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Cine

Cineastas peruanos darán charlas gratuitas para jóvenes de Perú y Latinoamérica

Del 5 al 12 de agosto se llevará a cabo el ciclo de charlas ‘Diálogos RenderLAB: Detrás de la pantalla’.

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Para incentivar a que más jóvenes del Perú y Latinoamérica puedan acceder a una formación audiovisual gratuita y online #RenderLAB, el primer laboratorio virtual de formación de cine para universitarios, reunirá a reconocidos cineastas del país a través de un ciclo de cinco charlas gratuitas llamado Diálogos RenderLAB: Detrás de la pantalla, del 5 al 12 de agosto.

En este ciclo participarán prestigiosos directores y productores como Enid Campos (la Pinki), productora de la película Retablo; Melina León y Carlos Ormeño, de la película Canción sin nombre; Gonzalo Benavente y Carolina Denegri, del documental La revolución y la tierra; Ani Alva,  guionista y directora de la película No me digas Solterona, y Jimy Carhuas, director y productor de animación del proyecto Nuna. Todos compartirán su experiencia cinematográfica desde el guion, producción y dirección de películas independientes, comerciales y de animación.

Quienes deseen asistir pueden inscribirse rellenando este formulario, el cual les permitirá recibir mayor información, materiales de cada una de las charlas y la posibilidad de salir ganadores de sorteos y premios que otorgará RenderLAB.

Al finalizar cada diálogo, los cineastas presentarán un reto a los asistentes, y quienes mejor lo hagan o destaquen ganarán becas de cursos y talleres de la Escuela de Cine y Artes visuales de Lima (EPIC)Crehana, SchoolingFilms Ajayu Festival Internacional de Animación, quienes se han sumado a esta iniciativa impulsada por el Festival de Cine Universitario Render.

Todos los encuentros son gratuitos e inician a las 6 pm (hora de Perú) en cinco fechas que serán transmitidas en vivo a través de la web y el fanpage del Festival de Cine Universitario Render y de la Dirección de Cine y Producción Audiovisual.

El ciclo lo inauguran Melina León y Carlos Ormeño el 5 de agosto con la charla La complicidad creativa, en la que compartirán su experiencia desde el rol de la dirección y asistencia de dirección, respectivamente, en la premiada película Canción sin nombre.

El segundo diálogo, 7 de agosto, lo dará una de las productoras de cine con más experiencia en el Perú, Enid ‘Pinki’ Campos, quien a través de la charla Los caminos para producir ficción compartirá su experiencia produciendo la galardonada película peruana Retablo, la cual ya está disponible en Netflix.

Desde la experiencia de la animación en el Perú, Jimy Carhuas director del proyecto NUNA dará el tercer diálogo, La dirección en la preproducción de animación, el domingo 09 de agosto. El cine documental, también se hace presente a través del cuarto diálogo Dirección y producción documental a cargo de Gonzalo Benavente y Carolina Denegri, cineastas de uno de los documentales más taquilleros del Perú, La revolución y la tierra, el día martes 11 de agosto.

Para cerrar este importante compartir de saberes cinematográficos, Ani Alva Helfer, una de las directoras de cine más joven del y más taquillera en el 2018, por su largometraje, No Me Digas Solterona, será quien nos brindará, el quinto diálogo Del guion a la dirección, el miércoles 12 de agosto.

“Es una alegría, saber que muchos de los jóvenes que postularon a la beca de asesorías personalizadas en junio son provenientes de más de 20 instituciones educativas de diferentes regiones del país y del extranjero. Ahora, quienes no lograron obtener una beca, también podrán tener la oportunidad de aprender, pues cineastas muy reconocidos compartirán sus experiencias con nosotros en #RenderLAB” señaló Miguel Huamán, director del Festival de Cine Universitario Render.

Cabe señalar que estos diálogos se desarrollan en paralelo al laboratorio virtual de formación y asesoría de proyectos de cortometraje universitarios, RenderLAB. 

Este laboratorio realizó una convocatoria en junio, donde postularon más de 50 proyectos a nivel nacional. Solo 5 lograron ser seleccionados y ahora cada proyecto ganador recibirá asesorías personalizadas por Melina León, primera cineasta peruana seleccionada en el Festival de Cannes, Tania Medina, productora general de la película Mapacho y Gonzalo Ladines, director y guionista de la película Como en el Cine (2015).

El RenderLAB es coproducido por Cicuta Audiovisual y Cometa Audiovisual y en colaboración con la Dirección de Cine y Producción Audiovisual UNMSM, asimismo es uno de los proyectos ganadores del Concurso de Proyectos de Gestión Cultural para el Audiovisual 2019, de la DAFO – Ministerio de Cultura, impulsado por jóvenes egresados en la Especialidad de Audiovisuales de la Escuela Profesional de Comunicación Social de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos. 

DESCARGA MATERIALES GRÁFICOS (FOTOS, VIDEOS, ARCHIVO) AQUÍ:

https://drive.google.com/drive/folders/1OZ9Kt5IsWZ7u0F9G1NxVdn-6EUmVIXWb?usp=sharing

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Cine

Estreno de Ganga Narayana (2021), de Mario Castro Cobos

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Mario Castro, realizador y crítico de cine, estrena en Lima Gris (y de manera gratuita) su séptimo largo independiente y experimental en 4 años: su tercer largo en tiempos de pandemia, y el primer largo peruano que se estrena en este año de elecciones generales y del bicentenario con vacunas.

Ganga Narayana, de Mario Castro Cobos (Perú, 2021, 71 min). A través de una cámara inmóvil o en perpetuo movimiento, de voces en off, pantalla en negro o en imágenes mudas o locuaces, la vida, la muerte, el cambio, en una palabra, la transformación, se hacen presentes de manera constante. Ganga Narayana significa, en sánscrito: ‘aguas en movimiento del Ganges’.

Aquí puedes ver Ganga Narayana (2021):

Aquí puedes ver Adentro hay un loro (2020):

Aquí puedes ver Animales perdidos (2020):

Aquí puedes ver Cuaderno de notas (2018), Gracias por la donación (2019), Descartes (2019, en codirección con Carlos Benvenuto) y Agujero (2019):

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Cine

Cine: Arirang, de Kim ki-duk (2011)

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Godard en más de una ocasión señaló que hay dos tipos de cine: el de espectáculo y el de investigación. Me gusta eso. Así que acudí hasta Arirang apostando a que encontraría más de lo segundo que de lo primero; y a decir verdad no estoy muy seguro de lo que me encontré. Bueno, al final sí. Mi curiosidad se mantuvo en una intrigada y prolongada perplejidad. A ratos, también divertida.

El menú: un cineasta precocido. Listo para que lo consumas (‘es un autor’) sin mayor misterio. Kim se asigna tantos papeles: El cineasta recluido – el cineasta en crisis – el cineasta traumado, pues se siente culpable; el cineasta que, por otra parte, se siente traicionado; también, cómo no, el cineasta que repasa su carrera, por lo demás muy exitosa (entonces de qué te quejas, Kim, ya, pero siempre hay un pero, sí pues), el cineasta que deja entrever (pintoresco desdoblamiento, Kim vs. Kim) sus heridas, las recientes y las antiguas, sus debilidades y amarguras. ‘Soy casi un genio pero soy solo humano’.

La cámara espejito espejito qué cineasta más bonito se pasea a lo largo de un camino y ese camino se llama Kim ki-duk. ¡Oh! Esa épica del yo, ¡oh! el heroico esfuerzo de cargar con uno mismo. Eh, pesas. Qué destino. La carga se hace más liviana y amena si la compartes con los demás. ¿Película para tu club de fans? ¿La imposibilidad de dejar de hacer películas se mezcla sin pudor con la autocomplacencia y la autocompasión? Y con amplia locuacidad.

No es el silencio lo que prima, salvo en los primeros minutos, casi mudos (miau). El gato aporta frescura budista. El cliché ‘oriental’ del hombre solitario, la cabaña apartada, la leña, el fuego… Come tu comida, mójate la cara, etc. Imágenes varias y repetitivas de su devenir cotidiano. Qué se saca de esto.  El fabuloso velo de la ficción como que no se descorre mucho. Si ficción es expansión, multiplicación y transformación del yo… fructífera puesta en duda… pero qué tenemos, ah Kim, qué haces haciendo caritas. ¡Por Buda y por Cannes!

A favor: el perdedor solitario prácticamente sin amigos que trabajaba mucho y dormía poco, pero que observaba muchísimo, años después, y premios mediante, se convierte en el orgullo de su nación, aunque sus historias, bien vistas, en realidad sean una crítica a su sociedad y una descripción del caos.

A favor: reniega del sistema, usa una pequeña cámara digital para grabar algo que le es urgente, aborrece la industria, el dinero que solo pone obstáculos a la expresión libre. Mucha gente y toda esa producción cuando lo que necesita es ser humano, ser personal. Se siente nervioso y siente que esta película es su primera vez, su nueva primera vez.    

Kim necesitaba filmar, para él no filmar no era una opción. No importaba la perfección. Entiendo que uno necesita salvarse, y en ocasiones salvarse de uno mismo. La confesión era urgente. Kim se salvó. Eso está bien. Se dio el gustazo de darse en espectáculo, y a la vez dice varias verdades, rompe el pacto corrupto del cine, y yo se lo agradezco, porque da fuerzas a los mejores, que quieren un camino limpio, yo que echaba de menos, como humilde espectador, algún tipo de investigación. Pero al final su pequeño experimento comunica bien su locura y su desgarro… Una película desesperada con una rareza irónica de final feliz.

Película

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Cine

Cuba: Intelectuales y artistas se solidarizan a través del N27 en medio de censuras y encarcelamientos

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En Cuba los artistas e intelectuales viven una situación convulsionada desde mediados de noviembre. Las demandas del Movimiento San Isidro de exigir la libertad del rapero Denis Solís, quien fue condenado a 8 meses en prisión por el presunto delito de “desacato” y de intentar entablar un diálogo de negociación con distintas autoridades se ha visto frustrado. La intervención de la policía para poner fin a la huelga de hambre ha puesto en estado de alerta a artistas e intelectuales en Cuba. A pesar de mediaciones de varias reconocidas personalidades del arte, como el cineasta Fernando Pérez, el diálogo no fluye y la ola de repentinos encarcelamientos para intimidar a personalidades de las artes continúa.

Desde que la policía intervino el edificio donde el Movimiento San Isidro se mantuvo en huelga de hambre por diez días, varias personalidades de vida artística e intelectual cubana han sido arrestadas, entre ellos también Tania Bruguera, Luis Manuel Otero Alcantara y recientemente el editor de la revista de cultura y política El estornudo, Carlos Manuel Álvarez.

Tras ser censurada en abril del 2018, cae en medio de esta coyuntura el estreno de largometraje QUIERO HACER UNA PELÍCULA en la cinemateca de Madrid, ópera prima del cineasta y artista gráfico Yimit Ramírez. Yimit, quien destaca por manejar distintos soportes y técnicas de las artes visuales, combina su eclecticismo con una insolencia juvenil y bruscos quiebres de género entre sus distintas obras, que abarcan el dibujo animado, la animación 3D, la docu-ficción y el trabajo con destacados actores cubanos.

Yimit Ramírez.

La generación censurada se abre camino – Yimit Ramírez estrena online su película #QHUP

Su ópera prima QUIERO HACER UNA PELÍCULA (#QHUP) rompe una vez más esquemas, pues opta por la creación colectiva o coísmo -como lo llama su co-guionista Tony Alonso- al co-escribir junto a Tony y Neisy Alpizar, ambos compañeros de estudios de su generación.

QUIERO HACER UNA PELÍCULA o #QHUP se titula el deseo de hacer cine independiente en Cuba, generando una de las mayores campañas de recaudación de fondos llevadas a cabo para realizar una ópera prima.

El plot es reducido: Tony está fascinado con Neisy durante el concierto de los Rolling Stones en La Habana. Mientras la sigue, decide hacer un documental secreto sobre su vida. Se infiltra en su casa y comienza a grabar su privacidad debajo de la cama. Así, se convierte en testigo de los conflictos generacionales de Neisy con su madre, su bisexualidad y sus formas de ganarse la vida. Sin embargo, el revuelo causado a raíz de la Muestra Joven ICAIC en abril del 2018 ha sido considerable.

Una ópera prima censurada por un mojón

La censura de #QHUP se produjo cuando se intentó presentarla como proyecto en desarrollo en la Muestra Joven ICAIC, principal encuentro de jóvenes talentos del cine cubano. Entonces se le acusó de “irrespetar” a la figura oficial de José Martí a través de una frase del personaje de Tony, cuando se declara a Neisy con las siguientes líneas:

¡José Martí es un mojón, Neisy! … José Martí es un mojón de verdad!  …

– (Risas)

José Martí no se reía, m’ija.

– ¿Cómo sabes éso?

José Martí era maricón.

– Está bien. ¿Y por qué no?

Pero, no lo conocimos. Él vivió en otra época, entiende …

Y no creo en Martí. No soy martiano.

– Mi papá sí.

No, no. Y mi mamá también. Y mi papá.

– ¡A mi me gusta Martí.

¡Pero tú no lo conoces!

– No, pero …

A mi me gustas tú.

Para mi ahora mismo tú eres mi Martí.

Este tierno diálogo entre jóvenes procedentes de estratos sociales distantes y con perspectivas del mundo diferentes fue el motivo de la censura. La lectura aislada de “¡José Martí es un mojón!” omite la reflexión sobre el legado cultural cubano que en términos sencillos engloba QUIERO HACER UNA PELÍCULA.

#QHUP es además una reflexión sobre el cine cubano y su relación con el mundo, tomando Cuba como escenario del espectáculo, sea para personajes de RÁPIDOS Y FURIOSOS o para Barack Obama -quienes ven el mundo desde vehículos blindados-, y de la porno-miseria que escarba en los escombros y exalta la carencia, así como la Cuba del culto del personaje revolucionario pétreo y del pasado, además de la isla como rezago, también en materia de rock. En esa Cuba no parecen tener voz los personajes de Tony, Neisy y Yimit. Por eso mismo necesitan hacer su película, con la ternura y los medios que poseen.

Quien está familiarizado con clásicos del cine cubano, como MEMORIAS DEL SUBDESARROLLO de Tomás Gutiérrez Alea (1968), hallará las referencias en esta ópera prima de Yimit Ramírez: el voyeur Tony que rodeado de arte y un estilo de vida sofisticado comparte rasgos del personaje de Sergio en clásico de 1968. Neisy, que es observada y analizada por el voyeur Sergio, asume el papel de Elena. La mirada por un agujero de llaves en la casa precaria de Neisy nos remite al telescopio de Sergio. El estilo neorrealista de QUIERO HACER UNA PELÍCULA comparte múltiples perspectivas y tomas de MEMORIAS DEL SUBDESARROLLO. Sin embargo, una diferencia entre los personajes es que Tony debe obedecer a un papá que ejerce poder sobre él y sus dispositivos para aprehender el mundo, las cámaras. Tony, similar a un científico o artista, necesita deconstruir símbolos nacionales, pues sólo insultándolos y sobreponiéndose a ellos logra acercarse a la Cuba de Neisy. Neisy, similar a Elena, a su vez quiere transformarse apoderándose de la cámara, cual videobloguera, y enfrentando de manera idealista un mundo nuevo junto a Tony. Es este deseo que conmueve profundamente luego de aguantar casi 100 minutos de encuadres fijos, cámaras movidas, sexo duro, lágrimas, peleas y algo de la Habana Vieja y el Vedado de noche y los lamentos y alegrías del cotidiano cubano.

#QHUP carece y peca, sobre todo del tiempo justo

La obra de Yimit Ramírez se caracteriza por un eclecticismo propio de quien quiere aprender nuevas técnicas y vertirlas en obras. Hay que ver QUIERO HACER UNA PELÍCULA. Por más que por ratos puedan parecer largas algunas escenas, tienen su lugar para abrir el abanico de temas difíciles de abarcar en una ópera prima que se apoya en un clásico pero que establece sus propios retos y limitaciones, como narrar la historia escondido bajo una cama y carecer de permisos y presupuesto para hacer cine a través del ICAIC.

La censura es a la ternura de quien es joven

Los espacios en QUIERO HACER UNA PELÍCULA son pocos y su significado no parece saltar a la vista, pues las ideas creadoras ocurren en lugares poco llamativos. Sin embargo, son éstos los espacios de una generación de artistas y creativos que transitan por lugares como la cocina de Marta María Ramírez, donde se manifiestan las dudas, surgen las nuevas ideas y van tomando forma a través del diálogo y un té.

Robar algo grande, un corazón  

QUIERO HACER UNA PELÍCULA nos seduce, no sólo como obra cinematográfica independiente, con todo lo que le antecede: carteles, debates, caricaturas, una campaña para recaudar fondos en la que no debieron faltar los polos impresos, sino que destaca por cómo asume el legado cultural cubano con frescura e insolencia y por ser indomable el proceso creativo de vanguardia de la presente generación que hoy se solidariza a través del #27N.

QUIERO HACER UNA PELÍCULA la distribuye Vega Alta Films y se puede seguir, comentar y recomendar en https://www.facebook.com/QHUPelicula/

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Cine

Cine: Se cae la máscara de la represión

El filme Red Aninsri (อนินทรีย์แดง) o, de puntillas en el todavía tambaleante muro de Berlín, del director Ratchapoom Boonbunchachoke sitúa el contexto político actual tailandés en un marco histórico desde la Segunda Guerra Mundial.

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Hasta la Segunda Guerra Mundial Tailandia mantuvo una alianza con Japón. Tras la derrota de Japón y el fin de la guerra, Tailandia se realinea, convirtiéndose en aliado de los Estados Unidos durante la Guerra de Vietnam, brindando soporte logístico y experimentando, desde entonces se genera un crecimiento industrial en sectores como la manufactura, el turismo y medios masivos.

Un rey que gobierna desde su residencia en Alemania

Tailandia se conoce por su monarquía constitucional omnipresente y un rey vanidoso que no admite insultos. Lo que se conoce menos es el papel de las Fuerzas Armadas en disminuir el poder de la monarquía a lo largo del siglo XX y reprimir a la población hasta hoy. En lo más álgido de la Guerra Fría, el Ejército era considerado el auténtico poder, apoyado y asesorado por los Estados Unidos. La propaganda estatal reafirmaba la nación única —desprendiéndose del contexto cultural entre Laos y Camboya—, con la religión y la monarquía como símbolos de unidad frente al comunismo, inculcando así a la población que el Ejército era el supuesto garante de todos estos supuestos pilares nacionales. En 1973 y 1976 los militares dispararon contra manifestaciones estudiantiles y perpetraron masacres en el contexto de acciones con la excusa de repeler la “infiltración comunista” y para proteger la soberanía tailandesa.

Rojos o amarillos, los manifestantes no se dan por vencidos

Desde el inicio de la Guerra Fría y hasta la década de 1980, Tailandia permanece como un país políticamente inestable. Durante este período se produce una sucesión de cambios de gobierno a consecuencia de sendos golpes de Estado. Tras superar dicho periodo, el país se configura, a partir del último golpe militar de 1991, como una democracia participativa moderna. Hasta el golpe del 2014.

Ante este fondo histórico las manifestaciones estudiantiles iniciadas en 2019, que motivaron incluso a escolares a salir a las calles en medio de restricciones por pandemia, cobran particular relevancia. Varios líderes de protestas han sido demandados o apresados para intimidarlos y poner fin a las protestas. Sin embargo, los jóvenes siguen saliendo a las calles en Bangkok y otras ciudades de Tailandia. El periodista Pravit Rojanaphruk observa en esta nueva generación un profundo rechazo al culto a la realeza y la militarización de la sociedad, que vendría a ser ya casi ideológica y de sentido común entre la nueva generación. Que el actual rey resida en Alemania sin mostrar interés por el bienestar de sus súbditos reafirma este rechazo, también por el 112, un número que no representa a los bomberos, sino a los rochabuses y el delito de lesa majestad.

El muro de Berlín nunca se derribó, tan sólo se desplazó hacia el este

En este contexto se estrenó este año en el festival de Locarno la película EL ROJO ANINSRI. O, DE PUNTILLAS EN EL TODAVÍA TAMBALEANTE MURO DE BERLÍN de Ratchapoom Boonbunchachoke. Boonbunchachoke consigue condensar lo arriba resumido en una película de género que sigue las convenciones del cine tailandés de la Guerra Fría, donde cada actor es doblado por la voz que se ajusta a su rol. El héroe suena heroico y el villano suena malvado: a Ang, una trabajadora sexual transgénero con una voz bonita y femenina, se le asigna una misión especial como espía encubierta. Se disfraza de hombre cisgénero para entablar una relación romántica con Jit, un estudiante activista beligerante pero idealista con una voz maligna. Ang debe extraer información importante de Jit. Sin embargo, la misión de Ang fracasa al ella enamorarse de Jit. Ang, que se considera apolítico al principio, despierta lentamente para ver el otro mundo donde la gente habla con su verdadera voz.

Hablar con nuestra verdadera voz, es decir lograr articular nuestros pensamientos de manera auténtica, es el motivo central de RED ANINSRI. La historia de amor cursi y el repertorio formal del thriller de agentes —con intercomunicador a lo Ángeles de Charlie— se exagera y se mantiene la clave de parodia hasta el desenlace que nos sitúa en un presente donde la manipulación resulta perfecta y aterradora.

RED ANINSRI acaba de iniciar su recorrido por América Latina a través de Colombia, donde se presentó en los Bogoshorts, estará ojalá tambíen en el Perú pronto.

Trailer: อนินทรีย์แดง, RED ANINSRI. EL ROJO ANINSRI. O, DE PUNTILLAS EN EL TODAVÍA TAMBALEANTE MURO DE BERLÍN 

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Cine

Viernes Literario: Aya Taki por el qosqoruna Federico García

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El “aya taki”, es aquella canción fúnebre que se blande en la despedida del Mundo Andino donde la muerte es apenas otro paso, otro mundo. Se rememora al ser querido en la familia y también se le “canta” en público, como ahora amerita hacerlo con Federico García Hurtado de Mendoza (1937 -2020). Qosqoruna, artista en toda la dimensión de la palabra. El pasado 23 de octubre se nos adelantó y entre otros grandes amautas del Qosqo, ha dejado un gran vacío y a la par un gran legado. Nos acercó al Ande vivo con poesía impresa en su trabajo cinematográfico, y ahí perdura Kuntur Wachana (1977).

Inmortalizó en el séptimo arte a los personajes más manoseados pero menos estudiados de nuestra historia libertaria. “La leyenda de Melgar” (1981) y “Túpac Amaru” (1984) son dos retratos de ello. La veta de su sensibilidad radica en la cosmovisión andina que nos permite conocer en más de 10 películas como “El caso Huayanay”, “El socio de Dios” y “Laulico”. Destacan también las cintas “La manzanita del diablo”, “La yunta brava” y “El forastero”, estas dos últimas realizadas a principios del nuevo milenio. Indesmayable junto a su compañera María del Pilar Roca, ha desarrollado una intensa vida creativa e intelectual donde podemos apuntar los libros, “El paraíso del diablo” (2003), “Pachakuteq: Una aproximación a la cosmovisión Andina” (2004) y “Piel de fuego” (2007).

“Fico amaba el Cusco, amaba su pasado y quería la identidad de su gente, quería a Túpac Amaru, quería que la gente se identificara con él porque era un ser honesto, alguien que teniéndolo todo lo dio todo por cambiar nuestra historia. Fico creía en la independencia del Perú porque consideraba que seguimos siendo una colonia donde se maltrata a nuestros pueblos y el centralismo concentra y decide por el Perú. Fico amaba la libertad, era un libre pensador difícil de encasillar, rompía esquemas y ese es también su aporte a la peruanidad”, nos dice Pilar Roca quien sigue defendiendo su obra, tristemente invisibilizada por el actual Ministerio de Cultura. Al Estado peruano, como él mismo dijera “sólo le debe encierros y persecución”.

Demostrando que nadie es profeta en su tierra, “Kuntur Wachana” se hizo ganadora del Premio de la Federación Internacional de Críticos de Cine en la 10ma edición del Festival Internacional de Cine de Moscú. “Tupac Amaru” fue un éxito de taquilla en 1984 y es considerada en el Festival de Tokio de 1986, como uno de los films más representativos del cine latinoamericano de todos los tiempos. Sus cintas se han exhibido en América, Europa y Asia, donde al presente se les estudia como corresponde en diferentes universidades a las que también fue invitado en calidad de conferencista. Entre los numerosos premios que recibió señalaremos el Premio de la Prensa Internacional en el Festival de Cine de Biarritz y el Premio Saúl Yelín del Comité de Cineastas de América Latina.

Federico García vuelve al Qosqo y vivirá para siempre en su amada Calca, al clamor del Valle Sagrado. El Cusco es la tea donde más fuerte arderá su memoria. Los distintos reconocimientos alrededor del mundo hacen de su obra patrimonio de nuestra cultura que debe ser custodiada como se hace con el patrimonio material e inmaterial. Hablamos de la herencia espiritual de nuestro pueblo. Si un homenaje le debemos, el único camino es asumir nuestra andinidad. Pensar en andino y reconocernos como tal, al lograrlo acogeremos el legado de Fico García. Es necesario también, iniciar una cruzada por el rescate de sus cintas cinematográficas, que entre otras joyas nacionales, deben incluirse en el proceso de aprendizaje de los estudiantes peruanos. 

El Cusco llora a un hijo querido y a poco más de un mes de su partida, le cantaremos como se debe, hoy viernes desde las 4:00 pm, en la Sala Machupicchu del Centro de Convenciones de la Municipalidad Provincial del Cusco.  Todos los que desean ser parte están invitados junto a sus amigos, familia y nuevas generaciones de cusqueños y cusqueñistas.

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Cine

Grupo Chaski sumergido en un conflicto de interés en las Líneas de Apoyo del Ministerio de Cultura

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La Asociación Microcine Chaski Macari fue declarado beneficiario en la Línea 2 de los Apoyos Económicos para la Cultura con el monto de S/ 60 mil soles. Y resulta que uno de los miembros del Comité Independiente de Evaluación que deliberó el fallo de los beneficiarios y/o ganadores, es la señora María Elena Benites Aguirre. Y ¿Quién es la señora Benites Aguirre? es nada menos que responsable y coordinadora de la Red Nacional de Microcines y además es miembro del Consejo Directivo del Grupo Chaski. El detalle es que existe un conflicto de interés, ya que aquella Red de Microcines, también es parte del Proyecto del Grupo Chaski. Aquí el informe.

El 20 de mayo se promulgó el Decreto de Urgencia Nº 058-2020 que “Aprobó mecanismos de amortiguamiento para mitigar los efectos económicos en el sector cultura producidos en el contexto de la emergencia sanitaria por el Covid-19”. En suma, el MEF destinó 50 millones de soles para las áreas de Desarrollo y Promoción de las Artes e Industrias Culturales y Puesta en Valor y uso de patrimonio cultural en el ministerio de Cultura. Para destinar esos 50 millones, el Ministerio de Cultura creó diferentes Línea de Apoyo Económico.

Revisando el portal institucional y observando la Línea 2 de Industrias Culturales correspondiente a Sostenimiento de organizaciones y espacios culturales, encontramos que entre sus beneficiarios está la Asociación Microcine Chaski Macari, con código de solicitud L2-IA-014-20 correspondiente a la región Puno con un monto otorgado de S/ 60,000 soles, y que cuyas actividades son el: Audiovisual y Cinematografía, Cultura Comunitaria. Tal como lo señala la Resolución Ministerial N° 000352-2020-DGIA/MC.

Microcine Chaski Macari beneficiado.

Sin embargo, resulta que esta asociación también es parte del Grupo Chaski Comunicación Audiovisual, ya que éste tiene una Red de Microcines en ocho regiones del Perú, además de Lima. Justamente, en la región Puno la Asociación Microcine Chaski Macarí tiene su sede en el distrito de Ayavirí provincia de Melgar con su centro Cultural llamado Microcine Chaskimac. Es decir, esta asociación es parte del Proyecto del Grupo Chaski, tal como ellos mismos lo detallan en la información de su página web en Facebook.

En la web de Microcine Chaskimac figura en la sección de contacto adicional el enlace www.grupochaski.org que es la página web oficial del Grupo Chaski. Además, en la sección de información adicional, se menciona: “Nos constituimos como un grupo de comunicadores audiovisuales y gestores culturales comprometidos con la promoción del cine como una herramienta para el desarrollo cultural y educativo del país y la región, en el marco del Proyecto: El Grupo Chaski y la Red de Microcines”.

El detalle, es que uno de los cinco jurados que eligieron a los beneficiarios fue la señora María Elena Benites Aguirre, miembro del Consejo Directivo y Responsable de la Red Nacional de Microcines Chaski. En otras palabras, ella ha sido jurado donde uno de los beneficiarios (Asociación Microcine Shaski Macari) forma parte del proyecto donde ella es directiva.  Aquí la Resolución Directorial N°000287-2020-DGIA/MC

Resolución Directorial N°000287-2020-DGIA/MC

En la página web oficial del Grupo Chaski se puede leer: “En noviembre del 2013 es nombrada Presidenta del Consejo directivo y Directora Ejecutiva de Grupo Chaski, siendo parte del Consejo Directivo desde el 2004. Es responsable y coordinadora nacional de la Red Nacional de Microcines”. Es decir, la señora María Elena Benites Aguirre fue juez y parte en la Línea 2 de las Ayudas Covid del Ministerio de Cultura.

Conocemos del importante trabajo del Grupo Chaski, pero este conflicto de interés no debe ocurrir. La transparencia es el elemento principal que se tiene que tener en cuenta cuando está en juego el dinero de todos los peruanos. ¿Por qué el Ministerio de Cultura permite que ocurran estas situaciones?

Dentro de las bases, en el punto seis de las restricciones de participación se lee: “El Ministerio de Cultura podrá verificar que el solicitante no se encuentra inmerso en algún tipo de incompatibilidad que genere conflictos de interés”.

Tal como lo mencionamos en una anterior publicación, es importante que la Contraloría General de la República continúe investigando, no solo el Proceso de Adquisición de Libros, sino, también las diferentes Líneas de Apoyo Económico del Ministerio de Cultura. De la misma forma, sabemos que la Comisión de Cultura y Patrimonio Cultural del Congreso viene revisando varios casos relacionado al MINCUL.

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Cine

Estreno de “Adentro hay un loro” (2020), de Mario Castro Cobos

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Mario Castro, realizador y crítico de cine, estrena en Lima Gris (y de manera gratuita) su sexto largo independiente en 3 años, que es, además, el segundo largo que estrena este año.

Adentro hay un loro: 21 cortes a partir del auto-registro audiovisual de Estado de Encuentro 2014-2020, de Mario Castro Cobos (Perú, 2020, 75 min). Tomando 10 videos de youtube de un total de 206 del canal de Estado de Encuentro se busca una re-creación de la esencia de sus particulares prácticas, o al menos una tentativa de interpretación de las mismas, si no una mutación de su sentido original. 

Aquí puedes ver Adentro hay un loro (2020):

Aquí puedes ver Cuaderno de notas (2018), Gracias por la donación (2019), Descartes (2019) y Agujero (2019), del mismo director.

Aquí puedes ver Animales perdidos (2020):

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HOTEL MONTEREY (1972) de Chantal Akerman

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Una de las primeras obras de Chantal Akerman (Bruselas, 1950 – París, 2015), Hotel Monterey (1972), es un trabajo de exploración y observación meticulosa, que prescinde del sonido, sobre el establecimiento del título, una modesta residencia neoyorquina, refugio de artistas marginales, desheredados, de gente pobre que aún no ha sido arrojada a la calle.

La cámara fija –predominante en la película -, principia la inspección en el vestíbulo del hotel,  mostrando personas registrándose en la recepción, otras esperando, sentadas o de pie, conversando o sólo mirando lo que sucede. Las imágenes propuestas casi son introductorias: prevalece el espacio abarrotado, el tránsito de grupos, el bullicio –que fácilmente se intuye-, todo nos habla de la vivacidad de esos primeros pisos, incluso cuando los planos se hacen desde el ascensor y los rostros de los que viajan se ven incómodos por ir apretados o se fastidian cuando se abren las puertas y tienen que evaluar si caben o no en el cubículo. Luego sobreviene el cambio, desaparecerán las aglomeraciones. La cámara estática filma pasillos solitarios, columnas, la geometría de la arquitectura; la oscuridad de esos corredores, o su penumbra, y los colores de los botones del sube-baja que apenas parecen destellos en la negrura de esos pisos. De esa oscuridad surgen las habitaciones y sus personajes. Un cuarto, una cama ordenada, un durmiente; un hombre mayor sentado en su pieza desordenada, mira tranquilamente; una mujer embarazada vista desde el pasillo; otros cuartos, un baño -¿común?-, extrañamente luminoso. La aparición de estos individuos -y objetos-, enmarcados en sus habitaciones, compuestos como escenas pictóricas, son imágenes investidas de una familiaridad ajena o distante, una quietud, un retraimiento, que podríamos decir teñido también de cierta tristeza y aire de abandono.

Desde el inicio, la composición del encuadre utiliza elementos del ambiente hotelero, diversos bordes como muros, rejas, vigas, marcos de puertas, intervienen en la conformación del plano, lo definen o recortan, enfatizando así su proceso exploratorio, lo reflexiva de su apuesta, su atención a cada objeto frente a la lente, detallista en cada segmento. La posición fija de la cámara postula un tiempo de espera, de observación atenta frente a lo que acontece o pudiera ocurrir. (Aunque de hecho no ocurra demasiado y sea más bien el tiempo transcurrido el que llena todo el plano, el que parece habitar esos espacios largos y profundos o el que inviste a los sujetos compartimentados).

Más adelante la cámara empezará a desplazarse de manera lenta, con movimientos reiterativos. Ya no será sólo la visión de lo que se presenta enfrente –contemplación-, o los personajes en sus pequeños recuadros, sino los explícitos recorridos del espacio. De noche, la cámara avanza hacia el fondo de otro corredor oscuro hasta dar con una ventana. Al llegar, retrocederá hasta cierto punto del corredor y repetirá el acercamiento. De nuevo en la ventana, se enfocará en la calle y en el tránsito que se ve pequeño, distante, aunque sólo será un vistazo. Volverá de día, rehaciendo los pasos hechos, acaso verificando los efectos de la luz natural. A pleno sol, el paisaje ha perdido su misterio. La cámara irá al encuentro, tanteará el terreno e intentará experimentar la mirada de los habitantes de ese inmueble –o quizás del inmueble mismo-, como en esas vistas a través de las ventanas, pero también desde los techos, observando el cielo, otros edificios, las corrientes de agua, la ciudad toda.

La exploración que del edificio y sus habitantes hace la directora produce el significado de unas vidas centradas en la soledad y el desamparo, a pesar del movimiento y alboroto que se ve al inicio, en la recepción del hotel. A medida que el registro se interna por corredores, escaleras, techos, habitaciones, el silencio cobra más sentido –aunque no oigamos nada durante toda la película-; aquellos espacios remarcarán su calidad de tránsito, de refugio, lugar de reposo se diría, en donde sin embargo sus habitantes parecen estar varados y entonces se muestran como aquellos fantasmas perfectamente enmarcados en sus cuartos o como figuras de un pasado que no reconocemos, pero que están allí, abandonados en esos pisos por los que nadie parece circular.  Así, un sentido conexo recorre los planos que se hacen del exterior, cuando se filma lo que ocurre fuera del edificio, paseando una mirada curiosa y al mismo tiempo insegura, resguardada, siempre con la presencia de algún fragmento (de una reja, de un muro, de una esquina) del hotel, apareciendo en su campo visual, como contextualizando la visión, y estableciendo ese contraste entre los que se encuentran adentro y la calle, o el exterior, ese espacio que cambia con la luz, que inspira tranquilidad y confianza una mañana cualquiera o sugiere aventura y peligros en el ajetreo nocturno.

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