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Cine

“Al viejo Clint, por sus 90 años” por Umberto Jara

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Le debo a Clint Eastwood el primer oficio que tuve en mi vida: vaquero del Viejo Oeste. Tuve la suerte de que, en asuntos de cine, mi madre decidiera criarme sin las prohibiciones de la censura por edad. Así, siendo un niño, pude ver en el cine Cavero de mi pequeña ciudad, el maravilloso film de Sergio Leone “El bueno, el malo y el feo”. Días después, en el almuerzo familiar, con el coro burlón de mi hermana, formulé un pedido extravagante para los adultos pero imprescindible para el niño que en ese entonces fui: necesitaba tener las botas y el poncho que en esa película utilizaba el personaje sin nombre encarnado por Clint Eastwood.

Molesté tanto en casa con mi vehemencia (que no ha menguado aún hoy) que a mi viejo no le quedó otra alternativa que llevarme al zapatero y al sastre para la confección de esos aditamentos. Llevé conmigo, con el cuidado que se le da a un mapa del tesoro, el recorte que los diarios publicaban en ese tiempo con el afiche de las películas. De ahí, del afiche de “El bueno, el malo y el feo”, tenían que tomar el modelo de la manera más fidedigna posible los artesanos del cuero y la tela. La tarde en que me calcé las botas de gamuza y el poncho marrón con sus figuras geométricas, empezó mi oficio de vaquero a tiempo completo. Bajo el sol inclemente o la lluvia desatada, marchaba a todo lugar posible vestido como Clint, atento a los posibles desmanes de el Malo y el Feo.

Fue uno de los veranos más felices de mi vida. Sin colegio y sin tareas pude vagabundear por las ariscas tierras del Viejo Oeste a las que me conducía la afiebrada imaginación que se suele tener en la niñez. Meses después llegó a la tienda de discos del señor Alberto Chahud Nader, en la Plaza de Armas de Ayacucho, el long play con la banda sonora de “El bueno, el malo y el feo”. En casa, agradezco tanto desde siempre, los gastos en cine, libros, música y fútbol estaban siempre autorizados. De modo que el señor Chahud me entregó el disco y partí a la carrera a casa. Mi madre puso aquel disco de vinilo y lo primero que escuchamos fue el silbido con la melodía inolvidable compuesta por Ennio Morricone. Ella me miró con esa sonrisa comprensiva que solo las mujeres saben tener y me puse a cabalgar junto a Clint Eastwood, bien aferrado a los estribos del corcel para no caerme de tanta felicidad.

Años más tarde, en la universidad, empecé a entender los detalles profundos de ese clásico de la cinematografía. Entendí el significado de una de las escenas más célebres, aquel instante en que el “Rubio” (Clint Eastwood) dice: “El mundo se divide en dos categorías: los que tienen el revólver cargado y los que cavan. Tú cavas”. Así solía ser el mundo entonces; y lo sigue siendo ahora.

He crecido con Clint Eastwood. He disfrutado y he aprendido con sus filmes —en los que actuó y en los que ha dirigido—. He respetado su figura y su pensamiento. He visto con alegría su arribo, gracias a su talento, a un pedestal que pocos tienen: ser considerado una leyenda viva. Pero como hoy en día vivimos tiempos en los que cualquier petimetre o petimetra se atreve a la falta de respeto, hay quienes, en los últimos años, han tenido la osadía de molestarlo. Ante la impertinencia, el gran Clint Eastwood, con sus noventa lúcidos años y con la apostura del vaquero que cabalga solo sin necesidad de nadie, ha sabido responderles con unas frases tan sonoras como los balazos que esa gentuza se habría merecido en un bar del Viejo Oeste: “Primero me tildan de derechista. Después de racista. Ahora de machista. Está de moda conseguir que la gente se sienta culpable por diferentes cosas. A mí me da igual, porque sé en qué puto lugar del planeta estoy, y me importa una mierda”.

Celebro sus maravillosos 90 años. Talentos como el suyo terminan siendo eternos porque su obra ha de seguir vigente sin importar los calendarios.

Desde mi rincón de espectador le tengo profundo cariño porque, además del regalo en mi infancia, me entregó, en mi adultez, un momento entrañable. En el último año de vida de mi madre establecimos la costumbre de conversar más que antes para decirnos aquello que, vencido el plazo, ya no sería posible compartir. Una tarde, revolviendo un cajón de olvidos, hallé el disco aquel con la música de “El bueno, el malo y el feo”. Se lo mostré, nos pusimos a silbar aquella melodía a nuestro modo poco musical y nos dimos un largo abrazo y al ver nuestras lágrimas mutuas entendimos que mi niñez hacía mucho que había concluido y que su vida estaba ingresando al adiós final. Supimos, con una nostalgia honda, que habíamos sido muy felices, juntos, la tarde aquella en que, con esa música de fondo, ella le sonrió comprensiva a ese pequeño vaquero en el Viejo Oeste de mi infancia. Los dos sabíamos muy bien por qué amábamos tanto a Clint Eastwood.

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Cine: Festival de Cannes rinde homenaje a director de cine Spike Lee

Cineasta muestra en su filmografía el racismo que viven las minorías de su país.

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Shelton Jackson Lee, o mejor conocido como Spike Lee (apodo que le puso su madre de niño por su personalidad rebelde y altanera) trata de reflejar en sus películas la realidad que viven las minorías raciales dentro de su país, Estados Unidos, a través de su lente mostrando el reproche social en la que tienen que padecer las personas afrodescendientes, padeciendo en carne viva, desde muy joven, el racismo y la intolerancia.

El año pasado Lee fue designado como presidente del jurado de ese prestigioso festival, pero no lo pudo ejercer debido a la pandemia. Por ello los organizadores decidieron ratificar al cineasta nuevamente en ese puesto para la edición de este año.

Pero no solamente lo ratificaron en ese elevado puesto de presidente de jurado, sino que lo van a homenajear bajo el aspecto del personaje que interpretara en su primer largometraje “Nola Darling”, de 1986.

En dicho cartel, Spike Lee, alias Mars Blackmon (uno de los tres amantes de Nola Darling), está rodeado por dos palmeras, lo que remite a la ciudad de Cannes y a su famosa Croisette, pese a que la película fue filmada en su ciudad, Nueva York.

‘Nola Darling’, presentado en la Quincena de los directores, había ganado el Premio de la juventud, en la categoría película extranjera en Cannes en 1986.

El festival, que se celebra del 6 al 17 de julio, debe aún anunciar la película que será proyectada en la “última sesión” tras el palmarés, así como la composición del jurado que preside Spike Lee.

Lee ganó el Gran premio en Cannes en 2018 con ‘Blackkklansman’, sobre un policía negro infiltrado en el Ku Klux Klan. La película le valió después el primer Óscar de su carrera.

En su extensa filmografía se pueden encontrar películas como “Do the right thing” (1989), elogiada por la crítica especializada y nominada ese año a mejor guión original para los premios Oscar. “Malcom X” (1992), fascinante largometraje que retrata la vida del activista social y defensor de los derechos civiles, lo cual le valió una nominación al Oscar al actor Denzel Washingtong por personificar al histórico activista. “BlackKklansman” (2018), película ganadora del Gran premio del Jurado en el Festival de Cannes para esa edición, y en la que muestra a un policía afroestadounidense que logró infiltrarse en las filas del Ku Klux Klan a finales de la década de 1970 en Colorado Springs. “Da 5 Bloods” (2019), largometraje de ciencia ficción sobre viajes en el tiempo producido por Lee y dirigido por Stefon Bristol.

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Cine

Entrevista con David Duponchel, director del Festival de Cine Al Este

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En el programa Lima Gris Radio, se contó con la participación de David Duponchel, organizador y director desde hace 12 años en Perú, del Festival Al Este, de Europa Central y Oriental.

Aunque en esta edición y desde la anterior en 2020, el evento cinéfilo se desarrolló de forma online.

Duponchel, conversó de los diferentes cineastas internacionales que esta vez brindan sus películas al público peruano, y que ya vienen con un prestigio detrás, tomando en cuenta que muchas han sido galardonadas en recientes festivales internacionales, como el caso de la estupenda cinta: “Quo Vadis Aída?” de la directora bosnia Jasmila Žbanić, y que incluso, hoy por la mañana brindó un masterclass en línea, a todos los seguidores del festival Al Este.

Luis Felipe Alpaca, indicó lo atractivo que significa adquirir los tickets en línea a un único costo de S/49 soles, y que da derecho a ver más de 70 películas, las veces que se desee, durante 24 días, en la comodidad del hogar y en compañía de toda la familia y/o amigos, a través de la plataforma virtual elekran.

Asimismo, los estudiantes solamente pagarán S/29 soles por el ticket y, además, en estos momentos, el festival está exhibiendo 5 películas, mas todos los cortos con acceso gratuito.

Finalmente, Duponchel señaló que el próximo año, el festival se hará de forma hibrida; es decir, esperan organizarlo, tanto de forma presencial, como virtual. 

El XII Festival Al Este en Perú, va del 26 de mayo al 18 de junio de 2020.

Aquí el programa completo:

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Actualidad

El sombrero del legendario Indiana Jones será subastado en Hollywood [VIDEO]

La pieza que fue confeccionada en 1984, para “Indiana Jones y el templo de la perdición”, será subastada el próximo 29 de junio, con una suma estimada de entre $150,000 y $250,000 dólares.

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Mientras, los seguidores y fanáticos del legendario héroe de la arqueología Indiana Jones, están esperando la próxima entrega cinematográfica que dará fin a la saga, el sombrero que utilizó el famoso aventurero será subastado en junio.

Aquella pieza, fue confeccionada en 1984, para que el protagonista Harrison Ford la estrene en la segunda entrega “Indiana Jones y el templo de la perdición”, y el próximo 29 de junio, será subastada con una suma estimada de entre $150,000 y $250,000 dólares.

Sombrero que será subastado en vivo el 29 de junio en Prop Store.

El director de la casa de ventas Prop Store, Brandon Alinger, señaló que el sombrero fue encargado por la producción al prestigioso especialista londinense Herbert Johnson un año antes del inicio del rodaje:

“Ellos no se conformaban con entrar en la tienda y tomar un sombrero de un estante. Combinaron las características de ciertos sombreros para hacer lo que se ha convertido en el sombrero de Indiana Jones, posiblemente hoy en día una de las películas más reconocibles”, añadió Alinger.

Entre tanto, el icónico Harrison Ford, está a punto de cumplir 79 años de edad, pero de todas formas protagonizará su papel de aventurero para el último episodio de la famosa saga.

Asimismo, un total de 1,200 piezas icónicas de la industria de Hollywood se pondrán a la venta entre junio y julio, entre ellas, el guion que leyó Carrie Fisher, la actriz que interpretó a la princesa Leïa en El imperio contraataca de la saga Star Wars, y la espada que empuñó Tom Cruise en El Último Samurai. Además, El carrito de golf que condujo Brad Pitt en Había una vez en Hollywood, última cinta del director Quentin Tarantino. Así como, la varita mágica y los lentes que utilizó Daniel Radcliffe en los dos últimos episodios de Harry Potter, que fueron donados por los estudios Warner Bros. y cuyo producto de la venta será destinado a obras de caridad.

Según Brandon Alinger, las reliquias cinematográficas están muy de moda y su valor viene aumentando para los coleccionistas:

“Piezas como los cascos Stormtrooper que se han vendido en el pasado, vemos que han subido de precio en las últimas ventas, a medida que más y más personas se dan cuenta de que se pueden coleccionar o invertir en disfraces de Star Wars”, añadió Alinger.

En esa línea, el año pasado, un traje de Darth Vader que se utilizó para promocionar la legendaria película de George Lucas, fue rematado en $ 287,500 dólares.

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Cine

Canción sin nombre, de Melina León (2019)

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¿Qué vi?: puro cálculo; típico de un producto de calidad con bonita presentación y… que, genialmente, no contiene ‘nada’; excepto, esto sí, el aporte de una figurita más para el gran álbum del cine colonizado; su misión: perpetuar un complejo de superioridad que, con respecto a nosotros, experimentan los colonizadores: ¡cuánta voluptuosidad moral desde los centros de poder!; juego del que este cine no duda en beneficiarse, porque si existe como tal, es, precisamente, para satisfacer esta necesidad; así que bajo esta limitada luz se trata de una operación exitosa. Conformismo y simplismo extremos maquillados de preocupación social; ya se sabe que venden.

Aunque para algunos resulta difícil el tragarse una película —sin importar lo que digan sus publicistas— con un planteamiento dramático tan increíblemente plano como el de la telenovela más barata vomitada a cualquier hora de cualquier día por la pantalla más cercana.

Qué vi: un cine que se aprovecha —en realidad, con un fondo de indiferencia— de un tema trágico… para cosechar: prestigio, premios, aplausos, porque pretendes hacer una ‘buena película’ o, al menos, simular que la haces (sí, hay un manual para que te vaya bien en festivales y más allá) sin que se sienta la necesidad imperiosa de examinar algo distintivamente humano (un mediocre melodrama cual himno a la abulia en vez de eso) a través de una pequeña historia que reclamaba, en vez de una lluvia de lugares comunes y situaciones manidas —resueltas como sea— alguna delicadeza, pero no; pues este es un cine cuidadosamente pensado para ‘bien pensantes’ que no desean en lo absoluto ponerse a pensar.

Cine fabulosa papilla: homogeneizada, pasteurizada, saborizada, premasticada, ‘globalizada’; ajeno a cualquier problematización o investigación mínimamente seria de nuestro pasado (porque lo que vende es la emotividad de brocha gorda y grito pelado y no sutilezas tales); en efecto, un cine con las respuestas marcadas… porque despertar nuestra más automática y mecánica compasión facilita el hundirnos luego más rápidamente en el agujero del olvido (bye bye, hasta el próximo drama). Porque hacer preguntas, las verdaderas preguntas, convertiría a Canción sin nombre en un artefacto en verdad incómodo, oscuro, perturbador, complejo, es decir, todo lo no que es.

He recordado mucho Ciudad de Dios, la idea es en esencia la misma ¡triste ontología de la postal!, en lugar de muchos colores ‘comestibles’ un blanco y negro ‘vaporosamente anestésico’ y la misma ideología publicitaria (Promperú, Marca Perú y agrega a tu carrito la bandera que quieras). Vender, a esto le llaman industria cultural, en un empaque presumiblemente ‘agradable’, ‘artístico’ (¿buena fotografía = arte?) nuestra miseria como si fuera una bolsa llena con caramelos de tribulación para que los otros piensen que los miserables somos siempre nosotros, nunca ellos.

La fotografía te vende la película como si fuera capaz —aunque es verdad que funciona con muchos incautos— de hacernos creer que tanto ella como toda la serie de elementos técnicos que la acompañan valen eminentemente por sí mismos, como retórica visual y narrativa, independientes del pequeño detalle de su sometimiento absoluto a un aterrador playlist de risibles estereotipos que dan vergüenza ajena; hecho todo, eso sí, con mucho cariño para públicos Hollywood + Netflix, reductos, devoradores y frecuentemente siniestros, del conformista, cobarde, temeroso, conservador y reaccionario pensamiento dominante.

Pero, espera un momento: ¿puede hablar el subalterno? ¿Siquiera le interesó a alguien por un momento esta jodida y obvia pregunta? ¿Qué clasismo, qué racismo y qué privilegios acumulados pueden tornarte tan unánimemente sordo a este grito que resume la historia de nuestros pueblos?  

Recuerdo haberme sentido perplejo, hace años, escuchando al director de fotografía de esta película, expresándose —con obsesión digna de mejor causa— sobre la necesidad de conquistar mercados. Jugando su juego sin problemas, si entendí bien. Su interés empresarial, más que artístico, no diría que fue inspirador. No fui el único perplejo y no fui el único que esperaba, en cambio, en aquella conferencia, escuchar más y más y más de la experiencia maravillosa de haber trabajado con ese gran cineasta… que algunos recordamos casi cada día de nuestras vidas: Raúl Ruiz. Es decir, un creador de verdad, no tan blandamente dispuesto a hacer concesiones. Y en vez de eso…

Así que, años después, me parece claro que no me engaño con los sonidos de esta canción. No reconozco alegría o alivio éticos con estampitas desconsoladas/consoladoras, esencialmente facilistas e infladas por valores de producción, llámese eficiencia para imitaciones hábiles —el argumento de venta del ‘cine de calidad’— por más buenas intenciones que parezca que tengan, cuando son, o podrían ser, más bien —mucho me temo— simple y llanamente ejercicios de oportunismo disfrazados de arte.

Como bien dijo el propio Raúl Ruiz alguna vez: están los artistas del misterio, y están los artistas del ministerio.      

¡Atención! No te pierdas, perezoso amante del costumbrismo fatalista monocromo auto victimista masoquista for export, tu chute de más-de-lo-mismo, ¿y de qué va?: los no-pobres de los países pobres hablando de ‘sus’ pobres para los mercados de los países no-pobres (que no reconocen o que no reconocen ‘suficientemente’ que ellos mismos son por definición los grandes fabricantes de pobres, los de dentro y fuera de sus países) que los premian por sus pobres y tristes historias sobre pobres.

De verdad. ¿No sienten asco?

No hay que olvidar que la aceptación acrítica y sumisa de las miradas estereotipadas y simplistas —por las que el mercado saliva, entre otras secreciones— son la mejor garantía de perpetuación del sistema que nos oprime a todos.

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Cine

Danzas macabras, esqueletos y otras fantasías, de Rita Azevedo Gomes, Jean-Louis Schefer y Pierre Léon (2019)*

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Las notables, vistosas, coloridas y chistosas figuritas de esqueletos que aparecieron casi como auténticas apariciones pintadas de un momento a otro en el curso de la Edad Media, eso sí, en el contexto de la peste negra que asoló Europa, que además llegó nada menos que de Oriente desplazándose lentamente como un pulpo… son la imagen favorita de esta película que trabaja verbalmente de manera muy intensa con el tema, a que no adivinan, de la imagen.

Pero para qué sirven estos huesitos humanos danzantes, cuál es su papel, qué función cumplen… Una función que no se sabe bien cuál es, y que pareciera que los mantiene muy vitales hasta hoy en el curioso asunto de la economía psíquica de valorar la muerte desde la risa y la fiesta. La incansablemente brillante y erudita divagación de Schefer a quien nada extrañamente las imágenes acaban importándole más que las personas… lo que implica una vieja sospecha que comparto con él: las imágenes son más reales que nosotros.  

Semejanza o sustitución. El pago para aplacar a los cargosos dioses era uno mismo, luego una rebajita, el animal más noble, tu caballo, pero podría ser otra cosa, por favor, entonces un búfalo, o un lechón, o ya pues, un pastelito, para al final supongo que por cansancio ser un caballo dibujado o tan solo la sola palabra caballo. LQQD (lo que queríamos demostrar): la imagen tiene un valor sacrificial (a lo que se suma que en el extremo de la cadena de sustituciones aparece esa imagen que se llama el dinero…) Y Schefer, buceando en aguas más íntimas, rememora a una niña amiga suya a la que amó y que le dio un regalo (una imagen, imagínate tú) y que luego murió, y luego cómo ese regalo que no se parecía a la niña, no obstante, la reemplazó toda la vida…

No olvido el tema de cómo trabajar con la imagen de un hombre hablando. Uno solo, la mayor parte del tiempo. Aquí Azevedo se asegura de administrar bien su economía de medios, una cálida luz por aquí y una sillita roja por acá, se asegura de procurar una sencillez en la que asoma una sutileza en algún momento memorable: como cuando ella está en un extremo de la ventana y al otro, ambos de perfil, su amigo que ha servido de oído del sabio poseído por su pasión por las obras de arte que siguen irradiando imperturbables su inteligente e inagotable belleza y complejidad. La luz que entra hace de ellos algo semejante a las fascinantes pinturas tan elocuentemente traducidas por nuestro historiador filósofo en el fondo un sentimental, en perpetuo y obsesivo estado de gracia.

*Película vista en Frontera Sur 3° Festival Internacional de Cine de No_Ficción.

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Cine

Mario Pozzi-Escot: “Ser alternativo es una forma de vida”

Mario Pozzi-Escot es mi papá, mi viejo. Y hace cine, su cine, de manera independiente, con la determinación y tenacidad que yo, a mis 23 años, anhelo para mi propio futuro. Este domingo 2 de agosto estrenará, vía Facebook, “El lugar de los encuentros”, documental sobre el poeta, escritor y periodista Germán Carnero Roqué. Una línea telefónica nos conecta, él en su casa y yo en la mía, en medio de esta Lima pandémica, y me concede la entrevista para la que me he estado preparando desde, que, de niño, era su asistente de rodajes. Apreto “grabar” y arrancamos.

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-¿Cómo conoces a Germán?

-A mí me tocó conocer a Germán de tres formas. La primera fue en Cuatrotablas, hace muchos años, en un espectáculo que realizó Mario Delgado, y llegó Germán, invitado. Después, buscando sus libros, lo pude volver a conocer leyendo El Lugar de los Encuentros, un libro fantástico. Eso me motivó a seguir buscando quién era este poeta, y descubrí que vivía en México, donde había dirigido la oficina de UNESCO, y había nacido ahí, hijo de peruano. Pasó el tiempo, y cuando entré a la Dirección de Cine de San Marcos, él era el director del Museo de Arte, y pudimos conversar, me regaló libros, nos hicimos amigos. Me gustó su manera de ser, es un gran amigo, leal, hombre progresista, de izquierda, sin ser dogmático…Y, 10 años después de haber trabajado juntos, una tarde, releyendo sus libros, me di cuenta de que tenía que hacer este documental.

-¿Qué aspectos de Germán quieres mostrar en el documental?

-Es  un reto, ya que, para mí, documental es vida. Y es cámara. Su obra, y lo que él es, fue lo que me retó a mostrarlo a través de cámara, en base a conversaciones, a lo que pude ver de su vida cotidiana. Su esposa, Adita, es una mujer maravillosa, es su compañera de toda la vida. Tú entras a su casa, y es una cosa hermosa, poder verlos juntos, conversando, trabajando. Ellos, como pareja, como unidad, me motivaron mucho. En el documental trato de mostrar la cotidianidad de Germán, su vida, a través de la cámara.

-Tu labor de difusión cultural comienza décadas atrás, con proyectos como, por ejemplo, Videomemoria. Hoy, continúas esa labor a través del internet. ¿Cómo has vivido ese proceso?

-Videomemoria comenzó en los 80. Surge ya que me revienta, me indigna, esta falta de memoria de nuestro país, ese olvido de su gente. Nuestro pueblo está marcado por este olvido, y es algo que arrastramos hasta hoy, con el COVID. Descubrimos, otra vez, que carecemos de muchas cosas, como sociedad, como país. A mí me pasó algo fuerte en el sentido político, moral, ético. Estuve en Barcelona buscando material de archivo para una película que estaba haciendo, y, en ese proceso, veo, en un film, bajando de un tranvía, a quien yo pensé era Vallejo. Pido que me separen esa secuencia, la veo, y no era Vallejo…o sí, era… bajaba del tranvía, parecía un judío errante, con su sombrero. Esa experiencia me marcó. A mi regreso, lo comento con Jorge Pimentel, de Hora Zero, quien me dice: “Pero Mario, aún hay poetas vivos”. Comienzo así con los poetas de los años 50: Romualdo, Sologuren, Washington Delgado… Desde la Casona, y mi trabajo en el Centro Cultural de la Universidad San Marcos, años después, son una extensión de Videomemoria. Para eso, logré un acuerdo internacional con Livemedia y pusimos el canal web. Hoy, retomo la web como espacio de difusión, ya que, creo, nuestro sistema ha mediatizado la expresión cinematográfica, la expresión libre de la gente. El cine es economía, política, arte, tecnología, expresión, y merece un espacio más.

Mario Pozzi-Escot y Jorge Pimentel, 1988

-¿Cómo entras al cine?

-Estudié en el Franco Peruano, y la filosofía, las preguntas de la vida, el tiempo, y el sentido siempre me motivaron a leer mucho, y a buscar, también, dentro de mí mismo. Comencé a entrenar bastante, me volví un fanático del gimnasio, pero, a la vez, había estado en el Leoncio Prado, y había encontrado, ahí, un Perú maravilloso: Arguedas, Vallejo… Entré a la Universidad Villarreal, pero mantenerse en clases, en esa época, era muy complicado. Los 60 fueron una época muy emocionante, de pura lucha. En la Villarreal, en esa época, había un gran partido arengando, trabajando… Conocí al APRA, Haya de la Torre.. Y estando en eso, mientras estudiaba filosofía, veo un aviso  de la escuela de cine de Armando Robles en el periódico. Al día siguiente me fui para allá, hablé con Armando, me explicó lo que estaba haciendo, y me pasé a la escuela. Estudié ahí, y Armando me contrató, junto con Fausto Espinoza, Jorge Suárez, Nora de Izcue, quien ya era su socia. Y entramos a trabajar con él.

Mario Pozzi-Escot y Armando Robles Godoy, rodaje de “La Muralla Verde”, 1970.

-¿Qué aprendiste de Armando?

-De Armando aprendí todo. Inculcó en nosotros esa gran pregunta de qué hacer con el cine, y ese cuestionamiento nunca se nos fue. Armando fue uno de los grandes vanguardistas de nuestro cine, uno de los primeros en luchar por una legislación. Con él, aprendimos a trabajar, ser independientes y creativos. Cuando trabajamos en películas como Espejismo o La muralla verde, éramos muy jóvenes, tendríamos tu edad…22, 23… (risas) Me volví escenógrafo, maquinista, asistente de cámara… Fue una maravilla haberlo conocido.

-Según tu experiencia, ¿qué significó la ley de cine de Velasco para la producción cinematográfica de los 70?

-La ley de cine de Velasco debe ser vista en el contexto sociopolítico de la época. Velasco fue un dictador progresista, nacionalista, era la cara opuesta de esa gran mascarada de las dictaduras fascistas que había en Latinoamérica, en Argentina y Chile, por ejemplo. Velasco cambió la historia del Perú. Aquella ley de cine propició que el cine nacional se viera obligatoriamente en las salas. Nuestra cuota era abierta, todos producíamos cortometrajes: el Banco de la Nación nos prestaba el dinero, que devolvíamos en base a la recaudación, y de ahí pasábamos al largometraje. Pero eso duró lo que tenía que durar, fue una especie de gran sueño llevado a cabo que nos formó como profesionales. En esa época trabajé con Armando, con Dennis Hopper, hicimos nuestros cortos…Yo me interesé por el asunto de la expresión, del rescate de la memoria. Hice un corto sobre Tilsa Tsuchiya, hice Baila Negro, otro sobre Cuatrotablas, un mediometraje… De ahí cae Velasco y entra Morales, quien, a mi parecer, lo traiciona, y regresa todo a como estaba. Borrón y cuenta nueva.

Mario Pozzi-Escot en el rodaje de “The Last Movie” de Dennis Hopper, 1971.

-¿Cómo ves el rumbo que ha tomado el cine peruano en los últimos años?

– El cine peruano es un reflejo del subdesarrollo peruano. La oferta cinematográfica está copada por producciones norteamericanas, por la gran industria, donde hay basura, y, de vez en cuando, buenas películas. Acá no se ve cine de Japón, de Argentina, de Francia…Nuestro cine se ha ido adaptando a eso, y ha logrado ciertas líneas comerciales, malas, y líneas personales de cineastas que han hecho su propio cine, lo que ellos han querido hacer. A partir de la ley de cine dada por el dictador Fujimori, en los 90, el panorama se volvió terrible, en el sentido en que si no entrabas en lo comercial, la cosa no daba para más. Desde entonces, el gran público ha estado copado por las líneas comerciales, industriales, y en ese contexto el cine peruano ha logrado grandes éxitos comerciales, pasando el millón de espectadores, por primera vez, con una película que es una basura, un film superficial, falso, chabacano… El cine debe aún lograr muchas cosas. No es solamente entretenimiento. También educa, lleva a la gente a la conciencia de su realidad.

– Es que también es políticamente conveniente para ciertos sectores tener un cine masivo de puro entretenimiento…

-Es la ley neoliberal: entretener, desinformar y explotar a la gente. El cine, a través del sistema de estímulos estatales, tiene haciendo cola a un montón de ingenuos cineastas nuestros. Muchos de los jóvenes están detrás de esto. Los viejos, de mi generación, ya se dieron cuenta hace rato. Este sistema de concursos implica, a mi parecer, una autocensura de los cineastas, para poder coincidir con los principios, las exigencias, que establece el concurso. Eso hace enmudecer este cine peruano, que, en el mundo, es virtualmente silenciado. Es, por lo tanto, frente a esta situación que yo adopto un cine como forma de vida, un cine libre, expresivo,  y es por eso que me gusta trabajar con otros artistas, sobre todo con poetas.

-¿Cómo, en medio de este panorama, en el que muchos cineastas dependen de los estímulos estatales o de auspicios privados, mantener esa independencia creativa?

-El reto es no caer en el juego oficial. Ser independiente, ser alternativo, es una forma de vida, que va en paralelo a mí, a mi forma de expresarme y hacer mi cine, que no depende del gran público, ni, mucho menos, de dineros o aportes del Estado. Videomemoria y mis expresiones a nivel cinematográfico tienen, en ese sentido, un público restringido. Es experimental: yo soy resistente a esa visión del cine comercial, de ese cine que depende de las líneas políticas reinantes de la coyuntura en la que el Estado le da el premio a alguien. El cine es un gran abanico de expresión: entretiene, forma, educa, informa… Cuando, dentro de estos cuatro elementos, das mayor peso al entretener, chau…Se fue “a la M” toda la expresión… Pero si entretienes, y además informas y educas a la gente, ya estás agarrando carne política, ideológica, filosófica…y el cine cobra otro color.

Mario Pozzi-Escot y Andrew Colquhoun, socio de Livemedia, en transmisión en vivo para “Desde la Casona” (Centro Cultural UNMSM), 2009.

-Tu cine es una proyección de ti mismo, de tu visión del mundo. ¿Dirías que es algo que te ha permitido encontrar un lugar propio en el mundo, una vida propia?

-La primera pregunta que uno se hace es la del sentido de todo esto. Y todo esto es un sinsentido. Valga la redundancia, es ese sentido del sinsentido lo que siempre ha guiado mi búsqueda. Es algo que me he hecho adoptar muchas posiciones, actitudes, y, si no fuera por el cine, por la creación artística, estaría metido en política, o sería un indignado gritón en la calle, protestando…(risas) El cine me ha permitido encontrarme a mí mismo. Comencé cuando tenía 20 años, han pasado más de 50, y sigo trabajando y manteniendo. Acabo de terminar la película de Germán, estoy haciendo otra, y lo hago sin depender de grandes capitales. Como dijo un gran cineasta, el cine es una cámara y una idea. Entonces, esa cámara y esa idea las llevo a cabo contra viento y marea. Me niego a seguir la ilusión del éxito. Lo que me importa es trabajar, ser como soy, decir lo que quiero decir. Estoy terminando una película que se llama Martín, con mi cámara, y un actor natural, maravilloso, que encontré. Empecé a grabar Martín antes del COVID,y ahora estoy editando y grabando cosas complementarias. También, voy a terminar mi Ochenio, documental sobre la dictadura de Odría. Me interesó mucho realizar un documental sobre Eloy Jáuregui, poeta Horazeriano y gran periodista, que está colgado en Zonavideored, junto con otros documentales, como Mundos Andinos, Lima Opinión pública, Arguedas Los Ríos profundos, con Cuatrotablas. Acá en casa, tengo mi computadora, mi cámara, mi biblioteca. Claudia, mi esposa, me ayuda muchísimo, también Amparo, mi hija, y tú. Tus hermanos mayores, estando en lo suyo, colaboran mucho también. Y ahí vamos, avanzando. El cine hay que hacerlo hasta el último momento en que uno tenga fuerza y capacidad de expresión.

-Es la búsqueda de una vida entera.

-Exacto. Para mí, vivir es hacer cine. Así trabajo yo, y así voy a seguir.

“EL LUGAR DE LOS ENCUENTROS- GERMÁN CARNERO: POETA, ESCRITOR, PERIODISTA” SE ESTRENARÁ ESTE DOMINGO 2 DE AGOSTO A LAS 6 P.M VÍA FACEBOOK.

PARA VER EL ESTRENO, ACCEDER A LA HORA PROGRAMADA AL SIGUIENTE LINK: https://www.facebook.com/zonavideored

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Cine

Cine: Las margaritas, de Věra Chytilová (1966)

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Una vida en libertad (o-como-quiera-que-se-llame) es lo mismo que ser una imagen llena de vivos colores, que cambian, alegres, vibrantes; posee escasas reglas a seguir, o a lo mejor, ninguna… por tanto, sacudirse el aburrimiento de encima es su única y absoluta misión. No es banal. Es ineludible. Sin requerir una reflexión sesuda (y sin negar sus instantes filosóficos) las dos lo comprenden así.

Y ya que el mundo es corrupto y mentiroso, de ahí se sigue que ellas mismas también, y así, no hay que desentonar con él. En la práctica, rompen pequeñas reglas, que hasta parecieran grandes, pero vagar un poquito por aquí y otro por allá engendrando divertidas micro mutaciones dentro de un orden convencional mortalmente tedioso, es lo mejor que puede ocurrir…

Son, empezando por la que prefieras, la de pelo negro y la casi pelirroja, o la casi pelirroja y la de pelo negro, son del tipo mujer-niña, delgadas y espigadas y dotadas de un encanto que podrías considerar vulgar (hay estilos y estilos) que es todo desfachatez y soltura (y si digo que son nihilistas o anárquicas podría sonar muy serio) y unas cualidades carnales sencillamente memorables (y totalmente disfrutables). Y a qué vamos; a saltarse las reglas: hay que hacer bulla para comprobar, entre otras cosas, que uno existe. Alguien, no sin malicia, diría: ¿una incrustación de duda demasiado humana en las marionetas?

No hay decoro posible si decidiste hacer una película-bomba pre primavera de Praga con un espíritu tan en la tradición surrealista y hasta dadá como en la tradición más pop. 

En vez de una pesada, sombría y rígida película de fórmula con esforzadísimos revolucionarios (¿sedientos de sangre?) con las testas llenas de teorías más o menos ingeniosas o estúpidas y hasta, quién sabe, verdaderas, o de grisuras arrastrándose refunfuñando sus desgracias, lo que hace Chytilová es completamente otra cosa: la rebelión tiene por epicentro las ganas del cuerpo, de moverse (porque algo te pica), de burlarse, de jugar; si esto parece infantil yo diría que es fundamental.  

Puedes ver la película aquí:

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Cine

La marca Tondero fue beneficiada con más de S/.1´183,000 mil soles de Reactiva Perú

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(Miguel Valladares. Foto: Gestión)

Mientras los trabajadores vulnerables del sector cultural siguen esperando el bono prometido por el Ministerio de Cultura, hay empresas dedicadas al sector cultural que vienen siendo beneficiadas en esta pandemia; una de ellas es Tondero, marca del publicista Miguel Ángel Valladares, que se hizo conocida por la película “Asu Mare”.

La empresa de Valladares resultó beneficiada por “Reactiva Perú”, un programa del Estado que busca otorgar préstamos de capital de trabajo a empresas para el pago de planillas o proveedores afectados directa o indirectamente por la emergencia sanitaria generada a partir del COVID-19. Como es de conocimiento público la gran cantidad de ese dinero ha sido destinado a grandes corporaciones y a estudios de abogados cuestionados y con graves investigaciones.

La razón social de la empresa de Miguel Valladares es Producciones Tondero S.A.C con número de RUC 20492233316. Esta empresa ha recibido de Reactiva Perú la suma de S/. 886,680.00 soles. La dirección de la empresa del señor Valladares en la ficha RUC figura en Av. Javier Prado Oeste N° 757 Dpto. 1805 – Magdalena del Mar, Lima. Como Gerente aparece el nombre de Milagros Valladares Vives y como Gerente General, Miguel Ángel Valladares Vives (ambos hermanos).

Hasta aquí todo parece normal. En esta oportunidad no pretendemos cuestionar la calidad de las películas realizadas por Tondero, lo que cuestionamos es, el doble beneficio económico que ha recibido la marca Tondero mediante el programa del Gobierno de Reactiva Perú. Decimos doble beneficio porque la empresa Tondero Representaciones S.A.C con número de RUC 20603255756, también fue beneficiada por Reactiva Perú con el monto de S/. 296,706.00 soles.

¿A quién pertenece esta empresa? como apoderada aparece otra vez Milagros Valladares Vives y como Gerente General el señor Javier Alexander Vilchez Sanchez, y en la ficha RUC de Tondero Representaciones S.A.C figura como dirección: Av. Javier Prado Oeste N° 757 Dpto. 1803 – Magdalena del Mar, Lima. La misma dirección en el piso 18.

Los dos montos de dinero recibidos de “Reactiva Perú” suman en total S/. 1,183,386 soles ¿Por qué beneficiar por partida doble a la marca Tondero?, ¿Cuál ha sido el criterio de los bancos?, ¿Por qué no existe una equidad en los préstamos para que el apoyo llegue a más empresas? Sabemos que también existen otras empresas que merecen el apoyo de Reactiva Perú, ya que en todo el país hay productoras audiovisuales y empresas de representación que cada año luchan por conseguir dinero para financiar sus películas y proyectos, y muchos de esos cineastas son permanentemente ninguneados por el propio Ministerio de Cultura. Curiosamente el MINCUL ha dejado abandonados en esta cuarentena a los trabajadores de la cultura.

Hay que señalar algo importante sobre el programa Reactiva Perú: “El crédito bajo este Programa no puede ser utilizado para adquirir activos fijos, para adquisiciones de acciones o participaciones en empresas, para pagos de deudas a empresas deudoras con las Empresas del Sistema Financiero (ESF) ni para prepagos de deudas financieras. Es únicamente para pagos a trabajadores y empresas proveedoras con las que se tenga deudas y obligaciones contractuales“. Además, el Estado es el aval de los préstamos, es decir, si las empresas no pagan los préstamos, el dinero lo pagaremos todos los peruanos con nuestros impuestos.

Recordemos que hace unas semanas, Miguel Valladares salió a los medios comentando un proyecto de autocine. Luego en una entrevista mencionó la idea de crear una plataforma de contenido y cobrar por está para que los ingresos sean destinados a los trabajadores afectados económicamente por la pandemia. Imaginamos que con el dinero obtenido por Reactiva Perú ya no habrá excusa para pagar y ayudar económicamente a los trabajadores audiovisuales afectados.

Los representantes de Tondero aparecen en la web tondero.com.pe

La marca Tondero, incluso lanzó una campaña por las redes sociales para recaudar fondos.

Para profundizar en el tema y recibir los comentarios de Miguel y Milagros Valladares, nos comunicamos vía telefónica.

Miguel Valladares.

La empresa Producciones Tondero recibió S/. 886,680.00 soles de Reactiva Perú. De la misma forma Tondero Representaciones recibió S/. 296,706.00 soles. Esto suma más de 1 millón 183 mil soles. ¿Por qué dos empresas que tienen la misma dirección y donde su hermana aparece como representante legal terminan siendo beneficiadas? Para nosotros esto es cuestionable porque hay otras empresas que también necesitan ese dinero.

Mi hermana es socia de Tondero. Lo que pasa es que en una empresa tiene unos socios y en la otra empresa tiene otros socios; obviamente más nosotros, porque Tondero es una Holding. Tondero es una empresa que tiene diferentes sub empresas como Amazonas films, donde está Cecilia Gómez de la Torre y otros socios. También está Tondero Representaciones. Tondero, la parte de producciones, son diferentes empresas. Lo qué pasa, que cada una tiene su propio estatus contable y obviamente cada una de ellas ha sufrido un impacto con todo este tema del COVID. Y cada una ha hecho un plan financiero distinto. Hay una que necesita más que la otra, porque una produce películas donde obviamente hay un tema bastante más amplio de montos, y lo otro es un tema de representaciones no tan amplio. Cada una tiene su propia dinámica financiera. ¿A qué se debe tu pregunta?

Lo que pasa es que su hermana figura en las dos empresas, y las empresas aparecen en la misma dirección…

La misma dirección, obviamente, porque todas las empresas están en el piso 18 del Centro Empresarial. Ahí es donde tenemos la oficina.

Para nosotros lo cuestionable es que al final el beneficiado por partida doble es Tondero, por más que sea un Holding como usted menciona.

¿Por qué es el mismo?

Porque su hermana aparece en las dos empresas, tanto en Producciones Tondero como en Tondero Representaciones y con la misma dirección.

Claro, porque es dueña de las dos.

Por eso le digo que es cuestionable que Tondero reciba doble apoyo económico, porque hay también otras productoras o empresas que necesitan ese apoyo económico.

Claro, pero una cosa es un servicio de productora de cine y otra cosa es un servicio de representación de talentos. Son empresas distintas. Lo que pasa que sobre ambas tiene a Tondero como marca, pero con otros socios como personas naturales. No se puede mezclar una cosa con la otra. Son ramas totalmente distintas, igual Amazonas films, que distribuye películas y lleva el logo de Tondero y también hace eventos internacionales, y Amazonas también figura en la misma dirección porque Amazonas está dentro de Tondero.

¿Entonces para usted no hubo ningún problema?

No te podría decir, porque no entiendo al detalle tu pregunta y me gustaría que en todo caso antes de que saques cualquier información que de repente te esté dando yo erróneamente, hables con las personas que ven ese tema dentro de Tondero, que son las personas que ven administración y finanzas. Ellas son dos personas, porque esas dos personas han estado detrás del tema de Reactiva Perú. Pero ¿cuál es tu cuestionamiento, que aparezcan la empresa con la misma dirección?

Que aparezca el nombre de su hermana como representante en las dos empresas y que reciba doble apoyo económico de Reactiva Perú.

Pero una persona natural puede tener varias empresas. En qué podría estar sometido esto a un tema de discusión.

Le repito, hay otras empresas que también necesitan ese apoyo económico, y lo cuestionable es que Tondero reciba doble financiamiento.

Pero la otra empresa que ha recibido no tiene nada que ver con producción de cine.

Pero es parte de la marca Tondero…

Pero tú puedes tener una revista que puede recibir lo mismo, porque el tema de la pandemia no solo le ha pasado a productoras de cine, le ha pasado absolutamente a todos los rubros. Y si yo como persona natural tengo un restaurante, o tengo tres o cuatro rubros de empresas, por qué no podría acceder a las cuatro unidades de negocio que tengo. Finalmente nosotros manejamos todas las cosas en regla y lo pueden corroborar con la documentación de las empresas en general. Ellos te pueden dar más información, pero yo estoy clarísimo que todo está bajo regla y bajo lo que dicta la ley.

Milagros Valladares, Gerente. de Tondero.

De la misma forma conversamos vía telefónica con Milagros Valladares, ya que su nombre figura en las dos empresas que están bajo la marca Tondero.

Milagros, para nosotros es cuestionable que figure tanto como representante de la empresa Producciones Tondero y en Tondero Representaciones, ambas beneficiadas por Reactiva Perú

Te cuento, son dos empresas distintas. Si bien es cierto en Producciones Tondero somos dueños mi hermano y yo, y en la empresa de Tondero Representaciones está Javier Vilchez y Producciones Tondero, o sea, no somos nosotros como personas naturales los socios.

Pero usted figura como apoderada en Tondero Representaciones.

Sí, claro. Porque Producciones Tondero es socia. Ahora, son dos rubros totalmente distintos. Representaciones maneja la representación de artistas, cantantes y periodistas. Y Producciones Tondero es la que hace las películas, obras de teatro y conciertos. Son dos cosas distintas. Si bien es cierto ambas han postulado y ambas han sido acreedoras a esto, es porque cumplimos con los requisitos que nos piden porque tenemos buen movimiento en los bancos. Ahora, ambas empresas… en realidad lo que ha pasado es que hemos pedido de una u otra manera para mantenernos con todo el equipo haciendo varios ajustes, porque como sabrás representaciones vive de la campaña y cosas que le salen a los artistas, porque es una empresa que comisiona. Al parar esto obviamente baja todo, entonces, aparte ha pedido porque dentro de su rubro lo que está queriendo generar es contenido, ya más adelante van a poder ver un poco de contenido y verán ya de qué se trata. Está sustentado de esta manera para que le puedan dar ese préstamo que es para los representados y generar contenido. Y cómo Tondero obviamente no tenemos estrenos, solamente tuvimos “Locos de Amor” y se paró, creo que a la tercera semana se paró los cines por el covid, ha quedado todo en stand by, entonces lo que hemos hecho es pedir para tratar de mantenernos todos dentro de unos ajustes que realizamos en la empresa, y tratando de generar nuevos contenidos, en este caso nosotros estamos lanzando el autocinema y tratando de ver otras cosas para poder mantenernos. La idea es poder mantenernos y ese fue el motivo por el cual el gobierno respalda el préstamo con un interés bajito que nos ayuda bastante ahorita a nosotros.

Al final todos los peruanos somos el aval de los préstamos.

Sí, pero ahí te digo otra cosa, para nosotros pedir los préstamos, no es que nos dicen ah ya, toma. Nosotros tenemos un récord crediticio porque trabajamos las películas siempre con préstamos bancarios, es por eso que tenemos este respaldo porque siempre hemos cumplido. Si en caso no se puede cumplir, sabemos que el aval es el Gobierno, sin embargo, nosotros somos los primeros que garantizamos eso con nuestro trabajo y los bienes. Tenemos una oficina propia que garantiza este dinero.

Como le dije a su hermano, aquí no hay nada ilegal, pero es cuestionable para nosotros porque muchas empresas también están en busca de ese apoyo económico, y si ponemos el sentido de equidad financiera: hay empresas que también deberían recibir. Nos parece cuestionable que un holding como Tondero reciba doble financiamiento.

Pero no es doble, son dos empresas distintas.

Pero como representante en los documentos está usted.

Está bien, pero son dos empresas totalmente distintas con subgerentes totalmente distintos, con sus rubros totalmente distintos, con su personal totalmente distinto. O sea, si tú analizas las empresas, si bien es cierto es parte de mi holding, obviamente, es por eso que Producciones Tondero es una empresa productora y Tondero Representaciones su socio es Producciones Tondero y Javier Vilchez, porque es una holding, pero son dos actividades totalmente distintas. Te doy la razón con respecto a que todas no han sido beneficiadas con esto por muchas razones, porque no califican y te puedo decir de que hemos tenido otros casos internos también de nosotros que hemos pedido, y han pedido otras empresas amigas y todo y no califican, obviamente por un tema financiero de la propia empresa, y otro, no sé cuál ha sido el criterio de la banca. En nuestro caso al tener siempre movimiento con los bancos hemos sido empresas que cumplimos, somos auditadas y todo lo demás, cumplimos con todos los requisitos; aparte tampoco ha sido fácil que nos den, hemos presentado un montón de proyectos y cosas para que cada uno independientemente pueda sustentar, porque esto es un préstamo al fin a al cabo y hay que pagarlo. Hay que generar contenido, contenido que estamos trabajando duro y parejo para poder sacarlo dentro de poco si es que las condiciones se dan, porque también estamos trabajando con los protocolos que nos cambian cada semana.

Entonces, para usted esto ha sido normal ¿no le parece que las otras empresas también han debido ser beneficiadas?

Para mí todas las empresas chiquitas y medianas han tenido que ser beneficiadas, porque todas necesitamos de una u otra manera trabajar y todas necesitamos darle movimiento a esta economía porque se está parando. Pero ahí sí hay un criterio de cómo se maneja cada empresa de manera independiente. Vuelvo a repetir, en nuestro caso manejamos siempre los proyectos con préstamos, manejamos un buen nivel crediticio, estamos debidamente auditados y es por ese motivo que se ha podido presentar para mantenernos nosotros y nuestros equipos también. Desde mi punto de vista todas han debido ser beneficiadas de una u otra manera para poder darle movimiento a esta economía. Creo y sí te puedo decir que recién se han puesto las pilas, yo ayer he tenido una reunión con amigos empresarios también del rubro de películas y me dicen que recién hace dos semanas han comenzado ha pedir los papeles y ayudarlos en este tema, por recién han comenzado a activar esta parte de Reactiva”.

Lima Gris recibió además la llamada del señor Guillermo Lohmann, quien se presentó como Director de Tondero. Para corroborar la información, consultamos a la señora Milagros Valladares si es que el señor Lohmann era director de Tondero, ya que no aparece en la página web oficial de Tondero y tampoco en la ficha RUC. O si era un asesor legal externo. La señora Milagros Valladares nos confirmó que el señor Guillermo es asesor legal y que por temas de pandemia quedó pendiente su registro como director de Tondero.

Esto fue los que nos dijo el señor Guillermo Lohmann: “Mi comentario es: si su nota es cuestionable o que tiene un cuestionamiento, mi respuesta es que no lo es, porque aquí no hay nada qué cuestionar, todo lo contrario, hay algo que aplaudir. Tondero es una marca que a través de sus empresas ha hecho un buen uso de un programa del Gobierno que justamente está destinado a las supervivencias de las empresas”.

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