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Cine

Imagínate Cuando Late el Corazón

Les Amours Imaginaires (Heartbeats, 2010) es el segundo filme del joven director Xavier Dolan (1989) en donde explora, mediante un triángulo amoroso, la dinámica de las relaciones de pareja, la identidad, la juventud a los veinte y la sexualidad en todas sus dimensiones. Francys, Nico y Marie, se ven envueltos en una lavadora de emociones al buscar concretar con Nico, un ser libre de quién no se sabe qué le gusta.

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Por Gerónimo Stoll

Les Amours Imaginaires (en adelante Heartbeats) explora la vida de tres jóvenes quienes se embarcan en una aventura de amistad, en donde Francys y Marie quedan enamorados de Nicolai, un joven cuya libertad de alma no les permite conocer su identidad sexual. Nico se muestra feliz, cariñoso y encantador con todo el mundo siempre, al parecer un espíritu libre para relacionarse con todos los sexos e identidades. Nico confunde a Francys y Marie, quienes quedan perdidamente enamorados de este nuevo ser, aquel “Adonis Desconcertante” en palabras de Marie, cuando recién conoce a Nico en casa de Francys.

El filme explora las vivencias de una juventud que busca desligarse de antiguas convenciones sobre la sexualidad, la dinámica de pareja y la madurez. Los jóvenes protagonistas comparten experiencias en desapego de la convención social, desarrollando una cultura cada vez más abierta hacia la recepción del otro sin etiquetas e imposiciones normativas acerca de las relaciones humanas. A pesar de ello, Francis y Marie buscan indicios dentro de la normativa para conocer la identidad sexual de Nico, quién da muestras de afecto y cariño hacia cada uno de ellos al punto de confundirlos y paralizarlos en la incertidumbre de llevar a cabo sus deseos. La volición de la atracción se anula cuando confrontan los acercamientos de Nico, al no saber si provienen de una amistad sui generis o verdadero interés hacia ellos. Es como si desearan adueñarse de él a tal punto en que Nico, no los soporta y les dice “Amigos, dejen de pelear. Ámenme o déjenme.”.

La banda sonora y dirección de arte es absorbente, en especial la escena de la fiesta por el cumpleaños de Nico en donde se escucha Pass This On, del disco Deep Cuts de la banda The Knife. Verdaderamente esta película se va en Deep Cuts hacia el corazón, como la escena en la cual Francys y Marie pelean por Nico acompañada por Keep the streets empty for me de Fever Ray. Yuxtapuesta a esta banda sonora, el film muestra una dirección de arte impecable, reflexiones sobre la sexualidad a modo Mockumentary en donde distintos actores, hablan acerca de sus gustos y relaciones de pareja, proveyendo una suerte de claridad de espíritu acerca de lo que ha buscada el ser humano y ha sido callado, durante toda su historia.

Un elemento que me permitió conectar con la película fue el personaje de Nicolai, quién me recordó a mi mismo durante mis primeros años de la universidad. Era un ser tan libre que mucha gente comenzó a dudar acerca de mi sexualidad y recibía por primera vez, bromas de todo un grupo de amigos al respecto, las que llevaron a que cambie mi actitud hacia un modo de ser más “masculino”. Uno de mis primeros amigos de la universidad, al verme tan cariñoso con la gente y feliz comenzó a molestarme todos los días de “gay” y esas bromas, se propalaron en su grupo de amigos, incluso se burlaban de mí en el baño y, sobre todo, cuando algunos chicos de letras e incluso profesores, intentaban acercamientos conmigo y les contaba riéndome, pero a su vez triste, ya que ninguna mujer en toda mi historia universitaria, intentó o intentaba un acercamiento conmigo. Me hallaba aterrorizado de que se generen chismes y sea adscrito hacia una identidad que no me pertenece y a su vez, pierda a todas las mujeres que me gustaban.

A fin de cuentas, al final, nunca pude estar con aquellas mujeres que realmente me gustaban durante la universidad, estuve sólo durante todo ese tiempo, jamás le guste a nadie, absolutamente a nadie, en especial cuando pase a esa pose rockabilly grunge para demostrar a los demás que se hallaban equivocados, al igual que Nico, al enterarse que su ser libre y cariñoso, confundía a muchas personas acerca de él. Durante la confesión de amor de Francys hacia Nico, él sólo responde sórdidamente “¿Cómo es que pudiste pensar que yo fuese gay?” A diferencia de Nico, de mí se burlaban y lo constate durante mi segundo año de Letras en distintos ámbitos. Era insufrible y aterrador tener ese estigma social de los “Beverly” de la católica y saber, que no me podía acercar a ninguna mujer. Lloraba de noche en ese tiempo al verme tan sólo cuando quería en la universidad romper con la falta de pareja y amor que sufrí en el colegio por ser Lorna.

Pasaron algunos años y al igual que Nico, mande al tacho a todos, me conozco mejor de lo que me conoce el resto. Frente a todos estos recuerdos, pude conectar con Heartbeats ya que permite distenderse gracias al humor y argumento tan fluido, el cual pasa desde individuos confundidos y descorazonados hasta relaciones en la cama en donde la pareja pone en cuestión su performance y deseos. Permite reconectar con tus vivencias veinteañeras, así como anticipar al futuro. Muestra un universo para un open mindset cada vez mayor hacia el entendimiento de la condición humana. Es por ello que te recomiendo que pases la voz acerca de este film, así como Pass This On, de modo que puedas desligarte de un pasado doloroso.

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Cine

Beginning, de Dea Kulumbegashvili (2020)

Lee la crítica de cine de la semana de Mario Castro Cobos.

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El secreto o la magia de esta película (muy a la vista, por lo demás) consiste, en cierto modo, en ‘suspender el tiempo’, para que el tiempo fluya, pero desde otra dimensión (o acaso desde su dimensión total). Hay una profundidad que… o toda profundidad definitivamente necesita tiempo, ‘real’ acumulación de tiempo, una paciente y tranquila y atenta espera, para surgir, y para desplegar todo lo que (se supone) tiene que decir o contiene. Un plano largo que funciona: ‘que se conecta con’ puede aportar —sin duda alguna— una estimulante, una esplendorosa plenitud.

En ese sentido, la cámara, la mayor parte del tiempo, estática (sumamente funcional, ‘radical’ y precisa) puede parecer a algunos poco menos que una maldición, pero si uno es capaz de responder a lo que pide la película, a las reglas de su juego, es más bien una delicia absoluta en razón directa de los efectos que puede llegar a producir, quiero decir, de las revelaciones, siguiendo más a detalle los procesos de los que uno será testigo.

Así que si algo queda claro es que no se trata de una película ‘normal’, blanda y complaciente. El uso a fondo del plano fijo (Memoria, de Weerasethakul, sería otro ejemplo también reciente) hace imposible no pensar en ese cine trascendental o de pretensiones trascendentales, como el cine de Carlos Reygadas, y por supuesto, en el cine de Andrei Tarkovski (plano de la mujer echada con los ojos cerrados, por citar solo un ejemplo).

No es siempre necesario fragmentar el plano e ir rápidamente de una imagen a otra para mostrar la complejidad estructural del mundo, se puede hacer justo lo contrario, mantener el plano para internarse en un clima, en una situación, en una especie de ‘realismo’ y de continuidad tenaz donde para nada se olvida que la máxima cotidianidad es también un misterio y un abismo. Y vivimos ahí todo el tiempo. Por si alguien se olvidó de eso.

La directora no se detiene ante escenas duras (y, contradictoriamente, hermosas) y no tiene porqué, tiene que simplemente mostrar, necesariamente, lo que tiene que mostrar. El estado de la cuestión con respecto a la situación de las mujeres en nuestras sociedades. ¿Y quién puede hacerlo mejor que una mujer con talento?

También, entonces, aparece como inevitable el recuerdo de Jeanne Dielman, de Chantal Akerman, por esa manera aparentemente distanciada, fría y ‘objetiva’ de mostrar una situación insoportable, con esa mezcla de refinamiento y crudeza, que en el caso de ambas, es pura -y lacerante- lucidez.

Película
https://ok.ru/video/2604651383412

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Cine

Película ‘El Padrino’ volverá a las salas de cine por su 50 aniversario [VIDEO]

Obra maestra del cine se estrenará a partir del 25 de febrero, completamente restaurada y en 4K Ultra HD.

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El placer de los ojos. Amantes del cine y el celuloide, una gran noticia para todos los que disfrutan de ver una buena película en la oscuridad y el silencio de una sala de cine. Por más que se haya puesto de moda los servicios de streaming, la experiencia de ver una película en pantalla gigante hasta ahora sigue siendo incomparable si usted decide pagar su entrada y sentarse en un asiento de su cadena de cines preferida.

Este 2022 se cumplen 50 años desde que la ya mítica película del cineasta Francis Ford Coppola fuera estrenada en una sala de cine. ‘El Padrino’ o The Godfather, en su idioma original, se ha convertido en una obra maestra, un pilar del sétimo arte que todo amante del cine debería de ver al menos una vez en su vida. Con motivo de esta celebración Paramount Pictures ha anunciado que la cinta de 1972 tendrá un estreno limitado en cines a partir del 25 de febrero.

El comunicado detalla que, para la realización del nuevo master, se examinaron más de 300 cajas de rollos de película, para encontrar la mejor resolución posible para cada fotograma de cada una de las películas. Foto: Paramount Pictures.

Considerada una de las más influyentes del género de cine de gánsteres, hay muchas personas que no tuvieron la oportunidad de verla en la pantalla grande del cine. Es por ello que la productora Paramount y la empresa de producción de Coppola, American Zoetrope, han realizado una meticulosa restauración de las tres películas a lo largo de tres años.

“Estoy muy orgulloso de El Padrino, que ciertamente define el primer tercio de mi vida creativa”, indica Coppola en un comunicado.

“Con este homenaje al 50 aniversario, me complace especialmente que la Coda de El Padrino de Mario Puzo: El fallecimiento de Michael Corleone’, haya sido incluida, ya que capta la visión original que tuvimos Mario y yo sobre la conclusión definitiva de nuestra trilogía épica”, agrega.

Se dedicaron más de 4 mil horas para reparar diferentes anomalías, como manchas y desgarros, y más de mil horas para una corrección del color a la altura, todo supervisado por Coppola y del director de fotografía Gordon Willis. Foto: Paramount Pictures.

La magistral adaptación cinematográfica realizada por el director estadounidense sobre la novela de Mario Puzo narra la crónica de la ascensión y caída de la familia Corleone, y la trilogía de películas se ha ganado, por derecho propio, la consideración de ser una de las mejores de la historia del cine.

“Ha sido todo un privilegio restaurar estas películas, en una labor que nos llenó de admiración cada uno de los días que dedicamos al proceso”, señala Andrea Kalas, vicepresidenta senior de Paramount Archives.

“Hemos visto en primera persona cómo la brillante fotografía, la partitura, el diseño de producción, el diseño de vestuario, el montaje, las actuaciones y, por supuesto, la escritura del guion y la dirección llegaban a ser mucho más que la suma de sus partes”, añade.

Además del audio 5.1 aprobado por Walter Murch en 2007, se han restaurado también las pistas originales en mono de El Padrino y El Padrino Parte II. Foto: Paramount Pictures.

Solamente esperamos que alguna cadena de cine local se anime a estrenarla en nuestro país, definitivamente no habría pierde para todos.

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The lost daughter, de Maggie Gyllenhaal (2021)

Lee la crítica de cine de la semana de Mario Castro Cobos.

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¿Cuál es la fascinación irresistible, y cuál es la limitación no tan visible? Películas que me imagino y casi veo (porque ellas mismas se hacen presentes así, porque emiten los signos correspondientes) como obras de teatro. Sin negar la alta funcionalidad de su -digamos- aterrizaje en lo cinematográfico. O guiones cual suaves máquinas perfectas. O actores inspirados que dan siempre con la nota. Sí. Películas intensamente de actores. Películas donde el ‘paisaje humano’ es casi todo. Son ellos, en cierto modo, la puesta en escena. Las pieles de un rostro. En tensión y distensión. La transmutación de un gesto en otro. Las capas verbales como una arqueología de lo inmediato.

Flashbacks con la adorable comparación de la nada o semi nada del viaje presente con la riqueza tortuosa del repaso del pasado que la protagonista lleva dentro -y a flor de piel- ante cada roce de la actualidad de sus sentidos. Las mismas escenas, o muy parecidas, se repiten en otras vidas, en otros cuerpos, aquí y ahora. Planos cerrados, cercanos, incluyendo planos que casi se meten en los cuerpos (desenfocados ‘sensibles’). Películas en las que el entorno, en efecto, podría estar (y está) en un segundo plano, un fondo, un ruido de fondo, en una especie de desenfocado, o dicho más claro, entornos que bien podrían no existir. Prescindibles. Abstracción, concentración, ‘teatro’.

La exposición de la idea que se pasea por casi cada cuadro parece obvia. Nos han contado el cuento o el mito o el relato sólido y ejemplar (muchas veces, y ahora es menos tragable que antes y cada vez lo será menos) sobre nuestras madres singulares e incansables santas o heroicas o seres sacrificiales tan especiales y colocadas o colocables en fantásticos pedestales. Pedestales fabricados de la manera más tramposa. Idealización que encubre y descubre una esclavización. Entonces qué fácil asumir que se trata de una madre ‘desnaturalizada’ una que dude sinceramente de su ‘vocación’ o de su papel (y ya casi de su misión en el cosmos) o de qué sea LO NATURAL. Ante eso siquiera la rebelión parcial contra ‘el destino’, el vulgar poder patriarcal.

Para terminar una breves palabras sobre la obsesión. Eso largamente reprimido, rechazado y cuidadosamente aislado, y su regreso triunfal para mostrarnos cuánto tenemos (al fin y al cabo) de marionetas (por ejemplo la cereza irracional de robarse la muñeca de la niña). Hay una conexión con Muerte en Venecia, de Visconti, lo que importa o lo que determina las cosas es aquello que escapa, que puede ser lo más auténtico de un ser, y lo más inalcanzable, e incontrolable. Y sucede en el interior. Con todo, el modesto delirio está bastante domesticado.

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Cine

Estreno nacional de la película “Desastre en el vuelo US57”

Este 13 de Enero llega a nuestra cartelera ¨DESASTRE EN EL VUEL0 US57¨ una película de acción y horror que no se la pueden perder.

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Esta es la  historia del vuelo PAN US57 que atraviesa Estados Unidos y  que se creía que iba a ser un  vuelo tranquilo y sin novedades pero es azotado por una súper tormenta eléctrica. Los pasajeros entran en pánico sin saber que les depara.

Pero en pleno vuelo notarán algo aterrador y siniestro que forma parte de su viaje, amenazando a todos a bordo. La caída del avión y el terror abordo es eminente y un aterrizaje de emergencia una alternativa riesgosa.

Esta producción llega de los  Estados Unidos con toda la acción y suspenso que la convierte en una cinta comercial. Todos los que hemos volado en una avión hemos experimentado alguna vez durante un vuelo turbulencias de diferente magnitud.

Ahora imagínense que durante su vuelo esta fuerte turbulencia es causada por una tormenta eléctrica, uno de los motores del avión falla y este comienza a perder altura. ¿Qué harían? ¿Se persignarían?, ¿Gritarían? ¿Cerrarían los ojos? ¿Le diría a su pareja cuando lo (a) quiere? Este es un momento que nadie quisiera imaginarse. Y si a esto le suman que algo siniestro forma parte del vuelo, nunca más van a querer subirse a un avión.

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Las_chicas.mp4, de Bran, Medina, Bobbio, Marón y Ancajima (2021)

Lee la columna de cine de la semana de Mario Castro Cobos.

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El patriarcado, el sexo, la muerte. Son mujeres (y son jóvenes) las que hablan. Hablan de su intimidad, hablan entre ellas, y de paso, en verdad, para cualquiera. No son conversaciones que no hayamos tenido con seres que nos son (o que nos fueron) cercanos. Son eso que llamaríamos conversaciones privadas, solo que levemente filtradas como ‘tarea’ para un curso universitario o como ejercicios audiovisuales ¿espirituales? ¿terapéuticos? hechos públicos y realizadas a través de internet y con la pandemia encima; asuntos privados, confesiones, incluyendo ‘lo que no se dice’ ni siquiera para sí. Lo que no te confiesas ni a ti. Hasta que llega la hora. Interesantísimo territorio. Se necesita valor para meterse ahí.

No hablan de cosas que no sepamos. De hecho, como se dice, ‘cualquiera podría hacerlo’. ¿Y por qué no lo haces tú, o yo? Eso. -Las cámaras, los media, también pueden usarse para desalienarnos-. El asunto es que ellas se atrevieron a hacerlo. Dan la cara, y de manera directa y natural ponen aspectos significativos de sus vidas en palabras. ¡Qué bueno poder decir, de una vez, algo que necesita ser dicho! Un ejercicio de libertad. Destruyendo el pacto de silencio. El mandato del patriarcado. Mostrar la brutalidad de la cultura en la que estamos. De la que tratamos de salir.

En este sentido, lo bello es lo verdadero. La comunidad de seres que intenta una ética de los cuidados. El aspecto ético es relevante. Algo tan simple (tan complejo, tan complicado, tan urgente, tan natural, tan reprimido) como decir la verdad. Y no se trata, en su mayor parte, de experiencias exactamente felices. Que ellas cuentan tranquilas y hasta sonriendo. No hay una compulsión (a lo reality) a la confesión. Hay una necesidad de autoconocimiento, de compartirlo, sobre quiénes son las que hablan, con qué situaciones se han enfrentado.

En cuanto a la forma visual específica, la película es saludablemente ‘informal’, fresca, ligera, nada solemne, y a la vez, constantemente reflexiva, algo irónica, siempre referida directamente a hechos o situaciones muy concretas. ¿Las cámaras de las computadoras facilitan la comunicación de estos ‘secretos’? ¿Que lo hagan en grupo hace más fácil que surja lo que necesitan o desean decir? La necesidad de producir saberes acerca de nuestra experiencia, y en este caso, de las experiencias de un pequeño grupo de mujeres, en esta puesta de lo off the record on the record, necesita ser multiplicada y no quedar como una isla valiente y lúcida en medio de la oscuridad tristemente acostumbrada.

Programada en el 8° Corriente – Encuentro Latinoamericano de Cine de No-Ficción

Película
https://www.proyectoaudiovisual.com/videos/las-chicas-mp4

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The power of the dog, de Jane Campion (2021)

Lee la crítica de cine de la semana de Mario Castro Cobos.

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Es cierto —o lo es, hasta cierto punto— que cualquiera puede ver lo que quiera en una película. ‘Nosotros, los espectadores, también proyectamos’. Lo primero. Y ahora lo segundo —aunque dudo que sea lo más importante—. ¿Seguro que el tema es el western (revisionista, feminista, antimachista, al rescate de lo bello y lo bueno efectivamente existente en el arcoíris de las masculinidades reprimidas)? O es… por encima de eso… Aquí lo que me importó: el poder de los clichés. Y que funciona desde varios lados. Desmontemos la cosa un poco.

La película parecía sugerir una perfo, sin pistolas, creo (en un in crescendo, no muy apresurado, con promesa de bomba de tiempo) entre el cliché de lo políticamente correcto (apertura afectivo-sexual) y el cliché de lo incorrecto (lo contrario, el mal a exponer, estudiar, denunciar y derrotar). Así al minuto piensas que es una película de diseño, pero bien diseño; ese lado tan película de tesis, un drama o semi drama didáctico donde los poseedores de la verdad (incluso ‘si la verdad es cierta’) procederán a evangelizarnos… tan llenos de buenas intenciones… obviamente es aburrido. Y te preguntas ¿hay más lados?

Campion-Netflix sigue la receta de cocina (o toca las mismas teclas del mismo piano): pone el acento en el gran contraste entre el machazo vaquero ‘que en realidad es un alma sensible’ vs. (casi escribo: ‘y en la otra esquina’) el refinado chiquillo, dotado intelectual y artísticamente. Luego Campion muestra que los supuestos extremos no eran tan extremos. Lo cual está bien, y es interesante. —Y ya lo tienes—. Por cierto, en ese punto (tan rico en posibilidades; tuvimos que esperar pero vale) se acaba la película. ¿No es hermoso?

La puesta en escena es realmente un muy hermoso juguete que por más hermoso que sea no logra ocultar un simple hecho: que el artefacto tiene las funciones en exceso preprogramadas. Eso sí, se agradece mucho la vivencia de la magnificencia del paisaje. ¡Si se hubiera trabajado así el suministro de información acerca del mundo interior de los personajes! Pero como en la película las respuestas ya están dadas no había problema en enfrentar u olvidar la complejidad de las preguntas (hasta en la dudosa división en capítulos, para que nadie se pierda).

The power of the dog no resiste la comparación con First cow de Kelly Reichardt donde con más modestia y delicadeza se va mucho más allá.

Película cliché que pretende combatir los clichés, los malos, claro, pero lo malo de esta defensa de lo bueno es que mentalmente Campion no corre en realidad riesgo alguno.

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Westerns y Silencio: La cultura del maltrato

Lee la crítica de cine de Gerónimo Stoll.

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Por Gerónimo Stoll

The Power of the Dog (2021) trae de nuevo los filmes western a nuestros teleteatros caseros, pero con una mirada contemplativa, silenciosa y luminosa. Observamos la diada ciudad-campo en los dos hermanos protagonistas, así como la arcaica diada madre-esposa y del mismo modo, una misteriosa veneración hacia un fenecido mentor.

Mediante un lenguaje audiovisual contemplativo y semiótico, la película The Power of The Dog revive el western en nuestras pantallas de Netflix, pero a diferencia de lo que nos tiene acostumbrados este género, no busca evocar admiración o añoranza, por el contrario, juzga que tanto la misma se colude y se nutre de la cultura del falo que rodea los Estados Unidos, en dónde la agresión, el abuso, invasión y silencio, son los pilares fundacionales de aquella nación que actualmente, busca esconder y renegar de sus orígenes avergonzándose de todas las atrocidades que han cometido, siendo una de ellas, la sumisión en hombres y mujeres en la aceptación total de la agresión, en donde si no te alineas con la misma, eres visto como abyecto y paria.

La película nos presenta la vida de dos acaudalados y rudos vaqueros, George y Phil, con la diferencia que George se ha adaptado a una vida más sedentaria, citadina y sofisticada mientras que su hermano Phil, se conduce dentro del prototipo vaquero como un hombre de pocas palabras, desaliñado, malhumorado y un fumador adaptado a la vida Marlboro en las praderas y montañas. Es casi como si George y Phil fueran el ratón del campo y el de la ciudad, pero con lazos de sangre. A ellos se suma Rose, una viuda que vive con su adolescente hijo Peter, quién desea ingresar a medicina en la universidad. George es un hombre de costumbres protocolares, mientras que Phil de rudeza y represión de emociones, siendo estos rasgos amalgamados en Peter, un joven silencioso, protocolar y sensible que se ve objeto de la mirada agresiva e invasiva de los vaqueros, ya que es el abyecto, aquel que no decide participar de la cultura del maltrato, agresión y burla hacia el otro.

Estados Unidos se caracteriza por una cultura agresiva e invasiva, en dónde ellos te hablan en inglés y tú tienes que reverencial y sumisamente haber aprendido inglés para entenderlos. Ellos jamás se van a dedicar a esforzarse por entenderte y eso, se observa en los códigos de conducta que muestra esta película cowboy. Peter tiene que hablar el mismo idioma de los vaqueros, dejar de lado su esencia y adoptar sus costumbres ya que estos, lo van a seguir agrediendo inclusive siendo el hijo adoptivo de George y sobrino adoptivo de Phil, los dueños del rancho, jefes de los vaqueros y trabajadores. Observamos momentos en que, a Peter, incluso frente a la mirada de su familia adoptiva, le gritan burlonamente “Little fagot”; a este nivel puede llegar la cultura estadounidense, hombres de 30 años abusan de un niño de 15 años para legitimar su heteronormatividad y jerarquía abusiva. Es la internalización y legitimación de la cultura del maltrato la que ha construido dicho país, la conquista del otro derribando su psique y corporeidad.

Frente a esta cultura del maltrato, observamos como el personaje de Rose representa, al igual que Phil, una resignación hacia la misma, en dónde los intentos de escapar se reducen a un pasatiempo como el piano, el banjo, la familia y el trabajo, así como el alcohol. Rose cae en otro elemento altamente asociado a dicha cultura que no permite al otro ser contenido: el alcoholismo. El alcohol actúa como una soga para Rose, atándola al rol de madre, esposa y ama de casa, pero de un modo nauseabundo, se queda en la cama todo el día flotando en medio de sus demonios, en aquel incisivo remordimiento por intentar encajar en esta nueva vida de sociedad, en la vida de su marido latifundista, reservado, distante y protocolar para el amor. Sin embargo, Rose logra conectar con Phil por un momento, al darse cuenta que él también se halla resignado a esta cultura.

El taciturno Phil evidencia durante el film como paulatinamente, el maltrato ha calado en sus cicatrices. Phil se muestra como un enajenado ritualista en la veneración por su mentor, el alcohol, la rudeza, los cigarrillos y las tareas propias de un vaquero. Phil, al igual que Rose, ha sido maltratado desde niño, olvidado por sus padres y obligado a adaptarse en esta cultura fría, distante y abusiva de los colonos vaquero del oeste. Padre, hermanos y amigos lo han olvidado, sin embargo, sólo su mentor, Bronco Henry, ha sido amable y cariñoso con él, algo que al parecer también deseaba lograr como un hombre maduro sin hijos. No es gratuito el recelo de Phil hacia su hermano George cuando decide casarse con Rose, ya que ahora sí, se iba a quedar sólo en este mundo hasta para dormir.

Fuera de todo este enrollo narrativo, la película muestra escenas sumamente contemplativas evocadas por las montañas que rodean las praderas, similares a las estribaciones andinas de nuestro país que se hallan entre la costa y la sierra. Dicha mirada periférica permite al espectador concentrarse en una narrativa pausada, provista de una trama modesta en cuanto al volumen de diálogos, en donde cada personaje argumenta y pronuncia la cantidad exacta de palabras. El misterio pulula en aquel escenario de publicad de cigarrillos al igual que las nubes que rodean a los personajes, algo sucede en aquella dinámica familiar, algo callan, algo los afecta, los entristece y silencian, algo que se asemeja a las montañas que los rodean, que no pueden caerse, que los doblegan a formar parte de las mismas en silencio, caso contrario, correrían el peligro de morir producto del clima o la fauna silvestre, al igual que ser abyectos o desadaptados de la cultura cowboy.

The power of the Dog es una película que sugiere, evoca e invita a participar de una reflexión de hasta dónde puede llegar el ser humano que se ha resignado, que ha silenciado su ser y que es capaz de imaginar macabras acciones para lograr sus objetivos. Es una película que deja escenas abiertas a la interpretación durante todos sus 126 minutos de semiótica, encargando al espectador la tarea de romper patrones del mindset y adentrarse, en el lenguaje no verbal, en lo que no se dice y al mismo tiempo se dice, en lo que tú crees que motiva a los personajes y como espectador, aún te deja asombrado al igual que aquel sol que ilumina los ásperos momentos que viven los protagonistas. La película muestra, evidencia pero tú mismo, tienes que reconstruir un nuevo film en cada personaje cuando logras empatizar con su silencio y sólo allí, entenderás el daño que hace la falta de amor. 

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Cine

‘El viaje de Javier Heraud’ se estrena en televisión ecuatoriana

Documental dirigido por el cineasta Javier Corcuera narra el lado desconocido del poeta más joven del Perú. La película lleva recorriendo 30 festivales de cine y ha recibido 2 premios internacionales. Esta noche se estrenará en Ecuador TV.

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“Mi necesidad por contar la historia de Javier viene de muy atrás. Heraud fue alguien muy presente en mi infancia, era como ese familiar ausente que todos deseamos que un día regrese. Su imagen y su poesía estuvieron siempre en nuestra cotidianidad familiar”. Estas son las palabras de Javier Corcuera, cuando relata qué fue lo que lo motivó a realizar esta producción.

‘El Viaje de Javier Heraud’ es presentado por Ariarca, sobrina nieta del poeta, quien decide abrir el baúl de los recuerdos y reconstruir la historia de su tío abuelo acribillado en el río Madre de Dios a los 21 años. Desde la mirada de Ariarca —que también tiene 21 años—, el documental muestra de cerca la vida y obra de uno de los poetas nacionales más importantes de nuestros tiempos.

Heraud fue un joven que dejó todo por sus ideales de justicia social. Siempre impresionó por su poesía visionaria -que se adelantó a su destino-, y por su vocación por el cine. ‘El Viaje de Javier Heraud’ da a conocer a través de una obra cinematográfica la poesía y la vida de un poeta que transmitía en cada una de sus obras libertad, justicia y paz; una poesía que no pierde vigencia y una vida que es parte la historia de nuestro país.

La película tuvo su estreno mundial inaugurando el Festival de Lima ante 1400 espectadores. Clausuró el Festival de cine Español de Tübingen y Stuttgart. Recibió el premio a Mejor Documental y Mención de Honor de la Crítica en el Festival Atlantidoc de Uruguay. También formó parte de los Festivales de La Habana, Huelva, Valladolid, FIDBA, Cinema Verité, Santiago Álvarez in Memoriam, Arica Nativa, FENAVID, Pasto, Benin, Alcances, Derechos Humanos de Argentina y Panamá, entre muchos otros.

La pudieron ver alrededor de 100 mil peruanos a través de su difusión en TvPerú a nivel nacional. Fue adquirida por el canal de televisión Sky Tv de Nueva Zelanda.

Está disponible en todo el Perú a través de la plataforma Movistar Play https://www.movistarplay.com.pe/details/movie/el-viaje-de-javier-heraud-10196472, en España en Filmin en https://www.filmin.es/pelicula/el-viaje-de-javier-heraud?origin=searcher&origin-type=primary, en Uruguay en https://mascinemateca.org.uy/home, en Reino Unido a través de True Story en https://www.truestory.film/ y está disponible en toda Latinoamérica a través de la plataforma Kinoa https://kinoa.tv/el-viaje-de-javier-heraud

Se estrenó en cines de Perú alcanzando 11 mil espectadores y también llegó a salas de España teniendo un recorrido moderado a causa de la pandemia.

Javier Corcuera

El cineasta peruano estudió cine en Perú y se licenció en Ciencias de la Imagen en la universidad Complutense de Madrid.  Se dio a conocer con su primer largometraje “La Espalda del Mundo”, que obtuvo el Premio de la Crítica Internacional en el Festival de Cine de San Sebastián (2000) y el premio OCIC del festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana.

Javier Corcuera.

Su última película Sigo Siendo (kachkaniraqmi) producida por La Zanfoña y La Mula producciones, con el apoyo de TVE e Ibermedia (entre otros) obtuvo el premio a la mejor película documental en el Festival de Cine Latinoamericano de Lima y obtuvo catorce premios internacionales.

Corcuera ha realizado también documentales para televisiones de España y es director /fundador del Festival Internacional de Cine del Sahara FISAHARA, creado en los campamentos de refugiados saharauis en el 2003. Trabaja como profesor de cine documental en Instituto de Cine de Madrid y en  otras escuelas de cine en España y América Latina, ha colaborado con Ibermedia y la Fundación Carolina en cursos de formación y asesorando proyectos cinematográficos. También trabajó en el equipo de dirección de la Cineteca de Madrid (2016 /20118).

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