Entrevista Edwin Cavello Limas
Fotografía Jorge Fernández
Juan Carlos Torres del Aguila, es un artista formado en la
Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú. A principios de año fue fichado por
la Galería Gaudi de Madrid, junto a sus representantes el 10 de julio inauguró
una muestra individual en Londres.
La visión de un artista algunas veces tiene una perspectiva divergente.
Algunos hablan del terruño y su geografía, otros de la inspiración, o tal vez
de lo que les rodea en su contexto social.
En el caso de Juan Carlos su visión de trabajo obedece a una época donde
todo revoluciona a mil por hora; incluso él mismo parafrasea que vivimos en
tiempos de hipermodernidad. En tanto, su misión es conquistar los espacios de
arte que reposan alrededor del mundo, ya que para él las fronteras ya no
existen.
¿Se puede decir que
llegas al arte por tu padre?
Mi primer contacto con el arte fue de alguna manera por mi
padre, quien es un maestro tallador ebanista, y él ha hecho la restauración de
algunas iglesias, las más importantes de Lima. De alguna manera, gracias a él
desde chico estuve en contacto con el arte.
¿La decisión de
estudiar en Bellas Artes en qué momento surge?
El caso de los estudios para mí fue bastante complejo; si
bien es cierto, yo antes de entrar a Bellas Artes ya tenía una carrera
autodidacta, es decir, ya pintaba y había hecho algunas exposiciones, e incluso
vendía algunas obras y estaba viviendo de mi arte; aun así, la expectativa que
tenía en ese momento podía ser limitada hasta ese punto, pero para mí fue un
cambio radical porque pensé, que si me tengo que dedicar a esto, tengo que ser
profesional, y tengo que estudiar. Así empezó la aventura por el estudio.
¿Qué te dio la
Escuela de Bellas Artes?
Creo que lo que me dio la escuela fue sin duda la disciplina, y la apertura a un campo más extenso. Rescato también que la parte autodidacta fue interesante. En esa época, que es algo más de diez años, el internet no era de uso común, y el acceso a la información o a las referencias que uno quería tener era en gran parte a base de libros. Ya te imaginaras como pasaba en las bibliotecas buscando estudiar. Creo que también había un tipo de disciplina que uno tenía, pero la escuela te da unas herramientas que al final te sirven y son de gran ayuda para que crezcas mucho más.
Entonces, para tu
formación ha sido importante el proceso de investigación
Sin duda, la investigación va muy ligada con los estudios, y
más hoy con el tema de las artes. La apuesta hoy en día de muchas instituciones
ligadas al arte es la investigación. Me parece formidable que un artista
actualmente tenga mayor consciencia de su entorno y de su contexto, y que eso
lo pueda plasmar en las obras.
Hace unas semanas
tuviste una muestra individual en la galería Juan Parra del Riego; lo curioso
es que muy pocos artistas tienen la suerte de vender más del 50 % de lo que
exponen la misma noche de la inauguración
Sí. Ahora es curioso lo del tema de la suerte. Honestamente
yo no creo mucho en la suerte; suerte es para quien se saca la Tinka, o cuando en
una rifa te ganas una cafetera. Diría que detrás de ese evento afortunado hay
mucho trabajo, como tú bien sabes, hoy en día el artista necesita muchos más
elementos que le ayuden a desarrollarse, no solo dentro de lo visual, sino
también profesionalmente, es decir, siempre trato de involucrarme con artistas,
educadores, empresas, y gente que quiera un cambio. Este tipo de alianzas hace
que la gente sepa más de tu obra. Para mí la estrategia fue mantener siempre la
expectativa de estas personas, y llegada la muestra encontraron algo nuevo.
¿En la actualidad
para un artista también son importantes las alianzas estratégicas?
Sin duda; nosotros al final somos un proyecto, es decir,
cada uno tiene una forma de pensar, y una manera muy particular de ver las
cosas, pero considero que nosotros como artistas también somos un proyecto, y
tenemos que vender ese producto de una manera empresarial si se quiere llamar
así; lo digo porque eso requiere la disciplina, responsabilidad y el esfuerzo
del caso. Esa es la forma como yo veo mi carrera.
En tu exposición en
la galería de Barranco, usaste a los personajes en la publicidad, aplicaste una
interesante técnica para plasmarlo en los lienzos.
Creo que el oficio es la base de toda obra; es decir, la
formación, las escuelas de arte te dan ese oficio que considero que todo
artista debería tener, hablo del concepto, y todo eso es también una
condicional interesante y fuerte, pero tiene que estar acompañada del oficio. Por
eso siento que también es bueno investigar la técnica, para que tu lenguaje sea
coherente y tenga una base sólida.
Por lo que mencionas,
la disciplina, el rigor y la dedicación te están dando buenos resultados profesionalmente.
Sé que estás exponiendo en Europa, el 10 de julio inauguraste una muestra
individual en Londres.
Sí, precisamente a raíz de este proyecto que hice en Lima titulado #Frontrow, surgió la propuesta de la galería Gaudi de Madrid en España. Ellos se interesaron por mi obra, y fue así como me invitaron para ser su representado, y salió este primer proyecto bajo la representación de esta galería en Londres. La muestra de Londres toma también un poco la idea que venía trabajando en #Frontrow.
¿Qué pinturas estás
presentando en tu exposición de Londres?
Lo interesante de esa muestra es que las obras son
completamente nuevas, y es algo que siempre he tratado de hacer. Antes de
#Frontrow tuve una muestra que fue en el bulevar de Asia, al sur de Lima, y
también fue distinta a la de Barranco; de igual manera lo de Londres son obras
inéditas que trabajé especialmente para esa exposición. El tema tiene que ver
con los medios, y lo icónico, que es algo que está muy presente en nuestra
contemporaneidad; estos iconos efímeros, incluso he tomado la figura de la
reina.
Muchos artistas se
preguntarán ¿cómo hago para exponer fuera del Perú?, creo que por ahí se tiene
que entender que un artista es también una marca.
Así es. Un artista lo que hace es producir productos, y ese
producto tiene que pasar por altos estándares de calidad, y también ser
consecuentes en la manera cómo nos van a ver fuera. Hay que trabajar mucho la
imagen, y también la obra sin duda. Creo que la gente que ve nuestro trabajo,
al momento de consumir la obra ve qué hay detrás; es decir, al artista, al
hacedor de las piezas, y es importante que se nutra de todos estos factores.
Veo tu interés del
arte en forma global, ya que no solo recorres Sudamérica y Europa; también estuviste
en Asía, ¿Qué tal esa experiencia en China?
Hoy vivimos en tiempos de hipermodernidad, como lo dice Gilles
Lipovetsky, un gran pensador al cuál sigo mucho. Esto nos dice que las
fronteras ya no existen, hoy en día estamos a un clic de cualquier país si queremos conocerlo, al menos de manera
virtual. Siempre he entendido que el arte es una cuestión universal, es un
lenguaje tan increíble que lo puede disfrutar tanto una persona aquí, como en
la China o en la India, o en Estados Unidos; y la afectación va a ser distinta,
y el resultado producto de eso es sumamente interesante. Entonces, el interés
para mí es buscar una obra de carácter global, que sea entendible por cualquier
persona en el mundo.
¿Recorriste algunas
galerías de arte en China?
Sí claro; la experiencia en Asia fue bastante interesante;
como sabrás China es un mercado sumamente extenso, es enorme, incluso con todo
lo que se le pueda ofrecer a China, ellos quedarían completamente satisfechos.
Culturalmente China atraviesa una etapa interesante y ellos están consumiendo
mucho arte. Para mí como artista el mercado asiático me pareció una idea
fabulosa. Mi primer acercamiento con China fue gracias al colectivo al cual pertenezco,
que es el Toyismo, y es uno de los últimos movimientos de vanguardia, como De Stijl, o el movimiento CoBrA, y con ellos venimos trabajando
proyectos alrededor del mundo. Lo último que hicimos fue precisamente en China;
fuimos a Hong Kong, e hicimos un proyecto que duró casi dos meses. Fue algo
sumamente enriquecedor.
Con una galería que
te está representado en Europa, ¿en qué otros mercados estás interesado?
Hoy por hoy, creo que Londres es un poco la puerta grande para entrar al arte europeo.
La Premier League del
arte…
Exacto, es la Premier League del arte, y me siento muy afortunado
por haber llegado a concretar esta muestra con la galería. Como te decía antes,
la suerte no existe, es el esfuerzo; si supieras cuantos días dormía por semana
para la última exposición, te sorprenderías.
Ese es otro tema. La
gente ve el trabajo final, pero no observa el proceso, y todo el esfuerzo que
pone el artista para que esto se concrete.
Es curioso; el día de la inauguración dura poco, y el goce
es tan rápido; pero detrás de ello hay meses de romperte en el taller, de no
descansar, y el día de la inauguración es como hacer catarsis de todo eso. Es
rico y muy satisfactorio, más aún si tiene la aceptación del público, y de los coleccionistas. Pero quisiera encontrar
un mecanismo para que la gente pueda conocer todo lo que hay detrás, es decir,
el lado B del casete.
De alguna forma hay
un pequeño video, muy pocos artistas registran el proceso de su obra
Justamente para la muestra anterior tuve la oportunidad de
trabajar con una productora que me apoyó con un video corto documental, donde
hablaba un poco del proceso, y el porqué de la exposición. Creo que estos
registros también son interesantes, ya que nos sirven de alguna manera como
bitácora. Una bitácora de ruta de lo que hemos hecho en un momento, y de lo
seguiremos haciendo en un futuro, y en algún momento confrontarlo.
¿Qué opinión tienes
de lo que se enseña actualmente en Bellas Artes?
La verdad, siento que hay cosas que son bastante favorables
para los alumnos. Creo que al fin y al cabo lo que más importa son los alumnos,
porque ellos son el futuro y la imagen de la institución, y lo que hagan ellos
es lo que al final va dar el renombre a la institución. Entonces, por una parte, es interesante la
apertura que ha tenido Bellas Artes para un perfil de un artista investigador; eso
me parece interesante, y es acorde con lo que se está haciendo en el resto del
mundo, pero siento que debería ver un poco más de empatía, o involucrarse más
con lo que hacen aquellos que son los artífices de la imagen de la institución,
llámense los egresados, alumnos, o profesores. Porque pienso que un profesor
debería estar en vigencia artísticamente, para que esa experiencia la pueda
transmitir también a sus alumnos.
¿Luego de tu muestra
en Londres, qué proyectos se vienen?
Esta segunda mitad del año vienen más proyectos interesantes, pensando en el mercado europeo, tengo ahí un par de proyectos que se están cocinando. Por lo pronto, después de Londres me espera Estados Unidos. Tengo que regresar a Houston, que es un poco mi segunda ciudad, ya que ahí he desarrollado mi carrera, y parte de mis estudios en el Houston Art League. Yo me considero un artista cosmopolita; no puedo sentir de alguna manera el arraigo de alguna geografía en específico, porque mi espíritu es estar en movimiento.
(Entrevista publicada en la revista impresa Lima Gris 17)