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Pintura

En la noche larga y crepuscular

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El artista Ricardo Terrones en la galería "Gary Nader Art" en Miami.

Por Carlos Cabral Nunes

Albers[1], Breton[2], Kafka[3] y Beuys[4] se juntan para conversar y hay una silla vacía, sin embargo, un silencio se cierne sobre la mesa y un matiz, un escalofrío sobre los hombros.

Escribo en un proceso automático; las líneas se vuelven del color de un pincel en el reemplazo vernáculo de los centauros, que buscaba en la infancia. Todo me resulta doloroso ahora, lento, en los albores de este nuevo mundo en el que las certezas se mutilan en cada viaje o trozo de papel. Las verdades aplastadas en la bondad de los ogros sin vaciar el vacío o el cadáver pospuesto de Stalin, siendo su reverso y todo disuelto un líquido infame en la voz del tiempo.

El significado que le doy aquí es solo el del fin de la era. Hay un nuevo rumor. Quizás un acantilado reinventado. Todo estaba sin hacer nada, como un caparazón al revés.

El trabajo, siempre el trabajo, desgarrándose, consumiéndonos, entregándome a él. Y aquí, un desafío para hablar de alguien a quien nunca he visto, ni siquiera escuchado. Solo y solo la grabación escasa de algunas imágenes, reproduciendo obras de las que no tengo olor, ni siquiera percepción de escala, y mucho menos textura o alguna textura reflexiva que el vagar de las horas, en la intimidad iluminada, permitiría. Aún así, resistiendo en un momento primigenio, acepto el desafío con la sana esperanza de un Oppositorum[5] salvífico, ya que, en su interior, vienen reliquias hechas con vagar de relojeros. Allí no hay prisa. No hay urgencia, no hay silencio. La silla vacía no pertenece a este autor.

Estamos, probablemente siempre lo hemos estado, ante el exceso, de todo y nada, de lo absoluto, inmaterial, de la energía o de su ausencia. Nada está contenido, todo se expande y se esparce. También lo es el proceso pictórico. Hay un comienzo en la ausencia que se desvanece a un trazo de tinta, como una inmolación, un regalo diáfano. Naturalmente, el entonces, posiblemente, conjunto de trabajos que Ricardo Terrones viene realizando a lo largo de los años, en el lugar adecuado para un lugar del firmamento amoral de las pictoestrellas, que ya no existe. Todos partieron de la misma luminaria. Todos ocupaban una silla, ahora vacía. Uno encima del otro, haciendo tierra y humus de donde surgen voluntades y mañanas cantantes. Terrones está destinado a esas savias fertilizadas, ahora se hacen fertilizantes en él. Diría que la construcción de una lengua comienza con el alfabeto. Debemos rechazar lo obvio, el exceso. Define cada detalle, cada innovación en profundidad, y deshaciéndose de todo lo demás, el accesorio, de lo que ya no está. Pero la irreverencia de los gestos, atemporales, impide la purificación ungida del diácono. Por tanto, nos queda mirar el error y percibir en él una humanidad sublime. Ricardo es así, lleno de rutas perdidas en el camino soñado por dónde camina. Allí falta un discurso coherente, una articulación adecuada o un diálogo entusiasta al comienzo del viaje. Falta aquí una gran verdad, como diría el poeta[6], pero sobre todo falta la capacidad servil del tiempo, de la madurez del tiempo, en un progreso discursivo que puede aspirar a ser único, transformador. En un desafío de ser habitantes de un mundo nuevo. Quizás. Uno que sigue intacto, sin desperdicio, donde los gestos se hacen una ofrenda, para vagar.

Hay una especie de cruce ontológico en lo que Terrones me mostró de él. En esto, en su declaración hecha selección o conjunto de obras, habito, más que en el pasado obsoleto que ad infinitum[7] conserva la red digital[8]. Hay una exótica mezcla de arte que dejaron los incas[9] y los aztecas[10], fusionándose con la ascendencia de los macondos[11] y bosquimanos[12], de la que Artaud[13] pudo hablar, sin saberlo, solo intuyendo, fruto de su encuentro, en tierras mexicanas, con Cesariny[14] y su poética metafórica, que es un encuentro hermoso pero paradójico, aceptación simbólica, fundadora del Surrealismo, propuesto por Lautréamont[15]. Hoy, entre otros, Maludi[16] ha intentado, alucinado frenéticamente, en un trance profundo, seguir este camino. Terrones lo hace cerebralmente. Allí no hay sacudidas automáticas, mucho menos improvisación o explosión. Hay una búsqueda estoica en la construcción rigurosa de la obra, en el proceso narrativo primero, en su posterior formulación esquemática, en la forma en que luego se realiza el cuadro. De hecho, existe un cerebro completo que realiza su función. Pero, diría Beuys, ¿Qué hay de malo en eso? Ninguno, dijo Breton, especialmente si puede ignorar la profundidad de lo que dice, ficticio.

Terrones establece, de manera simultáneamente intuitiva, un vocabulario propio del que quizás ni siquiera se dé cuenta todavía, como el niño que llora por su padre la primera vez, como si padeciera algún temblor común. O el anciano, en el acantilado final, mortal, destrozando la vida en un último suspiro. Allí también resistirá una palabra, en su propio idioma, reinventado por cada autor, por tanto, personal. También la serie de Ricardo Terrones. El predominio del color. La síntesis de materia. La constante evocación de figuras proto-clásicas y neo religiosas o de ascetismo animista, profundos lazos de raíces culturales, americanas indias, ancestrales, llevando un código genético que no se quiere deshacer ni modificar. Así son los detalles y las piezas que creó singularmente, en una lógica narrativa fragmentada y multidimensional, como en una catedral sus piedras inspiradoras, laboriosamente unidas, configurando el paisaje y la esperanza de una idealización eterna del lugar perfecto, donde descansar por fin en las altas riberas de un río, como un cartero elaborando sueños universales, meticulosamente, en Hauterives[17].


[1] Josef Albers. Ver algumas referências que relevo aqui: https://mz.leskanaris.com/8255-biography-of-josef-albers-modern-artist-and-influent.html

[2] Andre Breton: Ver algumas referências que relevo aqui: https://www.thecollector.com/7-intriguing-facts-about-andre-breton/

[3] Franz Kafka. Ver o conjunto da sua obra reunida em livro, aqui: https://www.vanderbilt.edu/olli/class-materials/Franz_Kafka.pdf

[4] Joseph Beuys. Ver algumas referências que relevo aqui: https://walkerart.org/collections/artists/joseph-beuys

[5] coincidentia oppositorum. Ver algumas referências sobre o conceito aqui: https://link.springer.com/referenceworkentry/10.1007%2F978-0-387-71802-6_118

[6] Mário Cesariny. Poema: https://www.poetryinternational.org/pi/poem/4902/auto/0/0/Mario-Cesariny-de-Vasconcelos/Words-to-Prince-Epaminondasa-Lad-with-a-Great-Future/en/tile

[7] Conceito filosófico de infinito potencial. Ver algumas reflexões aqui: http://www.revistaespacios.com/a15v36n22/153622E1.html

[8] “Ricardo Henry Terrones Mayta nace en la ciudad de Trujillo, Chepén, Perú, en 1976, residiendo en la actualidad en Lima.”    http://crucitagutierrezsegovia.blogspot.com/2015/07/mis-amigos-pintores-ricardo-terrones.html

[9] Artigo sobre arte Inca em: https://www.khanacademy.org/humanities/art-americas/south-america-early/inca-art/a/inka-an-introduction

[10] Artigo sobre arte Asteca, disponível em: https://www.ancient.eu/Aztec_Art/

[11] Arte Maconde: https://africa.uima.uiowa.edu/peoples/show/Makonde

[12] Bosquímanos. Ver artigo sobre arte e xamanismo em: http://www.faculty.umb.edu/gary_zabel/Courses/Phil%20281/Philosophy%20of%20Magic/My%20Documents/Cave%20Art%20and%20Trance.htm

[13] Informação sobre a viagem de Antonin Artaud ao México, sob a forma de tese em: https://docs.lib.purdue.edu/cgi/viewcontent.cgi?article=2151&context=clcweb

[14] A poética metafórica de Mário Cesariny, apresentada sob a forma de tese, em: https://ubibliorum.ubi.pt/bitstream/10400.6/3413/2/A%20met%C3%A1fora%20na%20poesia%20surrealista%20de%20Cesariny.pdf

[15] Isidore Ducasse, Conde de Lautréamont, proferiu um dos aforismos mais significativos, para os Surrealistas, “Belo como o encontro fortuíto entre uma máquina de costura e um guarda-chuva, numa mesa de dissecção”, no canto sexto,capítulo I dos “Cantos de Maldoror”, disponível em: https://docplayer.es/33512747-Los-cantos-de-maldoror.html

[16] Houston Maludi: http://www.caacart.com/pigozzi-artist.php?i=&m=101

[17] Le Palais Idéal du Facteur Cheval. Ver informação em: http://www.facteurcheval.com/

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Cultura

Fragmento del documental “Espíritu y humanidad” del artista plástico Ricardo Terrones

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Fragmento del documental “Espíritu y humanidad” del artista plástico Ricardo Terrones, egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú.

El filme abarca los años de su prolifera carrera artística en el mundo del arte. En el documental participaron personajes como Nelida Román, Edwin Cavello Limas, Manuel Burga Díaz, Carlos Valdez, Luis Felipe Alpaca, entre otros. El documental es producido por Marcos y José Garboza Amand.

Este fragmento cuenta con la participación de Edwin Cavello Limas, fundador y director de la revista Lima Gris.

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Cultura

“Carcaza” exposición de María Abaddon y Nuria Cano

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La muestra, de las artistas María Abaddon y Nuria Cano, está disponible hasta el 5 de junio. Se podrá ingresar previa inscripción en cultural.icpna.edu.pe/visita-espacios-exposicion

Como parte de su misión en la difusión de la cultura, el ICPNA Cultural reabre las puertas del Espacio Juan Pardo Heeren del ICPNA Lima Centro con la muestra “CARCAZA”, de las artistas Nuria Cano y María Abaddon, bajo la curaduría de Carlos García Montero.

La exhibición, que es un diálogo de las obras de ambas artistas, presenta a la mujer liberada de conceptos que la encasillan como ‘recipiente romantizado’ o ‘contenedor natural’, es decir, se trata de una propuesta poco convencional de arte vivo desarrollada en el Espacio Juan Pardo Heeren del ICPNA Lima Centro.

“CARCAZA” experimenta con diversas texturas pictóricas, escultóricas y digitales, así como con el factor experiencial. Abaddon y Cano concentraron su trabajo en el lugar mientras generaban distintas acciones, colaboraciones, entrevistas y visitas que ahora contextualizan la muestra.

Para el curador, García Montero, cada diálogo que se materializa dentro del espacio donde se encuentra “CARCAZA” despierta las posibilidades curatoriales a dinámicas productivas propias del performance y el arte relacional y participativo.

“Semanas antes de inaugurarse la muestra, las artistas utilizaron el espacio Juan Pardo Heeren como estudio, creando un lugar híbrido con elementos formales expositivos, a la par de elementos más flexibles, propios del trabajo en estudio, esto permitió que la exhibición vaya transformándose a lo largo del tiempo”, indicó el curador de la muestra.

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Cultura

Las tres personalidades de Persi Narvaez expresadas en el arte

El artista peruano se especializó en pintura en la Escuela Nacional Superior de Bellas de Arte, lugar donde encontraría su pasión por el arte.

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El reconocido artista peruano, Cesar Persi Narvaez Machicao,  ha realizado alrededor de 23 muestras individuales y más 70 muestras colectivas a nivel nacional e internacional. En cada una de ellas expresa las emociones que le nacen en su contexto.  Entre los más recientes temas que ha tocado son: el abstracto, el paisaje urbano y el precolombino, de los cuales los conecta con sus tres identidades.

El abstracto

En esta interpretación Narvaez busca interiorizar su lado más íntimo como lo es su identidad sexual. A través del abstractismo, encuentra la manera de profundizar todo lo que arraiga su percepción en cuanto a su sexualidad.

Obra de Persi Narvaez: Futura víctima, posible martir.

El paisaje urbano

Una manifestación de arte que muy bien puede identificar elementos y momentos para que sean comunicados en su mayor explendor. Es así como Narvaez ha realizado el paisajismo urbano en muchas de sus obras, profundizando en lugares, logrando pintar lo que no todos pueden observar a simple vista de un paisaje.

En este caso, Narvaez expresa su segunda personalidad: su identidad social. Cada pieza artística realizada con esta manifestación guarda esa parte del artista, tomando en cuenta que ha expuesto sus obras en distintos países como Uruguay y Estados Unidos.

Obra de Persi Narvaez: El Río.

El precolombino

El arte precolombino es una de las formas más artísticas de expresar el génesis de una cultura, pues aborda antiguas civilizaciones.

A través del precolombino manifiesta su personalidad sobre su identidad ancestral.

Narvaez siempre está en la búsqueda de encontrar identidades que sobrepasen lo superficial, esperando hallar a su “yo” espiritual y ancestral.

Obra de Persi Narvaez: El primero en dar el salto.

El viaje astral de Narvaez

Gracias a los distintos viajes que el artista pudo realizar en la Selva del Perú, se  percató sobre la existencia de elementos que, para él, muestran un proceso evolutivo sobre la humanidad.

Estos elementos a los que Narvaez hace referencia, deben ser analizados desde el lado espiritual y ancestral, para así poder entender su importancia más allá de un plano físico.

Obra de Persi Narvaez: Todos bajo el sol, estamos bendecidos.

Siendo este viaje, un hecho importante para el artista, quien considera que esto le brindó una visión más clara de entender la parte divina de las culturas, así como el propósito de la vida en la tierra. Sumado a ello, expresa dos planos en la vida: el físico y el etéreo o también conocido como espiritual, de los cuales ambos al complementarse hacen al ser humano que somos.

Así logró plasmar este pensamiento desde el 2010, año en que empezó a conocer más sobre estos temas trascendentales.

Actualmente, Persi Narvaez cuenta con un conjunto de obras artísticas expuestas en la galería virtual de arte, Artplace, plataforma que pone al alcance distintas piezas a los amantes del arte sin límites de tiempo y espacio.

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Cultura

Jhoel Mamani Espinoza: “Ya sea de izquierda o derecha, en el Perú deben haber cambios, sobre todo en cultura”

Uno de los jóvenes artistas más talentosos que tenemos en el Perú, habló sobre su vida y obra en una entrevista para Lima Gris TV.

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En el programa Frente a Frente de Lima Gris TV que es conducido por Edwin Cavello Limas, se tuvo como invitado a Jhoel Mamani Espinoza, artista plástico egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes.

El artista habló sobre sus recuerdos en Bellas Artes, el proceso de su obra, el Ministerio de Cultura y el trabajo que viene realizando con Asociación Cultural PopulArt. Además, confesó que en estas elecciones de la segunda vuelta votará por el candidato Pedro Castillo.

Aquí la entrevista completa.

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Cultura

La “Zarzamora” en retrospectiva virtual

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Teresa Luna Revoredo.

Barrios Altos. Los gallinazos dan vueltas por las torres de las iglesias, en busca de las acequias clausuradas. En las plazas, juegan los niños con pelotas absurdas campeonatos mundiales de a por gusto y en las esquinas, se pierden las leyendas de Tatán y la Viuda.

Barrios Altos es cuna del criollismo construido con la fusión del vals vienés, los ritmos afroamericanos y melodías prehispánicas. En él se enseñorearon Eduardo Montes y César Augusto Manrique, los inmortales “Montes y Manrique” como más tarde Felipe Pinglo Alva y otros. El criollismo era una constante fiesta en los callejones de Cinco Esquinas que se alargó hasta llegar al Rímac, La Victoria y El Callao.

En alguna de aquellas antiguas quintas, nació Teresa Luna Revoredo, quien se transformaría al crecer en cantante, bailarina, artista plástica y curadora, influenciada seguramente por esa vecindad tan selecta y especial. Ella, pese a haber vivido poco en ese barrio, recibió la inspiración del criollismo, como lo testimonian sus intervenciones musicales y trabajos pictóricos.

A los quince años debutó como bailarina en el Teatro Segura con “El Bolero de Ravel” decidiendo adueñarse de las coplas para interpretar temas hispanos y criollos.

Deseosa de ampliar su camino en el arte ingresó a la Escuela de Bellas Artes egresando en 1976 con la máxima nota en Pintura. Según propias palabras su trabajo tiende al Naturalismo pictórico de Baca Flor y a la temática del retratista inglés Thomas Gainsborought. La artista toma en cuenta las tradiciones populares de su Barrios Altos natal o el lenguaje sublimal de las mujeres para plasmarlas en la tela.

Nuevamente con la paleta

Con el deseo de acortar este largo paréntesis y rendir   homenaje a la madre por su Día, presentará en su taller, una muestra retrospectiva de sus trabajos de arte plástico, poniendo como pretexto los 50 años de labor constante. La muestra se titula “TERESA LUNA EN EL ARTE-BODAS DE ORO”. La cita es a las 7pm del 8 de mayo en su Facebook.

Lima Gris, conversó con  la artista para conocer su historia, motivaciones y recorrido profesional.

¿Por qué decidiste realizar esta exposición virtual? ¿Es por el homenaje al Día de la Madre?

Es importante que la obra de un artista se exhiba cada cierto tiempo; ante la coyuntura en la que estamos viviendo por el Coronavirus, es cuando no hay que olvidarse que existe algo tan maravilloso como el arte que sirve como medio para conectarse con los más profundo y bello del alma y la esencia del ser.  Para ello las exposiciones virtuales son una gran iniciativa. Un artista no se puede quedar inerte, si no hay motivación hay que crearla para eso nacimos con ese don tan maravilloso. 

Decidí mostrar parte de mi obra de manera cronológica  a partir de los inicios de mi carrera profesional, hasta la actualidad. Tomé en cuenta mis inicios en el arte figurativo cuando pintaba  bodegones, retratos, figuras  humanas hasta  desarrollar un propio estilo y técnica, después de muchos años de estudio y práctica. Es la primera exposición virtual individual que realizo, pero antes he participado en eventos y exposiciones individuales y colectivas presenciales en donde he presentado varias obras en el Perú y en el extranjero. En esta ocasión he querido rendir un “Homenaje al Día de la Madre”.

Como curadora en la Sala de Arte “Felipe Cossío del Pomar” realicé  exposiciones de destacados artistas plásticos  como Fernando de Szyszlo, Víctor Humareda, Gerardo Chávez, Luis Cossío Marino, Alfredo Ruiz Rosas, Oswaldo Guayazamín, Martha Vértiz, Gastón Garreaud, muchos de ellos amigos cercanos del arte, también presenté a  jóvenes artistas y posteriormente actué como Curadora del Museo “Marina Núñez del Prado”.

¿Cuántas exposiciones tienes en tu haber?

Desde que fui estudiante de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú (ENSABAP), realizaba exposiciones, la primera muestra individual fue  en la Galería Ricardo Montenegro, Río de Janeriro-Brasil en el año 1973, que obtuvo una gran acogida. En aquella ocasión como el viaje fue por tierra  me permitió tomar apuntes en acuarela de los paisajes del camino y diversas festividades de Perú, Bolivia y Brasil.

Egresé en el año 1975, con Mención de Honor y 20 de nota en pintura. Mis maestros fueron Alberto Dávila y Carlos Aitor Castillo en pintura,  Francisco Abril de Vivero en dibujo. Desde entonces vengo realizando innumerables exposiciones individuales y colectivas en el Perú y en el extranjero como Suiza, España, India, Estados Unidos, Canadá, Brasil, Guatemala, Ecuador, Bolivia.

Cuéntanos sobre las exposiciones en el extrajero.

Organicé catorce Salones de la Mujer en el Arte. Como promotora cultural y artista fui invitada a exponer mis obras a la “ll Exposición de la Mujer Peruana en Toronto” que se realizó en el Scarborough Civic Center de Toronto, Toronto-Canadá, en el año 2000. En el año 2009 expuse mis obras en Suiza. En el 2011 expuse mi obra en la Tour de Sauvage, Romont-Suiza. En el año 2014 realicé tres individuales en Lima.

¿Cuál ha sido su repercusión?

Buena, siempre he tenido acogida por el público aquí en Perú el destacado pintor, muralista y crítico de Arte Juan Manuel Ugarte Eléspuru dice: La obra de ésta interesante pintora, es la manifestación de un espíritu fino y cultivado que se expresa por el manejo elegante y refinado de un colorido delicado y una visión poética de las formas. Con ello concurre exponiendo en el extranjero, Río de Janeiro, Canadá donde recibe un diploma de Honor como Curadora de un envío de Arte Moderno. También lo hace con Ecuador, Bolivia, España”.

¿Es más fácil hacerlo en Perú? ¿Existen facilidades y apoyo? ¿Qué entidades se encargan de colaborar con los artistas?

La verdad es más difícil hacerla en Perú porque los curadores y organizadores siempre tienen sus propios problemas. Miran y  remiran tus cuadros como si fueras una neófita y te dicen: Tengo la Sala ocupada por dos años, vamos a ver si hay un espacio”, eso me sucedía cuando solicitaba sala hace algunos años. Por el contrario, cuando viajé a Canada, Guatemala o Europa de sólo una mirada a la obra  te daban sala, claro con sus respectivas coordinaciones y presentando tu trayectoria, al menos antes aquí en Perú, en algunas galerías de Lima, si eras de la Universidad Católica exhibías y si eras de Bellas Artes te daban la Sala después de tres años, creo que ahora  cambió un poco esa política.

En mi caso la curaduría las realizaba con mucho criterio sin ofender al artista sino viendo, mirando estudiando el tema, el estilo, la ubicación si las obras eran figurativas, abstractas o de técnica mixta, por tamaños etc. hay varios ítems que hay que saber en lo que es montaje y composición de las obras, lettering, pie de obra etc.

Las Galerías Municipales dan Sala por lo general a sus vecinos artistas o artistas invitados según su trayectoria, pueden ser jóvenes valores o artistas consagrados.

Antes que artista plástica fuiste cantante y bailarina de temas españoles y peruanos ¿Cuándo y por qué te decidiste por las artes plásticas?

Desde los cuatro años de edad cuando vivía en Cusco ya bailaba y tocaba las castañuelas que aprendí a tocar sola y por iniciativa propia. Recuerdo que los vecinos salían a hacerme rueda y aplaudirme como si fuera una gran estrella. Luego en Lima a partir de los 15 años estudié danzas peruanas y españolas con la bailarina y maestra Rosa Elvira Figueroa; danzas modernas con varios maestros, uno de ellos Armando Barrientos y Edith Espinoza en danzas peruanas y Clásico Español. Las danzas peruanas y el canto de Coplas españolas y otros aires latinoamericanos lo he cultivado como parte de mi arte a lo largo de mi vida paralelamente a mi profesión de artista plástica presentándome como la “Zarzamora” en diversos teatros. Actividad que lamentablemente se ha visto interrumpida por la situación actual dada por la pandemia, pero pronto realizaré, así como esta exposición un concierto virtual.

¿Cuál es tu estilo, técnica y tu forma de expresarte en la pintura?

Mi estilo es figurativismo abstracto o nueva figuración. En el año 1981 pinté los 14 murales para el templo de la Soledad en Huaraz. La vida de Jesús desde su nacimiento hasta la muerte junto con el destacado artista plástico Luis Cossío Marino.  He pintado series de cuadros abstractos.

¿A qué artistas conociste?

A muchos artistas jóvenes valores y también artistas de gran trayectoria, a Marina Núñez del Prado con quien tuve una amistad. A Fernando de Szyszlo gran artista y amigo, Víctor Humareda quién hizo una serie de retratos inspirados en mi persona, Oswaldo Guayasamín, al escultor Miguel Baca Rossi, Francisco Abril de Vivero, Ricardo Sánchez Garavito, Víctor Delfín. En Brasil al pintor Mario Agostinelli que triunfó y radicó en Brasil, Juan Manuel Ugarte Eléspuru crítico y pintor peruano, etc.

¿Formas parte de una asociación de artistas plásticos? ¿Quién es la presidenta y que actividades realizan?

Soy socia fundadora del ASPAP que está conformado por destacados artistas, muchos ya fallecidos.  La Asociación Peruana de Artistas Plásticos del Perú realiza la exposición anual de pintura, escultura, grabados, dibujos en el Perú y en el extranjero.  También soy Socia Fundadora del Grupo Pintoras Perú.

¿Cuántos miembros de tu familia se inclinan por el arte?

Mi esposo fue el reconocido pintor y grabador peruano Luis Cossío Marino, quien se graduó con medalla de Oro de la Escuela Nacional de Bellas Artes 1966 y quien tuvo innumerables premios y reconocimiento nacionales e internacionales. De mis cuatro hijos los dos primeros se dedicaron al arte de manera profesional. El mayor, Pablo Cossío es pianista, concertista y el segundo Leonardo Cossío es un reconocido concertista de guitarra clásica que ha llevado su arte al extranjero en diversas oportunidades. Mi hija María Teresa es médico veterinario de la Universidad Científica del Sur y mi hijo Belmonte Cossío es comunicador Social de la Universidad San Martín, con mucha aptitud para el dibujo y las artes en general.

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Cultura

Frente a Frente: Entrevista al artista plástico Ricardo Terrones

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Lima Gris TV lanzó al aire el programa de entrevistas “Frente a Frente”, conducido por Edwin Cavello Limas. En el primer programa estuvo como invitado el artista plástico Ricardo Terrones, egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú.

Con Terrones conversamos sobre su reciente viaje a Miami, su paso por la Escuela Nacional de Bellas Artes, sus recuerdos en Chepén, la coyuntura política y sobre sus nuevos proyectos internacionales.

Además, el artista peruano esta próximo a estrenar su documental, un trabajo cinematográfico que refleja sus años de vida dedicados al arte.

Aquí el programa completo.

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Arte

II Crea Mujer Crea: Festival de las Artes llega con más de 30 artistas

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Del 29 de abril al 9 de mayo llega el II CREA MUJER CREA, Festival de las Artes, una nueva propuesta para celebrar la creatividad a través de la virtualidad. Organizado por el Colectivo Trenzando Fuerzas, más de 30 artistas entre pintoras, escultoras, cineastas, maestras de arte tradicional, diseñadoras de moda con identidad y gestoras culturales, participarán en una serie de actividades que el público podrá seguir en línea. Juntas le hacen frente a la pandemia con este evento multidisciplinario que propone una mirada reflexiva sobre la vida, la creación, la participación de la mujer y su fuerza creativa, rebelde y siempre floreciente.

Hace más de un año, el II Festival Crea Mujer Crea en su versión original, quedó en suspenso por el inicio de la cuarentena. Pero el Colectivo Trenzando Fuerzas, decidió seguir y producirlo en formato virtual. El reto: atravesar la frialdad de la pantalla con una propuesta de experiencia virtual vivencial, sensorial, emocional y de aprendizaje. El nuevo proyecto mereció el premio de las líneas de apoyo del Ministerio de Cultura y es así que el jueves 29 a las 12pm se inaugurará con una nutrida programación de acceso libre a través de la plataforma www.trenzandofuerzas.com, por Zoom y redes.

VIVIR EL MUNDO DE OTRA MANERA

El II CREA MUJER CREA, inicia su programación con la Exposición de Arte Vivir el Mundo de otra Manera que ofrece un recorrido virtual interactivo en 3D, por el imaginario amazónico, andino y el de la Lima migrante desde la mirada amplia, diversa e intergeneracional de 26 artistas mujeres. Las obras en exhibición, problematizan los roles y representaciones de género; la vida de las migrantes en Lima, el valor del trabajo en el hogar -más patente hoy en tiempos de confinamiento- y su permanente conexión con las tradiciones culturales y con la Madre Tierra. Destacan las piezas de co-creación, práctica basada en la horizontalidad y el intercambio de saberes, con énfasis en procesos interculturales, entre creadoras formadas en el taller familiar de arte tradicional, en escuelas de arte o con formación autodidacta.

La Putafina. Obra de Violeta Quispe.

A doscientos años de la Independencia del Perú, VIVIR el mundo de otra manera señala la urgente necesidad de una revisión histórica en temas de género desde un enfoque interseccional que permita comprender los procesos que movilizan a las artistas en el contexto actual. Hoy celebramos la resistencia de mujeres que desde el arte son productoras de cultura y cambio. Esta exposición permitirá al visitante conocer de forma didáctica el trabajo interdisciplinario de las artistas tanto en el arte textil (telar de pedal o bordado a mano, arpilleras), en la pintura con tintes naturales, pintura al óleo, escultura blanda, instalación, grabado digital y fotografía.

Participan: Liliana Ávalos, Luz Letts, Olinda Silvano, Rocío Rodrígo, Graciela Arias, Magdalena Ayme, hermanas Alacote, Lorena Arévalo, Clara Best, Lupe Benites, Lastenia Canayo, Chela Cardich, Juliana Cardozo, Jesucita Carpio, Patricia Eyzaguirre, Yolanda Llontop, Wilma Maynas, Julia Ortiz, Patricia Orbegoso, Violeta Quispe, María Ramos, Julia Salinas, Andrea Vigil y Pilar Pedraza. Curaduría: Issela Ccoyllo.Visita disponible las 24 horas.

El viernes 30 de abril a las 3 pm las artistas de la exposición VIVIR el mundo de otra manera y panelistas invitadas,participarán en el conversatorio “Economías Domésticas y otros Afectos de la Co-creación a través de facbook live.

TALLERES DEIDADES FEMENINAS EN EL ANTIGUO PERÚ

Bajo el nombre Deidades Femeninas en el Antiguo Perú, el festival incluye tres talleres de creación textil que proponen reconocer la presencia poderosa de la mujer en la historia desde épocas milenarias. Son tres fechas, el 1, 2 y 8 de mayo.  Mediante la práctica de diversas técnicas como el bordado, la arpillería, la utilización de abalorios, el teñido, estampado y dibujo con tintes naturales, se ingresará al imaginario precolombino para conocer a La Dama de Cao, la Mujer Pallar y Urpayhuachac, la diosa de los peces, el mar y las aves marinas; tomando como fuente el libro “Mujer, Poder y Alimentación en el Antiguo Perú de la historiadora y fitomántica Maritza Villavicencio.

La participación es gratuita previa inscripción e incluye el “Kit Trenzador”, con los materiales para el desarrollo de la creación textil de las 3 deidades. Al término del taller se otorgará certificado de participación. Las maestras María Ramos Sánchez (Arpilleria), Chela Cardich (Bordado y Telar) con una amplia experiencia en el manejo de técnicas textiles tradicionales así como, Jesucita Carpio Aliaga (Educadora y diseñadora artesanal) y Julia Salinas (Artista Plástica), Patricia Orbegoso (Artista Plástica) y la maestra Wilma Maynas ( comunidad Shipibo Conibo de Cantagallo), tendrán a su cargo el dictado de los talleres.

Continuando con la programación del festival, el 6 de mayo a las 3pm se presentará TRENZANDO MODA CON IDENTIDAD, evento virtualque aborda el trabajo y los procesos de co-creación desarrollados por artistas diseñadoras y maestras de arte tradicional a partir de seis proyectos realizados antes y durante el confinamiento por la pandemia. Se trata de una invitación a reflexionar en torno a la moda como expresión cultural y a la indumentaria con identidad y responsabilidad social, a partir de los procesos que se evidencian en el propio “hacer” más que en el resultado final.

El público conocerá parte del trabajo colaborativo entre sus artífices: maestras tradicionales de arte textil, joyeros orfebres y diseñadoras urbanas quienes desarrollan técnicas como el tejido a telar de cintura y/o de pedal, el bordado, el teñido con tintes naturales, la arpillería; así como técnicas de orfebrería en plata, como la filigrana, cincelado, bruñido, forjado y armado a mano.

A través de un catálogo virtual interactivo, se presentarán las diversas propuestas de prendas de vestir y joyería, que destacan por su sentido social y el ejercicio artístico de lo tradicional y contemporáneo. Son seis proyectos: “Kawsaq Awana” (El tejido está vivo), “Esperanza y Festéjate”, “Bella durmiente de Huánuco”, “Arpillería”, “Noabo, memoria, tradición y moda” y “Partager”. El evento culmina con un conversatorio sobre co creación, con la participación de las autoras de los proyectos.

PRESENTACIÓN DE CORTOMETRAJES

Para el viernes 7 de mayo se ha programado Cine, Territorio, Naturaleza y Mitología: una semblanza al origen, con la presentación de tres cortometrajes dirigidos por Lupe Benites de Curuwinsi Cine: El Duende, Huallaga y Dalila, la guardiana del Monte; obras que construyen un cine dialogante entre la creación y la realidad, entra la fantasía y el mito. Son tres relatos contemporáneos que buscanla participación activa del espectador sobre la comprensión de las realidades diversas en visiones cosmogónicas.

El festival culmina, el 9 de mayo al mediodía, con una celebración de arte y música en la que se rendirá homenaje a la Madres que siguen trenzando fuerzas a través de la creación artística y cultural. Toda la programación del festival, informes e inscripciones para los talleres, pueden encontrarlas en: www.trenzandofuerzas.com

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Cultura

Fernando ‘Coco’ Bedoya: “En el arte es más fácil perderse que encontrarse”

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En el programa Encuentros, conducido por Luis Felipe Alpaca en Lima Gris TV, se contó con la participación del pintor y grabador Fernando ‘Coco’ Bedoya.

El integrante y fundador de los emblemáticos colectivos artísticos Paréntesis y E.P.S. Huayco, radica en Argentina desde hace más de 40 años y a través de un diálogo hilarante conversó sobre el arte político, el conceptualismo, la felicidad, los momentos duros que pasa un artista, las iconografías, los recuerdos de sus obras símbolos, como la chapita Coca-Cola y el concepto del libro Coquito.

Asimismo, se refirió al profesor Pedro Castillo y su rol de candidato ganador con caballo y sombrero; pero, se mostró desconcertado que, en Perú, la candidata presidencial Keiko Fujimori finalmente, haya pasado a la segunda vuelta electoral. 

Aquí la entrevista con el artista peruano.

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