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Michael Haneke ‘Caché’ un film provocador

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El film del director austriaco Michael Haneke, “Caché” (2004), nos presenta un thriller de singular performance que deja a algunos confundidos, a otros algo alterados y posiblemente a otros con dudas sobre ¿qué ha querido mostrar el director? La historia se inicia con la toma fija de un hogar de clase acomodada en París, en donde viven Anne (Juliette Binoche) y Georges (Daniel Auteil). Ambos forman una pareja cultivada con un solo hijo, Pierrot (Lester Makedonsky), el cual atraviesa la difícil etapa de la pubertad. 

Según el portal de Internet Wikipedia, la memoria caché se define como una pequeña porción de memoria muy rápida, cuyo objetivo es reducir los estados de espera, y estar a la velocidad del procesador. Es de acceso aleatorio (también conocida como acceso directo) y funciona de una manera similar a como lo hace la memoria principal (RAM). Es decir, la memoria caché es veloz e instantánea y sustituye a la memoria “grande” que se utiliza siempre. Aparece y desaparece a veces sin ser detectada. Algo así le debe suceder a cada uno de nosotros al recordar pasajes de nuestra vida agradables, desagradables, traumáticos o tal vez aquellos que siempre nos persiguen en forma de la “mala conciencia” o del “remordimiento de conciencia”. Nuestra memoria justamente nos recuerda siempre esos momentos que desearíamos olvidar y que nos persigue por doquier. Sin embargo, es imposible; debemos convivir con nuestra memoria caché, queramos o no.

Él es un conocido presentador de un programa literario, ella trabaja en una editorial parisina. Ante dicha apacible tranquilidad, se avecina la tormenta que se inicia justamente con videos de origen anónimo mostrando la casa de la familia permanentemente vigilada y que vienen acompañados de dibujos infantiles con figuras que emanan sangre. La pareja, un tanto alterada, recurre a la policía a denunciar el hecho, sin embargo los gendarmes nada pueden hacer ante la ausencia de daños. Con esto, la incertidumbre y desesperación aumentan.

Las cintas posteriores que recibe la familia ya no muestran únicamente la casa del matrimonio, sino escenas de la casa de los padres de George en el campo, una calle desconocida y un departamento en uno de los típicos edificios en las afueras de París. Con esto, las disputas y recriminaciones entre la pareja aumentan, ofreciendo un clima tenso entre la pareja, donde empiezan a surgir las dudas, los cuestionamientos e incluso algunas manifestaciones de racismo.

Es así como en la memoria de George empiezan a desfilar recuerdos traumáticos de su niñez que le hacen suponer quién está detrás de esos videos, asumiendo que se trata de una venganza. El desenlace del film deja algunas interrogantes y muestra también que sí existe un final para la historia, pero un final que simplemente es un alto a la situación actual; lo que viene, es cuestión de cada uno, lo cual no siempre es lo mejor.

El director Haneke filmó en el año 2001 “La Profesora de Piano”, basada en la obra de su paisana y Premio Nobel de Literatura, Elfriede Jelinek. En dicha cinta, Haneke nos ofrece la tormentosa vida de una profesora de piano y nos muestra también las desconocidas facetas del hombre, víctima de sus laberintos existenciales. En “La profesora…”, la protagonista es incapaz de mostrar sentimientos y solo puede relacionarse con otros a través de la dominación y la opresión. En “Caché” los motivos son distintos: el racismo y la moral.

Al parecer Haneke intenta hacer un llamado a la reflexión y a la toma de conciencia en dos aspectos. Por un lado, cuestiona el poder de los medios y de la tecnología que se inmiscuyen en la vida de los humanos; y por el otro, la cuestión social llevada a contexto que apunta hacia la memoria colectiva. En un país como Francia que tiene actualmente un problema social debido a la gran cantidad de inmigrantes argelinos y otros, procedentes de sus antiguas colonias, se presenta un caldo de cultivo para el levantamiento de las clases menos favorecidas.

Recordemos los disturbios ocasionados por miles de ciudadanos parisinos en las afueras de la capital francesa en el 2005 que produjeron una severa crisis en el país galo. Además, Francia aún no parece procesar el efecto que le produjo el conflicto en los años 60 con su ex colonia, Algeria. Dicho conflicto creó una cierta ambigüedad en la relación con los argelinos. Justamente, uno de los protagonistas de la historia, procede de este país africano.

En el film, Haneke intenta tal vez denunciar un racismo asolapado en una típica familia de tendencia socialista (lo que acá conocemos como la izquierda caviar). En una de las escenas presenciamos el ataque verbal -no muy justificado- hacia un joven negro que muestra rasgos de intolerancia hacia los descendientes de las ex colonias francesas. Las heridas, así como los resentimientos por ambos lados, aún parecen estar abiertos.

Haneke utiliza el suspenso en esta cinta para despertarnos y obligarnos a reflexionar sobre nuestra actitud frente a los otros. El miedo y el trauma se entremezclan ante la incertidumbre de sentirnos vigilados y atacados. Y es que tal vez únicamente podemos tomar conciencia de nuestra conducta ante una amenaza. Mientras todo esté bien, no hay de que temer, ni por qué pensar en nuestra conducta; pero una vez que el orden se quiebra, empiezan los cuestionamientos.

“Caché” es una buena entrega que merece ser vista. Las actuaciones son destacables, y si bien, en algunos momentos se percibe cierta lentitud en el transcurrir del film, su desarrollo mantiene su fuerza como conjunto. Todo final inesperado deja dudas, sin embargo, ¿quién no tiene dudas?

Tal vez no es necesario buscar una explicación ni intentar identificar al autor de las cintas. Quizás nosotros mismos traemos esas escenas a colación en nuestro subconsciente. Es interesante percibir que la calidad y formato de las cintas que recibe la familia parisina, es idéntica a la calidad de la película. ¿No deberían ser distintas? ¿No somos nosotros los que dirigimos nuestra vida?, pero ¿quién dirige nuestra conciencia y nuestros temores?     

ENRIQUE ANGULO PRATOLONGO

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De todas las cosas que se han de saber, de Sofía Velázquez (2021)

Lee la crítica de cine de Mario Castro Cobos.

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El detrás de cámaras es la película. El ensayo es la obra. O en buena parte en ambos casos. No escondas el dispositivo; muéstralo, así es mejor, porque esto es una película, y, a la vez, o por eso: se trata de captar lo que está vivo. Tanto si te lo inventas como si lo descubres (sutil o invisible diferencia, pero existe).

Y qué es lo que importa: pequeños momentos de energía y gracia. (Esto es: no al guión de fierro y no a la maniática ilusión ‘realista’. Vieja desgracia del cine peruano más retrógrado.)

El error, la imperfección, el accidente son aprovechables, son parte integrante del proceso (de la vida y de la obra). O por qué llamarlo error, imperfección, accidente… si es la vida misma. Así que todo esto (o parte de esto) lo verás también en la obra misma. Evidenciarlo es (literalmente) constructivo, además de divertido -y en realidad bastante instructivo; debería hacerse más-.

Se trata, como se dice, de ‘la gente del lugar’ donde nació César Vallejo; gente que, muy animadamente, se presta al juego. Sé que es o que termina siendo un retrato de la gente más que un retrato de Vallejo pero me pregunto quién es Vallejo para ellos (aunque está claro que a algunos sí les importa algo más). ¿Y qué hacen ellos con sus palabras?

“Todo acto o voz genial viene del pueblo y va hacia él” son palabras del poeta que no se citan ni se declaman en la película pero algo de eso está… Con todo, las palabras de Vallejo siguen traspasando el tiempo (ese es su poder) y siguen describiendo vivencias humanas. Rompiendo el lenguaje. Y el pueblo juega con el juguete.

Así, lo que me atrae más es el registro (casi siempre fresco) de las intersecciones de un puñado de habitantes de Santiago de Chuco con algunas palabras —sigo con la duda, qué tan importante será Vallejo para cada uno de ellos, pero también puedo pensar en qué tan importantes fueron para Vallejo personas sencillas como las personas filmadas— de uno de los poetas más extraordinarios del siglo XX. Las palabras habitan estos cuerpos tan distintos, como habitaron el cuerpo del poeta.

Encuentro empatía, naturalidad, un sentido del tacto y la discreción -así como de la fabulación- y aprovechamiento del cine de, entre otros, Eduardo Coutinho y Nicolás Prividera. Y más allá, el cine-encuesta (‘cine-verdad’) practicado por Rouch y Morin en Crónica de un verano (1961).

Y si la película no bucea (digamos, a lo Vallejo), navega de manera ingeniosa y apreciable por su galería de personajes más acá y más allá de Vallejo. ¿Y si el texto era un pretexto? Pero sin pretexto no hay película.

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“Pisahueco” se fue a Portugal

El cortometraje peruano que sigue ganando premios internacionales.

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“PISAHUECO”  (HOLESTEPPER) Es la ópera prima de Sergio Fernández Muñoz (Lima, 1991), que después de haber obtenido 188 premios y nominaciones a nivel internacional, desde su estreno el 2018, un récord absoluto no logrado jamás por ninguna otra producción peruana- se va al Portugal, pero convertido en una serie inicial  de seis capítulos y bautizado con el curioso nombre de “Noob”. Las transmisiones se iniciaron este 15 de noviembre, con un elenco totalmente extranjero.

¿Quién es PISAHUECO?, el productor y bachiller en comunicación Audiovisual de la Universidad de Lima Sergio Fernández, ideó este argumento movido por el enorme atractivo y popularidad que han alcanzado  las plataformas digitales, medios completamente inéditos en décadas pasadas, que nos abrió posibilidades impensadas pero que también puede servir para ser utilizado de manera equívoca.

El famoso bullying, ese acoso que enfrentan los chicos en el colegio por parte de sus compañeros y alguna vez, también de los mismos profesores  porque “se le prendieron,” a un alumno, ha sido revertido y ahora son los docentes quienes lo sufren, pero a través del internet. Este es el caso del profesor “ANGEL”, interpretado de manera magistral por el primer actor Oswaldo Salas.

El argumento, es sencillo: el profesor Angel, que padece de cojera-no se sabe si congénita o producto de un accidente- un día descubre que sus alumnos hacen burla de este defecto y por las redes, lo bautizaron con el término peyorativo de PISAHUECO. Decidido a descubrir a los culpables y darles una lección, se interna por los vericuetos del internet adoptando una actitud que sorprende a sus discípulos, pues de agredido termina en agresor.

Este es el nudo gordiano del cortometraje, porque nos descubre el lado oscuro de la personalidad del personaje que sale a luz a través de la agresión que está sufriendo y nos deja preguntando si quizá sin ese disparador, Angel hubiera seguido siendo el personaje tímido y acomplejado de siempre o bastó accionarlo  para lanzar la bala? Especulaciones que serán resueltas por los cinéfilos.

El elenco está conformado por Oswaldo Salas como el profesor Angel, los adolescentes Paulina Bazán (Francisca), Adrián du Bois (Lorenzo) y Naara Amoretti es María José. Este cortometraje ha sido  nominado con 188 galardones. El actor Salas acumula 57 premios y su retrato convertido en una singular caricatura, sirvió como presentación del corto en un afiche publicitario.

Escogimos solo cinco de estos importantes reconocimientos, para descubrir su enorme gran capacidad actoral:

1.    Ganador del Premio a la Excelencia al Mejor Actor Principal en el Accolade Global Film Competition, USA.

2.    Ganador del Premio al Mejor Actor en el V.i.Z. Film Fest, Bulgaria.

3.    Ganador del Premio Gold al Mejor Actor en Drama en el Best Actor & Directors Award – New York, USA.

4.    Ganador del Premio al Mejor Actor en el Halicarnassus Film Festival, Turquía.

5.    Ganador del Premio al Mejor Actor Principal en Cortometraje en el Lonely Wolf – London International Film Festival, Inglaterra.

¿Cuál es el secreto del éxito de PISAHUECO? La simbiosis entre el guión, la dirección y la actuación impecable del elenco  pues ni siquiera los jóvenes actores pierden el papel, por así decirlo y en la que destaca la de Oswaldo Salas.. Agregado a estos elementos, se suman la escenografía y la música incidental

El PISAHUECO portugués, se ha convertido en el primer cortometraje peruano que tiene una versión extranjera como serie con el nombre de “noob”. Su nuevo director es Carlos Melim y el guión ha sido escrito por el director de PISAHUECO, Sergio Fernández junto con el director y guionista Mateo Krystek, quien fuera asistente de dirección del PISAHUECO peruano, interviniendo también, Carlos Melim. Este nuevo profesor se llama Filisberto y ha sido encarnado por el actor Alexandre Martins.

Noob.

El director Fernández, además de ocuparse de los cortometrajes, trabaja también en Señor Z, una casa productora de comerciales siendo uno de sus directores. Esta diversidad de ocupaciones y los viajes a provincias, no le permitieron dar respuesta a nuestro cuestionario, privándonos de conocer aspectos inéditos de la filmación, los cambios habidos en la serie, como de su carrera y su percepción personal sobre el bullying.

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“Un mundo para Julius”, de Rossana Díaz Costa: Julius no se merecía esto

Lee la crítica de cine de la semana de Mario Castro Cobos.

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Las caricaturas de la novela de Bryce que yo recuerde funcionan porque te dicen que sí, que esta gente es de caricatura. Ese es el descubrimiento. No es que simplemente Bryce quiera que sea así, es que no tiene otro remedio que verlos y mostrarlos así. El humor y la ironía están ahí como un balón de oxígeno, casi como la única opción posible que permite soportar ese mundo. Esa fuerza es también el límite de su visión. La debilidad de Bryce es que no puede ir más allá.

En esta película reflexiones así no importan.

Bryce no puede, como, digamos, Proust, profundizar, o internarse en la selva de las descripciones ‘fenomenológicas’ hasta el punto de hacerlas verdaderas protagonistas, cambiando así el eje o centro de gravedad de la obra. Bryce no puede convertir por ejemplo el examen de una sensación en algo cualitativamente más importante que un personaje.

En Bryce la plena complejidad del pensamiento obtenido directamente del estímulo sensorial (esencial en Proust) no puede ocupar el espacio de una narración como la suya -con todo, tradicional-. Proust percibe y extrae mayores conexiones, mayores relaciones, una red entera, atraviesa largamente la caricatura. Expande la conciencia en direcciones nuevas. Su visión de percepciones y mentalidades individuales y sociales va más allá del campo de la ironía.

En esta película el tratamiento de las caricaturas es diferente a las, digamos, ‘opción Bryce’ y ‘opción Proust’; es por desgracia… de lo más simple. El lugar común es tomado como evidencia de la verdad. No existe ni un atisbo de voluntad de elaboración.

Si entendemos las caricaturas como una realidad en segundo grado, o si quieren, como una realidad degradada, una cierta sonrisa, una sonrisa inteligente (que no se deja enceguecer ni por la tristeza fácil ni por la ternura fácil), una sonrisa antidemagógica que no se someta a la blandura mental de los amplios públicos que necesitan más bien NO ser confirmados en sus prejuicios y descuidadas simplificaciones, generadas, además, por élites interesadas en las consabidas manipulaciones que redunden en su beneficio, es decir en el mantenimiento y profundización de sus privilegios; repito, una sonrisa inteligente conviene, necesariamente, de cara a ese mundo donde todo es de por sí (o tiende a ser, o es, en muy gran medida) fundamentalmente falso.

Se trata de desmontar dicho mundo al ponerlo en escena, no de suspirar por él. Lo hermoso (‘lo hermoso’) de ese mundo debería ser la confirmación cruel de su miseria, más que su inconvincente máscara.

La directora junto a algunos protagonistas de la película. Foto: El Comercio.

Pero al replicar las construcciones mentales vulgares e idiotas de los medios, propias de los más anodinos telefilmes o telelloronas, esta película no ayuda en lo absoluto a entendernos mejor en ningún sentido que sea constructivo (y no me vengan a decir ‘inocentemente’ que es ‘solo entretenimiento’) aunque acaso así se vendan más entradas.

Necesitamos un cine que en verdad explore y no un cine melodramático y de una pieza, colaboracionista del sistema.

¿La tarea del artista no era la de ser guía de la percepción en vez de portavoz del irreflexivo consenso emocional de las mayorías alienadas? En esta película las caricaturas se asumen ‘en serio’, como si no hubiera que hacer nada más con ellas; como si ellas fuesen verdades definitivas firmemente establecidas que solo deben ser transportadas tal cual (tal cual se malentendieron) del libro a la película, y ponerse en escena como estatuas más o menos animadas o desanimadas sobre un altamente dudoso pedestal de ‘cine de calidad’. ¿Por qué ser tan superficial? La nostalgia es inútil si no se transforma uno mismo al transformarla, más allá de la autocomplaccencia acrítica.

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Cine

La película “Presencias siniestras” se estrena a nivel nacional [VIDEO]

Una estudiante de cine realiza una película de terror, el filme es tan violento que algunos mueren de paro cardíaco. Este 25 de noviembre llega a nuestra cartelera la película de terror coreana que está aterrorizado al mundo.

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Esta es la aterradora historia  de una joven directora de películas de terror la cual se encuentra en busca de inspiración para su próximo guion. En esta búsqueda se topa con la película  que se dice es  la más terrorífica jamás hecha y de haber sido hecha  por un fantasma vengativo que terminó  matando a todos los que la realizaron.  

Cualquier persona no resistiría verla  y el que se atreva a verla completa, una maldición o fatalidad recaería sobre este( a) Su búsqueda  la lleva a encontrar a su  director al que se le atribuye el crédito de haberla realizado. El director demuestra estar enloquecido y dispuesto a todo con tal de que esta nunca vuelva a ser exhibida pero ella hace caso omiso. Mientras continúa descubriendo detalles sobre la película,  ella experimentará  fenómenos sin explicación y sintiendo presencias que la acechan. Lo que descubre es una presencia maligna y mortal que no se detendrá ante nada para poseerla a ella y a todo aquel que se atreva a ver la película. 

Varios países de Asia han demostrado ser grandes exportadores de cintas de terror. Su calidad es tal, que inclusive en más de una ocasión la industria cinematográfica estadounidense ha hecho su propia versión de estas historias. 

Hoy por hoy, el  cine de horror coreano y sus series son un referente sin lugar a dudas. Sus atmósferas perturbadoras, sus conceptos de lo que asusta, el cuidado de las imágenes que buscan proyectar, siempre atrapan la imaginación de todos. Ahora toca el turno a PRESENCIAS SINIESTRAS la cual llega a pantallas peruanas este 25 de Noviembre  para deleite de aquellos que  disfrutan las películas de terror.

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Entre esos árboles que he inventado, de Martín Rebaza (2021)

La crítica de cine de la semana de Mario Castro Cobos.

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No resulta usual, en una película peruana, poder contemplar en el apunte del detalle de la cotidianidad, el proceso gradual de descubrimiento de lo que lleva dentro de sí un personaje.

No resulta usual que se logre con algún grado de cuidado y de sutileza, abundando en observaciones y ahorrando en palabras, poblando el cuadro de sugerencias, en vez de obviedades.

Durante varios minutos, pese a acumularse escenas e informaciones sobre la protagonista, ella permanece reacia a una definición, aunque sea rodeada y descrita por la cámara, pues así y todo se mantiene impenetrable, hermética, notablemente inasible. No es posible llegar a ella, y eso despierta aún más la curiosidad.

Pude recordar pensando en este punto a una de las películas más radicales del cine peruano, entre otras cosas, en cuanto a ese negarse a hablar (o no con palabras): Detrás del mar (2005), de Raúl Del Busto.

Hay entonces una espera, un sentido del tiempo para meterse en el personaje, que está lleno de sentido, que se corresponde con la realidad humana, y claro, con la dificultad y hasta imposibilidad de conocer al otro.

La ciudad de Trujillo, mostrada en blanco y negro, y no necesariamente en sus costados más heroicos, es un escenario de apuntes fotográficos, en los que la captación de las apariencias las atraviesa. En las fotos, y en las palabras que acompañan a esas fotos, hay una declaración poética. Y la ciudad es mostrada como una entidad insatisfactoria. Hay una mirada sobre la gente (en la calle) que respetando la distancia consgue proximidad. Y un personaje en especial.

Vemos no-actrices que no exhiben, como cualidad distintiva, una gran belleza física que admirar al segundo, y acaso de manera epidérmica, pero se trata en cambio de no-actrices que están ahí para que apreciemos en ellas, en su encuentro, en sus personajes, conforme se desarrollan, a personalidades interesantes, merecedoras de nuestra atención.

La película mantiene un interesante medio tono; ni una gran alegría, ni una gran tristeza; no carga las tintas con dramatismos, aunque, eso sí, hay una especie de melancólica soledad. Hay que ver qué fotografía el personaje principal. Incluso cuando fotografía a algún personaje hilarante.

En el sentido del humor y de lo sutil Rebaza sigue la línea de Omar Forero.

Entre esos árboles que he inventado proporciona la sensación liberadora de nuevos caminos para el cine peruano.

Película vista en la 7 Semana del Cine Universidad de Lima.

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Chesu mare: Bullying diabólico, de Leonidas Zegarra (2014)

La crítica de cine de la semana de Mario Castro Cobos.

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Críticos, desde ultratumba, o todavía en el más acá, ¿se preguntarán?: ¿y si cometimos un error, o una injusticia, y Zegarra no era… tan idiota como dijimos?

Yo me río CON Zegarra. No me río DE Zegarra. ¿Por qué habría de reírme de él? Y a veces sufro, pues sus películas son (no sufro al reconocerlo) ‘insufribles’. Pero si no tengo corazón para negar que… sus películas son: ¿Cuál es la palabra? (que el lector escoja la que le parezca mejor y llene la línea de puntos ……….), por supuesto, lo que quieran, no hay problema, pero el truco, lo que me interesa, es que son, además de todo lo que se pueda decir contra ellas… algo más.
Y es un algo más que no es poco. Así que presten atención.

Hasta (o sobre todo) su manera de tomarse en serio (si eso es tomarse en serio) ¡y vaya si lo hace! no puede tomarse en serio (si eres serio.) Qué ‘respetabilidad’ podría obtenerse con esta película… Lo haya sabido o no, lo haya reconocido o no, le haya immportado o no, y le sale natural, ¡marca autoral!, es un autor paródico y autoparódico, su sentido del humor (grueso, ¿y por qué no?) es notable, y funciona (no digo que siempre). La burla DE TODO (involuntaria, y no) es grande; y provoca incluso la franca risotada. Un detallito: si no tiene nada que perder (‘pato feo’) goza de una envidiable libertad para hacer lo que se le antoje. Poseído kitsch & trash.

La desnudez con la que el director narciso deseoso de trascender, ser famoso, rico, importante, etc., adicto al autoelogio, desnuda deseos generales, no exclusivos. No es elegante atribuirle y de manera concentrada la estupidez fingiendo que no nos salpica a todos. Qué hace Zegarra al supuestamente contarnos su vida. Nos dice que sí tenía sentido, que él era un elegido, que siguió su vocación, que cumplió su misión, que fue discriminado, que tuvo enemigos, que supo al final imponerse, con la ayuda de Dios, que lo logró, que es alguien, que ha triunfado: esforzado final feliz pese a las vicisitudes.

¿Podemos creerlo? Podemos dudarlo. Pero algo logró. Exasperarnos, divertirnos, zambullirnos en su delirio. El del ego con su presunta grandeza. ¿No es más bien una crítica a toda una ideología, aunque esa no fuera la intención?

En un más allá con respecto al sentido burgués del ridículo, tiene la dignidad para enunciar verdades sobre nuestra propia ridiculez, por otra parte, tan humana. Y permítaseme: lo hace con estilo. Describe (horror) una mentalidad que sus ‘enemigos’ comparten. No importa que no lo reconozcan. Pato feo ha triunfado. Y se ríe DE ustedes, porque fue capaz de expresar un mundo propio, ‘de culto’.

Aquí la película
https://www.imdb.com/video/vi495827993

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Lo importante es amar, de Andrzej Zulawski (1974)

La crítica de cine de la semana de Mario Castro Cobos.

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¿Qué hace a esta película tan dulcemente desoladora y satisfactoria?

El amor como tónico contra el aburrimiento. Y ya. Qué más decir. Los personajes son naturalmente extremos. Que si hacen tic tac será porque son bombas de tiempo. Decía. Los personajes. Son tan simpáticos… porque su pasión está al desnudo. Son vistosos. Se incendian que dan gusto. Son los fuegos artificiales del corazón. Corazón desesperado envenenado. Son dignos de verse. Así sea su miseria.

Y sí… El mito del amor romántico. Pues claro… El dolor de mono que se siente en la jaula monogámica. Y cómo no… El gustazo sadomasoquista (‘al menos padecer es vivir’). Como el amor está torcido -pero bien torcido- hay que torcerlo todavía un poco más. Si no se arregla así, será al menos más trágicamente entretenido. Solo mira y verás.

El espectador puede deleitarse, reencarnando en el adolescente que fue, de principio a fin con este despliegue hermoso de emociones. Digamos que hasta sin ser dañado. Puedes jugar a que podrías ser un poco ellos (mientras dure la película, en una nube de ensueño).

Incluso si eres muy joven y no sabes ni jota de Romy Schneider y te lees en un minuto la entrada de wikipedia sentirás (te apuesto) el fondo documental del asunto, la herida existencial, valorarás mejor la fragilidad digna, estremecida y desarmada de la actriz, de la actriz que hace de actriz, esa desesperación y esa entrega, esas ganas locas de apostarlo todo y hundirse hasta el fondo si es preciso, así que la cosa iba en serio y esta gente no estaba solo jugando…

Esta es una película que te acaricia, te acaricia con sus plumas de pavo real o de faisán demente agitándose en un entorno cómicamente vulgar, tonto y gris. Así, la fauna de excéntricos, de ‘artistas’, la decadencia general, fascina, y mezcla en divina mezcla pesadilla y payasada.

Importan los detalles, a menudo casi diabólicos, ¡las caras! Lo torturado tras lo impasible, los gestos huérfanos o grotescos. El vértigo de los personajes. La película no es nada si no es piel humana expuesta. Y en la piel se trasunta estallido, nervio.

Quién sabe qué es el amor, pero por lo menos para ellos parece importante.

Versión doblada al español
https://ok.ru/video/2622568073809

V. O. con subtítulos en inglés
https://ok.ru/video/1399987899078

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Estreno. 13 = 13, de Mario Castro, Marco Ramos y Christian Frías (2021)

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Mario Castro, realizador y crítico de cine estrena, en Lima Gris, con acceso absolutamente libre, su largo número trece. Quinta codirección. Séptimo largo de 2021.

13 = 13, de Mario Castro, Marco Ramos y Christian Frías (Perú, 2021, 74 min). 13 secciones, cortes, capítulos, episodios o ’relatos’ que pueden considerarse cortos independientes conforman un largo. Diversos climas anímicos refuerzan la impresión de soledad o de enigmática compañía.

Película: https://www.youtube.com/watch?v=CZSZcI8x1Hs

Más películas del mismo director

12. Kyrie eleison, naranjita, (2021, codirección con Christian Frías)

11. Abraza tu zapato (2021)

10. Doda Lingua en Limalandia (2021, codirección con Karla Ramírez y Marco Ramos)

9. Convergencia (2021, codirección con Marco Ramos)

8. De qué mierda estamos hablando (2021)

7. Ganga Narayana (2021):

6. Adentro hay un loro (2020):

5. Animales perdidos (2020):

1. Cuaderno de notas (2018), 2. Gracias por la donación (2019), 3. Descartes (2019, codirección con Carlos Benvenuto) y 4. Agujero (2019):

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