Las obras del artista Miguel Ángel Velit se encuentran en el espacio urbano de la ciudad de Lima, su trabajo en base a metal lo podemos apreciar en parques y calles de nuestra capital, pero también en países como Estados Unidos o China.

En esta entrevista Velit nos detalla su reciente incursión al Estado de Búfalo en Estados Unidos, donde el 30 de agosto creó e inauguró una de sus esculturas gracias a una beca norteamericana.

Velit también se desarrolla en la pintura, actualmente sus obras se encuentras en diferentes colecciones privadas y museos alrededor del mundo.

En la entrevista también se habló de Carlos Regazzoni, uno de los más excéntricos artistas argentinos que conoció Miguel Ángel Velit en su estadía en Argentina.

Aquí la entrevista completo.

Por Gerónimo Stoll

Todo empezó cuando un amigo me dijo “Si te parece que Spinetta es más que Dylan, estas equivocado. Dylan es el Dios. Cualquier persona que niegue eso, aún no ha sido alcanzada por la verdad” así que me pregunté si era posible compararlos como artistas. La voz de Spinetta es casi imposible de igualar dentro de la misma impresión de emociones, dejaba el alma en todo lo que hacía; Dylan, genio, poeta, multifacético, queda en la monotonía para algunos, en cuanto al tema vocal. Ese fue mi primer argumento, mas la insistencia de escuchar y leer con detenimiento las composiciones del artista estadounidense, iniciaron en mí un proceso de exploración musical con una laboriosidad cuasi obrera.

Siempre me pregunté por qué toda su fanaticada se siente elevada a comparación del resto, mientras escuchan la ininteligible voz de un artista (cuya voz poética y lírica) puede plasmarse por escrito como para llevar nobeles a la casa todos los fines de semana. Es como ir a protestar en contra del McDonald’s, acompañado por ritmos de folk, country, rock, blues, gospel y mucho rock, and roll mientras se atiende la comida en el McDonald’s. Fusion Food en su máxima expresión desgastada por el alcohol, es lo que diría yo acerca de Robert Allen Zimmerman.

Mientras que resulta casi blasfemo observar covers de spinetta, ya que malogran horrible la versión original con ese ánimo de beatitud por alcanzarlo, los covers que realiza Dylan de otros artistas son geniales, como “All Along The Watchtower” de Hendrix, del mismo modo, temas que luego han sido un cover exitoso como “Can’t help falling in love” (UB40 realiza el cover) resultan abrasadoramente emotivas y conmovedoras hasta el tuétano en la versión de Dylan. Por favor, no me traigas a los Guns and Roses con “Knockin on heaven´s doors” luego de escuchar al genio sui generis de la canción anglosajona, te los regalo.

Por otro lado, las composiciones y temas de Luis Alberto Spinetta dicen tanto, que superan la voluntad Nietzcheana y del estilo Schopenhauer, trasciende en todo sentido con una naturalidad que hasta el mismo Leibniz se preguntaría si todo pasa por algo, y en este caso ¿qué razón llevó a Latinoamérica a parir esta genialidad de ser? Temas como “Desatormentándonos” y el “Blues de Cris” deja todo en la cancha acerca de las raíces blueseras de las cual bebe este poeta que experimentó con el eclecticismo surreal. Dylan también, dice mucho, protesta siempre y su voz, merece ser cancelada, al poder no le gusta lo que dice.

Sin embargo, frente a todo se halla el corolario de los fans. Los fans de Dylan son arrogantes, al menos aquellos que me han rodeado socializando ¿Por qué? Hasta ahora me lo sigo preguntando y preguntando. Creo que es una pregunta sin responder. Es cierto, te sientes más elevado y emocionalmente sosegado al escuchar a este artista, pero ¿a tal punto de querer enarbolar una bandera de sofisticación impuesta en tu ser? Usas la bufanda, los lentes oscuros, las chompas de lana, la casaca morada, la actitud de fumador culto, de lector exhibicionista, músico sólo de ropa para afuera en la católica… No gracias, no voy con ello, me da ganas de vomitar.

Acerca de Luis Alberto Spinetta, no he observado dicha actitud en su fanaticada, mas bien, no tiene fanaticada, es alguien a quién uno llega sólo, Luis Alberto no te busca, tu llegas a él, mientras que Dylan te rodea como un imperativo KFC Starbucks, Chilli’s y otras fusiones extrañas pero deliciosas en cuanto a sabor, sin embargo, Dylan no te genera una indigestión, al igual que Spinetta, de modo que ambos nos transportarían a lo más alto de la gastronomía mundial, al igual que musical, bueno, realmente en el plano musical deja sorprendido encontrase con una comunidad que disfruta del sosiego y emociones desatadas que ambos transmiten y en ello, sus seguidores tienen un común denominador: el refinamiento del oído y el gusto aceptando al otro.

Esta fusión de análisis no tiene respuesta, realmente no la tiene. Musicalmente uno puede perderse, pero basta con ver al grueso de seguidores —así como fans— para ver la influencia del artista. No hablamos de los seguidores que enarbolan la pose de saber todo sobre el artista, sino de aquellos que viven en su interior el arte del mismo, aquellos que guardan un perfil bajo, aquellos que aceptan al otro, aquellos que te hablan más sobre sí mismos y lo que dejaron ambas estatuas de nuestra música, de la humanidad, de aquello que une a culturas tan disímiles como la anglosajona y latinoamericana, que viene a ser la música y la fiesta como protesta estética sujeta de goce cultural.

¿Qué es Titane? ¿Se trata de una película visionaria? ¿Sus escenas chocantes y revulsivas deben entonces abrir la mente del espectador a nuevas realidades, mutaciones que son inminentes o que se están produciendo ahora mismo? ¿Y si la operación puede ser incómoda, esto se debe básicamente a nuestra pereza?

Crudo (2016), su película anterior, es por comparación casi un juego de niños que se van de campamento el fin de semana. Crudo (amarás a la caníbal) es un adorable divertimento erótico… al lado de Titane.

Con Titane, me siento en lugares que ya he visitado. Los ecos de Cronenberg o Tarantino son transparentes, imitaciones inferiores a los originales y que no añaden nada a sus modelos.

No niego -y es un buen punto- a Ducournau habilidad para provocar, con generosidad abundante, sensaciones de repulsión y de extrañeza. De hecho sacude estereotipos. Pero, reconociendo eso sin problemas ¿más allá de evidentes agitaciones, qué de nuevo trae esta película?

Nadie medianamente informado ignora que nos estamos fusionando activa y pasivamente con las máquinas, que estamos entrando en el transhumanismo, que como han dicho desde hace tiempo varios estudiosos somos ni más ni menos que los primitivos de una nueva civilización. Que el machismo-patriarcado-capitalismo es tóxico y está acabando con todo. Que hay una paradoja de revolución tecnológica e involución mental y social..

¿Y cómo será esta nueva civilización? Nadie puede estar seguro de lo que nos espera exactamente. ¿El renacimiento o el fin? En ese bonito contexto aparece una película cyborg, mitológica, irrreal y tanática, o realista en extremo por todo lo anterior, y que acumula o compendia muchos malestares contemporáneos en la desdicha incesante de un personaje.

Para el público al que habla y con cuya utopía dialoga la sexualidad se está volviendo cada vez más fluida, los estereotipos de género continúan descomponiéndose, la institución de la familia tal como la conocemos podría ser reemplazada, transformada en algo menos cerrado y autoritario…

Titane, aunque repasa todo esto, me parece un electroshock que se queda en la superficie. Tras su malditismo hay un drama llorón convencional; estamos con una suerte de virgen con incrustaciones metálicas, fecundada por un automóvil y por fin experimentando un padre con amor…

Resulta risible que nos quieran hacer creer que una mujer que adquiere un loook masculino evidencie que estamos ante una película vanguardista… como si no hubiésemos visto nunca nada así. O que debamos sorprendernos ante mujeres que no quieren la maternidad. O que debamos estremecernos ante el nuevo especimen de la nueva carne en una película Ducournau, que no aporta fundamentalmente nada a tesis ya conocidas…

O que sea una cumbre del ingenio y el horror que la protagonista desprenda no sangre sino más bien bencina… ¿Titane no será más bien un ejemplo de una película que envejecerá rápidamente en vez de constituirse en una obra adelantada a su época?

Película
https://ok.ru/video/2972469561995

En medio de una crisis política, el gobierno del presidente Pedro Castillo continúa siendo cuestionado por las irregularidades que se vienen revelando en los diferentes ministerios. Uno de ellos es el Ministerio de Cultura, donde siguen apareciendo más denuncias.

El exministro Ciro Gálvez conversó con Lima Gris sobre lo que viene pasando en el Ejecutivo, pero además, sobre los recientes hechos sucedidos en Palacio de Gobierno y en el Ministerio de Cultura, una cartera que por más de una década se ha convertido en un holograma en plena avenida Javier Prado.

Otros de los temas que se habló, fue sobre el descontento social a nivel nacional y las protestas que se vienen desarrollándose en distintas regiones del Perú. También señaló que el presidente Evo Morales copió el nombre de su partido al crear Runa Sur, un movimiento político que el expresidente boliviano pretende proyectar en Sudamérica.

“Cualquiera que esta usando este nombre, se esta copiando. La palabra Runa están mal utilizando, eso lo tenemos patentado, registrado y tenemos la reserva del nombre. Evo Morales racialmente tiene raíces indígenas, pero es de formación marxista, y eso hizo que sea rechazado en Bolivia”, mencionó Ciro Gálvez.

Además, señaló que no tiene ninguna relación con el actual gobierno de Pedro Castillo. Próximamente el exministro presentará la nueva edición de su libro Teoría del Renacimiento Andino, que podrá ser adquirida en todas las librerías.

Aquí la entrevista completa.

Lima Gris llegó hasta Miami para conocer al coleccionista más importante de arte latinoamericano en el mundo. Su nombre es Gary Nader, nació en República Dominicana en 1961 y actualmente maneja la galería de arte que lleva su nombre. La galería cuenta con una gran colección privada de arte latinoamericano y se encuentra ubicado en el corazón de Wynwood, el nuevo distrito artístico de Miami.

En nuestro encuentro previo a la entrevista, Gary Nader nos abrió las puertas de su galería en pleno montaje de la muestra de su colección de arte. Entre las adquisidores del afamado coleccionista aparecen obras del artista colombiano Fernando Botero, Pablo Picasso, Marc Chagall, Damien Hirt, Albert Oehle, etc. Según especialistas, Gary Nader tiene la colección más grande de Botero.

Nader acababa de llegar de Nueva York donde presentó una muestra de su colección privada del artista cubano Wilfredo Lam, y donde se cerró una venta de una obra por el valor de 5 millones de dólares. A pesar de su agitada agenda, el coleccionista nos recibió para conocer más de su trabajo alrededor del arte latinoamericano.

La muestra que será inaugurada el 01 de diciembre y donde Lima Gris estará presente, se expondrán obras de los artistas Roberto Matta, Julio Larraz, Claudio Bravo, Wilfredo Lam, Rufino Tamayo, Rafael Soto, Tomás Sánchez, Mario Carreño, Joaquín Torres García, entre otros artistas latinoamericanos.

Nuestro enviado especial Ricardo Terrones, llegó hasta Miami para entrevistar a Gary Naider y también realizar una cobertura especial de la nueva edición de Art Basel, el evento de arte más importante del mundo, que se inaugura el 30 de noviembre.

La Feria de arte abrirá a invitados VIP desde el martes 30 de noviembre y durará hasta el 04 de diciembre. En la entrevista que publicaremos pronto en Lima Gris, Gary Nader habló sobre sus inicios en el arte, su primera galería en Miami, el arte peruano, la tecnología y la relación con el arte. Además, reflexionó sobre la situación de los jóvenes artistas que tienen el compromiso de construir un lenguaje propio.

El detrás de cámaras es la película. El ensayo es la obra. O en buena parte en ambos casos. No escondas el dispositivo; muéstralo, así es mejor, porque esto es una película, y, a la vez, o por eso: se trata de captar lo que está vivo. Tanto si te lo inventas como si lo descubres (sutil o invisible diferencia, pero existe).

Y qué es lo que importa: pequeños momentos de energía y gracia. (Esto es: no al guión de fierro y no a la maniática ilusión ‘realista’. Vieja desgracia del cine peruano más retrógrado.)

El error, la imperfección, el accidente son aprovechables, son parte integrante del proceso (de la vida y de la obra). O por qué llamarlo error, imperfección, accidente… si es la vida misma. Así que todo esto (o parte de esto) lo verás también en la obra misma. Evidenciarlo es (literalmente) constructivo, además de divertido -y en realidad bastante instructivo; debería hacerse más-.

Se trata, como se dice, de ‘la gente del lugar’ donde nació César Vallejo; gente que, muy animadamente, se presta al juego. Sé que es o que termina siendo un retrato de la gente más que un retrato de Vallejo pero me pregunto quién es Vallejo para ellos (aunque está claro que a algunos sí les importa algo más). ¿Y qué hacen ellos con sus palabras?

“Todo acto o voz genial viene del pueblo y va hacia él” son palabras del poeta que no se citan ni se declaman en la película pero algo de eso está… Con todo, las palabras de Vallejo siguen traspasando el tiempo (ese es su poder) y siguen describiendo vivencias humanas. Rompiendo el lenguaje. Y el pueblo juega con el juguete.

Así, lo que me atrae más es el registro (casi siempre fresco) de las intersecciones de un puñado de habitantes de Santiago de Chuco con algunas palabras —sigo con la duda, qué tan importante será Vallejo para cada uno de ellos, pero también puedo pensar en qué tan importantes fueron para Vallejo personas sencillas como las personas filmadas— de uno de los poetas más extraordinarios del siglo XX. Las palabras habitan estos cuerpos tan distintos, como habitaron el cuerpo del poeta.

Encuentro empatía, naturalidad, un sentido del tacto y la discreción -así como de la fabulación- y aprovechamiento del cine de, entre otros, Eduardo Coutinho y Nicolás Prividera. Y más allá, el cine-encuesta (‘cine-verdad’) practicado por Rouch y Morin en Crónica de un verano (1961).

Y si la película no bucea (digamos, a lo Vallejo), navega de manera ingeniosa y apreciable por su galería de personajes más acá y más allá de Vallejo. ¿Y si el texto era un pretexto? Pero sin pretexto no hay película.

“PISAHUECO”  (HOLESTEPPER) Es la ópera prima de Sergio Fernández Muñoz (Lima, 1991), que después de haber obtenido 188 premios y nominaciones a nivel internacional, desde su estreno el 2018, un récord absoluto no logrado jamás por ninguna otra producción peruana- se va al Portugal, pero convertido en una serie inicial  de seis capítulos y bautizado con el curioso nombre de “Noob”. Las transmisiones se iniciaron este 15 de noviembre, con un elenco totalmente extranjero.

¿Quién es PISAHUECO?, el productor y bachiller en comunicación Audiovisual de la Universidad de Lima Sergio Fernández, ideó este argumento movido por el enorme atractivo y popularidad que han alcanzado  las plataformas digitales, medios completamente inéditos en décadas pasadas, que nos abrió posibilidades impensadas pero que también puede servir para ser utilizado de manera equívoca.

El famoso bullying, ese acoso que enfrentan los chicos en el colegio por parte de sus compañeros y alguna vez, también de los mismos profesores  porque “se le prendieron,” a un alumno, ha sido revertido y ahora son los docentes quienes lo sufren, pero a través del internet. Este es el caso del profesor “ANGEL”, interpretado de manera magistral por el primer actor Oswaldo Salas.

El argumento, es sencillo: el profesor Angel, que padece de cojera-no se sabe si congénita o producto de un accidente- un día descubre que sus alumnos hacen burla de este defecto y por las redes, lo bautizaron con el término peyorativo de PISAHUECO. Decidido a descubrir a los culpables y darles una lección, se interna por los vericuetos del internet adoptando una actitud que sorprende a sus discípulos, pues de agredido termina en agresor.

Este es el nudo gordiano del cortometraje, porque nos descubre el lado oscuro de la personalidad del personaje que sale a luz a través de la agresión que está sufriendo y nos deja preguntando si quizá sin ese disparador, Angel hubiera seguido siendo el personaje tímido y acomplejado de siempre o bastó accionarlo  para lanzar la bala? Especulaciones que serán resueltas por los cinéfilos.

El elenco está conformado por Oswaldo Salas como el profesor Angel, los adolescentes Paulina Bazán (Francisca), Adrián du Bois (Lorenzo) y Naara Amoretti es María José. Este cortometraje ha sido  nominado con 188 galardones. El actor Salas acumula 57 premios y su retrato convertido en una singular caricatura, sirvió como presentación del corto en un afiche publicitario.

Escogimos solo cinco de estos importantes reconocimientos, para descubrir su enorme gran capacidad actoral:

1.    Ganador del Premio a la Excelencia al Mejor Actor Principal en el Accolade Global Film Competition, USA.

2.    Ganador del Premio al Mejor Actor en el V.i.Z. Film Fest, Bulgaria.

3.    Ganador del Premio Gold al Mejor Actor en Drama en el Best Actor & Directors Award – New York, USA.

4.    Ganador del Premio al Mejor Actor en el Halicarnassus Film Festival, Turquía.

5.    Ganador del Premio al Mejor Actor Principal en Cortometraje en el Lonely Wolf – London International Film Festival, Inglaterra.

¿Cuál es el secreto del éxito de PISAHUECO? La simbiosis entre el guión, la dirección y la actuación impecable del elenco  pues ni siquiera los jóvenes actores pierden el papel, por así decirlo y en la que destaca la de Oswaldo Salas.. Agregado a estos elementos, se suman la escenografía y la música incidental

El PISAHUECO portugués, se ha convertido en el primer cortometraje peruano que tiene una versión extranjera como serie con el nombre de “noob”. Su nuevo director es Carlos Melim y el guión ha sido escrito por el director de PISAHUECO, Sergio Fernández junto con el director y guionista Mateo Krystek, quien fuera asistente de dirección del PISAHUECO peruano, interviniendo también, Carlos Melim. Este nuevo profesor se llama Filisberto y ha sido encarnado por el actor Alexandre Martins.

El director Fernández, además de ocuparse de los cortometrajes, trabaja también en Señor Z, una casa productora de comerciales siendo uno de sus directores. Esta diversidad de ocupaciones y los viajes a provincias, no le permitieron dar respuesta a nuestro cuestionario, privándonos de conocer aspectos inéditos de la filmación, los cambios habidos en la serie, como de su carrera y su percepción personal sobre el bullying.

Como país invitado de honor de esta feria, el Perú presentará el concepto de historias que nos conectan, que dará a conocer el arte, la memoria, las tradiciones y las narraciones nuestras que generan vínculos con México. En la feria, además, se realizará una exposición de escritoras “en la ciudad de los 90”, organizada con la Casa de la Literatura Peruana, para revalorar a la  mujer en las letras peruanas.

Precisamente es allí donde María Teresa Zúñiga, la emblemática dramaturga,  hablará de que no sólo ha hecho teatro, sino que se dedica también a la poesía (cosa que, como en el caso de Cervantes Saavedra, que también opacó su poesía, se ha eclipsado por su arte dramático) y hace narrativa valiosa. Nos cuenta: “Empecé escribiendo poesía, desde muy niña, y la dramaturgia me surge a los 23 años. Desde ese momento se inició un encuentro entre ambos géneros. Yo diría que la poética de mi dramaturgia es un sincretismo natural. Considero que mi dramaturgia se particulariza  por la belleza de la palabra. Y cada uno de mis personajes tiene una forma  muy particular de decir los textos. Sigo escribiendo poesía, así como textos teatrales, quizá la diferencia radica en que he publicado poco mis textos poéticos. Considero que es una deuda que debo asumir”.

Pero también escribe narrativa, y es bueno saberlo, pues ella dice que es una experiencia única. “Fue Juan Carlos Suárez quien me sugirió hacerlo. La casa grande es una novela corta, la historia de una nieta y su abuela. Fue considerada para ser parte del plan lector de la región Junín y fue una satisfacción muy especial; visitar los colegios y escuelas de la región y escuchar los comentarios y preguntas de cientos de niños.  El año 2016 en la página  cultura Luces del diario El Comercio (26 de diciembre) La casa Grande fue considerada como una de las novelas más destacadas de aquel año junto a La viajera del viento de Alonso Cueto; Cinco esquinas de Mario Vargas Llosa; Orgullosamente solos, de José Carlos Yrigoyen, bajo las consideraciones  de José Güich Rodriguez”. De ese modo, considera que la novela es una historia tierna y comprometida con los sueños de una niña y la experiencia de una abuela  en un espacio y tiempo que se entrelaza con las anécdotas de ambas en medio de la solidaridad, la muerte y la justicia.

Dice que ahora mismo está trabajando en una segunda novela y que escribir este tipo de libros exige un largo aliento, un continuo acercamiento a la historia, trabajar con un fichado diferente y que ordene los diferentes tiempos y espacios.

Precisamente por ello, le preguntamos por su niñez, cómo fue que le nació la literatura como elemento artífice de su ser, y ella nos dice que era una niña muy curiosa, inquieta y con deseos de aprender. “Mi abuela fue clave en este proceso. Contaba historias, me hacía leer los periódicos y después preguntaba de qué trataban las noticias.  Muy recta, exigente y expresaba poco afecto. Eso forjó mi carácter perseverante e insistente. También me gustaba leer las letras de las canciones y la poesía de Neruda y Vallejo. Y desde muy niña escribía poemas a todo lo que me rodeaba: las flores, el gato negro, la mosca que dormía en el lomo de Layca (el perro de la casa), al río Mantaro, al eucalipto. Inventaba historias todo el tiempo y contaba cuentos a otros niños de una manera muy expresiva. Declamaba desde muy niña y gracias a una maestra de primaria desarrollé una memoria muy particular”, narra.

Su literatura está llena de filosofía. María Teresa Zúñiga nos dice que  Sófocles es muy especial para ella. Fue el autor trágico más representativo de la tragedia griega, coherente en sus actos como autor, como diplomático y como ser humano. “La belleza de sus textos, las historias y sobre todo el carácter de sus personajes. Asimismo, Bertold Brecht, dramaturgo alemán. Un constructor de historias  con una capacidad impresionante para mostrar la dialéctica de sus personajes. Y mi admiración y respeto por las actrices como Julia Varley del Odin teatro de Dinamarca y a Teresa Ralli  del grupo Yuyachkani de Perú”. Dice que la filosofía de sus textos, corresponde al tipo de personaje que representa, pues ellos son antihéroes, invisibles para muchos. Es el ser común que necesita expresar lo que siente y piensa. Entonces, construye para ellos una manera muy particular de decir los textos. No considera que enuncien fantasías, al contrario avizoran lo que los demás no ven, y ella misma afirma que no lo cambiaría, menos en el contexto actual, pues es necesario escuchar sus voces e interpretar lo que piensan.

Tenemos que saber que es algo que ha ido asimilando en los últimos tiempos respecto de la cantidad de obras teatrales. “He escrito más de 90 obras de teatro, para niños, jóvenes y profesionales, casi en un noventa por ciento han sido llevadas al escenario, para una dramaturga eso es muy significativo, varios de mis textos han sido traducidos al inglés, al francés y al portugués. Uno de los factores según la crítica es la universalidad de mis textos, su carácter humanista, el texto poético y significativo, y los personajes tan originales en medio de una historia que pretende retar al futuro. Considero que es parte de mi misión en este tiempo y espacio que me ha tocado existir. Y hoy en tiempos de pandemia mis personajes se levantan como una voz en el desierto para alertar al mundo”, continúa.

Y sobre los devenires, María Teresa Zúñiga dice que el futuro se ha vuelto muy incierto, “nuestra fecha de caducidad se acerca más y más. Considero que el futuro depende de seguir existiendo en este presente adverso.  No hay tiempo para retroceder o hacer una pausa. Seguiré como siempre, nadando contra la corriente. Agradecer todo el tiempo, a Dios, a la vida, a la existencia, a los amigos y, sobre todo, continuar en medio de los que amamos. Ya no quedan pausas”, finaliza.

Y ahora extiende las alas.