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Cine

Los cuerpos coloniales en Beau Travail

Lee la crítica de cine de Rodolfo Acevedo.

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Todo en Beau Travail (1999) —Claire Denis (París, 1946)—, está relacionado con el acto de mostrar cuerpos: cuerpos esculpidos por el ejercicio y la disciplina (los legionarios); cuerpos que se desean, se envidian y se odian; cuerpos que se extrañan y se observan con desdén o con cierta hostilidad; cuerpos que se lucen en pistas de baile o que buscan la aprobación en la mirada atenta del hombre mayor a cargo. El contexto en que estos cuerpos se mueven y se miran es el espacio poscolonial de una base de la Legión Extranjera Francesa en el desierto de Yibuti —en ese momento ya un país independiente. Y todo ello funciona como un recuerdo manchado, desdibujado y convertido en una memoria amarga que obsesiona a un cuerpo solitario, desterrado en la ciudad francesa de Marsella, desde donde reevalúa los sucesos que lo llevaron de vuelta a su país y todo lo que perdió con ese regreso.

Ese hombre que recuerda es el ex sargento Galoup. Su memoria será el mecanismo que active el visionado de lo ocurrido en la base militar y alrededores, el conflicto que lo enfrentó al recluta Sentain, el personaje que no sólo gana el favoritismo del comandante Forestier y el ascendiente en la tropa, sino que también con sus gestos y acciones, fisura el orden castrense, cuestiona los castigos y sus razones, la rigidez de las prácticas, el mundo que allí ha sido construido. Un mundo decadente dicho sea de paso, anacrónico si se piensa en el tiempo en que se encuentran aquellos militares franceses —y de otras nacionalidades—, sobrevivientes de  una vieja institución colonial, en un país que ya no se reconoce colonia. De ahí que las miradas de los nativos sean de extrañeza, desinterés, y en ciertos pasajes incluso de fastidio y enemistad, como obligados a    tolerar algo que no se explica que siga allí, que persista frente a los cambios de la historia. Porque si no fuese así, ¿qué hacen esos legionarios con tanto ejercicio y maniobras, patrullando y vigilando un territorio que no les pertenece –que nunca les perteneció? (Nostalgia colonialista).

La figura de Sentain desestabiliza, provoca quiebres —no muy determinantes quizás—, y filtra los signos de una nueva época en el cuerpo militar que empieza a desmoronarse. Eso es lo que parece entender el comandante Forestier en las conversaciones que tiene con Galoup o en sus mudas reflexiones observando el horizonte o reconociendo a sus legionarios, adaptado ya a ser una figura decorativa y paternal, muy distante de su pasado “heroico”. Lo que entendemos  es que si ese orden perdura lo hace a través de la forma. La manera meticulosa de planchar y arreglar el uniforme, las filas bien alineadas durante las marchas, la organización de las tareas del grupo. La disciplina militar y sus modos severos se han convertido en una especie de coreografía masculina inocua, respecto a su antiguo referente. (Referente que sin embargo no está lejano ni en tiempo ni en lugar del que se ubica la película, pensemos en las guerras e invasiones de finales del siglo XX –y las posteriores).

La cámara destaca esos cuerpos ensimismados en sus trabajos y demostraciones, como aparentes figuras del orden y la belleza. El ambiente mostrado prioriza la contemplación de esos cuerpos y el deseo que allí sobrevuela, contenido sin embargo en las obediencias, en la preservación de las jerarquías, en el mantenimiento de la célula castrense. Las salidas de fin de semana son el momento en que los cuerpos juveniles —en particular—, “desfogan sus energías”  al irrumpir en el pueblo o ir a las discotecas en busca de muchachas. Pero ni siquiera en esos momentos en el que el interés parece dirigirse a otros lados, los cuerpos de los reclutas dejan de ser objetos de contemplación: a través de los espejos de la pista de baile, o en la mirada vigilante y complacida de Forestier. 

El conflicto que entraña Beau Travail —inspirado en el Billy Bud de Herman Melville— cuenta en primer término la perturbación de un hombre, Galoup, que ve como su propia posición es puesta en entredicho por la presencia de otro, Sentain. Pero en paralelo, la película  también narra el día a día de un simulacro -a través de una representación muy estilizada-, de los restos de un colonialismo que intenta subsistir a base de rituales cotidianos con los que trata de afirmarse, aun contra la evidencia de los tiempos. Contexto claramente cargado de sexualidad, en el que un ballet masculino enfatiza su constante trabajo físico —muy enérgico por demás—, como actos autorreferenciales, confiriendo también un sentido de aislamiento, de encierro, a esa base de legionarios. Pero también observamos, que ese lugar distante y protegido es un lugar asediado, en donde la precariedad del orden en que viven sus personajes, produce distintas identificaciones: como espacio a ser revalorado, vuelto a engrandecer —en Galoup sin duda y de ahí su drama—; como lugar de espera, de obediencia por la función desempeñada aunque se sepa inútil —en Forestier—;  y como espacio de juego y expresión personal, a cierta distancia de los valores que allí se promovían —en Sentain.

Quizás por ello, se propone a la base como un espacio cercano a lo sagrado —en cierto modo, una reliquia—, en donde la transgresión termina siendo castigada con la expulsión tanto de la víctima, como de su verdugo. Así el cuerpo de Sentain es cuidado por una pobladora que lo recoge medio muerto en el desierto, mientras que Galoup termina bailando solo en una discoteca, admirándose él mismo en los espejos.

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Cine

La diosa Killa se hace carne

Entrevista con César Galindo, el productor y director de cine nos da un alcance de la nueva producción cinematográfica “Killaq Wawan”, protagonizada por Magaly Solier.

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Durante el siglo XVII, se ejecutó  en lo que fuera el virreinato del Perú, una de las campañas más violentas y aniquiladoras de nuestra historia, pues en aquella etapa que comprende desde 1609 hasta 1626 fueron destruidas infinidad de huacas, apachetas, mallquis y todo signo que representara la fe de los hombres del Tahuantinsuyo para sustituirlos con las creencias católicas. Francisco de Ávila, Gonzalo de Ocampo y el arzobispo Pedro de Villagómez, fueron los doctrineros encargados de lo que se conoció como  “extirpación de idolatrías”.

La estrategia destructiva, surgió como respuesta a uno de los movimientos más significativos e intensos aparecidos para preservar la cultura ancestral. “La enfermedad del canto” o TAKI UNQUY (en quechua ayacuchano) o Taqui Onqoy, tal como llegó hasta nosotros desde que surgió hacia 1564 en la sierra central (Ayacucho y Apurímac). Vinculado a antiguas raíces andinas  propiciaba el abandono de todo tipo de creencias y costumbres traídas por los hispanos. Paralelamente apareció el mito de Inkarrí, después de la ejecución de Felipe Túpac Amaru, el 24 de septiembre de1572 que anunciaba el retorno del Inka cuando se uniesen sus partes repartidas por los cuatro suyus.

Habla el cineasta

César Galindo, es un cineasta comprometido con la cultura autóctona y de ahí que en sus producciones, recoja siempre elementos nativos. Esta vocación le viene por sus orígenes pues de niño vivió en el caserío de Molle Pucro  (Puquio, Ayacucho) y en su alma continúan retratadas las costumbres tradicionales de su pueblo como el techado de las casas, los carnavales, la marcación del ganado, los bailes de los danzantes de tijeras.

César Galindo, cineasta.

Ese rico bagaje, se trasuntó en documentales como “Nuqa”,”Yaku”,”Cinco minutos por los muertos de América” y el largo metraje” Willaq Pirqa”. Pero será siempre una de sus grandes inquietudes, descifrar lo que llama “el quipu emocional” ese ente incógnito que hirió su infancia y trata de descifrarlo a través del violín del maestro Andrés” Chimango” Lares, siguiendo la ruta del escritor José María Arguedas y quizá también con el cine.

Killapa Wawan

Dicen que en la danza se expresan emociones y sentimientos que relucen a través de los movimientos. Pero también, que estos evocan creencias y mitos que solo es posible sacarlos a luz,  tal como ocurre con un baile que más pareciera un rito: la danza de tijeras.

Al respecto César Galindo, nacido en Lima, pero criado en Puquio, nos dice que esta nueva producción “persigue buscar la expresión de  voces de una de las regiones del Perú”. El cineasta elude utilizar el castellano y la cruz en sus películas.

El argumento de “Killapa Wawan” (Hija de la Luna) rescata una versión del mito, que se expresa en la danza de tijeras y ha sido adaptada por la creatividad del cineasta. Killari (Luz de Luna) es una adolescente de 15 años y ha sido criada por su madre Agucha, quién no llegó a decirle a Pacha phuyu que iba a ser padre y siente pena por eso. El abuelo Remigio, el otro miembro de la familia, llora la muerte de su hijo Pacha quien fue vencido por Lucifer en una contienda a través de la danza de tijeras.

La trama transcurre en las afueras de Ayacucho, en el caserío de Razuhuillca cercana a los 4,000 mts de altura y muestra cómo la bella Killari, es escogida por los Apus para enfrentarse al Enemigo, cuando iba a recoger leña en Pusapaqcha (cataratas). Una designación muy singular pues los danzantes desde antiguo solamente fueron varones. Con este cambio, nuestro cineasta nos habla sobre la equidad de géneros que  se dio en el mundo andino.

Creemos que esta nueva producción se suma a los grandes largo metrajes de esta índole como “Extirpador de Idolatrías”,”Retablo”,”Wiñaypacha”,”Laulico” y la iniciadora de este valioso género, “Kukuli”.

Actriz peruana Magaly Solier.

La Ficha Técnica de Killapa Wawan ( con diálogos en quechua ) reúne los nombres de César Galindo como productor, director y guionista. Productor Ejecutivo, Paulo Puerta, Director de fotografía, Juan Durán, ingeniero de sonido, Juan Acevedo.Entre los actores principales están: Carolina Luján, Magali Solier, Chimango Lares. Idioma: Quechua.

Lima Gris, conversó con este excelente productor y director de cine para que nos de un alcance de la nueva producción cinematográfica “Killaq Wawan”.

Esta nueva producción se fue realizando en varias etapas, pues ya antes de la epidemia me hablaste de la película. ¿Fue difícil retomarla y sobre todo volver a convocar a los actores?

Efectivamente debió de filmarse un año antes, pero por la epidemia, me vi obligado a suspenderla un año. Esto me permitido definir  a los actores y conocerlos mejor. No debemos de olvidar, que hay muy pocos actores quechua hablantes y encontrarlos, es tarea de los que apostamos por uno de los idiomas oficiales de mi país.

El detrás de cámara de la película “Killaq Wawan”.

Aparte de tu preocupación por la preservación del quechua y anhelo de que sea el segundo idioma oficial del Perú, entiendo que quieres proyectar la visión andina que tuvo el escritor y antropólogo José María Arguedas. ¿Es posible seguir rescatando esos mitos y leyendas, cuando la globalización tiende a erradicarlas y reemplazarlas con creencias y costumbres ajenas a nuestra identidad?

Creo que es posible y se debe rescatar nuestros mitos y leyendas, que forman parte de nuestra identidad. En el mundo como una reacción a la globalización, también se ha producido una suerte de autoafirmación, de nuestras propias culturas, que muestran que no somos una sola masa cultural, sino la suma de muchas, que forman parte de nuestra riqueza ancestral.

¿La comunidad de Matará apoyó la realización de esta nueva producción?

Las comunidades que se nombran en la película y que inspiraron a la historia se encuentran en realidad en otro lugar. Pero sí hubo una colaboración de los ayllus locales, pues participaron en algunas escenas colectivas.

¿Cuánto de auténtico y cuánto de creación propia tiene este argumento? ¿Copia alguna leyenda quizá? 

El argumento recoge vivencias personales de mi infancia en Puquio y el mito del “ niño danzaq ”, el cual lo amplio y lo hago parte de la historia, dentro de una trama construida como una tragedia andina, teniendo como testigos a nuestras montañas, nuestros cóndores, nuestros Apus. 

Fotograma de la película “Killaq Waean”.

La tradición impone que los danzantes de tijeras sean solamente varones, sin embargo se está imponiendo cada vez más la participación de la mujer. ¿Cómo interpretas este fenómeno?

Creo que es importante, mostrar que los seres humanos, indistintamente de nuestro sexo, tenemos los mismos derechos y posibilidades, aun si esto suena a un “cliché teórico”, debemos de insistir hasta convencernos que es cierto.

¿En qué fase se encuentra la producción de “Killaq Wawan? ¿Para cuándo  está previsto su estreno y dónde?

El rodaje se terminó el último día de mayo, el material ya está sincronizado y en etapa de edición. Sin pecar de optimismo espero que “Killaq Wawan” salga a la luz, antes de fin de año.

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Actualidad

Buzz Lightyear: La polémica advertencia de Cineplanet sobre “ideología de género” que lo convirtió en tendencia

Advertencia de Cineplanet por película con contenido de “ideología de género” desató una gran polémica.

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Un mensaje de advertencia fue el detonante que la gran polémica que se discute en las redes sociales. Todo se originó con la película Buzz Lightyear que se viene estrenando en las salas de la cadena de cine internacional. Varios usuarios se percataron que en la sinopsis de la película se colocó un aviso de advertencia para las compras de boletos por la escena de un beso entre dos mujeres en la cinta de Disney.

La película es recordada por su personaje guardián interestelar que también participó en la cinta Toy Story, de Disney. En la sinopsis se lee: “La historia del origen de Buzz Lightyear, el héroe que inspiró el juguete, y que nos da a conocer al legendario Guardián Espacial que acabaría contando con generaciones de fans. (Contiene escenas con ideología de género)”, señalaba Cineplanet, como una advertencia del contenido de la escena del beso entre dos mujeres.

Las reacciones por la escena de beso lésbico en película Buzz Lightyear.

Pero Cineplanet no solo advertir a los padres de familia mediante su página también, también la empresa colocó carteles en las ventanillas donde se compran las entradas. Allí se lee “Advertencia de película. ¡Atención! Te informamos que la película Lightyear tienen escenas de ideología de género”.

Esta advertencia ha sido criticada pero también saludada por muchos padres de familia que mediante mensajes agradecieron a Cineplanet por advertirles del contenido de la película.

Las reacciones por la escena de beso lésbico en película Buzz Lightyear.

En los cuestionamientos contra Cineplanet se pueden leer diferentes comentarios en las redes sociales. Uno de ellos fue realizado por Graciela Tiburcio Loayza, quien mencionó: “#Cineplanet es el ejemplo perfecto de #RainbowWashing. Mientras en redes se vende como respetuoso a los derechos LGBTI, en paralelo mantiene posturas conservadoras como la “advertencia” de la película Lightyear. Es el uso comercial de la lucha LGBTI sin un compromiso real. La instrumentalización de la lucha LGBTI se hace más notoria si vemos al Grupo Intercorp al que pertenece #Cineplanet. Mientras el cine advierte sobre la escena lésbica de Lightyear como algo “malo” otras empresas del mismo grupo hacen gala de los colores del orgullo”.

Desde la otra vereda, también se pronunciaron a favor del mensaje de advertencia de Cineplanet, uno de ellos fue el congresista Alejandro Muñante, quien señaló: “Todo padre, como consumidor, tiene el derecho de saber lo que sus hijos van a ver cuando van al cine; de la misma manera, los cines tienen en deber de informar a los padres lo que sus hijos van a ver. ¡Muy bien Cineplanet!”.

Hace unas horas, Cineplanet emitió un comunicado para resaltar que lamentaban este hecho y que esto no representaba sus “valores y cultura de diversidad, equidad e inclusión”, la cual promueven como “empresa”En el comunicado también mencionaron que han retirado el mensaje.

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Cine

El documental “Cines de Video”, del director Wari Gálvez, se proyectará en la sala Armando Robles Godoy del MINCUL

Un documental imprescindible para conocer la historia y memoria del cine peruano.

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A partir del jueves 9 de junio, el largometraje documental “Cines de Video“, del director Wari Gálvez, llega a la sala de cine Armando Robles Godoy del Ministerio de Cultura del Perú con ingreso libre al público.

La película es un retrato de los antiguos cines ubicados en las diferentes regiones del Perú. Se suceden anécdotas narradas por los trabajadores y vemos las antiguas fachadas de las salas o los espacios urbanos que dejaron luego de sus demoliciones. Este documento audiovisual permite entender la importancia cultural y social del cine a través de las salas que albergaron un espectáculo popular y masivo como pocos. ¡Ponte al día con el cine peruano!

“Cines de video” es beneficiario de los Estímulos Económicos para la Cultura en el Concurso de Proyectos de Largometraje Documental 2017 y el Estímulo a la Distribución Cinematográfica 2020.

Ingreso libre

 Jueves 9 – 6:00 p.m. y 8:00 p.m. ( + conversatorio con el realizador)
 Viernes 10 – 6:00 p.m. y 8:00 p.m.
 Sábado 11 – 6:00 p.m. y 8:00 p.m.
 Domingo 12 – 6:00 p.m. y 8:00 p.m.

Ingreso libre de acuerdo al orden de llegada. Para ingresar a la sala es necesario presentar DNI, carnet con esquema completo de vacunación (de acuerdo a la edad), así como el uso de la mascarilla. Capacidad limitada.

Sala Armando Robles Godoy del Ministerio de Cultura: Av. Javier Prado Este 1465 – San Borja
Ingreso libre de acuerdo al orden de llegada. Una hora antes de la función se entregarán tickets numerados por el ingreso de la Av. Javier Prado.

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Cine

Metal y melancolía, de la claustrofobia a la resistencia poética

Lee la columna de Rosa Cáceres.

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Por Rosa Cáceres

Heddy Honigmann realizó hace 30 años una oda poética que caló profundo en el inconsciente colectivo latinoamericano, convirtiéndolo en uno de los documentales más emblemáticos de los 90’s.

La atmósfera gris, ruidosa y contaminada, característica de las ciudades mal llamadas tercermundistas nos contextualiza en una Latinoamérica caótica. Se añaden a esto las temáticas que se abordan en las entrevistas, los testimonios de una constante crisis, política- economía tan quebradiza como los automóviles que conducen los taxistas.

El tiro de cámara austero, casi siempre desde el copiloto, nos recuerda a “El sabor de la cereza” y ese personaje en catarsis; sin embargo, Honigmann se adelanta algunos años a la extraordinaria película de Kiarostami. Acá varios sujetos experimentan similares carencias e injusticias sociales mientras percibimos una suerte de claustrofobia a medida que avanza el relato. Pareciera que esa frustración fuera la condena de una vida en constante inestabilidad, con motores al borde del colapso movidos por alambres y una precariedad que se transforma en el hilo conductor. La circularidad del viaje se torna borrosa, donde se percibe la ciudad en el fuera de campo. Avizoramos ese paisaje a través de las ventanas del taxi: niños mendigando, vendiendo cigarrillos tratando de no desfallecer en un atardecer cualquiera.

Pero debemos preguntarnos si este panorama ha cambiado en su totalidad y nos hemos librado de los trabajos dobles y extenuantes. Salvo por el maquillaje externo de la construcción de algunos mall o píxeles de más, ¿qué ha cambiado en Latinoamérica? Al fin y al cabo porque la itinerancia del viaje para buscar el sustento sea la base de nuestra idiosincrasia, quizás porque todas las políticas globales están diseñadas para que nos mantengamos en una pobreza perpetua, el trabajo infantil, el caos político, y por supuesto asumamos este rol de tener que subyugarnos ahora con el Uber,  una nueva sofisticación técnica, más adornada, pero igual de cruenta, con doble horario.

No es casual que la realizadora elija algunas mujeres, una de ellas violentada por su padre y otra que la guía hacia un cementerio asegurando haber experimentado la muerte, en donde por fin se sentía liberada.

Ironía de Heddy, porque al fin y al cabo todo el relato  apunta a una suerte de *tanatopolítica: “arrojar a la hostilidad de la calle a los cuerpos, abandonarlos, dejarlos en una suerte de inanición.

Metal y melancolía no es solo una gran obra acerca de cómo opera una ciudad y el sujeto que la habita en un contexto histórico especifico, sino que también es un retrato contemporáneo latinoamericano actual y vigente que perpetúa la resignación romántica de la esclavitud y por lo tanto resitúa al documental como una herramienta de denuncia.

Sin embargo hay algo en el proyecto documentativo que destaca, consciente o inconscientemente, y se transforma en el punto de inflexión, “en el mestizaje ocurren bordes de resistencia”; los mismos taxistas apelan a la poesía reflexiva: “somos los navegantes del siglo XX, conocemos la ciudad como el mar, nosotros llevamos las historias de un lugar a otro, propagamos la noticia, como un río subterráneo”. La idea que el individuo por fin se conecta a un sentir comunitario, quizás de orden ancestral, un especie de chasqui post-moderno conservador del mito.

Continuando con la idea del mestizaje, va más allá, la mentira y la verdad se mezclan, y al final da lo mismo, porque de ella surge, otra cosa, el título de este documental, inventado por uno de los taxistas: “una vez leí que un famoso poeta español (García Lorca) decía que el Perú estaba hecho de metal y melancolía. Tenia razón,  tal vez porque el dolor y la pobreza, nos han vuelto duros como la dureza de nuestros metales  y melancolía por que también somos tiernos, y añoramos tiempos mejores que se perdieron en el olvido”.

Citando a la fotografía antigua, los taxistas son retratados con sus autos, extensiones de sus cuerpos, en donde se abre un océano invocando las potencias, como decía Baruch Spinoza, que caracteriza a un país de poesía, a través de los valsecitos que endulzan ese caos: “buscar una solución para evitar morir cada día, a través del ingenio y la metáfora”.

*Tanatopolítica: término acuñado por la filósofa argentina Leonor Silvestri.

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Cine

Entrevista con David Duponchel, director del Festival de Cine Al Este

Mañana se inaugura el Festival de cine Al Este, que va del 1 al 11 de junio. Más de 70 películas de lo mejor del cine para disfrutar.

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Mañana 1 de junio se inaugura el Festival de Cine Al Este en el Lugar de la Memoria (LUM) a las 6 pm, con más de 70 películas las que se podrán disfrutar en diversos espacios y salas de cine. Lima Gris conversó con su director David Duponchel, sobre todo lo que trae esta edición número XIII de uno de los mejores festivales de cine que se hace en nuestro país.

Cabe destacar que el festival cuenta con la cooperación del Ministerio de Cultura (Perú), UPC Cultural, Region Normandie (Francia), las embajadas de Austria, Canadá, Eslovenia, Francia, Hungría, Polonia, Rumania, Suiza, centros cinematográficos nacionales, empresas privadas, voluntarios y profesionales de la industria del cine.

Aquí la entrevista completa.

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Cine

El Festival Al Este se realizará del 1 al 11 de junio

El Festival Al Este se inaugura el 01 de junio. Las entradas para esta edición se pueden adquirir a través de la plataforma elekran.com y para las funciones presenciales en los locales seleccionados y a través de joinnus.com

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El XIII Festival Al Este, en esta nueva edición, retoma la presencialidad y ofrece un nutrido programa de películas online que se realizará del 1 al 11 de junio en doble formato: presencial, en diversas salas de Lima; y virtual, con alcance a todo el Perú, a través de la plataforma elekran.com.

La edición número XIII contará con 63 películas representativas de lo último del cine independiente. Entre ellas, destacan las premiadas Drive my car (Japón, 2021), ganadora del Óscar a mejor película extranjera; Mutzenbacher (Austria, 2022), ganadora de un Oso de Oro en Berlín; Magnetic beats (Francia, 2021), ganadora en Cannes; Il buco (Italia, 2021), ganadora del Festival de Venecia; The island (Rumanía, Bélgica, Francia, 2021), de la reconocida directora Anca Damian; The worst person in the world (Noruega, Francia, Suecia, Dinamarca, 2021), considerada una de las mejores películas del año que pasó y Bergman Island (Francia, Bélgica, Suecia, Alemania, México, Brasil, 2021), película aclamada por la crítica. También se proyectarán la película peruana De todas las cosas que se han de saber (Perú, 2021); y la aclamada Titane (Francia, Bélgica, 2021).

Para acceder a estas y otras películas de forma virtual, se podrán adquirir las entradas en la plataforma elekran.com. La preventa temprana de entradas, que va hasta el 26 de mayo, asegura el acceso a esta plataforma y a más de 50 películas por solo 39 soles, pero las entradas continuarán a un costo de 49 soles hasta el fin del festival. Con este acceso, el público peruano de todas las regiones podrá acceder a más de 50 películas participantes de la Competencia Oficial Al Este, Competencia Itinerante, Competencia de Cortometrajes Perú Emergente y Competencia de Cortometrajes ExperimentAlEste.

Cabe destacar que el festival cuenta con la cooperación del Ministerio de Cultura (Perú), UPC Cultural, Region Normandie (Francia), las embajadas de Austria, Canadá, Eslovenia, Francia, Hungría, Polonia, Rumania, Suiza, centros cinematográficos nacionales, empresas privadas, voluntarios y profesionales de la industria del cine.

Película “Arena mojada”.

MASTERCLASS

El Festival de cine AL ESTE, trae tres Clases Maestras con tres directores de cine de talla mundial como los cineastas Anca Damian (Rumanía), Michelangelo Frammartino (Italia) y Ruth Beckermann (Austria), quienes ofrecerán tres masterclass vía Zoom. Las entradas están a la venta en joinnus.com

Las clases se darán en vivo a través de la plataforma y contarán con traducción simultánea. Se puede acceder desde cualquier parte del mundo.



Clase 1: Masterclass con Anca Damian (Cristal de Annecy)
Sábado 4 de junio, 11:30 a.m.



La cineasta rumana Anca Damian es directora, guionista y productora. Su segundo largometraje, el documental de animación, Crulic: The Path to Beyond (2011, Premio Cristal en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy (Francia)) fue seleccionado en más de 150 festivales internacionales, como Locarno IFF, Telluride, New Director New Films, y ha recibido más de 35 premios internacionales.

Sus películas se distribuyeron en todo el mundo y han sido galardonadas con numerosos premios internacionales, incluido el Premio al Mejor Director en Varsovia, el Premio Internacional Mirada en Madrid y el Premio Audentia de Eurimages. The Island es su séptimo y más reciente largometraje.

Clase 2: Masterclass con Michelangelo Frammartino (Premio especial, Venecia 2021)
Lunes 6 de junio, 10 a.m.



Michelangelo Frammartino realizó su primera película, Il dono (2003), sin presupuesto y la estrenó en el Festival de Cine de Locarno. Ganó el Gran Premio en el Festival de Cine Italiano de Annecy (Francia) y el Premio del Jurado tanto en Tesalónica como en Varsovia. El tercer largometraje de Frammartino, Il buco (2021), se rodó en el sur de Italia, en las regiones vecinas de Calabria y Basilicata, donde se rodaron todos sus trabajos anteriores. Con el enfoque de un antropólogo, Frammartino capta lo tradicional y lo trascendente con una sencillez y espiritualidad propias de su filmografía.

Clase 3: Masterclass con Ruth Beckermann (Oso de Oro, Berlín)
Sábado 11 de junio, 9 a.m.



Ruth Beckermann es cineasta y autora residente en Viena. Sus películas incluyen The Paper Bridge, East of War y American Passages. En el 2014, su película Los que se van, los que se quedan recibió el gran premio de cine en la Diagonale de Graz. Dos años después, The Dreamed Ones también fue premiado allí como Mejor Largometraje. Waldheim Waltz recibió varios premios, incluido el Glashütte Original – Documentary Award a la Mejor Película Documental en la Berlinale 2018, así como una nominación al Oscar. En el 2022, obtuvo el Oso de Oro a Mejor Película de la sección Encounters por su obra Mutzenbacher.

Más información en www.peru.alestfestival.com. Consultas al correo info@sf-peru.com o en las redes sociales del festival.

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Cine

Estreno de “Cosmovisión Indígena en las Américas” Serie panamericana [VIDEO]

Estreno de la miniserie será hoy a las 7pm a través de las redes sociales y TV Perú.

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Un nuevo estreno se presenta hoy en las redes sociales y TV Perú, se trata de la miniserie “Cosmovisión Indígena en las Américas” una iniciativa de la Embajada de Canadá en Perú en alianza con el Museo Larco y otros renombrados museos de la región (el Museo de Oro de Bogotá, Colombia; el Museo Nacional de Etnografía y Folklore – MUSEF, Bolivia; el Museo Chileno de Arte Precolombino – MCHAP; el Museo Nacional de Antropología de México, y el Museo Nacional de Historia de Canadá).

Esta miniserie de videos panamericanos gira en torno a la experiencia humana compartida de los pueblos indígenas en las Américas, a través del tiempo y espacio, en relación a: (1) Naturaleza; (2) Espíritus protectores; (3) Vivir adentro; (4) Nuestros abuelos; y (5) Transformación del Cuerpo. Desde este 27 de mayo -hasta el 24 de junio- se estrenará un episodio todos los viernes a las 7pm (hora Perú).

La producción de estos videos estuvo a cargo del Museo Larco, y se realizó con el valioso aporte de co-curadoras y co-curadores indígenas convocados por las instituciones mencionadas. En diálogo constante compartieron sus conocimientos y promovieron reflexiones que consideramos deben ser difundidas en torno a cómo nuestros ancestros se conectaban con el mundo y cómo podemos enfrentar situaciones diversas y extremas como la reciente pandemia con una mirada intercultural.

Curadores de la miniserie.

Esta iniciativa es un esfuerzo de diplomacia cultural de Canadá, como parte de su compromiso con los pueblos indígenas dentro y fuera del país. Las 5 piezas audiovisuales son una co-creación participativa sui generis que nos anima a seguir creciendo desde nuestras raíces históricas comunes y profundas, mostrando que es posible brindar mensajes conjuntos al mundo desde nuestra propia y amplia diversidad americana.

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Cine

Que sean eternxs, de Raúl Perrone (2022)

Lee la crítica de cine de Mario Castro Cobos.

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Cuando pienso de nuevo en esta película, que me parece es una de las mejores de Raúl Perrone, siempre vuelvo al mismo lugar del pensamiento: esa manera de mirar a los otros: los otros, que siente suyos, que son él mismo de alguna forma, que son los hijos del pueblo, los desheredados, los ninguneados por el sistema, los marginados y los chivos expiatorios incluso en sus propias familias, los jóvenes del conurbano; y me parece que la película es en esencia su forma de mirarlos: con realismo y con crudeza, pero al mismo tiempo, con conmovedora poesía, reconociéndoles una hermosa dignidad -de lo más pertinente en estos tiempos.

Lo real de esa dignidad, el ser capaz de exponerla con tanta fuerza y delicadeza, constituye sin lugar a dudas un logro admirable y casi apabullante. ¿Cómo lo hace? ¿Cómo puede mirarlos así? No sé si realmente pueda explicarse. El poder de la imagen para transmitir en apariencia sencillos pero complejos estados de ánimo sin que sus personajes pronuncien una palabra. Pero tampoco faltan pequeñas historias, explicaciones habladas -y en detalle- de sus vidas duras.

Podría evocar la potencia visceral del neorrealismo, o ese orgullo inexplicable para tantos alienados de que sí, de que sí se puede hacer un cine libre ‘con nada’, sin tantos condicionamientos externos; podría evocar la expresividad del cine mudo, el encanto a un tiempo documental y poético del blanco y negro, o cómo la magia de escenas de ensueño (terrestres o acuáticas) no desdicen la aspereza de la existencia cotidiana. Creo que además Perrone recurre a ese principio ético y estético del cine y de todo arte que recibe el nombre de experimentación y vanguardia.

La película se sucede como una puesta en escena de un mosaico de diversas sensaciones más que de una historia de claridad engañosa al uso. Hay una evidente sabiduría constructiva en la alternancia de momentos significativos, como una pieza musical multiforme que no depende de cómo hay que hacer una película de acuerdo a los mezquinamente ‘razonables’ manuales; es decir, a los astutos consejeros de lo permitido que consiguen que todas las películas, misteriosamente, se parezcan un poco demasiado entre sí.

Para quienes en Latinoamérica (y por supuesto, más allá) son sensibles a un cine que no luce dispuesto a sujetarse agradecido y obediente a los cánones de la normalidad burguesa y de la ‘industria cultural’ y de la buena conciencia clasemediera y festivalera… Perrone es un alto ejemplo a considerar… Así que por fotuna, nada más lejos de ese ‘cine independiente’ cual marca estúpida de zapatillas y de sus operaciones de prestigio cultural redituable.

Aquí tenemos, me atrevo a decir, a un creador auténtico, ferozmente fiel a sus amores y obsesiones. Es lo que debería decirse de un artista digno de ese nombre, y es algo que, en verdad, pocos logran.

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