En la clínica de guion de poética fílmica los talleristas explorarán la práctica de la construcción de un guion cinematográfico de cortometraje de máximo 20 minutos. Se trabajará la construcción de un guion tradicional y de un guion sui generis. Los talleristas aprenderán sobre punto de vista, focalización, estructura, urgencia, conflicto, puesta en diálogo y exploraremos la auto referencialidad.

Al finalizar el Taller los participantes contarán con un guion cinematográfico listo para ser filmado. El primer taller que Jano Burmester realizó el mes de febreo fue de cine en 8 mm, junto al fotógrafo Ivan Acaro. Losresultados fueron sorprendentes. E spor eso que se estará abriendo otro taller en 8mm y en 16 mm, por su gran acogida.

¿Cómo será la dinamica?

Los participantes trabajarán individualmente.
Se realizarán dos nuevas versiones del guion a trabajar.
La primera clase los talleristas deberán presentar, el log line y la sinopsis de su historia.
Desde la segunda hasta la quinta sesión serán presentaciones completas de los guiones realizados por los talleristas.
El trabajo será personalizado con cada uno de los talleristas y todos tendrán derecho a una asesoría particular.
Se brindará una asesoría personalizada después de la primera versión.

Se realizará una entrevista con el tallerista antes de empezar la Clínica de guion, para conocer sus intereses y metas a cumplir.

HORARIO
Martes de 7 a 10 pm
Inicio: 14 de marzo
Fin: 11 de abril
Duración: 5 semanas
MODALIDAD
Presencial y virtual
LUGAR
San Borja
MÁS INFORMACIÓN
950079094 / atiajafilm@gmail.com

Cineclub Kracc. Cada jueves de tu vida a las 7:30 pm. Dirección: Jr. Andreas Vesalio 460 – San Borja (altura de la cuadra 33 de la Av. Aviación). Entrada libre. Salida (si te es posible) solidaria -de hecho, verán un sombrero-. Aforo limitado (ojo, 35 asientos). Reservas al whatsapp 902 786 878. Programación y comentarios: Mario Castro Cobos. 

Programación Marzo 2023

Jueves 2, 7:30 pm

Run, de Stuart Pound (Gran Bretaña, 2014, 5 min).

Green water dragon, de Stuart Pound (Gran Bretaña, 2010, 1 min).

Dyn Amo, de Stephen Dwoskin (Gran Bretaña, 1972, 113 min). Explora la distinción del ser de una persona y su proyección en los otros; es una película de ‘horror’ que sugiere que una proyección puede ser más sustancial que el ser mismo. Su tema son los roles (especialmente el sexual) y el masoquismo de interpretarlos conforme a los intereses de otros…

Jueves 9, 7:30 pm

Memorias del subdesarrollo, de Tomás Gutiérrez Alea (Cuba, 1968, 97 min).

“Una de las cosas que más me desconcierta de la gente es su incapacidad para mantener un sentimiento, una idea sin dispersión. Elena demostró ser totalmente inconsecuente. Es pura alteración, como diría Ortega. No relaciona las cosas. Esa es una de las señales del subdesarrollo. Incapacidad para relacionar las cosas. Para acumular experiencia y desarrollarse (…) Todo el talento del cubano se gasta en adaptarse al momento. La gente no es consistente. Y siempre necesitan que alguien piense por ellos”.  

Jueves 16, 7:30 pm

La mirada de Michelangelo, de Michelangelo Antonioni (Italia, 2004, 18 min).

Aka Ana, de Antoine d’Agata (Francia, 2008, 59 min). Un fotógrafo documenta sus incursiones nocturnas a través del mundo del sexo pagado en Japón, que adquieren la forma de una especie de diario, acompañado de extractos líricos y dolorosas confesiones.

Jueves 23, 7:30 pm

Yeelen, de Souleymane Cissé (Mali, 1987, 105 min).

Con este asombroso ejemplo de cine ‘trascendental’ se nos presenta un África plena de poder y original, enteramente independiente de influencias foráneas en un tiempo anterior a la llegada del Islam o de la Cristiandad. A través de la exploración brillante y minuciosa de sus raíces míticas y un conocimiento ancestral, Yeelen muestra que la inspiración democrática contra las dictaduras y tiranías en África provienen de la herencia de su propio pasado y no de Occidente.

Jueves 30

The heart of the world, de Guy Maddin (Canadá, 2000, 6 min).

Viólame, de Virginie Despentes y Coralie Trinh Thi (Francia, 2000, 77 min). “Baise-moi es un film de guerra. Hay violencia ahí afuera y la película responde a esa violencia. La violencia sexual es violencia social. La explotación sexual es explotación social. Durante años, el cine se ha apropiado de nuestra imagen y de nuestra sexualidad como mujeres y con Baise-moi queremos revertir la situación”.

Podrías hacer como que no existe, pero tarde o temprano te explotará en la cara. El fascismo cotidiano, vulgar y ordinario, soterrado, concentrado, desnudándose para ti, espectador. De entrada (como descripción autocrítica) debo decir que me resulta sospechoso el placer (sin por eso dejar de sentirlo) que me produce ver esta película. Es que vengo de la estructura autoritaria, de la verticalidad, de la jerarquía y del sistema de humillación. ¿Tú no? Como circunstancia, no como elección.  Y cómo des-elegirse digamos simbólicamente, y a la vez en el terreno muy práctico, de esta maldición. ¿Haciendo películas? Por lo tanto, decía, me reconozco (no tanto a mí como ‘al mundo que me tocó’) en el clima crispado, opresivo y tenso de la narración.

Fuera de eso -por el momento- otra inquietud, más estética: ¿por qué la violencia luce tan bien en el desierto o semidesierto? Casi digo ‘tan limpia’ (recordé, primero a partir del paisaje, pero luego no solo a partir del paisaje, Fando y Lis, de Jodorowski). La atrayente aridez. De un paisaje abstracto, o casi. Las ideas se inscriben muy bien ahí. Sábana o pizarra o lienzo con manchitas. Planos soberbios al tiempo que máximamente funcionales filmados desde lejos que señalan (consecuentemente, como si no importara) la insignificancia humana en el conjunto de lo existente. -Ridículo antropocentrismo el tuyo ¿verdad? Si quieres épica…- Combinados con planos cercanos donde el rostro o el cuerpo como el propio desierto ofrecen una sensual geografía anímica (una anatomía psicológica, un retrato existencial sudoroso). Me parece también que parte no pequeña de la fluidez tiene que ver con el uso del blanco y negro. Como el mito, que para ser, necesita ser carne y sangre. Nada menos.  

La violencia se torna erótica. Como si el ser total de estos personajes pudiera expresarse ‘en el momento de la verdad’ solo así. Los juguetes mortales parecen, a su manera, juguetes sexuales. Fetiches, prótesis.       

Qué poco hace falta para que nos matemos entre todos… la película pregunta o afirma eso a cada momento como en un latido interior que está ahí todo el tiempo y que observa las circunstancias siniestras con una suerte de muy tranquila y muy segura claridad objetiva.

Aquí la película completa.

Mi experiencia (o mi relación) con Willaq pirka fue saludablemente amarga. Tras ‘emociones encontradas’ desoí su llamada a entregarme a lo que me pedía; sentí, de manera muy aguda, una cosa muy simple: que me quería engañar. Con su gran despliegue de supuesta inocencia. Con su bien calculado uso de un encanto que incluye simplificaciones y omisiones para nada encantadoras.

¿Qué quería de mí, como espectador, o como ser humano -o como mero ‘consumidor’- esta película? ¿Se trataba de un dulce y tierno llamado al encuentro (maravilloso) con verdades humanas universales -emitidas desde personajes-encarnaciones del Perú Profundo- para volver o para descubrir por vez primera ‘la pureza del origen’; la percepción de la niñez, tan llena de verdad conmovedora? ¿Viéndola, podría yo, tal vez, entonces, recuperar mi alma de niño, mi inocencia perdida?

Al mismo tiempo que… tan o más importante, podría, al menos en cierto modo, ‘entender mejor mi país’. Fíjense bien que la cultura originaria hace el papel de niño en más de un sentido aquí… Toda una oportunidad para ejercitar alegremente un paternalismo infantilista. ¡Qué placer! Y el tercer elemento ya lo saben: una mirada sentimental y sobre todo autocomplaciente y conformista del cine.  ¡Qué esfuerzo para no contar tu propia real y desgarrada historia!

Willaq pirka es una de esas películas ideales, idílicas, irreales; no solo aproblemática sino desproblematizadora (llámalo ‘cine popular’ o ‘cine para las masas’; por favor, nada para perturbar la digestión, ni el flujo del capital) que escenifica pseudo reconciliaciones… sin apenas rozar conflictos -de ahí su miseria, como su éxito- proponiéndonos un relato ‘light’ -al extremo-, hábil relato ‘que no ofende a nadie’ y que emociona a todos (tanto que puedo imaginar sin problemas a empresarios, miembros del gobierno y de la policía botando su lagrimita al verla). Populismo. Gatopardismo. Un juguete provocador -digamos que- de orgasmos caviares, y, como acabo de decir, aún más allá.

Resulta alarmante que tantos compren un punto de vista así, que procura ’con inocencia’ vender respuestas simplonas. En vez de intentar plantear algunos de nuestros acuciantes problemas. Por desgracia, escribo en Perú, en la horrible Lima, los primeros días de febrero de 2023, cuando más de medio centenar de compatriotas ha sido arrancado de la vida -‘preferentemente’ indígenas- por el propio Estado, circunstancia que no parece muy propicia para blanditos cuentos de hadas. ¿Cómo se dice Disney en quechua -ni siquiera Ghibli-? Y cuando, solo para mencionar la tesis de uno de nuestros intelectuales: “Lo que hay es un proceso revolucionario de la misma importancia del que lideró Túpac Amaru II” (Guillermo Lumbreras).

Estamos (¿no lo ven? ¡en dónde están! ¡vuelvan!) ante una de esas obras (¿que por qué nadie o tan pocos critican públicamente?) que da en la yema del gusto de los prejuicios de los espectadores ‘normales’ que, aceptando el juego de hacerse los inocentes, o los tontos, o los niños (con perdón de los niños que no son tontos: tendrán que crecer para eso) compran, sin ver lo que tienen ante sus ojos, y que es tan obvio (salvo ‘patología de la normalidad’, es decir, justo contra lo que debe luchar un cine digno): un ejército de clichés de manual (‘cine para toda la familia’) que cumple con una función eminentemente (vergonzosamente) consoladora (‘cine para sentirte bien’). Qué hábiles estos chicos para darle ‘lo que le gusta a la gente’. ¡Aplausos! Y en el idioma que quieras.

Todo tan aburridamente típico (cosa que muchos olvidan, incluyendo a los ‘conocedores’) de ese Gran Simulador de Inocencia (homogeneizador de conciencias, o de inconciencias, gran desactivador del pensamiento crítico) llamado ‘cine comercial’ (un nombre más claro sería: ‘cine de evasión’).

¿Pero qué nos dice en realidad este clonazepam fílmico?

Hay un supuesto falso en el que no quiero dejar de insistir. El de ‘película inocente’. Como si hubiera película inocente y como si el cine no fuera un aparato ideológico. Como si la estética -‘de una manera consciente, o no’- no estuviera al servicio de la ideología. Es decir: como si no hubiera un cálculo detrás: un cálculo, en este caso enemigo (o poco amigo) de la complejidad. Es que de verdad yo no veo por aquí -ni de broma- su linda película de izquierdas. -Siendo yo mismo de izquierdas-. Y eso que hubiera sido genial encontrarme con que reinventaron el cine iraní… ¡Oh Kiarostami! ¡Oh Panahi! Conviene en este punto citar a André Bazin en su artículo sobre Alemania, año cero, de Rossellini, cuando dice que en este tipo de películas queremos vernos a nosotros mismos como niños pero atribuyéndoles nuestros sentimientos, olvidando que hay un misterio real en ellos, misterio al que muy probablemente perdimos el acceso.  O que tememos.

En este sentido no experimenté ese falso creerme o sentirme reconciliado, por haber vivido ‘una experiencia auténtica’ y por haber absorbido -qué notable- sin esfuerzo aparente (¿será por la magia del cine?) ‘la esencia del ande’. Así como la de la niñez, pues todo viene en un mismo paquete. Como si a partir de ahora lo comprendiéramos ‘todo’ y hubiéramos resuelto la complejidad, el misterio y el abismo del otro, gracias a un pase mágico-estético-religioso trascendente. Ya pues, queridos camaradas: no jodan. Más que producirse una transformación lo que se produjo fue una ratificación grosera de los prejuicios idealizantes y paternalistas del espectador.

Pienso en tres personajes de esta película.

1) El personaje ausente de la hermana mayor de la familia del niño-protagonista, que fue a Lima para ser universitaria y que probablemente nunca se comunicará, ni regresará.

2) La mujer digamos loca a causa de un hijo que, probablemente, por ser de izquierdas, e incluso por ser terrorista, fue borrado del mapa por policías o militares.

Y si no te gusta que te cuenten el final mejor deja de leer… Pero si no lo hiciste, ahí te va:

3) En plan ‘meta’ aparece el supuesto director que ha contado la vuelta de la hermana, como el clímax, para explicar a continuación que ese hecho no se produjo pero que hizo la película para que ese hecho se produjera (en la película). Esto es propiamente el dedo en el ojo. Lloren, aplaudan y pasen la voz, etc.

Para 1) y 2): no incluir (aunque sea como enunciados) a esos personajes, hubiera sido bastante problemático para la película, ‘ya que quieres reflejar la realidad’ ¿o no?, hubiera quedado un hueco, pero ‘el corte’, la decisión o la necesidad de no desarrollarlos, de apenas tocarlos, cuando son fundamentales (la explicación del Perú para decirlo muy rápido está en el centralismo limeño que revienta al resto del país, que obliga a estos personajes irse y ‘perderse’ y en el tercer caso, a enloquecer) les hubiera arruinado el negocio de lo idílico. No interrumpan. Estamos vendiendo humo rosado. Una película también se define por lo que no cuenta. Sí pues, tratar de meterse a fondo hubiese requerido de coraje, solidez, seriedad. Así, Willaq pirka no es mucho más que otra muestra de las películas tipo ‘indio permitido’.

Concepto que no puede ser más fructífero. Que es el que nos señala claramente cuál es la situación y cuál es el camino:

Término trabajado por Rosamel Millaman y Charles Hale pero originalmente creado por Silvia Rivera Cusicanqui. Con la política del ‘reconocimiento light’ se crea un sujeto: ‘el indio permitido’; el indio que el Estado quiere ver, usando la palabra indio a propósito, porque trata de enfatizar que es la forma despectiva en que los Estados tratan a los pueblos. ‘El indio permitido’ sería entonces el sujeto que está aprobado y validado por el gobierno, que acepta sin cuestionar las políticas del Estado que los promueve y que no demanda nada más allá. Hale añade que, cuando se promueve ese sujeto permitido, a la vez está prohibido el otro, ‘el indio insurrecto’, que es el que dice que NO, aquel que no está de acuerdo con el sistema neoliberal y que dice ‘no voy a consentir tus políticas multiculturales que no tienen sustancia’.

Mientras tanto, la película de la realidad, esa que se está desplegando de manera esperanzadora y aterradora justo frente a nuestras narices y nuestros ojos; la de un pueblo que lucha por justicia, por igualdad, por sus derechos, por una democracia que no sea ‘un cuento de hadas’ en medio de un escenario de guerra, no es otra que la de ‘el indio insurrecto’…

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* Este artículo no trata especialmente de las supuestas o reales virtudes de la película comentada. Ese trabajo ya ha sido ampliamente cubierto por otros. Olvidando, a mi entender, de manera muy notable, el punto principal.

A pocos días de celebrarse una edición más de la entrega de los Premios Goya 2023, las actrices Blanca Portillo y Nora Navas anunciaron desde la sede de la Academia de Cine los nominados para la 37ª edición de los Premios Goya, que se celebrará en Sevilla el próximo 11 de febrero. 

Dentro de la producción del cine español destacan como nominados ‘As Bestas’ con 17 candidaturas; ‘Modelo 77’ con 16; ‘Alcarràs’ y ‘Cinco lobitos’ con 11; y ‘Cerdita’ y ‘Los renglones torcidos de Dios’ con 6. Estas y otras de las mejores películas españolas de 2022 competirán por llevarse las codiciadas estuatillas.

Goyas 2023: lista completa de nominados

A continuación, el listado completo de nominados a los Goyas 2023:

MEJOR PELÍCULA

‘Alcarràs’
‘As Bestas’
‘Cinco lobitos’
‘La maternal’
‘Modelo 77’

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA

Denis Menochet por ‘As bestas’
Luis Tosar por ‘En los márgenes’
Nacho Sánchez por ‘Mantícora’
Javier Gutiérrez por ‘Modelo 77’
Miguel Herrán por ‘Modelo 77’

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA

Marina Foïs por ‘As Bestas’
Laia Costa por ‘Cinco lobitos’
Anna Castillo por ‘Girasoles silvestres’
Bárbara Lennie por ‘Los renglones torcidos de Dios’
Vicky Luengo por ‘Suro’

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Marie Colomb por ‘As bestas’
Carmen Machi por ‘Cerdita’
Susi Sánchez por ‘Cinco Lobitos’
Penélope Cruz por ‘En los márgenes’
Ángela Cervantes por ‘La Maternal’

MEJOR DIRECCIÓN

Carla Simó por ‘Alcarrás’
Rodrigo Sorogyen por ‘As Bestas’
Pilar Palomero por ‘La maternal’
Carlos Vermut por ‘Mantícora’
Alberto Rodríguez por ‘Modelo 77’

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Diego Anido por ‘As bestas’
Luis Zahera por ‘As bestas’
Ramón Barea por ‘Cinco Lobitos’
Fernando Tejero por ‘Modelo 77’
Jesús Carroza por ‘Modelo 77’

MEJOR ACTOR REVELACIÓN

Albert Bosch por ‘Alcarràs’
Jordi Pujol Dolcet por ‘Alcarràs’
Mikel Bustamante por ‘Cinco Lobitos’
Christian Checa por ‘En los márgenes’
Telmo Irureta por ‘La consagración de la primavera’

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN

Ana Otín por ‘Alcarràs’
Laura Galán por ‘Cerdita’
Luna Pamies por ‘El agua’
Valeria Sorolla por ‘La consagración de la primavera’
Zoe Stein por ‘Mantícora’

MEJOR DIRECCIÓN NOVEL

Carlota Pereda por ‘Cerdita’
Alauda Ruiz de Azúa por ‘Cinco lobitos’
Elena López Riera por ‘El agua’
Juan Diego Botto por ‘En los márgenes’
Mikel Gurrea por ‘Suro’

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

Arnau Vilaró y Carla Simón por ‘Alcarràs’
Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen por ‘As bestas’
Alauda Ruiz de Azúa por ‘Cinco lobitos’
Carlos Vermut por ‘Mantícora’
Alberto Rodríguez y Rafael Cobos por ‘Modelo 77’

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

Carlota Pereda por ‘Cerdita’
Paul Urkijo Alijo por ‘Irati’
Guillem Clua y Oriol Paulo por ‘Los renglones torcidos de Dios’
David Muñoz y Félix Viscarret por ‘No mires a los ojos’
Fran Araújo, Isa Campo e Isaki Lakuesta por ‘Un año, una noche’.

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL

‘A las mujeres de España. María Lejárraga’
‘El sostre groc (El techo amarillo)’
‘Labordeta, un hombre sin más’
‘Oswald. El falsificador’
‘Sintiéndolo mucho’

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

‘Black is Beltza II: Ainhoa’
‘Inspector Sun y la maldición de la viuda negra’
‘Los demonios de barro’
‘Tadeo Jones 3. La tabla esmeralda’
‘Unicorn Wars’

MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA

‘1976’ (Chile)
‘Argentina, 1985’ (Argentina)
‘La jauría’ (Colombia)
‘Noche de fuego’ (México)
‘Utama’ (Bolivia)

MEJOR PELÍCULA EUROPEA

‘Belfast’ (Reino Unido)
‘Fue la mano de Dios’ (Italia)
‘La peor persona del mundo’ (Noruega)
‘Las ilusiones perdidas’ (Francia)
‘Un pequeño mundo’ (Bélgica)

MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA

‘Alcarràs’
‘As bestas’
‘Cinco lobitos’
‘Competencia oficial’
‘Modelo 77’

MEJOR SONIDO

‘Alcarràs’
‘As bestas’
‘Cinco lobitos’
‘Modelo 77’
‘Un año, una noche’

MEJOR MONTAJE

‘Alcarràs’
‘As bestas’
‘Cinco lobitos’
‘Modelo 77’
‘Un año, una noche’

MEJORES EFECTOS ESPECIALES

’13 exorcismos’
‘As bestas’
‘Irati’
‘Malnazidos’
‘Modelo 77’

MEJOR DIRECCIÓN DE ARTE

‘Alcarràs’
‘As bestas’
‘La piedad’
‘Los renglones torcidos de Dios’
‘Modelo 77’

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

En los márgenes, de Eduardo Cruz y Rozalén (‘En los márgenes’)
Izena duena bada, de Aránzazu Calleja,Maite Arroitajauregi “Mursego” y Paul Urkijo Alijo (‘Irati’)
Sintiéndolo mucho, de Joaquín Sabina,Leiva (‘Sintiéndolo mucho’)
Un paraíso en el sur, de Paloma Peñarrubia Ruiz,Vanesa Benítez Zamora (‘La vida chipén’)
Batalla, de Joseba Beristain (‘Unicorn Wars’)

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO

‘As bestas’
‘Irati’
‘La piedad’
‘Los renglones torcidos de Dios’
‘Modelo 77’
‘Malnazidos’

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

‘As bestas’
‘Cerdita’
‘La piedad’
‘Los renglones torcidos de Dios’
‘Modelo 77’

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN

‘Alcarràs’
‘As bestas’
‘Cerdita’
‘Cinco lobitos’
‘Modelo 77’

MEJOR MÚSICA ORIGINAL

‘As bestas’
‘Irati’
‘Las niñas de cristal’
‘Los renglones torcidos de Dios’
‘Modelo 77’

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN

‘Arquitectura emocional 1959’
‘Chaval’
‘Cuerdas’
‘La entrega’
‘Sorda’

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL

‘Dancing with Rosa’
‘La gàbia’
‘Maldita. A love song to Sarajevo’
‘Memoria’
‘Trazos del alma’

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN

‘Amanece la noche más larga
‘Amarradas’
‘La prima Cosa’
‘La primavera siempre vuelve’
‘Loop’

A pesar de lo irónico del título, ¡Vive la vida! –clara alusión a la frase de una conocida figura del espectáculo y la política-, nos presenta un “paseo” por el Cementerio Municipal de Surquillo que tiene mucho de evocador, de melancólico, sin eludir cierto tono curioso y ocurrente. Pero también muestra afecto y algún grado de sentimentalismo, cuando se enfoca en la manera particular en que las personas recuerdan a sus muertos, o quizás, en la forma en que ellos hubieran querido ser recordados.    

En principio, el espacio acotado genera unidad temática, restringe las posibilidades en que los signos pudieran evocar distintas experiencias. El tema del que trata es la muerte y la manera en que esta se inscribe en las memorias de quienes recuerdan y en la forma gráfica y estética que adquiere cuando decora lápidas, nichos, o las paredes del camposanto. La riqueza de la película aparece allí en donde lemas festivos o frases solemnes, objetos diversos –algunos inexplicables-, o figuras, fotos, dibujos, esculturas, resumen el sentir de los deudos o nos dan pistas sobre algunos occisos. Son imágenes breves que buscan capturar una idea específica sobre el muerto, sobre su carácter, sobre aquello que lo relacionó con su familia de manera especial, no la simple relación parental. No diremos que esto se logra en cada caso, pero muchos de los planos transmiten cierta manera de ser –o de ser visto-, como el padre que pide a su familia que sean felices por él -a través de “sus” palabras escritas sobre la tumba-, o la imagen de un joven con su amigo –¿o pariente?-, denotando alegría, desenfado; o los animalitos coloridos que mueven las cabezas, adornando los nichos de los infantes fallecidos. Otros planos en los que se muestran pequeñas esculturas de ángeles y motivos cristianos más tradicionales, vinculan inmediatamente  la antigüedad del muerto –y el tiempo que le toco vivir-, a su propia práctica religiosa –junto probablemente a la de su familia.

Lo interesante del registro de Castro es que cada plano no resulta excesivo, convirtiéndose en  una especie de instantánea sobre diversos tipos de recuerdo. Ese proceder, no genera sin embargo, una reflexión minuciosa sobre la memoria o los procesos de duelo, pero elabora  contraposiciones a partir del montaje. La soledad del cementerio expresada en planos generales -que destacan por su profundidad-, en los encuadres del piso y de las columnas de nichos, parecen producir una sensación de abandono, de estación final y hasta de olvido. Frente a ellas,  las diversas tumbas decoradas, escritas, coloreadas, investidas, mantienen la cualidad de presencias, que aún tendrían esos muertos. (Hay también planos en donde los efectos paradójicos son más extraños. La ausencia de un féretro es llenado por un montón de piedras y otros elementos, mientras en la lápida se puede leer el nombre de alguien. Esto podría sugerir algún robo o profanación, pero también una espera, un lugar de “reposo eterno” que aguarda a su ocupante).  

Curiosas elecciones resultan del registro de las tumbas de los infantes o recién nacidos que concitan el interés del autor, especialmente al inicio. Esas muertes prematuras podrían entenderse como una circunstancia contraria a lo que debería ser la vida. Es un extremo, pero quizás por ello, por lo absurdo de ciertos decesos, estos y otros cuerpos deban tener un lugar específico donde consagrarse, rendirles homenaje.

En las secuencias finales, la cámara nos hará mirar a la calle, en donde las imágenes de la avenida y el paso de los vehículos y transeúntes podría indicarnos que la vida está allá afuera, o la vida solo sigue su curso. Es ese movimiento de contrarios, en donde la existencia desborda al cementerio, incluso dentro de sus muros –como memoria duradera-, lo que nos presenta este interesante corto, lo cual por otra parte nos recuerda, que aun cuando sepamos a dónde irán a parar nuestros cuerpos, la muerte podría encontrarnos a la vuelta de la esquina o de la plaza.  

“Es un regalo este personaje para cualquier actor, porque nos permite mostrar la cualidad interpretativa”, me  comenta el actor Oswaldo Salas quien da  vida al contador Alfonso en el cortometraje dramático Sonata para un calendario.

Sin embargo, creemos que para que una producción obtenga el éxito que consiguió Sonata, hay una suerte de conjugación de profesionales talentosos que determinan ese resultado. En el caso de este drama cinematográfico, empezando por el nombre de la productora, La Luna Pintada, nos va acercando sin más, a un mundo onírico y mágico, por lo tanto fuera de lo real, pero seductor.

La directora y guionista, Carmen Rosa Vargas, es Licenciada en Comunicación por la Universidad de Lima y especialmente  directora de fotografía. Sonata para un Calendario es su segundo cortometraje como directora de cine, el primero fue  el cortometraje La Luz de mis Ojos (2015) Y en Sebastián, un LM que fue nominada a mejor cinematografía en el festival de Cine de Guadalajara (2013), trabajó como directora de fotografía.

La dirección de actores de Sonata, recayó en manos de  un  experimentado productor como es Manuel Siles, uno de los poquísimos realizadores que en el Perú ha sabido insertarle una nueva visión al cine saliendo del encasillamiento tradicional al que nos habituaron otros realizadores. De ahí que sus más grandes obras cinematográficas, Extirpador de Idolatrías y Vivir Ilesos, obtuvieran numerosos reconocimientos y premios en festivales del extranjero.

Oswaldo Salas, es quizá el factótum de los éxitos que obtuvo y siguen obteniendo las películas mencionadas como  es el caso también del cortometraje “Sonata para un Calendario” que reúne 112 premios en 102 festivales internacionales. El último premio lo obtuvo el actor  ayer (04 de enero) como el Mejor Actor en el Vienna Indie Fil Festival de Austria. Otros importantes son:

Premio al Mérito a Mejor Cortometraje en el Accolade Global Film Competition. USA 2022.

Mejor Mediometraje en el Wallachia International Film Festival, Rumania 2022.

Mejor Actor en el Paris Film Awards, Francia 2022

¿Quién es Alfonso?

El cortometraje de 18 minutos en blanco y negro (estos permiten concentrar el drama con una visualización sui géneris) tiene como protagonista  a un personaje oscuro de nombre Alfonso, contador (no conocemos si es público o privado)  de 53 años que va tachando días en un calendario. Hasta aquí, un argumento sencillo. Sin embargo en ese proceso de constante angustia, podemos encontrar otras lecturas. Y creo que en ello radica el valor de este cortometraje, interpretado sin voz, en silencio, gracias a la gran capacidad creativa de Salas.

Sin ser uno de esos thriller llorones y /o violentos, encierra una gran violencia, pues el protagonista  lucha contra algo que lo oprime, y de paso detalla una personalidad individualista, pues todo lo de fuera le es ajeno o indiferente,  el mundo gira alrededor suyo. Se vive un gran vacío en esos espacios grises, muy bien adecuados en el departamento de Oswaldo donde se filmó el corto, porque reflejan la soledad que lo envuelve.

El final imprevisto nos deja con la interrogante, ¿para qué? ¿Por qué? una respuesta que la planteará el público. Nosotros nos limitamos a aplaudir, nada más.

 En ese mundo, lo más vivo, lo unificador es esa bellísima sonata que acompaña la impecable actuación de Oswaldo Salas de principio a fin, como la voz silenciosa de un Dios que lo acerca a la Vida.

Aquí el tráiler del cortometraje.

De un total de 10 películas estrenadas por este director en 2022, 4 fueron películas cortas. Las puedes ver aquí:

¡Vive la vida!, de Mario Castro Cobos (Perú, 24 min, 2022). El día sábado 10 de septiembre de 2022 hacia las 2 de la tarde, luego de comer, salí a pasear al Cementerio de Surquillo, a unas cuadras de mi casa. Está película es uno de los resultados de dicho paseo.

Mamá cumple 82 veranos (2022, 12 min). Un hijo habla con su mamá acerca de cómo se siente ella actualmente.

Recordar el origen, de Raúl Del Busto, Ángel Pajares, Jhorsh Miller H. y Mario Castro Cobos (2022, 5 min). Un lugar antiguo y sagrado despierta aún una gama de emociones contradictorias.

Diario del 14 de diciembre, de Mario Castro Cobos (2022, 26 min). Un amigo interroga a otro sobre las razones de su frenética actividad.

Canal de youtube con 24 películas de Mario Castro Cobos, codirecciones incluidas

https://www.youtube.com/channel/UCh_P6oM9taiVLLQ_TxtFXlQ/