Hoy mi hermano viene de visita. Como es regordete, calvo y empresario, Lito le ha puesto de chapa «Kingpin», como el villano del cómic de Marvel. Toca el timbre y nos ponemos algo nerviosos porque es la primera vez que conocerá a mi novio. Y digamos que hay una distancia muy grande entre ambos: la política.

A diferencia del Kingpin de ficción, mi hermano es bonachón y una persona bastante amable, excepto cuando habla de política. Por eso le pido a Lito que no hablemos de eso en la mesa, porque lo que menos quiero es generar un conflicto.

—Suficiente con los problemas del país como para tenerlos con mi propia familia —recalqué.

Luego de la cena, en la sobremesa y con vinos, Kingpin nos pregunta qué pensamos de las protestas y marchas a nivel nacional. Yo le reboto la pregunta y le pido que mejor me diga qué piensa él al respecto:

—La gente de nivel, los empresarios, es decir, gente que hace patria como yo —empieza Kingpin, inflando el pecho, copa en mano. — no estamos de acuerdo con estas corrientes progres que buscan cambiar la Constitución. ¿Sabes lo que me dicen mis clientes A, B sobre la gente que ha ido a la marcha?

—Ni idea —le respondo, mientras sirvo más vino en mi copa. Lito se altera, le pongo la mano en la rodilla a modo de tranquilizarlo.

—Que son gente que no tiene nada que hacer, hasta creen que les han pagado para ir.

—Ya —le digo, esperando que se explaye pues me pica la curiosidad. Lito evade la conversa revisando su celular.

—Lo que ha ocurrido es solo vandalismo azuzado por la prensa mermelera.

—No llego a entender tu punto —interviene Lito, intentando contener su fastidio.

—Como te vuelvo a decir, el sector empresarial piensa como yo. Solo que esa gente no comenta, se queda callada, no entra en debate, simplemente hace mutis.

—¿No entiendo por qué se quedarían callados? — Le replico a mi hermano. Lito en cambio vuelve a ignorarlo con su celular.

—No van a debatir con gente que no está a su altura, pues; pero cuando nos reunimos, nuestra posición es la misma.

—Ok, hermanito —digo, buscando evitar la confrontación.

—Lo que pasa es que, honestamente, la izquierda se ha enclaustrado tanto que, hablando en términos «marvelianos», son como Hydra.

—¿Estás comparando a la izquierda con…? —de reojo veo a Lito que trata de contenerse.

Y es que Hydra es un grupo terrorista en el universo Marvel que se jacta de su capacidad de reagruparse tras la derrota y volverse más poderoso frente al embate de sus enemigos.

—Claro. Porque como siempre han perdido, aprendieron a colarse en puntos clave del poder como parásitos y desde ahí están metiendo la mano en todo. Tanto así que, hasta los dueños de las empresas, en su propio negocio, no expresan su opinión por miedo a que los obreros tomen represalias.

—Hay algo en lo que sí estoy de acuerdo —le digo a Kingpin. Lito ya está en otra cosa—: la gente tiene miedo, y es porque todos los días suceden cosas inesperadas. Últimamente ya me da temor pensar en el futuro. Todos los días me pregunto ¿y ahora qué pasará?

Lito, pálido, nos mira y atraviesa con su brazo la mesa. Le sube todo el volumen a su celular y nos muestra la noticia:

«Ahí la tiene Maradona. Le marcan dos. Pisa la pelota Maradona. Arranca por la derecha el genio del fútbol mundial. Puede tocar para Burruchaga… siempre Maradona, genio, genio, genio, tá, tá, tá… goooooooooool… quiero llorar, Dios Santo, viva el fútbol… ¡Golazooooo… Diegooooo! Maradona… es para llorar, perdónenme… Maradona en recorrida memorable, en la jugada de todos los tiempos, barrilete cósmico… ¿De qué planeta viniste?».

—Maradona ha muerto —sentencia Lito.

Ahora sé qué será una noche larga.

El “aya taki”, es aquella canción fúnebre que se blande en la despedida del Mundo Andino donde la muerte es apenas otro paso, otro mundo. Se rememora al ser querido en la familia y también se le “canta” en público, como ahora amerita hacerlo con Federico García Hurtado de Mendoza (1937 -2020). Qosqoruna, artista en toda la dimensión de la palabra. El pasado 23 de octubre se nos adelantó y entre otros grandes amautas del Qosqo, ha dejado un gran vacío y a la par un gran legado. Nos acercó al Ande vivo con poesía impresa en su trabajo cinematográfico, y ahí perdura Kuntur Wachana (1977).

Inmortalizó en el séptimo arte a los personajes más manoseados pero menos estudiados de nuestra historia libertaria. “La leyenda de Melgar” (1981) y “Túpac Amaru” (1984) son dos retratos de ello. La veta de su sensibilidad radica en la cosmovisión andina que nos permite conocer en más de 10 películas como “El caso Huayanay”, “El socio de Dios” y “Laulico”. Destacan también las cintas “La manzanita del diablo”, “La yunta brava” y “El forastero”, estas dos últimas realizadas a principios del nuevo milenio. Indesmayable junto a su compañera María del Pilar Roca, ha desarrollado una intensa vida creativa e intelectual donde podemos apuntar los libros, “El paraíso del diablo” (2003), “Pachakuteq: Una aproximación a la cosmovisión Andina” (2004) y “Piel de fuego” (2007).

“Fico amaba el Cusco, amaba su pasado y quería la identidad de su gente, quería a Túpac Amaru, quería que la gente se identificara con él porque era un ser honesto, alguien que teniéndolo todo lo dio todo por cambiar nuestra historia. Fico creía en la independencia del Perú porque consideraba que seguimos siendo una colonia donde se maltrata a nuestros pueblos y el centralismo concentra y decide por el Perú. Fico amaba la libertad, era un libre pensador difícil de encasillar, rompía esquemas y ese es también su aporte a la peruanidad”, nos dice Pilar Roca quien sigue defendiendo su obra, tristemente invisibilizada por el actual Ministerio de Cultura. Al Estado peruano, como él mismo dijera “sólo le debe encierros y persecución”.

Demostrando que nadie es profeta en su tierra, “Kuntur Wachana” se hizo ganadora del Premio de la Federación Internacional de Críticos de Cine en la 10ma edición del Festival Internacional de Cine de Moscú. “Tupac Amaru” fue un éxito de taquilla en 1984 y es considerada en el Festival de Tokio de 1986, como uno de los films más representativos del cine latinoamericano de todos los tiempos. Sus cintas se han exhibido en América, Europa y Asia, donde al presente se les estudia como corresponde en diferentes universidades a las que también fue invitado en calidad de conferencista. Entre los numerosos premios que recibió señalaremos el Premio de la Prensa Internacional en el Festival de Cine de Biarritz y el Premio Saúl Yelín del Comité de Cineastas de América Latina.

Federico García vuelve al Qosqo y vivirá para siempre en su amada Calca, al clamor del Valle Sagrado. El Cusco es la tea donde más fuerte arderá su memoria. Los distintos reconocimientos alrededor del mundo hacen de su obra patrimonio de nuestra cultura que debe ser custodiada como se hace con el patrimonio material e inmaterial. Hablamos de la herencia espiritual de nuestro pueblo. Si un homenaje le debemos, el único camino es asumir nuestra andinidad. Pensar en andino y reconocernos como tal, al lograrlo acogeremos el legado de Fico García. Es necesario también, iniciar una cruzada por el rescate de sus cintas cinematográficas, que entre otras joyas nacionales, deben incluirse en el proceso de aprendizaje de los estudiantes peruanos. 

El Cusco llora a un hijo querido y a poco más de un mes de su partida, le cantaremos como se debe, hoy viernes desde las 4:00 pm, en la Sala Machupicchu del Centro de Convenciones de la Municipalidad Provincial del Cusco.  Todos los que desean ser parte están invitados junto a sus amigos, familia y nuevas generaciones de cusqueños y cusqueñistas.

Hay poetas que buscan registrar la memoria colectiva de un pueblo y profundizar en las vértebras más íntimas de una zona geográfica, cuya sabiduría se mantiene en las creencias ancestrales de sus habitantes. Para alcanzar todo esto no solo se necesita ambición y talento, sino que hay un factor mucho más determinante: la identidad cultural, la cual permitirá la existencia de una gran sensibilidad telúrica, en este caso relacionado a lo andino.

En el año 2009, el puneño Boris Espezúa ganó el Premio Copé de Oro en poesía con “Gamaliel y el oráculo del agua”, uno de los libros premiados más importantes en la historia de dicho certamen. Este poemario ha servido como antecedente a la creación de otros que han seguido esta misma línea de poetizar teniendo como figura central a un escritor importante de nuestro país. Es el caso del último copé ganador, “Expediente Vallejo” de Johnny Barbieri. Ambos no solo comparten el hecho de utilizar una voz lírica en primera persona de dos poetas marginados y provincianos (quizás los autores más importantes y representativos de nuestra historia literaria) sino que utilizan como elementos paratextuales a algunas citas de sus escritos. Cartas en el caso de Vallejo y “El pez de oro” y algunas conferencias en el caso de Churata.

Boris Espezúa, con el poemario ya mencionado, retoma un estilo de escritura poética que no ha sido tan considerada en nuestro país (plagada de subjetividades y catarsis), que es la de reflejar una preparación intelectual previa a la creación del discurso lírico. En todo el libro, demuestra con maestría el amplio conocimiento que tiene del contexto puneño y de las creencias andinas, alcanzando una interpretación fidedigna del pensamiento, vida y obra de Gamaliel Churata.

Autor de otros poemarios importantes como “A través del ojo de un hueso” (1988), “Tránsito de amautas” (1990), “Alba del pez” (1998) y “Tiempo de cernícalo” (2002), considero que la trascendencia de “Gamaliel y el oráculo del agua” radica en pretender unir e integrar los distintos elementos de la cosmovisión andina a través de la vida y obra del fundador del grupo “Orkopata”. Para ello va a considerar dos perspectivas: lo maravilloso y lo histórico.  La primera servirá para describir la cálida, misteriosa y armónica relación del hombre con la naturaleza (plagada de historias míticas y legendarias) y la segunda permitirá conocer datos biográficos de Churata, entre ellos su crecimiento intelectual, el doloroso entorno familiar, el exilio a Bolivia y el triste retorno al Perú.

Ricardo Gonzáles Vigil afirma que Churata fue el primero en tener una propuesta por lo real maravilloso, apoyándose en ideas consideradas como “abstractas” para tejer un mundo propio. Boris Espezúa va a representar en Churata la imagen del oráculo que permite la conexión entre las deidades – lo sagrado – y el pueblo – lo humano-. Este será la voz principal de toda la cosmovisión, ya que posee la capacidad de tener un gran conocimiento acerca del tiempo (sucesos pasados y futuros) y de la vida y de la muerte, siendo un puente luminoso entre el cosmos y lo terrenal (lo ultraórbico).

Proveniente de una familia cristiana, una de las grandes influencias literarias de Gamaliel Churata fue la biblia, lectura que le ayudó a utilizar una voz solemne y majestuosa en muchos párrafos de “El pez de oro”.

Es por ello que el primer poema (escrito en prosa) con que Espezúa inicia “Gamaliel y el oráculo del agua” está plagado de figuras que permiten la exageración y la formación de un mundo fantástico, estableciendo un discurso explicativo y religioso sobre el origen del Altiplano y del Lago Titikaka.

“Hace mucho tiempo el Altiplano estuvo cubierto con agua uránica y desde su cúspide emanaba al mundo abundante líquido benéfico y purificador, que se fue perdiendo poco a poco y ahora ha quedado condensado en crustáceos en el Lago Titikaka …”

Lo curioso en este primer gran poema es que se logra una unión indisoluble entre el cristianismo y la cosmovisión andina ancestral, pues más adelante se pasará de un politeísmo a un monoteísmo, utilizando tanto la figura de “El Hacedor” Wirakocha y la figura de la santísima trinidad para explicar el primer periodo de la historia.

A ello se suma dos ideas muy interesantes, el renacer de los mitos teogónicos: “Diez halcones se calcinarán y río arriba saldrá Wiracocha para reunirse con la Madretierra y hacer revivir lo engendrado, dando infinitud a la mitogénesis …” y la crítica a la modernidad: “La tradición andina doblega el tiempo ciclópeo, su historia tiene la ingravidez de la persistencia ante la modernidad, sus tres periodos tienen el rumor del agua en nuestros ojos donde ahogamos el grito …”

Hay que tener en cuenta que la modernidad europea que se incrustó violentamente en nuestro continente no logró homogenizar a todas las culturas de una nación, sino que buscó la exclusión entre ellas mismas, como una forma de sometimiento a su poder hegemónico. Tanto Churata y Boris Espezúa son muy críticos al respecto.

El elemento del “Agua” es muy importante en el poemario,  no solo por ser considerada como fuente de pureza e inocencia y denominar a Churata como el “oráculo” de ella, sino porque también es un elemento de unión entre la cultura andina y la europea. Cabe mencionar que en nuestra narrativa el autor que también buscó unir estas dos tradiciones culturales fue Edgardo Rivera Martínez, tanto en sus cuentos como en su gran novela “País de Jauja”.

En estos versos se evidencia esta unión cultural:

“Con el agua primera que vio Tales de Mileto / y los Apus del Altiplano / con su agua secreta que es la sustancia / que da vida / en lo más alto de su misterio”.

También se recurre a lo maravilloso para establecer un discurso de valorización hacia la mujer andina, utilizando como personajes a las tres imillas (jóvenes indígenas en aymara) representadas en una flor, en el agua y en el fuego. Esta triada simbolizará la fertilidad de la naturaleza y la solidaridad que perdura en la memoria colectiva de la comunidad. A ello habría que añadir otro personaje femenino como Juana Apomayta, quien confesará los secretos y ritos de la muerte, que no es más que un eterno retorno en la cosmovisión andina.

Los siguientes versos refuerzan esta idea:

“En el proyecto genealógico andino/ hubo un tiempo matriarcal/ que precedió al patriarcal/ donde/ estuvieron las piedras sometidas/ a la recristalización”.

Otro aspecto importante en el poemario es el de la identificación con el mundo animal, ya que se utilizarán a algunos de ellos, considerados sagrados entre la cultura andina, para una resemantización de los discursos originarios.

Al igual que en “El pez de oro”, Borís Espezúa también utiliza una variedad discursiva: poemas en prosa con un sentido bíblico, poemas con rasgos orales muy marcados, reseñas, diálogos narrativos, entre otros. A todo ello hay que sumar el carácter híbrido del lenguaje, ya que en algunos versos se añaden términos aymaras y quechuas. Al finalizar el libro, el lector podrá encontrar un vocabulario de ambas lenguas autóctonas. El uso de este recurso no solo es con un afán de reivindicación a la sabiduría de la cultura aymara, como se demuestra en estos versos:

“Los aymaras sabían que no hay que pelearse por el agua, porque termina por aniquilarte, ya sea ahogado o ya sea muriendo de sed.  El agua renueva las transformaciones del devenir, las emociones, la perseverancia; nos libera”.

Sino que también sirve como protesta hacia un pueblo que fue subyugado por la ambición e ignorancia de los colonizadores.

“Hay una lengua colonial colgada en la incertidumbre/ hay un estertor del poder que abyecta, no razona/ y finalmente subyuga tu cerviz”.

La existencia armónica entre la vida y la muerte permite a los pobladores andinos tener una vida más pura y luminosa. La contemplación de los ciclos de la naturaleza forma parte del cuerpo y la mente de las personas, la eternidad se alcanza adorando a los muertos:

“Los abuelos dicen que las almas de los muertos serán los portadores de las lluvias que requieren los campos para empezar con la época de la siembra”.

El último poema titulado “De vuelta a la semilla” simboliza la cosmovisión circular que tenían las culturas andinas de la vida, pero también se podría considerar el retorno de Churata a Puno, luego de muchos años de exilio en Bolivia. Los ciclos se cierran, pero otros se abren, ningún viaje es perfecto porque tiene siempre un regreso. No es coincidencia que uno de los libros de Alejo Carpentier, considerado como el fundador de lo real maravilloso, se titule “Viaje a la semilla”.

Esta primera parte, donde he colocado algunos ejemplos para explicar los rasgos maravillosos y fantásticos que existen en la relación hombre-naturaleza se complementará con otros textos poéticos, cuyos rasgos históricos y biográficos nos ayudarán a adentrarnos en la vida de Churata.

Por ejemplo, el poema titulado “La escuela 1881” es un homenaje a aquel hombre ilustre que fue el maestro de todo el grupo “Orkopata”, José Antonio Encinas, quien fue nombrado director del Centro Escolar de Varones 881 de Puno, iniciando la importantísima experiencia pedagógica de la Primera Escuela Nueva en el Perú, teniendo como uno de los objetivos principales la valorización del ser andino.

En este poema, la voz de Churata evoca con nostalgia y cariño el recuerdo del maestro:

“Mi maestro, voz de leopardo, tú viviste con un trozo de bala en la palabra. Vuelve hablarnos de la libertad, de la respiración de los mitos y del tiempo que gira más implacable sobre la tierra”.

En esta misma secuencia de poetizar los datos biográficos de Churata, también encontramos textos homenajes a “Bohemia andina”, nombrando a otros grupos importantes como fueron “Colónida”, el “Grupo Norte”, “Aquelarre” y “Resurgimiento. Aquí se plantea la idea de luchar por construir una literatura genuinamente americana.  Los otros poemas que forman el hilo secuencial en la vida de Churata son los siguientes: “El grupo Orkopata”, “El Boletín Titikaka” y “Estadía en Bolivia”.

Boris Espezúa logra consolidar una poesía donde la simultaneidad de voces que aparecen en los discursos logra dialogar con la historia y el tiempo.  Hay una supremacía del lenguaje coloquial, sin dejar de lado que en algunos versos se incrustan rasgos neobarrocos y simbolistas, aportando connotaciones abstractas y metafísicas a las creencias que aún perduran en las zonas andinas.

Este es un pequeño bosquejo para un análisis más sistemático y teórico que merece tener “Gamaliel y el oráculo del agua”, uno de los mejores poemarios peruanos publicados en lo que va del 2000 y que pretende alcanzar una poética integradora, totalizante y poseedora de una variedad de temáticas que enaltecen nuestra riqueza cultural.

Para finalizar hay que resaltar que la tradición literaria de Puno va consolidándose cada vez más debido a la aparición de importantes autores que siguen la senda de voces trascendentales como Oquendo de Amat, Gamaliel Churata, Alejandro Peralta, José Luis Ayala, Efraín Miranda, entre otros.

Aquí dos poemas del libro:

B. TRES IMILLAS.
I.- En los tiempos cuando volteaba los ojos el cuculí.

Tres imillas
vinieron a media noche a danzar
                          a las orillas del lago
y dejar enterrada la semilla de la papa
                          para ser fecundada en el alba.

Tras enceguecerse con la luna
una de ellas antes de morir en el cerro más alto
previno a las dos imillas que quedaban
que miren siempre el arco de piedras
                         del cerro mayor
porque al pie de una de sus columnas
estará siempre dormida en una flor.
Allí cada año se hacen sacrificios de ovejas
                         tiernas y se completa
el embrujo en el cenit rubio de la Pachamama.

Las dos imillas que quedaron
tras crepitar la tierra y pesar el amor en el aire
se convirtieron en agua y en fuego
                         por el horizonte de la alquimia
en el tercer y sexto sol y con los fardos
                         de los equinoccios.
En las cosechas nos acompañan siempre
                         y con ellas
recogemos hasta las papas más pequeñas
si no hay mala suerte para la próxima cosecha.
Aseguramos la papa en calendarios
                         y solares nuevos
así, la tierra madre hecha de cal no es proscrita y el capullo
                          en flor evidencia
que el hombre al morir se transforma
                          en nueva semilla
y el congelo de la papa en vida resurrecta.

II.- En nuestros tiempos cuando vuela sin ojos el cuculí.

Tres imillas
en este lugar siempre son recordadas
elevan su voz ausente en las noches de San Juan
y la bajan en cada ofrenda a la Madretierra
visten de ráfaga y danzan para los dioses,
aprisionan sus gritos de amor en nuestros gritos
dejan de llamarnos con infinitos abandonos
                           fracturados,
un abejorro hace desaparecer los truenos
y el denso aire se lleva los hedores de las
                        danzas continuadas
Tres imillas
en el imaginario de este pueblo
en sus aguayos llenos de olor de coca
                          custodian la tierra fértil
y llevan una lágrima petrificada
en sus ojos de pescado de luna llena
que son diamantes de eternidad.

El escándalo del caso Richard Swing y la vacancia de Vizcarra parece que no ha generado un cambio en el Ministerio de Cultura. Lima Gris tuvo acceso a un correo dirigido a funcionarios de la alta dirección del MINCUL, donde los propios trabajadores denuncian presunta corrupción en la cartera del ministro Alejandro Neyra.

El mail que se filtró esta dirigido a Juan Antonio Silva Sologuren, Secretario General del Ministerio de Cultura. En el correo electrónico se denuncia que se coloca y direcciona contrataciones al mismo estilo Richard Swing, acomodando los requisitos para que las contrataciones de personal con modalidad CAS sean aceptados por Recursos Humanos.

Según nuestra fuente, el propio ministro Alejandro Neyra también tiene conocimiento del tema, así como más de 15 personas de la alta dirección, quienes fueron notificados a sus debidos correos institucionales.

A continuación, transcribimos el mensaje completo del correo electrónico, porque nos parece importante que los lectores conozcan el contexto de la misiva:

Señor Secretario General Juan Antonio Silva Soluguren,

De nuestra especial consideración

Ayer ha sido un día histórico y la elección de la nueva mesa directiva del Congreso, presidida por el hoy presidente interino, nos llena de esperanza a muchos peruanos que anhelamos un gobierno justo, equitativo e integro.

Hace unos meses, la administración del Ministerio de Cultura fue origen de la mayor crisis política afrontada por la gestión del ex presidente Vizcarra, exhibiéndose una contratación de servicios con cuestionadas finalidades públicas y requisitos mínimos de calificación del proveedor que toda contratación debe justificar. Sin embargo, a pesar de los resultados que todo ello provocó, los directivos continúan disponiendo indebidamente de los recursos del Estado.

Con proceso CAS N° 157-2020-OGRH-MC se publicó la contratación de un especialista de Giros – Planillas nivel III, para la oficina de tesorería de la OGA del Ministerio de Cultura, cuyas funciones son el registro y proceso de la fase del giro de las planillas de remuneraciones del personal, la verificación y gestión de pago de la AFP de las planillas a través del portal AFP.NET, pago de CTS y sentencias judiciales, registro administrativo de la fase de giro SIAF, operaciones de la caja chica, elaboración de cartas y órdenes de pago nacionales e internacionales, entre otras funciones alineadas a las competencias financieras/contables/administrativas.

Hasta ahí todo dentro de lo regular, pero a partir de la revisión del Termino de Referencia Publicado y Autorizado, se evidencia la corrupción que dirigen, pues para intentar postular al cargo de Especialista de Giros-Planillas nivel III (Oficina de tesorería) los requisitos mínimos indispensables que se piden son: Título universitario en Contabilidad o Administración o en Ciencias de la Comunicación.

Sí, efectivamente, para ocupar el puesto de especialista en giros de la oficina de tesorería del Ministerio de Cultura, es condición indispensable ser profesional en ciencias de la comunicación. ¡Estamos hartos!

La desfachatez y descaro del Director de Tesorería (requiriente), llegó a tal punto de hacerle manifestar abiertamente que contaba con la aprobación del mismo Director General de Recursos Humanos (autorizante) lo cual encontraba sentido, pues al revisar algunas otras convocatorias hallamos el proceso CAS N° 129-2020-OGRH-MC para la contratación de un especialista en planificación y organización para la misma OGRH, por una remuneración de S/ 8,000.00 (Mayor pago que la de la especialista de tesorería) con requisito mínimo imprescindible: Cartón de bachiller (menor formación que la del especialista de tesorería) administración de empresas o administración pública o ingieniería industrial o economía o psicología o relaciones industriales o derecho o contabilidad o ciencias de la comunicación.

Coincidentemente, en ambos procesos resultaron ganadoras quienes contaban con la profesión de Ciencias de la Comunicación: Briceño Chávez María Giovanna y Valdivia Mandujano Roxana Katy.

Mientras que para el personal antiguo limitan o anulan las posibilidades de mejores pagas, exigiendo requisitos mínimos “estandarizados”, para otros afortunados hasta crean, ordenan, autorizan y dirigen concurso públicos. Qué mérito existe si todo es producto del abuso del poder de sus cargos ¡Estamos hartos!

Hace mucho tiempo ese mismo Director General que negocia esas contrataciones viene prometiendo mejores condiciones al personal generando expectativas, pero nunca se cumplen por falta de presupuesto. Claro, cómo va a haber dinero para regularizar las situaciones de los antiguos si lo gastan a su conveniencia.

Apelamos al espíritu de justicia que identificamos en su persona, y por el honor del ministro Alejandro (Neyra), le solicitamos que tomen las acciones inmediatas para no convertirse en cómplice de dichos actos y reiniciar la nueva gestión con esos asuntos pendientes, pues no bajaremos la guardia y lo exigiremos hasta las últimas instancias y medios.

Los años han hecho entender a la mala que cada gestión cuenta con un equipo de confianza, ¡Pero todo tiene límites! Ese concurso ya fue demasiado y no permitiremos más porque continuaremos revisando los concursos y denunciaremos hasta ante el mismo Congreso. Los cargos de confianza son para trabajar para la gestión del sector, no para abusar de su poder autorizando requerimientos indebidos.

Copiaremos al STPAD para la revisión correspondiente y al OCI para evitar que las manipulaciones del Director General de la OGRH y el Director de Tesorería entorpezcan las funciones del STPAD.

Agradecemos su tiempo y empatía.

Para evitar represalias, los trabajadores del Ministerio de Cultura vienen denunciando estos hechos desde el anonimato. Hay que señalar que las denuncias anónimas pueden ser interpuestas por cualquier ciudadano. 

Luego de tener conocimiento del correo, ingresamos a la página web del Ministerio de Cultura y encontramos los resultados finales de los procesos CAS que se mencionan en la denuncia: CAS N° 157-2020-OGRH-MC y CAS N° 129-2020-OGRH-MC referentes a Briceño Chávez María Giovanna y Valdivia Mandujano Roxana Katy. Tal como se señala, las dos personas fueron beneficiadas con estos cargos tan importantes y delicados en el manejo de dinero de todos los peruanos.

Buscando información sobre los grados académicos de las personas mencionadas, solo encontramos en la SUNEDU el registro de Valdivia Mandujano Roxana Katy, como licenciado de Ciencias de Comunicación. Sobre Briceño Chávez María Giovanna, existe registro académico solo como bachiller de Ciencias de la Comunicación.

Una pregunta pertinente que se tiene que hacer es ¿Por qué se contrató a una persona de Ciencias de la Comunicación para un puesto donde se necesita un profesional dedicado al rubro de administración, contabilidad y finanzas?

Lima Gris se comunicó con Juan Antonio Silva Sologuren, Secretario General del Ministerio de Cultura para conocer los descargos sobre el tema y esto fue lo que nos comentó:

“Conversé con el jefe de Recursos Humanos que ha coordinado con el Secretario Técnico y me indica que de oficio ya inició las investigaciones, a fin de determinar posibles responsables. He conversado también con la jefa de OCI y me ha dicho que ella también ha iniciado de oficio sus investigaciones”.

Sobre la denuncia anónima enviada a su correo, mencionó: “Lamento que la denuncia sea anónima, aquí nosotros no tomamos represalias contra nadie. Nos gusta tener una relación abierta con la gente”.

Sobre el presunto conocimiento del direccionamiento del Director de Recursos Humanos, señaló: “De ser así, se va a determinar eso mediante la secretaría técnica o la jefatura de OCI. Aquí no vamos a blindar a nadie. Tenemos nosotros el compromiso de trabajar de manera transparente, esa es la visión que el ministro Alejandro Neyra quiere dejar súper claro”.

Juan Antonio Silva, también señaló como uno de los responsables del proceso a Sebastián Diaz Rodríguez (Coordinador en Gestión del Empleo en el Ministerio de Cultura), por lo cual, los 18 procesos CAS que fueron presentados el día de hoy bajo la responsabilidad del señor Diaz, han quedado anulados.

Es importante señalar que los propios trabajadores del Ministerio de Cultura vienen realizando una fiscalización desde interior de la sede principal, con la finalidad de que no se repita nuevos casos al estilo Richard Swing.

Stefano Bermellón es un joven artista visual que cogió sus pinceles desde que se inició el aislamiento social y empezó a trabajar una nueva temática pictórica para poder exponerla en cuanto las condiciones sanitarias lo permitieran. En los últimos meses se han dado muchas exposiciones virtuales, pero hace unos días se inauguró en el distrito de Barranco la primera muestra individual con público presencial, desde que empezó la pandemia.

Bermellón ha expuesto en varias muestras colectivas en el país y una en Nueva York. Asimismo, tiene dos individuales en su carrera: la primera fue Innuendo en 2016, la segunda Pigmalión, en 2019, y esta vez acaba de inaugurar Glamour, su última individual y que auspiciosamente abre una nueva etapa en el circuito artístico limeño.

Aquí la entrevista:

Stefano ¿Cuáles han sido los entretelones de tu nueva individual?

Ha sido genial. La verdad, que en este caso inicié con una serie de obras terminadas en todo el proceso de la pandemia y fue en plena coyuntura del aislamiento donde yo aproveché para pintar muchísimo. Inicialmente, iba hacer una exposición que se iba a llamar Die Hard, donde personajes hollywoodenses del cine serie B iban a ser protagónicos, pero como a veces las cosas cambian… luego la idea se fue direccionando a una pintura más libre, con todo lo que es el color y la mancha, la libertad en la pintura. Luego hubo una confluencia entre el figurativo clásico y mezclar también lo contemporáneo y lo moderno del pop-art.

A diferencia de tus primeras individuales que eran ceñidas al figurativo realista, en Glamour, además de lindar con el pop, hay una simbiosis entre el figurativo, el abstracto, el chorreado y el difuminado. ¿Cómo se confluyeron estas técnicas que son diferentes?

Ha sido muy entretenido, la verdad, porque yo de niño siempre pintaba papeles con todo tipo de pigmentos. Y hacia manchas con la pintura derramada. Cosas que uno hace de niño, usaba el viento para que la pintura chorree y gotee, entre otras cosas. Y en este caso hice una combinación entre el figurativo y el dibujo, porque creo que siempre es muy importante el dibujo en una pintura, y mezclé el rigor del retrato con el realismo si se puede decir, pero ya no me interesa hacer realismo y lo unifiqué con esta libertad de pintar simplemente fluyendo y mezclando. Es algo interesante, porque no te aburres, como cuando haces a un personaje estático que es tal cual. En esta individual más que una mutación, hay una confluencia.

La pandemia desde el principio ha traído una crisis generalizada que afectó a todos, en especial, al gremio de artistas porque se vieron truncaron sus proyectos ¿Cómo te afectó la emergencia sanitaria y económica?

La verdad, no me puedo quejar, porque en esta pandemia he vendido mucho. Vendí muchas obras del estilo abstracto libre. Yo le llamo así porque son manchas y colores. Realmente, me parece que ha sido algo milagroso, porque sé que muchos artistas no han vendido durante la pandemia.

Lo que dices es insólito

Es insólito y no es insólito a la vez. Porque la gente también necesita color. La gente necesita arte. Y cuando lo necesita, obviamente algunos van a querer comprar arte a los artistas porque se identifican con la obra que el artista está haciendo.

Estuvimos en la vernissage de tu individual y fue sorprendente la cantidad de gente que asistió a pesar de las restricciones de la emergencia. La galería estuvo llena, pero lo más curioso fue la música Disco setentera que acompañó todo el tiempo a los invitados que incluso querían bailarla

Fue algo muy bonito, porque considero que hasta ahora ésta ha sido la exposición más linda que he tenido. Ha sido una cosa espectacular; yo realmente pensé que no iban a asistir las personas, pero ha sido una noche muy bonita porque han ido muchas personas que conozco y que no conozco. La música Disco para mí ha sido importantísima en este tipo de exposición porque refresca la onda, le da ese ambiente clásico setentero y el hecho de disfrutar al estar bailando con cada pista. Felizmente, eso se ha fusionado muy bien con todas mis pinturas porque la gente estuvo muy feliz; por eso es importante que el arte llegue a las personas masivamente a pesar del Covid, porque a pesar de todo lo malo que se ha vivido, el arte te refresca la vida.

Como artista joven que vive en el siglo XXI ¿Qué piensas de la academia clásica?   

La academia es importantísima en la formación de un artista visual, porque es un factor muy fundamental en todo lo que es pintura y en el dibujo. También el rigor, la mancha, el trazo… todo es muy importante porque si tú quieres demoler y romper, primero hay que construir. Tienes que aprender primero las reglas para poder romperlas. Yo soy fan del arte clásico; soy fanático de Vermeer, y de la técnica de Velásquez, pero también es interesante luego de haber pasado por esas escuelas y maravillosas técnicas, modificar para hacer algo nuevo.

Eres pintor y músico porque tocas la guitarra y el piano, pero también actúas en algunas producciones y además eres modelo de agencia ¿Es difícil juntar todas esas labores, o son parte de tu faceta como artista integral?  

Artista es la persona que hace algo con pasión y que lo hace bien. Artista puede ser una persona que lustra zapatos y los deja brillantes como un espejo. Ser artista es una mezcla de muchas cualidades. Y para ser más especifico, creo que el artista debe ser integral; el artista tiene que cantar, tiene que bailar o tiene que escribir, entre otras cosas más. Él tiene que ser multifacético, porque finalmente en su obra se va a ver todo ese licuado de información y talento que tiene. En mi caso, mi prioridad máxima es la pintura, y actualmente el modelaje, pero también tuve mi etapa de músico en conciertos y grabando discos con mi banda. Por ahora no estoy en ese ambiente porque estoy muy feliz en la pintura.

Cuéntanos un poco; ibas a actuar en un ópera con una compañía española y todo estaba listo, pero de pronto llegó la pandemia ¿Cómo se truncó ese proyecto?

Fue algo muy interesante porque la actuación ha salido en mí de una forma muy graciosa. Soy una persona muy atrevida y me siento como un ser camaleónico que se propone a hacer algo y lo puede hacer porque le pone dedicación. Yo iba a participar en Carmen de Bizet, una ópera famosa que se iba a realizar en el Gran Teatro Nacional. Lamentablemente no se pudo porque vino la pandemia y las personas ya no podrían asistir. También estuve en algunas novelas y en 2018 en el Gran Teatro Nacional participé en la opera Tosca con una compañía italiana; recuerdo que allí conocí al gran tenor italiano Iván Magri. Yo creo que se debe ser atrevido, porque así logras muchas cosas.

En líneas generales ¿Cómo ves el arte contemporáneo en el Perú?   

Creo que hay cosas muy interesantes… creo que el arte contemporáneo está avanzando mucho más rápido. He conversado con pintores muy reconocidos y que ya son ancianos, me refiero a los maestros Quintanilla, Galdos Rivas y Revilla y me han comentado de esa escasez de apoyo a los artistas en los años cincuenta y sesenta, porque era algo muy difícil a pesar que ya había medios de prensa; pero ahora como ya existen las redes sociales, ha aumentado muchísimo todo lo que es marketing y publicidad para el artista. Yo creo que se está avanzando mucho; sin embargo, creo que el ministerio de Cultura no apoya como se debe apoyar al artista, porque en otros países el Estado les da una mensualidad a los artistas para poder crear. Los mecenas serían importantes en este país, ya que hay tantos pintores muy buenos. En pintura, personalmente hay pocas cosas que me gustan. Por eso, mi objetivo siempre ha sido crear una corriente y un estilo nuevo.

Ya que mencionaste a algunos maestros de la pintura peruana; a pesar de ser muy joven has tenido la oportunidad de conocerlos ¿A quiénes conociste? 

Yo me siento el hombre más afortunado; la vida me sonríe felizmente. He tenido el privilegio de estar en el taller de José Tola desde los ocho años; me acuerdo que de niño le llevé unas caricaturas mías y él muy crudo me dijo: “No pintes estas huevadas… primero haz esto y luego haz esto”; luego me sacó un lienzo y en un minuto me hizo un bodegón espectacular que era muy proporcionado y me quedé impresionado. Después me sacó muchos libros de arte y lo primero que me dijo es: “hay que aprender las reglas para poder romperlas”; eso es algo que realmente me sirvió mucho. El maestro Galdos Rivas que es un genio del color, me mostró en su casa todo lo que es la teoría del color, la riqueza del color, la diferencia entre hacer una pintura sin vida y otra con un color con vida.

A veces visito a Polanco para que me explique la geometría de su obra. Con Carlos Revilla que es un pintor espectacular, tuvimos mucha química y me enseñó algunas cosas; además me sentí muy afortunado que él aprobara mis trabajos, porque me dijo personalmente: “Me gusta tu pintura porque ya tienes un estilo” y yo me sentí orgulloso que el amigo de Dalí… ¡imagínate! me diga que mi pintura le interesa y que me diera consejos como maestro… la verdad yo feliz.

Con Alberto Quintanilla hemos tomado muchos vinos tertuliando en su casa cuando llega de París. Él también es muy recto, porque cuando yo le decía: —sí sé de arte–, él me respondía: —Tú no sabes nada–, y qué le voy a decir a una persona que ha conocido a Pablo Picasso en persona y que Picasso le haya dicho a Quintanilla que él es el único aporte de todo Sudamérica. ¡Imagínate! él me dio catedra teórica y todo lo que tenga que ver con conocimiento pictórico.

Gerardo Chávez me habló sobre las muchedumbres, porque él también pinta muchedumbres y procesiones y me orientó sobre el dibujo y el trazo. ¡Qué puedo decir de Venancio Shinki! las veces que lo visité a su taller me habló de los grises y también me mostraba cómo hacía sus pequeños bocetos antes de pasarlos al gran lienzo. También tuve la oportunidad de visitar el taller de Fernando de Szyzslo y realmente fue muy gentil conmigo; hablamos de varios temas y sobre todo del color que logró dominar muy bien.

Las veces que fui a la maravillosa casa de Víctor Delfín él no escatimaba en darme consejos para esculpir. Y la única vez que fui a casa de Ramiro Llona también fue muy simpático y me mostró sus pinturas de inmensos formatos.

Y si te digo de Álvaro Suarez Vértiz que es mi tío (le llamo así de cariño), yo lo quiero muchísimo, aunque ahora está en España. Él siempre me alentó y me dijo: “Tienes talento, pero solo pinta y dibuja todo el tiempo”; Álvaro siempre me ha apoyado y me daba sus chisguetes costosos cuando yo no podía comprarlos; me regalaba otros materiales, me incentivaba y también me contaba las miles de anécdotas que había vivido y me hizo hacer una promesa: –que nunca deje de pintar–. Solo espero que vuelva de España para poder verlo. Yo me siento muy afortunado porque tengo el orgullo y el honor de haber conocido y de haber hecho química con estos grandes maestros; y encima que me hayan enseñado algo de ellos y de sus técnicas. Eso me ha ayudado muchísimo porque he licuado la información de ellos y he mezclado toda esa información literalmente; y eso la vida me lo ha dado, porque no lo aprendes en ningún lado.  

¿Qué harás luego de tu individual Glamour?

Mi muestra individual va a estar tres semanas abierta para el público y están invitados absolutamente todos. Para el cierre haré una clausura gracias al auspicio de vinos Ocucaje que hizo lo mismo en la inauguración. También estoy agradecido con el director de la galería José Antonio por haberme convocado a hacer la primera individual presencial durante la pandemia, porque creo además, que por estas fechas ha sido la primera de Perú. Pronto habrá otra individual mía. Ya estoy empezando a pintar un nuevo proyecto con una nueva temática y ya verán de qué se trata. Solo quiero decirles muchas gracias a todos los que asistieron a la inauguración y a todos los que me apoyan con sus alientos en las redes.

María del Carmen de Reparaz Zamora ha sido designada como la flamante ministra de Cultura del gabinete Flores-Aráoz. Ella vendría a ocupar el cargo de décimo quinta ministra de Cultura desde que la cartera nació en 2010. Ella es la primera ministra del sector elegida en este gobierno interino, si tomamos en cuenta que el régimen del expresidente Martín Vizcarra tuvo siete ministros de Cultura en solo 31 meses. Y si contabilizamos desde el quinquenio 2016 con el ascenso de PPK en la presidencia, con la señora de Reparaz, ya han pasado doce ministros hasta el momento.

La experiencia de la nueva ministra de Cultura es amplia en gestión pública, tal como se lee en su hoja de vida: “Amplia experiencia en planeamiento y desarrollo de actividades vinculadas a los diferentes niveles de gobierno, del sector privado y en el campo internacional, liderando grupos de trabajo en los últimos 13 años en el sector turismo de manera ininterrumpida. En mi última actividad, me desempeñé como Viceministra de Turismo del Ministerio de Comercio Exterior y Turismo (MINCETUR)”.

Dijimos amplía experiencia y evidentemente en estos momentos, como se están dando las cosas en este álgido escenario político, es razonable pensar que el presidente Merino ha optado por profesionales que tengan buena trayectoria en gestión pública; sin embargo, eso no es suficiente para asumir una cartera que aunque parezca hacedera, es más compleja de lo que parece, pues,  cabe mencionar que el ministerio de Cultura tiene adscrito a su institución un Viceministerio de Patrimonio Cultural e Industrias Culturales, un Viceministerio de Interculturalidad, la Biblioteca Nacional de Perú, el Archivo General de la Nación, el Instituto Nacional de Radio y Televisión, y la Academia Mayor de la Lengua Quechua. Entonces, nos preguntamos: ¿la señora De Reparaz conoce algo de Industrias Culturales y de Interculturalidad?  Y la otra pegunta es ¿PromPerú alguna vez ha destacado por defender al Patrimonio Cultural Material?

En efecto, ella fue viceministra de Turismo desde agosto de 2014, a setiembre del 2016 durante el gobierno de Ollanta Humala en la gestión de la ministra de Comercio Exterior y Turismo Magali Silva, y siguió en el cargo durante la gestión del exministro Eduardo Ferreyros en el mandato de PPK.  

Justamente, sobre eso en los medios escritos hace cuatro años, entre ellos en Perú 21, se publicó informes periodísticos que denunciaban la permanencia de varios viceministros del gobierno anterior y que en el gobierno de PPK, de un total de 35 viceministerios en 19 carteras, se ratificaron en sus puestos a 12 viceministros, y el viceministerio de Turismo no fue la excepción, porque mantuvo a los mismos funcionarios del régimen anterior. Y en esa línea, María del Carmen de Reparaz mantuvo su cargo de viceministra. El tema se hizo notorio, a tal punto que se tuvo que abordar en una reunión de Consejo de Ministros con el premier de aquel entonces, Fernando Zavala Lombardi.     

Asimismo, se ha desempeñado durante 11 años en PromPerú (desde 2003 hasta 2014), donde ocupó diferentes posiciones en la Comisión de Promoción del Perú para la Exportación y el Turismo – PromPerú (2003-2011), y también ha sido Directora de Turismo de PromPerú (2011-2014),  y en su hoja de vida menciona que impulsó y promovió el turismo interno, mediante estrategias coordinadas con el sector público y privado además de continuar liderando las estrategias de comercialización y promoción en el exterior que permitieron generar un mayor ingreso de turistas y divisas a nuestro país.

Además, según figura en su hoja, es Miembro del Consejo Consultivo del Museo Pedro de Osma desde mayo 2017 hasta la actualidad. Ella tiene una certificación en Estudios Hispánicos de 1976 a 1977 en la Universidad Complutense de Madrid y es egresada de la Carrera de Historia en 1984 de la PUCP; luego, egresada de la Maestría en Gestión Cultural, Patrimonio y Turismo 2001-2002, y luego fue licenciada en Turismo y Hotelería en 2008 por la Universidad San Martin de Porres.  

Es decir, la señora ministra tiene una amplia trayectoria de muchos años, pero no en el sector Cultura; pues, ella se dedicó todo el tiempo al turismo. Y la cartera de Cultura exige un perfil de ministra que conozca a fondo este sector, dadas las desacertadas y destrozas gestiones que ha sufrido aquel portafolio durante los últimos diez años.

Afrontando un nuevo reto artístico, la cantante chilena Francisca Valenzuela celebrará la fortaleza colectiva e individual a través de una mirada audaz, colorida, emotiva, fuerte y en ocasiones desfachatada, llevando una experiencia inolvidable a los hogares de su público peruano. 

Mañana jueves 12 a las 7 pm el público peruano podrá disfrutar de esta presentación que marca el regreso de la artista a un “escenario”, tras la cancelación de su gira el pasado mes de marzo a causa del Covid19 y después de su impecable y comentada presentación en el Festival de Viña del Mar y su posterior participación en el Festival Vive Latino de México ante más de 10 mil espectadores.

En una presentación muy especial y personal, la cantante, compositora y activista, interpretará “La Fortaleza: En Concierto”. El evento será transmitido vía streaming para todo Latinoamérica y el mundo, repasando en vivo las 14 canciones que componen su más reciente producción, con todo el trabajo escénico, visuales y color que caracteriza a Francisca Valenzuela. El evento será transmitido desde Los Ángeles, California y podrá ser visto desde cualquier parte del mundo.

“En este concierto voy a tocar por primera vez en vivo las 14 canciones que componen mi disco, La Fortaleza, desde un escenario en Los Ángeles, California, con una puesta en escena nueva y diseñada especialmente para este concierto. Es una oportunidad para conectar a la distancia y entregar un show único e irrepetible, quiero mostrar no sólo el disco y sus canciones, también quién soy como artista, con un mensaje de fortaleza, vulnerabilidad y conexión humana, temas que son muy importantes para mí hoy”, adelantó Francisca Valenzuela. 

“En el show habrán momentos de baile, otros más íntimos al piano, tendremos invitados sorpresa que me acompañarán en algunas canciones y además podremos mostrar momentos que en un concierto tradicional no son accesibles para el público como el tras bambalinas”, puntualizó la cantante.

La crisis global no ha sido una razón para que Francisca Valenzuela detenga su trabajo, más bien ha sido una gran motivación para adaptarse rápidamente a las necesidades del momento. Entre varios “lives” desde sus cuentas de redes sociales, hasta un podcast que conduce entrevistando a distintas artistas de Latinoamérica por medio de la plataforma feminista Ruidosa, Francisca ha encontrado el espacio para enviar un mensaje de esperanza y unidad. A pesar de la distancia ha logrado cautivar a sus fans a través del videoclip que da título a este nuevo álbum. El video oficial de la canción “La Fortaleza”, convocó a más de 1.700 seguidores de su música de todo el mundo.

Bajo la co-producción y coordinación de Romero & Campbell Producciones en Chile y Diva Producciones en Perú “La Fortaleza: En concierto” será transmitido el jueves 12 de noviembre en una única transmisión para todo el mundo: 19:00 horas Perú.  La venta de entradas está disponible ingresando a www.franciscavalenzuela.live

Si algo nos deja la poesía mística, es decir, la que va de San Juan de la Cruz pasando por los cantos beodos de Omar Jayam, es pues la elevación de sonido de lo cotidiano en dirección a estados de apertura, de encuentro y epifanía, en el caso particular de Víctor Coral en el poemario Nada de este mundo (Lp5 Editora, 2020, Colección Poesía para descargar) es una  búsqueda parca en los caminos orientales, tanto en la contemplación no dualista como en la sensación de capturar el instante que dejan esos serenos versos.

El autor de Luz de Limbo (Zignos, 2015) o de Antología muy esencial (web Ohcultos, 2011) logra en su nueva producción un trabajo de filtración y simpleza. Mesurados poemas de dos líneas permiten atisbar la inquietud por lo breve y por la necesidad de manifestar en ese relámpago ciertas reflexiones; por ejemplo, el primer tramo del libro se llama Advaita y nos remite directamente a una religión hinduista que persigue un camino de entendimiento sobre la falsedad de la mente y la necesidad de hallarse bajo la frecuencia de la iluminación, que es básicamente entendimiento. Es así que llegamos a versos como:

“Caminamos medio dormidos
con un muro a la diestra
y un abismo a la siniestra
Despertamos cuando el camino se une con la noche.
(Poema El camino)

Este poema es paradigmático para el tono que recorre todo este trabajo: mesura estética y reflexión interior. Casi nada es precisamente eso: no conocer, ignorar, no tener convicciones frente a la realidad en sí misma configurada más allá de nuestro pequeño islote comunicativo. Ese preguntarse uno mismo hace que nos entendamos en el lenguaje; separemos los lenguajes del nuestro propio y, en poemas como “¿Reflejo de reflejo de reflejo = realidad?” cuestionemos su propia ficción:

En sus lunas puedo verme

asomado (asombrado)

a mi ventana empolvada

                           —fe falaz del ego—

No:

reflejo de reflejo de reflejo = yo.

En esa búsqueda entre reflexiones y espejos, entre retazos de estética y sutiles aspavientos metafísicos, el poeta regresa a la orfandad vallejiana, es decir, a Trilce y el nihilismo ontológico que supone: en poemas como “Phobos” se define claramente:

Tengo frío

y los mayores

tal vez no lleguen nunca…

Este regreso a Vallejo es natural en un libro que hace justicia a su título. Vacuidad, desvalijamiento, despojamiento: solo queda el cuerpo, su necesidad física primaria, el regreso a los sentidos. El poeta que antiguamente cantó a Hegel (“En mí y para mí yo vengo/cuando lo real se muestra irreal”) incursiona los poemas con sabores y texturas, en el lenguaje de los platos típicos, en lenguaje gastronómico. Vemos ello en poemas como Tequeños donde la unidad del texto es una toma de conciencia, a partir del alimento, de la situación interna del individuo, lo que confiere al sí mismo ese despertar hacia el cuerpo que los actos del deseo donde no se excluye el entendimiento de la vacuidad según la Escuela de Kioto:

‘Ignoro si los miembros de la Escuela de Kioto

son grandes filósofos o sólo entusiastas del evento;

pero sí puedo decir que son unos

grandísimos poetas

¡Unos hijoepuetas geniales!

(Poema Tequeños)

Para luego reflexionar sobre cada personaje de la reconocida Escuela de Kioto, observamos una irónica respuesta ante la marcha de los sucesos planteados:

Todo esto se me ocurrió

cuando le metí cuchillo

al último tequeño que almorcé esta mañana

Porque esta mañana almorcé temprano

y pedí por delivery

tequeños rellenos con ají de gallina

(Poema Tequeños)

Algunos podrían criticarle a Coral uso de terminologías no poéticas como “ají de gallina” en un poema, es decir, podrá alegar ingenuamente un uso no lírico; sin embargo, consideramos con risible atención la modalidad de seguir clasificando los signos entre poéticos o no cuando, siendo concienzudos,  lo poético yace en el modo de decirlo y no en los términos. Usa la comida no cómo un accesorio sino, por el contrario, como una ruta más de los encuentros entre pensamiento y mundo. Finalmente, tanto el tequeño de ají de gallina que almorzó como el mismo se encuentran,

“¡Estaba relleno de vacío!

—Fíjense cómo lo digo señores:

No ‘estaba vacío’ (fórmula vulgar)

No ‘carecía de relleno’ (ingenua confianza en el lenguaje)

No

Estaba relleno de vacío

(Poema Tequeños)

La mención a este famoso aperitivo se usa pues como contrapunto a la propia subjetividad en dialogo con los pensadores japoneses que iluminaron desde sus cátedras el pensamiento anquilosado en la lógica de Aristóteles, Kant y Hegel para devenir a una exploración del vacío, de no ser, que justamente engarza muy bien con el desafectado proyecto de este libro, justamente llamado, con cierta vacuidad, Casi nada. Casi nada sabemos, casi nada comprendemos, casi nada conocemos. Y sin embargo, se canta ese no saber. Este toque de comprensión me recordó algunos versos de José Watanabe donde la mirada contemplativa se fusiona con el pensamiento más criollo (Consultar poemas de La piedra alada).

Así, explorar Nada de este mundo de Víctor Coral me sumerge de golpe en una mente rigurosa, que usa la poesía lejos de los arcaísmos agotados e impulsa sistemas de contacto, donde la realidad interior se somete a juicios que dan paso a reflexiones e interpretaciones sobre el uno mismo, la poética, la vida, la fugacidad, el diálogo entre los símbolos y sus apariencias.

Finalmente, destaca el poema Curriculum Vitae donde Coral explora una suerte de biografía lírica de trazos delicados y permeables, sin perder la ironía que caracteriza el rigor intelectual de sus versos,

“—Ahora en plena noche

añoro aquella luz tengo los párpados negros y pesados

los sueños la deslumbrante realidad virtual

son sólo visiones borrosas.

(2019- )”

Suma entonces un texto de contenidos fugitivos, atomizados y ágiles donde tanto lo sutil como lo más mundano se dan la mano en un concierto donde la pérdida de los entusiasmos y fulgores juveniles dan entidad a la introspección y la vacuidad. Suma también los ardides eruditos al citar a Guilhem de Poitiers, destacado trovador del siglo XI, uno de los primeros trovadores provenzales que se recuerda, de quien usa un cálido epígrafe, “Farai un vers de dreit nien”, lo que traducido de italiano al español nos dice “haré una canción de la pura nada” imperativo que se ciñe, como se observa, muy afín al título de proyecto.

Se suele pensar coloquialmente que la poesía no sirve para nada, es decir, no tiene funciones ni es necesaria en la sociedad actual. Este pensamiento, aunque utilitarista, nos permite ver la distancia entre público y poetas, como también las posturas de muchos poetas frente a esa mirada. Ello conllevó a dividir ingenuamente los poetas peruanos entre sociales y puros, lo que no permitía ver contrastes. La poética de Coral inserta en esa falaz disyuntiva un proyecto que destaca en lo breve y explorativo, sin negar el cultismo aparente, ni la lucidez última.