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Cultura

Ayacucho: Destrucción del Patrimonio Cultural en medio de la desidia del Ministerio de Cultura

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A pesar de todos los cuestionamientos y denuncias que presentamos aquí, han pasado seis Ministros de Cultura y Luz Rosario Antonio Vargas (Arqueóloga de la PUCP) se mantiene en el cargo como Directora de la Dirección Desconcentrada de Ayacucho, al mejor estilo Richard Swing. Los ministros que estuvieron durante su gestión son: Patricia Balbuena Palacios (abogada PUCP), Rogers Valencia Espinoza (turismo UNSAAC- Cusco), Ulla Holmquist Pachas (arqueóloga PUCP), Luis Jaime Castillo Butters (arqueólogo PUCP), Francisco Petrozzi Franco (tenor), Sonia Guillén Oneglio (Docente de la PUCP) y actualmente Alejandro Neyra, otro ministro (PUCP).

De un tiempo a esta parte los ayacuchanos han observado absortos, cómo la Dirección Desconcentrada de Cultura de Ayacucho (DDC) dejó de cautelar, liderar, proteger y difundir el legado histórico en estricto cumplimiento de sus funciones, haciéndose cómplice de las múltiples afectaciones que viene sufriendo el Centro Histórico de Ayacucho, en especial sus áreas y monumentos; muchos de ellos declarados como tal por las instancias de su sede central.

Los ayacuchanos se sienten impotentes ante diversos atentados como mutilaciones, demoliciones, modificaciones y subastas como si fuesen bienes sin valor ni significado; ahora más que nunca con el advenimiento de la conmemoración del Bicentenario de nuestra Independencia y que tiene como epicentro, núcleo y eje a Ayacucho, ciudad que debiera cumplir su rol con responsabilidad.

La dirección Ministerio de Cultura de Ayacucho (DDC) está a cargo de la Lic. Luz Rosario Antonio Vargas, quien muestra su incapacidad de gestión, justificando y eximiéndose de responsabilidad ante las autorizaciones que otorga la Oficina del Centro Histórico de la Municipalidad Provincial de Huamanga en absoluto desacato a la Ley Orgánica de Municipalidades, otorgando licencias para construcciones modernas en áreas y sobre los monumentos de condición intangible. El alcalde Yuri Gutierrez viene a ser un arquitecto entendido en el tema, quien anteriormente laboró en el INC-Ayacucho, actual DDC.

Hace unas semanas denunciamos en Lima Gris que a pesar de los constantes “errores” de esta directora, ella se sigue manteniéndose en el cargo gracias a la amistad con la exviceministra María Elena Córdoba Burga y la exministra de Cultura Sonia Guillén, recientemente cuestionada por el escándalo de la contratación de “Richard Swing”. Pero este no es el único caso de irregularidad de la gestión la exministra Guillén.

Luz Rosario Antonio Vargas, Directora de la DDC Ayacucho, es también infractora pues ha realizado alteraciones al inmueble de su propiedad ubicado en el Jr. San Martín s/n, a una cuadra y media de la Plaza Mayor, en el Ambiente Urbano Monumental de la ciudad de Ayacucho, declarado mediante Resolución Suprema N°2900-72-ED de fecha 28/12/1972, reconocida como Centro Histórico de la Ciudad de Ayacucho por Ordenanza Municipal N°061-2004-MPH, de fecha 27/10/2004, la cual parece también corresponder a la Declaratoria con RDN N°707/INC-2001, que consigna como inmueble integrante del Patrimonio Cultural de la Nación al Jr. San Martín N°330 que vendría a ser el mismo bien, habiéndose iniciado un Procedimiento Administrativo Sancionador (PAS) el cual ha sido encubierto, pudiendo ser está la causa de su desinterés.

Este es el inmueble de propiedad de la directora de la DDC-Ayacucho que fue alterada internamente en la tercera cuadra del Jr. San Martín. Las vistas de la fachada de Este a Oeste y de Oeste a Este.

Este antecedente es un ejemplo de los hechos negativos de los que expondremos como muestra, y tiene como objetivo, generar una reacción de la sede central del Ministerio de Cultura. Es necesario que Alejandro Neyra, como nuevo ministro de Cultura, muestre su interés en la defensa del Patrimonio Cultural, ya que durante el ejercicio de esta Dirección de la DDC-Ayacucho se ha efectuado la destrucción de un inmueble Declarado con RDN N°707/INC-2001, que consigna las direcciones de Jr. Grau N°119-125-137-139-143;130-136 que correspondería a la Casona García del Barco, la cual ha sido totalmente modificada en su interior y exterior, utilizándose materiales modernos para los pisos que hoy son de porcelanato, techos tipo Eternit como hangares, que ante una vista área rompe por completo la armonía paisajista de la ciudad colonial, la que se ubica prácticamente a casi una cuadra de la Plaza Mayor. La fachada ha perdido sus ventanales de fierro forjado y ha dado paso a la apertura de nuevas puertas, hoy es un centro comercial de colchones, en resumen se trastocó todo sin  ninguna consideración y con el silencio cómplice de la DDC-Ayacucho.

Detalle de una ventana original y de la puerta, producto de su modificación hacia la calle. Las siguientes dos vistas muestran el interior donde se observa un piso de porcelanato, graderías y otros elementos que no corresponden a una edificación colonial y declarada como Patrimonio Cultural, no se ha buscado ni mimetizar los espacios y se ha roto con todo el esquema original del predio histórico.

En la tercera cuadra del Jr. 28 de Julio, calle considerada como eje para la recuperación del Centro Histórico de Ayacucho con motivo de la conmemoración del Bicentenario y la calle San Juan de Dios, ambas que forman una esquina de una manzana, se viene ejecutando una construcción de dos niveles, cuando originalmente la antigua vivienda era solo de un nivel, la misma que permitía incluso observar uno de los campanarios del Templo de San Juan de Dios, hoy por su proyección de dos pisos o quien sabe si más, definitivamente está rompiendo esta armonía urbanística monumental, es demás decir que esta zona también se encuentra en el Centro Histórico de Ayacucho, se desconoce si cuente con Plan de Monitoreo Arqueológico (PMA) y el aval de la DDC-Ayacucho.

En la tercera cuadra del Jr.  28 de Julio, donde se forma una esquina con el Jr. San Juan de Dios, se viene efectuando una construcción de material noble proyectado para dos pisos sin tener en cuenta que se halla en el eje de lo que se ha propuesto conservar y poner en valor a Huamanga Colonial por el Bicentenario de la Independencia, se puede aún observar una de los campanarios del Templo de San Juan de Dios, el que será cubierto por esta edificación imposibilitando su visualización más adelante.

Esta es la calle San Juan de Dios, donde se ubica el Templo colonial del mismo nombre, obsérvese la nueva construcción que dejará reducida y aislada a este monumento histórico que también es integrante del Patrimonio Cultural de la Nación.

A media cuadra de la Plaza Mayor, en el Jr. Lima N°148, llamada antes “Plateros”, se ha observado el ingreso de materiales de construcción como ladrillos y cemento en gran cantidad, suponemos que será para alguna otra nueva construcción y de seguro la DDC-Ayacucho no ha tomado cartas en el asunto al haber tenido conocimiento que debe haberse otorgado la licencia de construcción correspondiente por la Municipalidad Provincial de Huamanga, y que advertimos para este y los anteriores casos, existiendo normativas como la Resolución Suprema N°2900-72-ED de fecha 28/12/1972 que Declara como Ambiente Urbano Monumental a esta zona y el reconocimiento como Centro Histórico de la Ciudad de Ayacucho mediante Ordenanza Municipal N°061-2004-MPH, de fecha 27/10/2004; ósea todo esto es letra muerta.

Este es el predio donde han ingresado materiales de construcción, entre ladrillos y abundante cemento, lo que posiblemente corresponda a una nueva construcción, nótese la fachada y el interior con dichos materiales.

Se han consumado muchas afectaciones al Patrimonio Cultural con la demolición de casonas, modificación de estructuras originales como pórticos, entre otros que no han merecido sanción alguna, quizá lo más reprochable, no se ha actuado preventivamente y tampoco se ha intervenido en flagrancia, de ello mostramos algunos ejemplos.

De un tiempo a esta parte ante la falta de apoyo, trabas y excesiva tramitología que se inicia incluso desde la SUNARP, muchas familias ayacuchanas están optando por deshacerse y subastar sus propiedades, ante la falta de liderazgo de la DDC-Ayacucho que debiera mediar, interceder y buscar soluciones con los propietarios e instituciones para la protección de los bienes inmuebles integrantes del Patrimonio Cultural de la Nación, es penoso observar avisos que indican que estos monumentos se encuentran en venta, son casonas y hasta capillas como la de la Virgen de Socos en la primera cuadra del Jr. Arequipa, a unos cuantos pasos de la Plaza Mayor, ofrecidas al mejor postor.

¿Esta es la ciudad que aman los ayacuchanos para mostrarla al mundo? sus calles, templos con sus sobresalientes campanarios y sus magníficos techos de tejas, casonas con grandes patios y arquerías que cada día vienen siendo diezmadas y mutiladas, debido a la falta de compromiso de las autoridades, en especial de aquellas obligadas a velar por su protección.

ANTES

AHORA

Por todo lo expuesto que es tan sólo una muestra de cuan mal estamos, esperamos que se tomen las medidas correctivas. Ante la destrucción del Patrimonio Cultural, es sorprendente que la Directora Luz Rosario Antonio Vargas, representante del Ministerio de Cultura, no tenga en la actualidad ningún proceso de investigación por los casos mencionados. De la misma forma la Municipalidad Provincial de Huamanga tiene que responder y sancionar a los funcionarios que resulten responsables de estos daños de lesa cultura como lo manda la ley.

Colectivo: Defensores del Patrimonio Cultural de Ayacucho.

A continuación, anexamos un documento que prueba los constantes reclamos presentados a las instancias superiores del Ministerio de Cultura, los mismos que nunca merecieron atención por parte de las autoridades de la sede central en Lima.

Como vemos, en el Ministerio de Cultura no solo existen personajes como Richard Swing, que durante el 2018 se llenó los bolsillos con 175 mil soles. Lamentablemente, también existen funcionarios cuestionados por la destrucción de nuestro Patrimonio Cultural. Recordar que Luz Rosario Antonio Vargas (Egresada de la PUCP), fue nombrada por la exministra Patricia Balbuena (abogada PUCP), y durante todo este tiempo ha sido prácticamente intocable a pesar de todos los antecedentes mostrados.

Han pasado seis Ministros de Cultura y Luz Rosario Antonio Vargas se mantiene en el cargo al mejor estilo Richard Swing. Los ministros que estuvieron durante su gestión son: Patricia Balbuena Palacios (abogada PUCP), Rogers Valencia Espinoza (turismo UNSAAC- Cusco), Ulla Holmquist Pachas (arqueóloga PUCP), Luis Jaime Castillo Butters (arqueólogo PUCP), Francisco Petrozzi Franco (tenor), Sonia Guillén Oneglio (Docente de la PUCP)) y actualmente Alejandro Neyra, otro ministro (PUCP).

Dudamos mucho que desde el Ministerio de Cultura tomen cartas en el asunto. Esta duda es debido a que hemos detectado que desde que se creó el Ministerio de Cultura, un grupo de la PUCP se ha enquistado en los puesto claves durante estos diez años. Una muestra de eso, es la incapacidad de gestión en el sector cultural. Una década donde los millones de soles destinados el Ministerio de Cultura no han tenido un impacto positivo para el Perú.

Pero confiamos en el importante trabajo que se viene realizando desde la Comisión de Cultura y Patrimonio Cultural del Congreso de la República, el parlamentario Alcides Rayme Marín, de la bancada del FREPAP.

Recordemos que el presidente Martín Vizcarra, lanzó la Agenda Bicentenario 2021, junto a la exministra de Cultura Patricica Balbuena, en la Plaza de Armas de Ayacucho, actividad que en simultáneo se efectuará en otras 19 regiones. ¿Así pensamos recibir el Bicentenario?

Presdiente Martín Vizcarra y ex ministra de Cultura Patricia Balbuena, en pleno lanzamiento de la agenda Bicentenario en Ayacucho.

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Cultura

La soprano Blanca Galdos presentó su placa: “Honrar la vida”

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Hoy sábado por la noche, dentro de la Feria del Libro de Huancayo, se presentó el disco “Honrar la Vida” de la cantante y declamadora Blanca Galdos, quien desde hace buen tiempo nos viene sorprendiendo con su voz melodiosa que escarapela la piel. Luego de viajar a México, Centroamérica y el Brasil, podemos decir que Blanca ya era hora de que oficializara su placa donde hay catorce temas que van desde “A mi hermano Miguel” hasta “Llego con tres heridas” o “La Oración del Labriego” de Felipe Pinglo y “Te quiero” de Mario Benedetti, entre otras joyas imperdibles de la música peruana y universal.

Cabe anotar que para este trabajo contó con la participación del maestro Coco Linares, premio “Personalidad Meritoria de la Cultura Peruana”; asimismo como el apoyo del maestro de canto Luciano Garrido y de sus hijos, también músicos: Enrico y Francisco Garrido, entre otros personajes ilustres de la música y la intelectualidad peruana entre los que está su señor padre que entregó el cuadro que ilustra la placa: el pintor Enrique Galdos Rivas.

Aquí las palabras de Blanca Galdos sobre el evento:

Les cuento que estaba prevista esta presentación para el año que pasó, pero ello, como comprenderán, fue imposible. Pero las cosas se concretan, aunque se demoren y hoy, resulta gratísimo para mí y para quienes me aman, que mi trabajo pueda difundirse a través de un espacios de arte y de cultura como es la Feria.                              

Yo agradezco esta bendita oportunidad y me alegro de que mi disco se llame Honrar la Vida, porque es un recordatorio perenne de que estamos aquí para algo y por algo y ello, tiene que ver mucho con la gratitud, con la generosidad, con la humanidad, con nuestro ser, aún en tiempos tan dolorosos en donde casi todos hemos perdido seres amados e irremplazables. Pero también, tiempos de amor.                                                                               

                                                                                                            Honrar la Vida!

Aquí la trasmisión del evento en la Feria del Libro de Huancayo:

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Cultura

Los caminos de Santiago

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Santiago Risso, me hizo llegar a través del PDF su antología final 3ª con el título de PUERTOS editada el 2020 por Gaviota Azul y que tiene como carátula un hermoso velero pintado por el artista plástico Bruno Portuguéz. La edición de 64 páginas y el apéndice biográfico del autor, reúne 33 poemas que vendrían a ser un compendio de la trayectoria  creativa de Santiago, pues como  especifica la Antología personal, contiene tres ediciones:

La primera, de noviembre de 2016, la segunda de marzo del 2017 y la tercera corresponde a agosto del 2020. De ahí, que los estilos que encontramos en sus poemas son divergentes y diversos, y quizá no del todo personales pues notamos influencias foráneas.

Así en Yn Abstracto, es posible acercarnos a los versos Nerudianos, en la Cascada viajamos por un romanticismo extraño y llegamos al abstraccionismo paralelo al barroquismo con el poema a Gamaliel Churata.

Su Pax: vox clamantis in desierto, habla por sí mismo en un lenguaje gongorista, pero muy trabajado. El mar, esa dulce y terrible extensión de infinito, lo atrae, por algo siente un amor incondicional por el Callao, puerto en donde vivió y trabajó por una época, amén de ser el lugar de nacimiento de su esposa.

Hospital, es una conversación poética con su amigo Raúl Zurita que nos lleva poéticamente por caminos profundamente sensibles. En estos versos igual que en Prosa de Nueva York, encontramos a un Risso que se desnuda impotente ante el dolor y la soledad. Versos como: Zurita: / El mar del Callao está picado / Las olas revuelven incontenibles garfios, bateas, escafandras / y demás pecados mortales / Zurita:/ ayer visité Vigil y toda luz de esperanza/ se hizo añicos () Más adelante nos revela su impotencia: No puedo escribir arañando el dolor// …Al enterarme, Zurita, que un niño/ con la ternura y la belleza de mis hijos/ señala travieso con muñones / a la fogata que hace a Dios con sus manitas./ No tengo perdón Zurita/ He escrito este poema/ y te lo enviaré por email/ con mis dedos talqueados/ de eXtraña finura.

Creemos que en estos poemas, se encuentra el verdadero poeta, no hace gala de virtudes poéticas, simplemente arroja aquello que le quema. Sin embargo en nuevos poemas como Tarde de Andar por San Vicente o los experimentales Mujer Impresa, Soledad Onán o Generación genacen genio, vuelve a los primeros ensayos lingüísticos aunque con un mejor trabajo del vocabulario.

Santiago Risso, nacido en Lima en 1967, ha sido subgerente de Cultura y Turismo en la Municipalidad Provincial del Callao, como también director del Centro Cultural Augusto Cazorla, columnista en varios diarios y corresponsal de la revista española Alhucema. Es fundador del Grupo Cultural Mammalia (nombre extraño que corresponde a los mamíferos del cuaternario), pero en fin, tratándose de poetas y de poesía, todo es posible.

Entre sus ediciones tenemos títulos como los poemarios: Rey del Charco (1995), Cuesta, Peldaño (1999), Transmutaciones (Fondo Editorial de la Biblioteca Nacional del Perú) editado en el 2000.

Fue incluido en varias antologías y traducido al inglés, italiano, francés, quechua, guaraní y alemán, Diversas revistas como  La Tortuga Ecuestre, Poetas en Busca de Editor (Perú) y Eskeletra (Ecuador), Carmín (Argentina), Diturva (México) Preside la asociación Mammalia Comunicación & Cultura.

Otro logro antes de la pandemia fue su trabajo como organizador de la promoción lectora a través de Poesía en el Puerto, Ejercítate leyendo, Lectura bajo el árbol. Además ha obtenido premiaciones así en 1993, el Primer Puesto en el segundo Premio de Poesía JOSÉ MARÍA ARGUEDAS. EN 1998 EL Primer Puesto en el Primer concurso nacional de Poesía ANDRÉS AVELINO CACERES, como también la primera Mención Honrosa en el Concurso Poético Libre (Caxias do Soul-Brasil) y un Primer Puesto en Poesía en el concurso literario “Cuenta tu historia, escribe tu futuro” de la DD del Callao en el 2011.

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Cine

Canción sin nombre: innominable

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Por Tania Pariona Icochea

Hace dos semanas obligué a mi pareja a ver Canción sin nombre, de la directora Melina León, una película que el Ministerio de Cultura estuvo promocionando y que se encuentra en Netflix. Marcos estuvo reacio porque el cine peruano no suele tener buenas producciones y sus propuestas casi siempre son dramas terribles. Sin embargo, mi (imposición) entusiasmo ganó el control remoto.

Realmente fue una gran decepción. Sin embargo, el hecho de que sea una película innecesariamente larga, lenta y con muchas incoherencias en la trama no es lo único malo. Lo realmente peligroso es una idea que se desliza bajo las formas del cine de estética hípster: el “terruqueo”. Aunque no ha usado el término terruqueo, Mario César Castro Cobos ha escrito una colérica opinión que en gran parte comparto y recomiendo leer: https://limagris.com/cancion-sin-nombre-de-melina…/….Como no soy una experta en cine, no hablaré de la fotografía ni de la técnica ni de las referencias a otras películas o directores. Me remitiré a abordar las incoherencias en la forma de abordar la ficción y en la trama.

No podemos juzgar a una película como a un reporte periodístico. Su aproximación a los hechos de la realidad real no tiene que ser meticulosa y exacta. De hecho, como ya señaló la directora, el tema central del filme – el robo de niños – ocurrió en el Perú años antes de 1988 (año en que la película se contextualiza). No se trata de la realidad, sino de una representación de la realidad. ¿De un mundo posible? No, no llega a tanto.

Si bien los espectadores no debemos reclamar a la obra un apego preciso a la realidad peruana, el filme se vale demasiado de las referencias a la realidad para comercializarse. Canción sin nombre entiende la ficcionalidad como una mímesis de la realidad. Los personajes no representan a personas que realmente existieron, pero sí a tipos sociales, étnicos y de clase. La misma Melina León ha mencionado que su padre fue periodista y que investigó el caso del secuestro de niños en el país. Por otro lado, el uso de los personajes migrantes, observados desde una lente exotista en sus “fiestas folklóricas” (como han dicho algunos youtubers) busca añadir realismo a esta cinta.

Se podría argumentar que es una ficción realista y que manosear la biografía y las manifestaciones culturales es una técnica publicitaria de mal gusto, pero no ilegal, como los lobbies. Bueno, pero que conste que es muy feo. Ahora vamos a la trama. Comencemos por la pareja ayacuchana de Georgina y su esposo quienes viven en un cerro limeño. Al principio, se los ve integrados a la comunidad de migrantes, participando de una fiesta, así nos enteramos de que el esposo es danzante de tijeras. No obstante, estando inscritos en una comunidad, viven en una choza de esteras alejadísima de otras. Y no solo eso, siendo partícipe de una comunidad, Georgina prefiere dar a luz en el centro de Lima, con unos absolutos desconocidos, sin avisarle a su esposo ni a las vecinas (¡que viven muy lejos, Tania!) ni a nadie de su entorno.

Pedro, el periodista que ayuda a Georgina a buscar a su bebé raptada, tiene una historia extraña. Se subraya la homosexualidad del personaje a través de una relación sentimental con un actor cubano. No obstante, este dato no agrega nada importante a la trama. Ni la homosexualidad ni la homofobia son temas desarrollados en la película. La inserción de este detalle parece más bien un intento por abordar la otredad en varias de sus formas: étnicas, de género. Otra vez, un guiño a la publicidad bienhondista de la época. Además, Pedro tiene en el periódico una compañera de acento marcadamente venezolano y se entrevista en la Amazonía con una mujer de acento marcadamente venezolano. Puede que una pizca de atemporalidad no caiga mal, pero en esta película parece que se les pasó la mano.

El personaje del esposo, por su parte, danzante y trabajador en el mercado sufre unos cambios que no se explican muy bien. Primero, deja sola a su esposa en la búsqueda de la bebé, solo la acompaña en dos ocasiones y luego desaparece. Más adelante nos enteramos que se enroló a Sendero Luminoso y toma parte en un atentado en una loza deportiva. La explosión ocurre durante una fiesta popular en la que participan sus vecinos y su esposa (!). Qué extraña manera de expresar la impotencia e indignación: atacando a los vecinos y a la esposa. Esto deja a Georgina todavía más sola y ella debe pedir ayuda a una vecina para que la esconda (¿no que la vecina vivía muy lejos?, ¿si podía pedir ayuda para huir, por qué no pidió ayuda para dar a luz?).

Si bien en el Perú existe una ley que castiga a la apología del terrorismo, no existe ninguna sanción contra el “terruqueo”. Esta es una práctica de desprestigio que vincula a una persona o a un grupo social/étnico con prácticas terroristas.

Lamentablemente, Canción sin nombre tiene una mirada que subrepticiamente terruquea, ¿por qué?, porque coloca al terrorismo del lado de los migrantes ayacuchanos pobres en los cerros de Lima. Quizás sea de modo inconsciente, pero sigue siendo un terruqueo. Esto ocurre por la forma superficial en que se propone un tema tan delicado para los peruanos. Entonces, sí, Mario Castro Cobos tiene razón cuando señala que Canción sin nombre no hace preguntas importantes ni mucho menos profundas a la realidad que quiere representar, pues de hacerlo se convertiría en “un artefacto en verdad incómodo, oscuro, perturbador, complejo, es decir, todo lo no que es”.

Me animo a escribir estas líneas porque leí que Canción sin nombre se perfila como “una de las películas más celebradas en la historia del cine nacional” y me preocupa mucho que se celebre una forma velada de colocar la culpa del terrorismo en ciertos grupos sociales, étnicos y de clase. No me parece exagerado decir esto en un país que cuestiona las marchas de protesta de los jóvenes y de los agricultores y que no procesa a los verdaderos culpables. No me parece exagerado despertar una alerta de “terruqueo” porque no necesitamos “mano dura”, sino reconstruir un país con memoria y dignidad.

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Cine

Los festivales culturales que migraron a lo digital

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Cuando se inició la emergencia sanitaria y surgió el confinamiento social el circuito cultural en Perú se vio afectado. Las galerías de arte, los cines, los teatros, las bibliotecas y los museos tuvieron que cerrar sus puertas. De golpe se cancelaron importantes ferias y festivales culturales; sin embargo, en el país algunas de esas organizaciones han sido tenaces y se reinventaron con el único fin de no truncar sus misiones y sus ofertas culturales. En ese sentido, importantes marcas como el Festival de Cine de Lima, el Festival de Cine Al Este, el Hay Festival Arequipa y la Alianza Francesa de Lima asumieron el reto e inauguraron sus eventos de forma no presencial utilizando como herramienta, la tecnología para ingresar al mundo virtual.

Revista impresa Lima Gris N° 20.

Lima Gris conversó con cada uno de sus directores para que nos den sus impresiones sobre los avatares que tuvieron que afrontar en esta pandemia que le declaró la guerra a la cultura.

Iniciada la pandemia muchos festivales fueron cancelados; solo algunos festivales lograron organizarse a pesar de tenerlo todo en contra. Marco Muhletaler, director del 24º Festival de Cine de Lima, mencionó:El miedo estaba ahí todo el tiempo. Yo creo que sí, fuimos muy claros en el momento de que lo que haríamos era llegar a hacerlo, y hemos tenido idas y venidas básicamente por temas de recursos, hasta que fuimos encontrando los aliados, los soportes y las plataformas. Yo quería estar seguro de que íbamos a poder atender al público de la mejor manera posible, porque quería que las películas se puedan ver bien, que los cineastas y los distribuidores con quienes trabajamos hace más de 24 años, puedan confiar en nuestra plataforma para tener una buena manera de exhibir sus películas, y cuando lo tuvimos, recién lo anunciamos”.

Marco Muhletaler director del CCPUCP y del Festival de Cine de Lima. Foto: PUCP.

En la ciudad blanca el Hay Festival también migró a lo virtual, con una clara premisa: resistir.  Ángela Delgado Valdivia, directora de Desarrollo del Hay Festival Arequipa 2020, señaló:La situación fue compleja y difícil. Cuando se decretaron las medidas de confinamiento estábamos a casi dos semanas de hacerlo en Gales, pero la decisión se tomó rápido y se migró a lo digital. A Arequipa no le tocaba otra solución que atender a las medidas de seguridad por la pandemia y seguir adelante. Lo que quiere el Festival es sentar continuidad y dejar un precedente; dejar el alma, y dejar la huella”.

Ángela Delgado. Foto: Julio del Carpio.

Otro de los festivales de cine que fue golpeado por la pandemia es el XI Festival de Cine Al Este, dirigido por David Duponchel. Para él, el tema económico fue importante ya que se tuvo que realizar una inversión onerosa para migrar a lo virtual. “Pienso que ha sido más caro, porque se ha tenido que hacer una plataforma. Nosotros, lo que hemos tenido como suerte en esta edición, es la respuesta de los directores”, señaló Duponchel.

Otro importante eje cultural en el Perú, es sin duda la Alianza Francesa. Para su director Nicolás Mezzalira, ha sido una experiencia intensa migrar en corto tiempo a lo virtual.“El teatro lo tuvimos que parar, pero hemos logrado terminar con suerte nuestro gran festival llamado Temporada Alta de Teatro Experimental, que fue hasta la quincena de febrero. Pero sí tuvimos que anular luego toda la temporada de artes escénicas y también la galería de artes visuales; aunque esta galería se ha reiniciado hace un mes y medio cumpliendo con los protocolos y ya está funcionando con un aforo súper reducido; pero el teatro todavía no. Y el cine según la fase cuatro abrirá a fin de mes”, explicó Mezzalira.

Con la pandemia también se tuvo que prescindir de muchos trabajadores; Marco Muhletaler manifestó: El equipo fue mucho más pequeño. Tuvimos que adaptar la organización a las realidades de esta nueva forma de hacer festival. Algunos empezaron a aprender cosas nuevas, y tuvimos que estar en otras posiciones a las habituales. Para muchos, era como aprender a hacer algo nuevo”.

Pero como en toda crisis, también aparecen nuevas oportunidades, una de ellas fue nuevos puestos de trabajo en áreas de comunicación digital y community manager. En ese sentido, Ángela Delgado precisó: “Nuestro equipo de comunicaciones del Festival tomó contacto con cada una de las personas y grupos presentes que están involucrados en el asunto de community manager, o de emprendimientos culturales y comunicativos a partir de la plataforma internet. Hemos dado más énfasis y creo que se lo seguiremos dando al equipo de comunicación digital que es tan necesario y tan pertinente en este tipo de estrategias”.

Una de las preguntas pertinentes ante la nueva experiencia virtual fue ¿cuál será la respuesta del público? David Duponchel afirmó: “Aproximadamente sumado a todo lo que es gratis, siempre ha sido entre diez mil y doce mil espectadores. Este año todavía no tenemos las cifras, pero lo que ha pasado es que hay más miradas de películas; entonces hubo menos gente que ha comprado su ticket. Pero la gente también ha visto más películas porque había películas gratis y también hubo un pago que hacer y había una preventa que nos ha ayudado también a pagar algunos derechos de películas”.

David Duponchel. Foto: Al Este de Lima.

En el caso de la Alianza Francesa, Mezzalira explicó: “En abril fue 40% menos. Somos una sociedad sin fines de lucro, pero el 90% de los ingresos de la Alianza Francesa vienen de las clases; entonces si haces el cálculo: 40% sobre el 90% es un golpe súper fuerte. El mercado del idioma no ha sufrido mucho con referencia a los otros mercados; como, por ejemplo, el de los restaurantes, que han sido destrozados durante seis meses. Y te puedo decir que octubre de 2020 fue mejor que octubre de 2019 en volumen de inscripciones, y por eso hemos mantenido todos los sueldos y todos los empleos al cien por ciento”.

Ante una crisis provocada por la pandemia, el respaldo de algunos auspiciadores se mantuvo en algunos casos; en otros, se tuvo que bregar ante la ausencia de marcas. Marco Muhletaler mencionó: Nosotros contamos con la colaboración del BBVA que se ha mantenido este año tal cual, y estamos muy agradecidos por seguir apostando por el Festival de Cine. La verdad, es que tampoco hicimos una campaña muy agresiva para salir a buscar a otros auspiciadores, pero ahí se unieron algunos auspiciadores en el camino”.

Además, agregó: “El Festival se ha hecho con casi el 8% del presupuesto regular y las entradas tenían los precios más bajos. Una entrada era para toda una familia, o para un grupo de personas que comparten una pantalla; pero también la virtualidad llevaba a otras salidas desde el punto de vista presupuestal; porque no teníamos deudas tan grandes en pasajes y en hoteles y otros costos que son muy altos”.

Por su parte, Ángela Delgado manifestó: Se han portado súper bien, porque sabemos que es un año difícil. Y si ustedes ven nuestra lista de patrocinadores, son empresas que nos han seguido casi desde el primer año; fieles, sólidas y comprometidas con los objetivos. Ahora, es evidente que el monto ha descendido por las propias circunstancias y lo entendemos bien. Lo que no entendemos y en esto me permito ser muy cuidadosa con lo que estoy diciendo: es que haya instituciones como el Gobierno Regional de Arequipa que se comprometió a un patrocinio para el Festival, pero lamentablemente no contestó nuestras cartas; lo ha hecho recién hace unas semanas diciéndonos que no pueden por la pandemia, pero nosotros también nos cuestionamos y nos gustaría saber qué tipo de políticas y qué tipo de consideración tienen hacia el área cultural”.

Una de las estrategias que utilizaron los festivales virtuales, fue la preventa. Una importante herramienta que evitó que el golpe económico sea más fuerte. En ese sentido, David Duponchel afirmó: “Hemos vendido mucha preventa a 29 soles, pero también había muchos estudiantes y por eso este año hemos vendido muchos tickets, pero al final hay poca recaudación porque tienes que cobrar 12 soles a los estudiantes nacionales para que vean 60 películas, pero atrás de esas 60 películas hay titulación y está la plataforma que tiene un costo. Lo que pasó realmente es que se divide el ingreso de dinero con el cine; por ejemplo, Cineplanet te toma la mitad, más el impuesto de la municipalidad, y no te queda mucho sobre el boleto final y eso es un problema, porque los festivales todo el tiempo no pueden contar con el apoyo del Estado, porque también se tienen que sostener”.

Pero cada festival también tuvo sus propias limitaciones; en algunos casos la ausencia de público fue mayor. Para Marco Muhletaler este año: “Ha sido menor y necesariamente tenía que ser así, porque recordemos que este año el Festival tuvo 30 películas, versus las 167 películas que tuvo el año pasado en su sección principal, más otras 300 en la sección de la Muestra Itinerante. Por otro lado, se pensaba que por el hecho de que sean virtuales los tickets iban a ser ilimitados. Pero los distribuidores nos marcaron a nosotros un numero de tickets y el universo total de tickets que nosotros podíamos vender ha sido de 15 mil, pero eso no significaba que eran 15 mil personas y de acuerdo a la estadística que hicimos, cada ticket vendido significaba que cada día era visto por 2 personas en promedio”.

Instituciones comola Alianza Francesa en plena pandemia apostaronpor una inyección cultural permanente, para ellos las redes sociales jugaron un papel importante como plataforma. Estamos muy orgullosos de todo el equipo, porque tuvimos una semana donde sabíamos qué hacer y lo hicimos con una onda un poco ligera, desde el 16 de marzo subimos una canción por ahí, un libro y una visita virtual al Museo del Louvre. Pero como actividad más fuerte empezamos a partir de la quincena de abril con danza en casa y luego nos tomó como dos semanas para montar el primer festival en línea en danza. Y eso no se improvisa; la política cultural tiene que ser muy clara porque consideramos que los artistas iban a ser muy impactados”, destacó Nicolás Mezzalira.

Nicolás Mezzalira. Foto: Rqphoto.

En todo cambió se suscitan también nuevos problemas. La tecnología es un gran aliado, pero muchas veces hay cosas que suceden de forma inesperada. Marco Muhletaler nos cuenta ese curioso momento del Festival de Cine de Lima: “Sin duda este año el tono que debía tener toda la comunicación no era celebratorio. Celebrar la fiesta del cine no era el enfoque en ese momento, pero sí era el momento propicio para seguir viendo cine y pensamos que debería ser un espacio de conversación, difusión y de reflexión sobre dónde estábamos en ese momento y en la inauguración hicimos un conversatorio sencillo pero profundo a la vez. Y en la clausura llegamos a hacer lo mismo, pero tuvimos la primera baja fuerte de internet en toda la emisión del festival, porque no habíamos tenido ni un solo problema serio, pero en plena clausura se cortó la trasmisión a la mitad y tuvimos que grabarla para poder emitirla, pero el público fue muy cálido también”.

Otro de los retos que tuvieron que afrontar los festivales, fue la difusión en los medios de comunicación. Vender un evento virtual en plena pandemia no fue una tarea fácil. David Duponchel detalló: “Ha bajado y ha subido. Internacionalmente ha subido; hemos tenido un montón de artículos en Argentina y hemos tenido artículos en la prensa de América Latina. Y nacionalmente un poco menos, porque no tuvimos televisión local este año. Solo en cable estuvimos en Wantan Night y en prensa escrita, en El Comercio y Correo”.

Al pasar de un festival presencial a uno virtual, sin duda se pierde algo, pero también se gana. Para los directores de los festivales, ¿qué se perdió y qué se ganó con esta nueva experiencia?

Marco Muhletaler: “Yo creo que ganamos la posibilidad de que el contenido sea más democrático y llegue a más regiones del país. Ahora, lo que más perdió el Festival es el espacio de comunicación y de encuentro físico que no solamente se vive en las salas, porque se viven en los pasillos, en la cafetería, en la sala de prensa y en el día a día”.

Ángela Delgado: “Si somos conscientes de las circunstancias, creo que vamos ganando en presencia mediática a nivel internacional; vamos ganando en conocimiento respecto al Festival hacia diversos públicos. Qué hemos perdido… yo creo que eso es temporal y momentáneo. Se pierde la calidez del contacto directo, eso es un factor humano irresistible y además imprescindible en el contacto humano porque es nuestra propia naturaleza”.

David Duponchel: “Lo que hemos perdido son quizás los encuentros que uno hace en un festival y la calidad de la proyección, porque hay películas que necesariamente se tienen que ver en una sala de cine. Pero también sentí que ganamos en las clases virtuales, porque hubo como un calorcito que lo vivimos en directo y los contactos con mi equipo… nos hemos visto casi siempre vía conversa”.

Nicolás Mezzalira: “Yo vengo de las artes escénicas de la calle y siempre militaré para que volvamos a los espacios físicos, porque creo que a nivel antropológico las artes escénicas es más que presenciar un espectáculo. Es recrear el círculo mágico de la palabra, el enlace social y el vínculo social. Somos animales y necesitamos abrazarnos. Y la otra cosa es que el arte y la cultura están ahí para eso, y no es casualidad que sea el sector más impactado por todos, porque al final arte y cultura es donde desde miles de años nos hemos encontrado nosotros. Y se ha ganado algo para capacitaciones, porque todas esas herramientas como zoom, y google earth, todo eso existía antes del 16 de marzo, pero no estaba en nuestro pensamiento y a nadie se le había ocurrido hacer un Congreso Mundial de las Alianzas Francesas con zoom, en lugar de que todos vayan a París”.    

(Articulo publicado en la revista impresa Lima Gris N° 20)

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Cultura

Índigo retrató la inmensidad del MAR en su tercer álbum

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Ya hemos presentado antes algunos adelantos que Índigo nos hizo de este, su esperado tercer álbum de larga duración. En él, la banda mantiene un concepto artístico bastante cuidadoso y detallado muy ligado al mar. En tanto la parte estética como lírica del álbum se basan en la relación que existe entre el mar y la inmensidad de las emociones humanas; en la sensación de infinito y de cómo ambas comparten evocaciones similares como la calma, melancolía, furia, alegría, y más.

Mar cuenta con 16 tracks que fueron concebidos y trabajados desde finales del 2018, desarrollando el sonido que ahora identifica a la banda en el que destacan las atmósferas melancólicas y ensoñadoras derivadas del dream pop con una base rítmica bastante potente.

Así mismo, este importante lanzamiento viene acompañado del videoclip de “Excesos en espiral”, tercer corte del álbum. Aquí, tanto la canción como el vídeo retratan la decadencia de las relaciones amorosas hasta sucumbir en el círculo vicioso de la monotonía. La sincronía audiovisual nos muestra la impotencia y todos aquellos sentimientos encontrados que experimentan las relaciones en ese contexto.

Las grabaciones se hicieron en los home-studios de Darko Sáric y Jonatan Zuñiga y algunas baterías se grabaron en Huaca Estudio. La producción y mezcla del álbum estuvo a cargo de Darko, excepto en “Excesos en espiral” donde participa Alejo León en la co-producción; la masterización a cargo de Carli Beguerie de Argentina.

Escucha el álbum en tu plataforma favorita de streaming.

Un dato extra:

La última canción del álbum titulada “Dime que cambiar” es cantada, a modo de coro, por amigos y personas que acompañan a la banda en esta nueva etapa.

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Arte

Las acuarelas virtuales de Zeballos

Juan Carlos Zeballos, un artista peruano que radica en Francia. Aquí la entrevista.

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Entre 1954 y 1955, los diarios El Comercio y La Prensa de Lima, los más prestigiosos en aquella época, fueron escenario de una ilustrada polémica sobre una nueva corriente que se iba apoderando del espacio artístico peruano, al menos en la capital.

Este denominado “Arte abstracto” nació en los inicios del siglo XX bajo el ojo avizor de la austriaca Helma af Klimt, quién en 1906 hizo representaciones visuales de ideas espirituales complejas y formas geométricas, algo nuevo y revolucionario que inmediatamente fue seguido por Kandinsky con acuarelas abstractas.

Este nuevo concepto atrajo a un joven Ricardo Grau quién lo fue imponiendo en el medio limeño y dando a conocer a sus jóvenes alumnos cuando asumió la dirección de la Escuela de Bellas Artes.

La polémica que menciono, se suscitó pues existía aún muy fuerte la influencia del Indigenismo y no se concebía un arte fuera de estos parámetros. En aquellas “discusiones de papel” intervinieron profesionales como Sebastián Salazar Bondy ( el mayor crítico de esta corriente), Luis Miró Quesada Garland, el filósofo Francisco Miró Quesada, el pintor y etnólogo Emilio Mendizábal Lózack, el periodista Edgardo Pérez Luna, los pintores Fernando de Zsyzslo, Carlos Aitor Castillo, Jorge Piqueras y otros.

Una continua transmutación

Pero, la última voz la tuvieron los artistas y el arte abstracto con sus múltiples variaciones, se fue haciendo parte del mundo de la paleta nacional, sobre todo en lo decorativo sin que esto significara una frivolidad.

El arequipeño Juan Carlos Zeballos Moscaero, es uno de sus más entusiastas seguidores y lo hace con tanta pasión que obtuvo el Primer Premio del 75 Salón de Arte Contemporáneo ARAMI, en la feria realizada en la ciudad de Ermont.

 Sus obras se encuentran en libros de acuarela y pintura contemporánea en Perú, América Latina y Europa. También figura en el diccionario biográfico de artistas visuales en Francia ARTFABETEC.

El artista nacido en Arequipa en 1976, es egresado de la universidad de San Agustín y reside en Francia desde el 2014.

Con motivo de las restricciones de la pandemia, decidió exponer de manera virtual una selecta selección de acuarelas con el título que revela los cambios de sus trabajos (y al parecer de la modalidad de exponer): TRASMUTACIONES/TRASMUTACION CREPUSCULAR.

Esta abstracta exposición será en la Galería “Yvonne Sanguinetti” y estará abierta a partir del 11 de febrero hasta el 6 de marzo. Este es el enlace para acercarnos a la muestra sideral: http://yvonnesanguinetigaleria.com/

Lima Gris, sostuvo una amena charla virtual con el artista, que compartimos para conocer su interesante trayectoria.

El arte que usted practica es esencialmente abstracto, sin embargo hay divergencias respecto a esta Escuela pues se dice que solamente llegan a ella quienes no han logrado desarrollar otras especialidades como el figurativismo, realismo, surrealismo, neo clasicismo, cubismo, etc. ¿Qué piensa al respecto?

Recurrimos a la abstracción para cada una de nuestras actividades mentales, incluso desde las primeras manifestaciones del ser humano, entonces ¿por qué no buscar nuevos discursos plásticos como sucedió desde inicios del pasado siglo’. Considero que solo era cuestión de tiempo y formalizar el discurso para una corriente que más allá de especulaciones y criticas, sigue vigente entre las demás corrientes del modernismo. Ha pasado más de un siglo desde sus primeros manifiestos que asentaron sus bases y que celebramos en  las primeras obras abstractas fechadas (Gabriele Münter, Hilma af Klimt), incluso en los ya reconocidos fundadores de la abstracción.

Los artistas abstractos conocieron bien la realidad e historia del arte, tuvieron grandes etapas en sus propuestas y su inconformidad e investigaciones los llevaron a múltiples variaciones. Existen miles de testimonios, lo podemos ver en la obra de los Maestros. Para abstraer no basta la necesidad de  conocer bien la realidad, experimentarla y pasar por un largo proceso de formación  académica o autodidacta, es una búsqueda personal, permanente del inconsciente y en las emociones. Es una opción libre que podemos elegir, una toma de riesgos donde el resultado no será una casualidad sino la sumatoria de todo lo vivido.

sdr

¿Qué tendencias existían en Arequipa en la época en que empezó a desarrollar su vocación artística? ¿Cuál practicaba usted?

Estudié en la escuela de artes de la UNSA entre 1995 y el 2000, disfruté de una formación académica competitiva y amalgamada de experiencias artísticas ya que en su mayoría mis maestros eran artistas reconocidos a nivel nacional por sus  exposiciones y la infinidad de premios que obtenían cada ano en los diversos concursos nacionales de pintura. Crecí admirando su maestría en la interpretación del realismo que hacían.

La pintura en Arequipa conservaba ese romanticismo, pero con ciertas propuestas al expresionismo, fauvismo y realismo fotográfico. Tenía en ellos y  frente a mí la mejor pinacoteca de acuarela que pudiera imaginar, el paisaje infinito de la ciudad que hasta hoy se sigue plasmando pero que no estaría dispuesto a seguir .mi obra fue realista esos años, tuve la opción y confianza por parte de mis maestros de la escuela de  poder especular en mi búsqueda y seguir otros estilos al inicio seguí el impresionismo por el trajo en taller y de campo q hacíamos pero siempre  me incline por lo urbano. Hice una tesis sobre ‘paisaje urbano nocturnos y diurnos para  graduarme y mi obra se inclinó por un expresionismo  para esos años hasta mis viajes y estudios en Brasil (a partir del 2001).

La acuarela tiene múltiples usos y siempre resulta agradable el resultado. ¿Cree que con la tendencia abstracta se puede lograr lo mismo? ¿No sería mejor hacer por ejemplo, paisajes?

Claro que sí, la acuarela permite abordar cualquier tema desde lo formal hasta lo abstracto, pese a que muchos buscan la prolijidad y precisión en la técnica, mostrar su extremo dominio, pero el  artista puede dar rienda suelta a su capacidad de ejecución, imaginación, arriesgándose ante cualquier  resultado.

Es así que la acuarela ha cobrado vital importancia en su uso para la creación de obras de arte ,el poder del agua y el color es superlativo en su definición fugaz o complejidad desde su ejecución hasta el resultado solo traducido por el mismo.

Radica en París desde el 2014. ¿Lo hizo para seguir la tradición de que un artista solo se logra si llega a la Ciudad Luz? Compruebo que los premios y distinciones los obtiene a partir de su convivencia parisina. ¿Sin este viaje cree que también lo hubiera logrado?

Fui  organizándome a medida que pasaron los años desde mi llegada: las invitaciones para exposiciones personales, colectivas, ferias  y salones se me presentaron y las aproveché. Mi obra fue mi única carta de presentación, sabía  bien que el currículo que traía de Perú no iba marcar alguna diferencia aquí terminé la escuela de artes entre los primeros de mi promoción. Gané mis primeros premios a nivel nacional e internacional desde el año 2000 hasta antes de dejar Perú con una obra realista, expresionista y expresionista abstracta (premio de pintura Pro unámonos, Michell y cia, Jhon Constable, Icpna, Cerro Verde, 50 años de la escuela de Artes Carlos Baca Flor. Fui merecedor de la medalla de la ciudad de Arequipa, medalla de la ciudad de Taubate en Sp, Brésil, Bienal de Pintura Raul Soldi en buenos aire, bienal de pintura de Álvaro Novoa en Guayaquil, Bienal de acuarela Viña del Mar, premio internacional Francisco de Zurbarán en España, entre otros.

El 2014 llegué a Francia siendo el único finalista  latinoamericano para participar en 2 bienales intenacionales de acuarela (la bienal de Narbonne y la Bienal de Arcachon), ese mismo año tenía mi primera muestra individual en Paris y luego continúe con nuevas exposiciones personales, colectivas, festivales y los salones de arte. Fue así que decidí comenzar nuevamente de cero, instalarme en esta ciudad de ensueño, vertiginosa y maravillosamente  inspiradora que aun continua sorprendiéndome, reconociendo un camino que no permitiría dar marcha atrás. Desde entonces continuo mi propia señal ética, preparo cada exposición diferente a la anterior para Europa, Asia o América, mis proyectos inspirados en la misma ciudad, donde no hay temor al límite, la bidimencionalidad o tridimencionalidad y los materiales o técnicas que utilicé. Sobre la tradición nunca la considere, sin duda es inimaginable la historia que uno encuentra y sabe que vivieron miles de artistas y dejaron de ejemplo viviente y que ahora se lleva sobre los hombros (una razón más para no desistir).

Me  fui preparando desde chico para lo que sería continuar mi vocación desde donde este, fue en París (que siento me eligió). Existe una infinidad de opciones y una crítica favorable por mi obra. Pudo ser otra ciudad o regresar al Perú, pero sin duda hubiese continuado como el primer día, sin avanzar.

Vayamos al tema de sus trabajos: capturar la luz -como los impresionistas- para manifestar sus sensaciones sobre el entorno urbano. Solamente lo puede logar en París? ¿Qué ha recogido del Perú?

Asumo la pintura en  relación a mi descontenta exploración  estética, el desencanto ante la figuración clásica  y la disolución del motivo anecdotico. La exaltación del color y su dosificación, el alto contraste, la sobrexposición, la simplicidad de la mancha, la espontaneidad del gesto, recurrir al recuerdo, a la emoción a sensaciones y experiencias lo dicen todo… no he renunciado a mi narrativa, a la observación diaria, a la fuerza instintiva  donde parecen surgir presencias, masas, ciudades, códigos urbanos, otras realidades quizá por descubrir .

La luz siempre estará  presente en mi obra porque su trasmutación comenzó en mi interior desde mis estudios y continua, no es el lugar, se trata de uno mismo. Europa reforzó este cambio y estoy convencido que toda evolución obedece a la búsqueda y al cambio.

Conservo  mis raíces, no hui de nuestro país ,ni ha disminuido mi amor y orgullo por el suelo patrio pues en cada obra que empiezo y culmino hay un  retazo del Perú, mi entorno, nuestra  historia, la tradición y folclore,  la enseñanza que recibí de mis maestros. Tengo la responsabilidad de continuar con su legado y estoy comprometido con lo aprendido en Perú.

Con la pandemia, los sentimientos, emociones y visiones se han transformado. ¿Cómo los puede traducir usted en sus trabajos?

Esta cuarentena surrealista nos ha empujado a una creatividad y reinvención absoluta donde nuestra libertad y el poder cultural nos ayudará a reconstruir una sociedad con nuevas oportunidades. El arte ha vuelto a su génesis y a todos nosotros al mismo punto de partida. Ahora dependerá de quiénes quieran aceptarlo para continuar con su pasión o permanezcan tal como los encontró la pandemia. Fortalecer sueños y luchas personales será la clave para continuar este proceso. Personalmente pienso que se vive en una cuarentena perpetua para la creación. Si hay un después, reencontrarnos a sí mismos, liberarnos de convenciones, el arte seguirá generando oportunidades de desarrollo en lo emocional, social, económico, oportunidades para uno mismo o colectivos. Pude trabajar una serie de pinturas de pequeño y mediano formato durante ese periodo (por estos años inimaginable por la concepción de mi obra), pero que me dio resultados y pude llegar a otros mercados, ahora será una práctica constante. Luego del confinamiento comencé una nueva serie de pinturas  con todos los materiales que reciclé en atelier e ilustro mi diario y las historias que describía como un tácito observador  por esos meses a manera de  crónicas y que planeo publicar este 2021 por nuestro aniversario patrio.

Me parece que es la primera exposición virtual que realiza. Se podrán apreciar los colores y formas de sus trabajos con la misma nitidez y subjetividad? ¿Cuánto se gana y cuánto se pierde?

Es mi  primera exposición individual con la Galería Yvonne Sanguineti que hago y con la que inicio este nuevo año. El 2020  continúe exponiendo mi obra e interactuando en exposiciones colectivas en Francia, América y Asia virtualmente  (muchas exposiciones fueron anuladas y otras continuaron a través de las redes, en su mayoría se  cambiaron las  fechas  para su reinicio a mediados de este año hasta el 2022). Mi obra continuará  su derrotero  desde otras plataformas hasta volver a la normalidad.

No es posible superar el encuentro físico de obra artística y público. Estar frente a ella en aquel territorio de complicidades y alquimias, pero es el riesgo que asumimos ante  esta modernidad y muchas de las banalizaciones que ofrece el sistema. el  color es emoción y se puede transmitir también a través de una pantalla, lo gestual evoca imaginar  texturas y formas, el discurso del artista, y finalmente será nuestra imaginación y la sensibilidad de cada uno lo que defina que esta frente a nosotros.

Sin  duda es más lo ganado al consumir ,compartir y aprender mediante esta globalización de los medios, es lo que tenemos y tomamos en esta sobrevivencia. La  cultura es clave y la mejor herramienta para construir un mundo mas justo y desarrollarnos mejor.

¿A qué artistas contemporáneos admira en París?

Conocí del arte mundial desde niño mediante  libros, revistas que mi madre coleccionaba y series  que hablaban de la vida y peripecias  de los artistas. No era solo coincidencia que se establecieron aquí y otros en New York, vivieron por el arte y para el arte  y comencé a  seguirlos desde los clásicos  hasta aquellos  comprometidos y transgresores  en las corrientes modernas y postmodernas. Me emociono y conmuevo ante sus testimonios, al recorrer los museos que me sean accesibles (Desde un Giotto hasta una instalación de cualquier artista de la  Young Brittish Artist), soy pintor y seguiré  su romanticismo y con pasión a aquellos que lo dieron todo por la pintura. Nombres de quienes  admiro son muchos, aprendí y aprendo aún de ellos; pero sin dudar  serian también  los artistas peruanos que llegaron aquí para preparar la ruta que seguiríamos, algunos  por poco tiempo, otros toda una  vida, y que aún persisten; mi homenaje a  los que continúan aquí y aquellos  que ya partieron dejándonos  su obra inmortal: Guzman, Braun, Sanchez, Piqueras. Arequipa y el Perú,  la nostalgia perpetua por mis maestros y su arte milenario y todos los hombres que construyeron nuestra cultura y luego  nuestros procesos  de asimilación a esta modernidad.

Ya desde Europa y en este país Francia se sabía que desde sus inicios el arte  moderno suscitó  trágicos finales pero que una vez asimilado otra sería nuestra historia. Es inevitable no ser influenciado por este arte europeo y las objeciones y tentaciones culturales que te ofrece París, un ejercicio diario y de riesgos. Entre seguidores creo tener artistas  comprometidos con la pintura y las historias de América Latina, conservando solo sus recuerdos y transmutados en emociones a ellos podrían comprender una odisea.

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Cultura

Se inició la undécima edición de la Feria del Libro de Huancayo (FELIZH) y tuvo como invitado estelar a Mario Vargas Llosa

Evento se realizará por primera vez de manera virtual.

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La literatura no puede parar. El reconocido escritor peruano fue el encargado de inaugurar la feria a través de una videoconferencia que fue transmitida en las redes sociales.

Desde Madrid, su lugar habitual de residencia, Vargas Llosa destacó la participación en el certamen de su amiga, la escritora nicaragüense Gioconda Belli.

Esta no fue la única aparición del Nobel en la feria, pues también recibió un homenaje de parte de los organizadores y mantuvo una charla magistral titulada “Literatura en los Andes” junto al escritor y periodista peruano Raúl Tola, también residente en la capital española.

En la inauguración de la FELIZH también intervino el ministro de Cultura, Alejandro Neyra, quien destacó el esfuerzo de los organizadores por hacer la feria por primera vez de manera virtual, un paso que el año pasado ya dio la Feria Internacional del Libro (FIL) de Lima, entre otros espacios culturales.

Por su parte, el presidente de la FELIZH, Willy Mateo, invitó a toda la población del Perú, que nuevamente está confinada desde inicios de mes, y del extranjero a seguir las 90 actividades culturales que se desarrollarán hasta el 28 de febrero.

Junto a Vargas Llosa y Belli, en la feria participarán otros 30 autores extranjeros como el español Hernán Migoya, el colombiano Santiago Gamboa, la ecuatoriana Margarita Laso, la mexicana Leticia Luna o la venezolana Belkys Arredondo. Entre las actividades programadas también se le realizará un merecido homenaje al importante historiador y sociólogo de origen huancaíno, Nelson Manrique Gálvez, por su aporte a la comprensión del proceso histórico de nuestro país.

Todas las actividades las podrá seguir desde el Facebook Live del evento.

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Cultura

Para los amores intensos de verano: “Verano Infierno”, primer LP de Fernanda Perochena

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La talentosa cantautora peruana Fernanda Perochena inicia el 2021 con mucha buena actitud y con disco nuevo bajo el brazo. Luego de soltar algunos sencillo a lo largo del 2019 y 2020 anticipando lo que vendría, finalmente nos presenta Verano Invierno, su álbum debut que nos acerca a sus anhelos, inquietudes y temores de verano.

Tras su debut en solitario a inicios de 2019, la cantautora Fernanda Perochena nos ha regalado un puñado de canciones cuya carga emocional introspectiva nos permitió adentrarnos en su mundo y entender mejor sus inquietudes creativas. En 2020 conocimos sus sencillos “Otro café”, “Detrás de ti”, “Fragmentos” y “Despertarse al mediodía” que anticiparon Verano invierno, su primer álbum de larga duración que acaba de estrenar.

Verano invierno es un disco de larga duración compuesto por 10 tracks en los que la cantautora repasa una a una sus influencias musicales que van desde el R&B, pasando por el pop experimental, hasta la música electrónica. El resultado es un disco bastante versátil que acompañará al escucha por diversos paisajes y momentos significativos en los que Fernanda deposita sentimientos, conflictos, pasiones y emociones evocadas por el verano limeño.

“El nombre viene principalmente de lo que me hace sentir el disco, un sentimiento nostálgico pero a la vez emocionante de verano, mezclado con un poco de oscuridad. Pero a la vez tiene varios elementos que en mi cabeza suenan a infierno, como los efectos y sonidos que pintan una paleta más oscura en algunas canciones y resuenan con algunas letras más depresivas del disco”, comenta Fernanda sobre su álbum

Verano Infierno ya está disponible en Spotify, Deezer, YouTube y demás plataformas de streaming.

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