talentoso artista para que nos acerque a su uni verso creativo, en donde reina como deidad absoluta, el AMARU.

Usted eligió el seudónimo de “Alfredo Amaru” en referencia  al nombre de Túpac Amaru y/o también al de la gran serpiente, esa divinidad de los inkas  ¿causante de los terremotos? Me habló de Dos Amarus , uno usted como padre y el  segundo, su hijo . ¿Es el mismo simbolismo del Amaru de dos cabezas?

Siempre he tenido pasión por esa deidad totémica andina, el Amaru, símbolo de sabiduría, guardián de la cosecha, dador de vida, comunicador entre el hombre y el cosmos; Dios Elemental, muchas veces representado por un rayo, una serpiente, agua, fuego, etc. De Allí nace el seudónimo unido con mi nombre pila. También tengo mucho respeto a José Gabriel Condorcanqui Noguera, conocido posteriormente como Túpac Amaru II  caudillo indígena quechua y precursor de la independencia Americana.

“Dos Amarus” representa una marca (dos serpientes Amaru en vuelo, dentro de un eterno circulo), es la representación de dos generaciones, asociadas en un proyecto audiovisual y estudio fílmico, el primer Amaru es mi hijo Stephano mi crítico y mano derecha, y el segundo Amaru soy yo.

He visto dentro de la diversidad de sus obras, que no se ajusta a un solo estilo y eso hace más atractiva su creatividad. Sin embargo en todas se puede apreciar un acercamiento andino, es algo innato o casual?

Soy un artista plástico libre, no tengo parámetros obtusos a la hora de mi creación y expreso con línea y color lo que siento al momento de componer y realizar mis obras, la vida es cíclica nunca está quieta.

Nací en Maras, viví mi infancia en T’iobamba, un pequeño pueblo, en una meseta de las entrañas del Ande muy cerca del valle sagrado, jamás tuve que elevar mi rostro para conversar con los dioses tutelares del Chicon, Pumahuanca o el Pitusiray y el cosmos, nos tuteábamos por así decir. Mi vida ha sido una constante lucha de progreso y entendimiento con la Cosmovisión Andina y esta realidad.

Noto la influencia de los grandes maestros del Renacimiento como Caravaggio en algunos de sus trabajos, ¿qué otros referentes ha tomado en cuenta?

He aprendido a valorar obras de grandes maestros y encandiladamente estudiarlos, sus técnicas, la fantasía y maestría de las composiciones de Jheronimus van Aken, el arte exquisito de ser parte de “La torre de Babel” del Neerlandes  Pieter Bruegel de Oude, o ser testigo de acontecimientos bíblicos en primera fila junto al gran Michelangelo Merisi el Caravaggio a Rubens por mostrarme la ampulosidad de la carne y que un simple boceto vale igual que una gran obra de arte acabada. Al final agradezco a todos ellos y  a muchos otros maestros más, pues ellos han enriquecido a mis obras.

¿Qué es lo primero que les recomienda a sus alumnos? ¿permite su independencia creativa  o les impone un modelo determinado?

Cuando uno se vuelve maestro, lo primero que enseña a sus discípulos es, conocer las cosas en su forma real (sensu stricto), su peso, color, intensidad, elasticidad, masa, temperatura, etc. Para luego pasar a la composición, armonía, técnica y con una base bien cimentada dar rienda suelta a su imaginación y que no se detengan jamás.

¿Cuál es el criterio que impera en Cusco sobre las artes plásticas? Se continúan copiando los modelos indigenistas y post indigenistas o ¿hay más apertura de estilos?

Los estilos contemporáneos han comenzado a empoderarse sobre los estilos del siglo pasado, la globalización de la Internet permite que todo esté conectado y por ende también el conocimiento de las vanguardias del arte contemporáneo,  haciendo una especie de hibridación de Arte Andino-Contemporáneo, con temas de la Cosmovisión andina mezclados con la realidad.

Descubro que es también un gran retratista como lo evidencia ese que realizó al gran músico cubano Ibrahim Ferrer. Le dedica un tiempo a esta especialidad.

El tema del retrato es una pasión por entender la expresión del ser humano, pongo muchas horas en estudiar rostros de hermanos poetas, músicos, campesinos, del vecino, la compañera, literatos, científicos,…  pues amo nuestra hermosa nave espacial a quien le llamamos Tierra, que solitaria surca el vasto Universo y a la vida que hay en ella. Un retrato lo dice todo.

Incluye entre su temática, la artesanía. Cuántas imágenes ha producido para el Santurantikuy? Seguirá por esa veta?

Hace ya 39 años comencé a pintar, y lo hice realizando copias de la famosa Escuela Cusqueña de Arte, pues hacer este tipo de expresión es considerado como artesanía, considerando que el arte nace de ella. En la actualidad mi producción artesanal es poca. La feria artesanal Navideña tampoco es la de antes, hoy día sea convertido en una expresión netamente mercantilista por parte de los entes que supuestamente velan nuestra cultura DDC, DIRCETUR,  Municipio  (Emufec). Donde esta tradición ya casi ha muerto y los verdaderos expositores de la artesanía y hacedores de esta expresión cultural son desterrados a ser ambulantes (son los hermanos campesinos que traen cada año la venta de sus helechos, rocas, gramas, flores silvestres, para adornar el pesebre para así llevar algo de sustento a la canasta familiar que en caso de ellos su economía está perdida, los hermanos Qollas que tren sus tiestos, parafernalias de animales duendes  alasitas realizados en cerámica tampoco están en su totalidad), pues ese era el espíritu de esta feria.

Como artista todista, también incursiona en la música. Su proyecto de intervenir en el cine con un motivo de quena, cuándo y en qué producción se concretará?

Siento que en el arte estoy haciendo poco (se podría decir que, recién estoy comenzando). La creación de “Dos Amarus” abre el horizonte de crear más arte, actualmente estamos en la realización de un corto animado basado en el bicentenario y que estamos estudiando la incursión de instrumentos andinos de viento como la quena en la banda sonora de este proyecto que de seguro estará a la altura de los mejores estudios audiovisuales existentes y esperamos también que contribuya en el engrandecimiento de hermandad de la humanidad. Estamos completamente seguros, que la creación no debe tener límites frente a la tecnología actual y que el ser humano es capaz de seguir creando sueños en un mundo cada vez más virtual; sueños, que sin perder el horizonte son realidad.

Sean bienvenidos a compartir este viaje con nosotros.

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Cultura

Gary Nader: “Mi pasión sigue siendo el arte latinoamericano”

Una exclusiva entrevista con el coleccionista de arte latinoamericano más importante del mundo.

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Luego de casi seis horas de viaje Lima Gris llegó hasta la ciudad de Miami para conocer y conversar con uno de los coleccionistas más reconocidos del arte latinoamericano en el mundo. En medio de un montaje de su una exposición Gary Nader, nos abrió las puertas de su galería, un fabuloso espacio donde conversamos sobre su gran colección integrada por obras de Fernando Botero, Pablo Picasso, Marc Chagall, Damien Hirt, Albert Oehle, entre otros.

Gary Nader nació en República Dominicana en 1961 y actualmente maneja la galería de arte que lleva su nombre. La galería cuenta con una gran colección privada de arte latinoamericano y se encuentra ubicado en el corazón de Wynwood, el nuevo distrito artístico de Miami.

Aquí nuestro encuentro con Gary Nader.

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Cultura

Paola Denegri: azul-verde-acero

Pintar, fotear, escribir poemas entre clase y clase vía zoom, organizar una exposición, y además conducir en bicicleta (¡en Lima!) y sin perder jamás la sonrisa. Así es la vida de la artista Paola Denegri.

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Sonrisas desangeladas, sonrisas frías como una carta de tu ex que empieza por, “Estimado”;  y caras largas, eso es lo que más he encontrado entre pintores, y que decir de los escritores. Pero una sonrisa radiante, eso muy pocos artistas.  Paola Denegri es alguien distinta, sonríe, sonríe cuando expone una muestra como cuándo pinta. Sonreír, crear y seguir sonriendo, he ahí el misterio. “Me hace ser feliz ser artista, aunque no se hable tanto de mi trabajo como me gustaría”. Todavía.

 Muchas veces se cuestiona del arte cuando se la percibe como solo bonito. Bonito e interesante. Pero la obra de Paola es bonita e interpelante. Hay algo ahí que reconforta (el bienestar que produce la belleza) y luego está ese extraño rompecabezas de la interpretación que se ofrece, una insinuación, un significado escondido en los pliegues rugosos del papel japonés. Este es un breve perfil a la carrera de artista plástica de Paola, su servicio con alegría en el arte, y cómo a pesar de todo continúa con la misma o mejor actitud con la que empezó a los 20 años.

Como toda historia de un artista, está también empieza con un rotundo NO de la mamá ante la vocación adolescente  de su hija. “Te morirás de hambre. Además la primera de la clase no puede ir a Arte. Sería un desperdicio” recuerda Paola lo que le respondió su mamá cuando le manifestó su deseo de ser pintora apenas acabó el colegio. Como toda conversación sobre el destino de los hijos con los padres, esa también fue una charla breve. No quedó más remedio que estudiar psicología.

Poco después y al son de los coches bombas, apagones e hiperinflación, Paola migraría como otros cien mil peruanos al extranjero. De limpiar casas como ilegal en Londres, trabajando 16 horas al día, pero con felicidad, oyendo a Sting y robando el tiempo suficiente para tomar clases de serigrafía. Como todo inmigrante joven de 20 años, exploraría nuevos rumbos, esta vez viajaría a Boston, trabajando como una dependienta en una tienda donde no entraba nadie. La primera de su clase se empecinaría en estudiar con aplomo su Oxford Dictionary todos los días mientras leía libros de fotografía y soñaba con hacer retratos como Irving Penn.

Cuando la situación empezó a calmarse en Perú, Paola regresaría con intención de meterse por algún resquicio del arte. Empezó en la fotografía, en el blanco y negro para ser más preciso. De unas breves prácticas de foto callejera en la Lima caótica de 1990, en la cual duró muy poco pues como menciona ella “mi aspecto llamaba a qué me roben”, paso al foto retrato. Sabía que por ahí podía hacer lo que le gustaba y hacer dinero. “A los 20 años uno cree que puede hacerlo todo”. Y ella se salió con la suya.

Aterrizaje. Obra de Paola Denegri.

Cuando Lima era arrasada por hordas de combis, una primera exposición del trabajo de Denegri atrajo la mirada de un entonces aún no muy viejo Luis Lama. Un año después Paola expondría en el Miró Quesada Garland, su carrera como fotógrafa en exposiciones comenzaba a despegar. Lamentablemente a Lama dejaría de gustarle su trabajo por haberse vuelto su fotografía “comercial”. En fin, la suma de los cuadrados de los catetos es igual al cuadrado de la hipotenusa. Con esto quisiera decir que artista que no come, no crea, y lograr ser comercial en años de economía en recuperación es un mérito y no un estigma curatorial.

Los mediados de los 90s llegaban con la crisis de la toma de rehenes de la embajada de Japón, la recesión del 98 y el auge en plena crisis de una corriente nueva de artistas y cineastas. Paola entonces ya era mamá de dos varones, su fotografía alcanzaba cotos de paisajística poética, un clima de nostalgia donde las sombras se volvían piezas protagónicas y reinventaban la realidad. “En la fotografía hay que captar el momento, ser uno con la cámara. ¿Qué sería de la luz sin las sombras?”. En una Punta Hermosa desangelada un niño solo ante una mesa, globos y un pastel. Las sombras de los globos reconfiguran toda la escena, las sombras de los globos parecen más reales que los mismos globos. Una foto preciosa pero también el retrato de nuestros felices y no felices años 90s: un cumpleaños a solas. Ahí está reflejado el espíritu de la Generación X.

First Birthday. Foto: Paola Denegri.

Hacia 2005 otra vez el viaje, nuevos cielos, y esta vez el color. “Yo empecé a pintar en Canadá. Aquí aprendí de colores, de la mejor manera sobre los cambios de los colores, a través de los cambios de las estaciones.  Cuando llegué a Canadá mi percepción cambió y fui mutando a la técnica mixta. Usaba fotos y óleos. Encontré en la pintura una libertad que no la encontraba en la cámara. Y luego encontré el papel japonés que tiene muchos grosores y colores maravillosos, y que cuando los mezclas en capas te dan otros colores. Siento que con la cámara estás en el momento. Pero para ir más hacia adentro me gusta más la pintura”.

Algunos años más tarde, y después de exposiciones en EE.UU. y Canadá, Paola regresaría al Perú. Mientras continúa con su trabajo también se da a la docencia, y a veces entre bocetos de naturalezas muertas escribe haikús y alguno que otro poema. Sobre su escritura hay algo más que no está en sus pinturas y fotos, una rara sensación del proceso (no el resultado) de su fragmentación.

Murmura

Inevitable

                    Su

Suda hasta      Locura

Olor rancio

Observa desde su ventana

Azul,     acero

Verde

Un pájaro

          Mil pájaros

Obra de Paola Denegri.

Paola trabaja casi todos los días en su estudio. “Cuánto más trabajo más inspiración encuentro, porque al crear eres uno con el pincel. Y eres con la cámara una sola cosa”. Ahora ella va por otro camino, dibuja y cose sobre papel, armando rompecabezas de cariátides. “Creo que trato de recomponer lo que he roto. Así como Nietzsche decía, el hombre es un ser fragmentado y por eso es incompleto. Me encanta esto de recoger mis fragmentos y ser un ser menos fragmentado. El arte permite adentrarme en mi ser y descubrir cosas sobre mí y que se dan en el papel. Cuando encuentro la disposición de las formas, ahí encuentro algo sublime. No lo sabría explicar, pero ahí en la pieza lo veo con  claridad, pero tú no necesariamente, puedes ver otra cosa o nada. Es que yo me esfuerzo mucho para que el otro no me comprenda”.

Su fotografía y su pintura reflejan esa búsqueda de sí misma, que no es otra cosa que una reafirmación de una actitud: Paola ante la amargura o la tristeza elige ser feliz. Y eso es precisamente el arte de vivir.

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Cultura

Un encuentro con Gary Nader en Miami

Art Basel es el evento más importante de arte en el mundo. Nuestro corresponsal Ricardo Terrones, llegó hasta Miami para la inauguración de la gran feria. Además, conversó con el gran coleccionista de arte Gary Nader.

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Gary Nader y Ricardo Terrones.

Lima Gris llegó hasta Miami para conocer al coleccionista más importante de arte latinoamericano en el mundo. Su nombre es Gary Nader, nació en República Dominicana en 1961 y actualmente maneja la galería de arte que lleva su nombre. La galería cuenta con una gran colección privada de arte latinoamericano y se encuentra ubicado en el corazón de Wynwood, el nuevo distrito artístico de Miami.


En nuestro encuentro previo a la entrevista, Gary Nader nos abrió las puertas de su galería en pleno montaje de la muestra de su colección de arte. Entre las adquisidores del afamado coleccionista aparecen obras del artista colombiano Fernando Botero, Pablo Picasso, Marc Chagall, Damien Hirt, Albert Oehle, etc. Según especialistas, Gary Nader tiene la colección más grande de Botero.

Nader acababa de llegar de Nueva York donde presentó una muestra de su colección privada del artista cubano Wilfredo Lam, y donde se cerró una venta de una obra por el valor de 5 millones de dólares. A pesar de su agitada agenda, el coleccionista nos recibió para conocer más de su trabajo alrededor del arte latinoamericano.

La muestra que será inaugurada el 01 de diciembre y donde Lima Gris estará presente, se expondrán obras de los artistas Roberto Matta, Julio Larraz, Claudio Bravo, Wilfredo Lam, Rufino Tamayo, Rafael Soto, Tomás Sánchez, Mario Carreño, Joaquín Torres García, entre otros artistas latinoamericanos.


Nuestro enviado especial Ricardo Terrones, llegó hasta Miami para entrevistar a Gary Naider y también realizar una cobertura especial de la nueva edición de Art Basel, el evento de arte más importante del mundo, que se inaugura el 30 de noviembre.

La Feria de arte abrirá a invitados VIP desde el martes 30 de noviembre y durará hasta el 04 de diciembre. En la entrevista que publicaremos pronto en Lima Gris, Gary Nader habló sobre sus inicios en el arte, su primera galería en Miami, el arte peruano, la tecnología y la relación con el arte. Además, reflexionó sobre la situación de los jóvenes artistas que tienen el compromiso de construir un lenguaje propio.

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Cultura

III Salón Internacional de Arte Independiente

Una muestra internacional de arte con la participación de 35 artistas de diversos países.

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La Coalición Independiente de Artistas (35 artistas internacionales) sumando esfuerzos al equipo de Círculos Cultura mediante la Dirección del Artista y gestor Martin Ferro se unen en esta 3era Edición Latinoamérica – Virtual para la realización de la exposición.

Entre los 35 artistas que participan se encuentran:  Margarita Ninapaytan, Martin Ferro, Jorge Miyagui, Martín Yépez, Katia Landauro, Karry Carrión, Rebeca Dorich, Karina Aguilar, Franco Espinoza, Silvana Ponce, Denice Culqui, Luis Cruzado, Willy López, Abel Salazar, Jhon Rojas y Rosadina Güere (Perú), Liliana Rothschild, Alberto Machicado y Diana Viera (Argentina), Álvaro Bonilla (Colombia), MATT 13 (Costa Rica), Adner Guevara y José Luis Lorenzo (Cuba), Francisco Barahona y Renato Ulloa (Ecuador), Graciela Guerrero (México), Zulaika Vega (Panamá), Wilmer Colón (Puerto Rico), Réjane Limnios (Francia), Emily Shih (Taiwán), Mahima Gupta (USA), Ekatherine Vanderbiezen-(Holanda). Sumados a la presentación de los destacados músicos: Fernando Mogollón y Alberto Fabián Alva y la participación literaria con Paul Flores E.

Esta acción cultural educativa y artística de integración sin fines de lucro se ha desarrollado en Perú, Chile y Ecuador desde el año 2016, como producto de la colaboración entre destacados artistas ahora de 12 países. En una amalgama de talento y creatividad se integran interdisciplinariamente los temas musicales vinculados a la identidad cultural y la libertad: Articulándose como una nación y raza humana mediante la iconografía de las artes y la identidad como cultura latinoamericana.

La exposición ya se encuentra online desde el 12 de octubre del 2021 en la plataforma virtual de Círculo Cultural la exposición virtual. Las obras estarán durante un mes mediante la gestión en equipo dirigida por el artista gestor y difusor cultural Martin Ferro.

Esta exposición se desarrolla en formato Virtual donde se puede apreciar la riqueza visual y de contenido humanista del collage multicultural e interdisciplinario propio de Latinoamérica la cual cuenta con material pictórico, literario, musical y audiovisual.

Ingresar a la dirección Facebook del Círculo Cultural: Perú.

Exposición virtual activa semana a semana: htps://www.facebook.com/martin.ferro.artes/

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