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LA RESURRECCIÓN DE SIXTO

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Que a menudo la realidad sobrepasa a la ficción. Que nadie es profeta en su tierra. Que nadie sabe para quién trabaja. Nunca antes estos tres dichos populares fueron tan ciertos. Nunca antes de descubrir a Sixto Rodríguez, hijo -el sexto- de emigrantes mexicanos proletarios, nacido en los alrededores de Detroit, en 1942.

Siendo él mismo obrero, Sixto siempre se preocupó por cuatro cosas: la música, su educación, vestirse bien y el compromiso social. De la fábrica regresaba a su casa para estudiar música en solitario o iba a la biblioteca a sacar libros que ampliaran su visión del mundo, libros que leía con el mismo fervor con el que asistía a exposiciones y visitaba museos.  En cuanto el mandil proletario quedaba colgado en su armario, Sixto se vestía con gusto, con elegancia, y con ese aspecto de dandy de rostro mexicano y larga cabellera negra participaba en reuniones asociativas donde se analizaban los problemas del barrio, de la ciudad, de la condición obrera. Poco a poco, conforme fue adquiriendo las llaves mágicas de la música, se puso a componer canciones y así añadió a sus múltiples y diversas actividades de hombre comprometido la de trovador que, en cafés y bares populares de su ciudad natal, comunica con un público restringido pero respetuoso.

Un día un famoso productor discográfico descubrió sus canciones. Sixto tenía entonces 27 años y solo había grabado un disco sencillo, I’ll Slip Away, el cual, como anunciando su mala suerte, había sido editado con un error en su nombre. Así, sucesivamente, en 1970 y 1972, se editaron dos álbumes de Rodriguez: ColdFact y ComingFromReality. Eran esos los años en que Bob Dylan empezaba también a existir en el mundo de la música, y el productor de Sixto consideraba que su protegido tenía más talento y futuro que el propio Robert Allen Zimmerman, quien solo le llevaba -le lleva aún- un año. Las cosas no sucedieron, sin embargo, como deberían haber ocurrido si todo en la vida tuviera lógica. Los dos álbumes de Rodriguez (así, sin tilde) se vendieron mal, la leyenda dice que solo seis ejemplares, pero eso debe de ser exageración.  Lo que sí es verdad comprobada es que en ese momento el mismo productor estaba promoviendo a otro cantante y que éste logró imponer uno de sus temas a través de la radio, dejando a Sixto en un segundo plano y pronto lo condenó al olvido. Además, hay que decir que el cantautor Rodriguez se mostraba extremadamente tímido cuando se trataba de defender su música en público y que esa timidez lo llevaba a veces incluso a cantar dándole la espalda a la sala. O sea que al interpretar sus canciones era muy diferente de lo que era en la vida de todos los días: muy amigo de sus amigos proletarios y una persona sumamente activa en lo que concernía a su compromiso social y político.

Pese a su mala suerte inicial en Estados Unidos-nadie es profeta en su tierra, ya lo decíamos-, los dos álbumes de Sixto Rodríguez se editaron en Sudáfrica, Australia y Nueva Zelandia, y lograron allí mayor aceptación que en su país natal, lo cual lo llevó a interrumpir por breves momentos su actividad asalariada de obrerode construcción civil para ir a cantar allí donde de hecho había oídos más dispuestos a escuchar sus composiciones. Sin embargo, ya de regreso en Detroit, Rodriguez se retiró por completo del mundo de la música, retomó su trabajo proletario, prosiguió su propia educación, se dedicó a la política y a ocuparsecon esmero de sus hijas. Y así puso punto final a una carrera artística que recién estaba empezando con enormes dificultades.

Pasaron los años y, sin que él se diera cuenta, sus canciones se habían convertido en verdaderos himnos de quienes en Sudáfrica, siendo blancos, se oponían radicalmente al apartheid. Todo el mundo conocía allá los temas de Rodriguez, la gente los tarareaba y cantaban como llamados a la libertad en un país marcado por la opresión escandalosa de la población negra. Sus discos se habían vendido por cientos de miles de copias, las cuales a su vez habían sido reproducidas en miles de casetes. Se dice que Rodriguez en Sudáfrica era más famoso que los Rolling Stones, y más que Dylan, sin duda. Pero lo increíble de todo esto es que el propio Sixto no tenía ni idea de su celebridad sudafricana. Celebridad que, por cierto, al no saberse ya más nada del cantautor, se convirtió en leyenda o, más bien, en mito trágico, como suelen ser los mitos. Para los sudafricanos Sixto Rodríguez había muerto y, por supuesto, de manera violenta: se decía que durante un concierto sacó un revólver de su chaqueta y se metió un tiro en la sien o en la boca, cada uno tenía su versión. En otras leyendas se hablaba de alcoholismo, de desesperación y, por supuesto, siempre de suicidio. Nada menos. Versiones todas que no tenían nada que ver con la realidad ya que, mientras tanto, Sixto Rodríguez vivía en Detroit cerca de sus hijas, seguía siendo proletario, había hecho estudios superiores de filosofía, seguía leyendo buena literatura y llevaba a su progenitura a visitar exposiciones de grandes artistas. Y en sus momentos de soledad tocaba la guitarra y escribía versos que a veces se transformaban en canciones que sólo él conocía. Esta historia parece increíble pero es así: la realidad sobrepasa a la ficción.

Y ahora me vuelvo hacia mí mismo para decir por qué escribo sobre Sixto Rodriguez: cómo lo descubrí yo. Pues resulta que hace unos meses leí un artículo en el diario parisino Libération sobre un documental que acababa de estrenarse. El personaje del filme me intrigó desde ya y de inmediato fui a ver la película, la cual me cautivó. Resulta que ayer mismo (escribo esto el lunes 25 de febrero) le dieron a Searching for Sugar Man el Oscar al mejor documental, lo cual, al ser una excepción confirma una regla: los premios Oscar, por lo general, poco o nada tienen que  ver con el arte cinematográfico: son premios de la industria, con criterios industriales y objetivos industriales.  No obstante, este no es el caso del excelente documental del realizador sueco Malik Bendjelloul, premiado con anterioridad en el festival Sundance, tanto por el jurado como por el público. Resulta que este cineasta, hasta este momento completamente desconocido, hizo un viaje a Sudáfrica hace unos cinco años y conoció allá a Steve Segerman gran admirador de Rodriguez. Este le contó lo famoso que era el cantautor de origen mexicano y lo extraño de su desaparición, de su supuesto suicidio en público. ¿Estará realmente muerto o es pura leyenda lo que se cuenta?, se preguntó entonces Bendjelloul, y decidió investigar sobre el asunto al alimón con Segeman. Pero… ¿por dónde empezar?, se dijo, y de inmediato se respondió: lo mejor es seguir la huella del dinero, ya que alguien habrá recuperado los derechos por los cientos de miles de discos vendidos. Tanto en Sudáfrica como en Estados Unidos fueron, pues, a interrogar a quienes produjeron en esos dos lugares los álbumes antes mencionados. Al cabo de meses de trabajo de hormiguitas el resultado fue nulo. Nadie sabía nada o nadie quería decir nada sobre lo que sabía. Y quienes se habían llenado los bolsillos con las excelentes ventas de los discos Rodriguez en Sudáfrica (y también en Australia y Nueva Zelandia, pero eso el documental no lo dice) podían seguir durmiendo tranquilos. Luego (todavía no, pero después), se va a saber que el propio cantautor, que ignoraba todo sobre su éxito sudafricano, tampoco había recibido ni un dólar por sus canciones. Ya lo decía antes: nadie sabe para quién trabaja.

Ya Bendjelloul y Segeman estaban a punto de abandonar la investigación, vencidos por la interesada omerta de los productores discográficos, cuando al cineasta se le ocurrió leer con detenimiento las letras de las canciones de Rodriguez. De repente, en una de ellas descubrieron un nombre propio que les intrigó. Un nombre que yo, en este momento, no recuerdo. ¿Y eso qué es?, ¿a qué hace referencia? Se pusieron, pues, a consultar diccionarios, enciclopedias, obras de geografía. Y descubrieron entonces que ese nombre que ahora no recuerdo es el de una zona urbana de los alrededores de Detroit. De Detroit, sí, la ciudad natal de Rodriguez. ¡Eureka!, gritaron entonces como Arquímedes enloquecidos: habían encontrado un indicio, a partir de allí podrían tirar un hilo que los condujera al cantautor para saber si en verdad había muerto, como lo quería el mito, o si estaba vivo en algún lugar del mundo. Buscando pues a Rodriguez el músico y cantante, Bendjelloul y Segeman recurrieron a internet, esa pequeña maravilla de los tiempos modernos, y a través de un mensaje que lanzaron al mundo virtual dieron con un Rodriguez real, o más bien una Rodriguez, porque quien se puso en contacto con ellos era de sexo femenino. ¡Eureka!, debieron gritar aún más fuerte y más locos y Arquímedes que nunca cuando esa Rodriguez les dijo que era hija de otro Rodriguez, un Rodriguez cuyo nombre de pila es Sixto, el cual vivía allí cerca de su casa. Finalmente, habían dado con el paradero del misterioso cantautor desaparecido. Habían descubierto que estaba vivo, bien vivo, que seguía siendo obrero de construcción civil. Habían encontrado a Sixto Rodriguez y derribado así el mito trágico del artista suicida.

A través de las hijas, Bendjelloul y Segeman quisieron acercarse al cantautor-obrero. La tarea no fue fácil porque Sixto no quería saber nada de lo que era para él un pasado ya completamente enterrado.  Las hijas lo persuadieron, terminaron por convencerlo y, finalmente, el cineasta y el admirador lo pudieron encontrar en Detroit. Hablaron con él, intercambiaron ideas, aunque Rodriguez se mostró siempre parco, sin demasiados deseos de que la luz destruyera definitivamente la oscuridad en la que había elegido vivir. Pasaron unos meses, Bendjelloul y Segeman convencieron a un productor para que organizara una gira de Sixto por Sudáfrica. Grandes estadios con capacidad para miles de personas y muy pronto todas las entradas vendidas y un entusiasmo enorme por la gira del músico resucitado. Aunque también incredulidad: algunas personas pensaban que se trataba de una superchería, que se les estaba dando gato por liebre, que ese señor setentón de largos cabellos negros, piel cobriza y rostro mestizo no era ni más ni menos que un usurpador, una mentira. Una mentira más, en verdad. Recién cuando el público, que llenó los estadios, lo escuchó cantar los temas archiconocidos en Sudáfrica de sus únicos álbumes editados, se rindió a la evidencia: Sixto Rodríguez había resucitado. Sin embargo, de regreso a Detroit, cuando le contó a sus amigos y compañeros de trabajo su multitudinaria gira por Sudáfrica, tampoco le creyeron, más bien se pusieron a pensar que al buen Sixto le estaba fallando el coco y se mostraron preocupados, pues, por su salud mental. Felizmente, una de las hijas había grabado videos de los conciertos y al verlos, los amigos y colegas de Rodriguez comenzaron a creerle: su sencillo compañero de todos los días, el esforzado obrero de construcción civil, era en un lugar lejano del mundo una estrella comparable a Elvis Presley.

Desde entonces la vida de Sixto Rodriguez ha cambiado un poco pero no totalmente. Cuando no está de gira por Sudáfrica, Europa o Estados Unidos, vuelve a Detroit y a su trabajo humilde. El dinero ganado, que no parece interesarle mucho personalmente, lo entrega a sus hijas para que mejoren su vida cotidiana. Lo extraño es que la vida de los otros personajes ligados a la resurrección de Sixto se ha transformado más que la del propio resucitado. Segeman, que tenía un restaurante, dejó eso para poner una tienda de discos y lanzarse a la producción musical. Bendjelloul, que era un cineasta sin obra conocida, es ahora un documentalista famoso que  tiene un Oscar en su haber y varios premios más. Y lo que es más increíble aún, una de las hijas de Sixto se casó con un sudafricano y ahora vive entre su país de origen y el de su marido, con el hijo que han tenido juntos. El cantautor, mientras tanto, piensa que quizás podrá elaborar un tercer álbum con los versos y las notas que ha ido acumulando durante las tres décadas en que dejó de ser quien había sido efímeramente.

En donde se estrena Searching for Sugar Man seduce al público como me sedujo a mí en París y a mi amigo el escritor y periodista Luis Aceituno en Guatemala. En París, precisamente, empezó a proyectarse hace ya varias semanas en un humilde circuito de dos pequeñas salas y muy pronto batió el récord de público por sala, de tal forma que hoy puede vérsele en cinco cines. Por el resto de Francia se vienen distribuyendo cincuenta copias y por todas partes el público queda cautivado tanto por el documental (muy bien realizado) como por el propio Sixto Rodriguez. Hace unos días cenaba yo solo en un popular restaurantito oriental cuando llegó a mis oídos la conversación de mis vecinos de mesa. Era una pareja que estaba absolutamente cautivada por la historia de la película y durante todo el tiempo que estuve allí comiendo especulaban y elaboraban teorías para explicar por qué Sixto Rodriguez con sus dos excelentes álbumes fracasó rotundamente en Estados Unidos en los años setenta. Los estadounidenses no podían aceptar a un trovador con cara de mexicano y con ese apellido, Rodriguez, decía ella. ¿Y Joan Baez?, replicaba él, ¿no tiene también un apellido hispánico y es de origen mexicano? E igual se hizo famosa. Lo cual daba lugar a nuevas interrogantes y más especulaciones.  Mientras tanto, ya están anunciados dos nuevos grandes conciertos de Sixto Rodriguez en París y otros  en provincia, y como para los de París las entradas están desde ya agotadas, se ha programado un tercero en otro gran auditorio. Las reediciones de sus dos álbumes de los setenta se han vendido como pan caliente, como también el cedé con la banda musical de Searching for Sugar Man, en la cual se incluyen uno o dos temas inéditos.

Y ahora para terminar, veamos un poco qué dice Sixto Rodríguez sobre el documental que ha hecho su súbita fama, su filosofía de la vida, su visión del mundo de hoy y otras cosas por el estilo. Estos son algunos fragmentos de una entrevista realizada por el semanario francés L’Expressen diciembre de 2012.

“Malik ha hecho un trabajo muy bueno. Fue varias veces a Sudáfrica y vino cuatro veces a Detroit, una vez en febrero. En Un día de la vida de Ivan Denisovitch, Alexandre Soljenitsyne explica que el frío es como Dios: no se le puede ver pero se siente todo el tiempo su presencia. El frío de Detroit es tan intenso como el que describe Soljenitsyne. Es un frío amargo y si alguien logra soportarlo termina haciéndose más fuerte.”

“De los años setenta a ahora las cosas no han cambiado mucho. Seguimos teniendo las mismas dificultades. En Sudáfrica, en el mes de agosto, la policía masacró a mineros huelguista. Este otoño en Irlanda, una mujer murió porque los médicos no quisieron realizar un aborto, intervención que sigue estando prohibida por la ley. Por todas partes, siguen habiendo problemas. En los años setenta el tema de la píldora anticonceptiva y del aborto ya estaba en el centro de los debates. Y hoy el Papa sigue oponiéndose a los anticonceptivos.”

“Sé que pertenezco al siglo pasado, sin embargo me gusta considerarme contemporáneo. Muchos problemas no han sido solucionados. Yo soy un trabajador, un obrero, y en ese medio cuando algo se rompe se analiza qué ha pasado y se trata de repararlo. Desgraciadamente, la mentalidad de nuestra sociedad no puede repararse. Es un problema de los hombres, que dominan el mundo de la política. Creo que si más mujeres tuvieran acceso al poder se podrían por fin cambiar de verdad las cosas. Siempre digo que las mujeres son las depositarias de la cultura, creo que las mujeres son la cultura. Nos hablan todo el tiempo de las amenazas islámicas, pero quién habla de las que se encuentran al interior mismo de la república: los ricos no pagan sus impuestos, las empresas ponen a sus órdenes a miembros del Congreso. El escándalo de Enron es una demostración más de la corrupción. Esas organizaciones saben cómo hacer para que se aprueben leyes que las favorecen. Por ejemplo, en Michigan una capa freática ha sido manipulada para que pueda aprovecharse de ella una multinacional, la cual ahora les vende agua a los habitantes del lugar. Ahora algunos quieren incluso que los hospitales sean fuentes de beneficios. Yo lo que quiero es desmitificar la política. Soy un músico político.”

“Obtener mi maestría de filosofía me costó diez años pues trabajaba y solo después del trabajo podía ir a cursos en la universidad. Cuando se trabaja es difícil educarse. ¿Y qué es lo que aprendí? Siempre las grandes preguntas: ¿existe Dios?, ¿hay varios dioses?, ¿Dios va a volver? Y si volviera, ¿cuál de ellos sería? Según yo, no es posible encontrar respuestas definitivas a estas preguntas. Hay más bien que encontrar una respuesta que corresponda con uno mismo. Kierkegaard habla de una relación personal con Dios. ¿Y yo, creo verdaderamente en Dios? No sé. Pero sí sé que me gusta mucho Hemingway y que él en uno de sus libros le hace decir a uno de los personajes: no creo que haya una verdad sino varias verdades. Cada uno puede encontrar las cosas que lo ayuden a vivir.”

ARTÍCULO PUBLICADO EN LA REVISTA IMPRESA LIMA GRIS N°5

LAS PUEDES DESCARGAR AQUÍ https://www.limagris.com/descarga-la-revista-lima-gris-n5-con-solo-un-click/

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J. Rosas Ribeyro. Escritor, poeta y periodista nacido en Lima, Perú, residente en París, Francia. Salió del Perú deportado por una dictadura militar. Sus obras han sido publicadas en Perú y México principalmente, pero también en España, Estados Unidos, Ecuador, Reino Unido y Francia. Tiene un doctorado de la Escuela de Altos Estudios en Ciencias Sociales de París. Es miembro de la redacción de la revista francesa Espaces Latinos y colaborador de la revista literaria virtual latinoamericana El Hablador. Ha sido periodista y productor de programas culturales en Radio Francia Internacional. Ha realizado traducciones de: Jacques Roubaud, Boris Vian, Blaise Cendrars y otros autores en lengua francesa Libros publicados: Curriculum mortis , París, 1985, Ciudad del infierno, Lima, 1994, País sin nombre, Lima 2011, Todo es aluvión, México, 2012. Contemplaciones (apuntes de un sobreviviente), Lima, 2013.

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Cine

Entrevista a Diego Mezarina sobre el estreno en Chicago de su corto de terror ‘Inspiración’

El thriller psicológico de terror ‘Inspiración’ tiene una duración de 16 minutos y se estrenará el próximo domingo 18 de mayo en el ‘Chicago Horror Film Festival’. Aquí la entrevista con su director.

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Podría ser que se encuentre caminando en una calle solitaria, húmeda, oscura y con algún gato merodeando en los tachos de basura. Porque ninguna película de horror o terror, combina escenarios de casas llenas de luz, una plaza a todo sol con la aparición de un criminal que lo ataque por la espalda sin darle tiempo a reaccionar, a no ser que sea el héroe y pueda noquearlo y salvar su vida.

Esta supuesta escena, es una de las tantas que se han hecho en nombre del llamado Cine de terror. Y no es nada nuevo pues, sus reminiscencias se encuentran en los inicios del cine, cuando a los hermanos Lumière, inventores del séptimo arte, se les ocurrió filmar L´arreviee d´un train a la Cietat, en 1896.

Sin embargo, los verdaderos inicios podrían estar en 1910, con Georges Méliès, responsable del cortometraje La Mansión del Diablo. Pero el verdadero apogeo del cine de terror se dio en los años 30, el que estaba muy influenciado por la literatura gótica de Bram Stoker, Alan Poe, Mary Shelley.

Un festival de espanto

Llegamos al siglo XXI, y los días 16,17 y 18 de mayo, ese público ávido de novedades, podrá divertirse en el ‘Chicago Horror Film Festival’. Este evento, no se ha generado de la noche a la mañana, sino durante un largo proceso de sustos que ya tiene 26 años y hoy es un festival de tres días y participarán cortos y largometrajes de realizadores de todo el mundo.

El Perú, que hace verdaderos milagros para proseguir en la producción cinematográfica, participará en el ‘Chicago Horror Film Festival’, en el estado de Illinois, Estados Unidos, el próximo 18 de mayo, con el cortometraje “Inspiración”, un thriller psicológico de terror. Tiene una duración de 16 minutos y está dirigida por el cineasta Diego Mezarina (uno de los pocos realizadores de este tipo de cine en Perú). Es un productor y realizador audiovisual, graduado en la Universidad de Lima, especializado en Proyectos Cinematográficos (Cortos y Documentales) que tuvieron una exitosa difusión en Europa, Asia y Latinoamérica. Ha participado en numerosos festivales y ahora se encuentra en plena grabación del film “Work in Progress” con su casa realizadora El Diego Producciones EIRL.

La sinopsis puede ser bastante confrontacional, pues se trata de una pareja de asesinos, interpretados por los prestigiosos actores, Oswaldo Salas y la actriz de trayectoria Isabel Verástegui. Además, se cuenta con la participación especial del talentoso actor Víctor Prada.

Pero, ¿es real todo lo que vemos realizar a este par de psicópatas, o es solo una imagen ilusoria de lo que ellos quisieran ser y hacer? En el desenlace final construido perfectamente por Mezarina, nos sorprenderá descubrir que todo no parece ser lo que es. O dicho en otras palabras, nada es lo que parece.

Diego Mezarina, director peruano del corto de terror ‘Inspiración’.

Conversamos con el director Diego Mezarina sobre su trayectoria en el cine, pero especialmente respecto a la realización de “Inspiración”, ¡una proyección que sacude…de miedo!

¿Por qué optó por este género? ¿Fue influenciado por alguno de los célebres directores que apuntan por este tipo de cine?

Mi encuentro con el género del terror se dio desde muy pequeño, allá a fines de los 80’s. En ese tiempo, algunos canales de TV se permitían emitir cintas como “Pesadilla en Elm Street” o “Viernes 13” (sin censura).

Más allá del contenido visceral o extremo, lo que más me intrigó fue el proceso de elaboración. Es decir, ¿cómo lograron filmar algo así? Los efectos especiales, el maquillaje FX, los planos de persecución, el manejo de cámara.

Ya a mis 10 años, me convertí en un asiduo cliente del “Video Rent” (VHS) de mi barrio. Cada fin de semana, tenía en mi casa la infaltable Maratón del Terror, con títulos como: “La Última Casa a la Izquierda” (Wes Craven), “Bad Taste” (Peter Jackson), “La Noche de los Muertos Vivientes” (George A. Romero) o “La Masacre de Texas” (Tobe Hooper).

No obstante, un director que cautivó mi atención fue sin dudas Alfred Hitchcock, del cual no supe sino hasta recién entrados los años 90’s, cuando un canal local emitió durante varias semanas lo mejor de su filmografía: “Psicosis”, “Vértigo”, “Los Pájaros”, “La Ventana Indiscreta”.

A diferencia del horror explícito al cual ya estaba acostumbrado, fue esta cuota de intriga y suspenso la que me inspiró a escribir mis propios relatos. Historias simples pero muy sanguinolentas. Un muy rudimentario híbrido entre guion e historieta. No obstante, fue este primer acercamiento hacia lo literario lo que marcó mi vocación hacia el Séptimo Arte.

¿Desde cuándo lo realiza? ¿Y siempre de manera individual o con alguna coproducción?

Era el año 2000, ni bien ingresé a la Facultad de Comunicaciones (U. de Lima), ya tenía como objetivo principal el filmar cortos de terror y suspenso.

No fue sencillo, había 5 grupos por salón y cada grupo era de 5 o 6 estudiantes. Todos con la intención de hacer su propia historia. Sin embargo, ya contaba yo con decenas de mini guiones bajo el brazo (Storyboard incluido), lo cual me otorgó una ventaja estratégica por sobre mis compañeros.

En ese sentido, agradezco mucho a mis profesores de la facultad, por siempre apoyar cada una de mis iniciativas, sin que hubiera algún tipo de reparo o censura en el proceso.

Ya egresado, mi primer corto profesional fue filmado a inicios del año 2004 (“Una Noche Distinta”). Sin duda, una experiencia fascinante y a la vez un tanto intimidante, tomando en cuenta que ya no contaba con el apoyo logístico de la Universidad. Me tomó 5 días de filmación y dos semanas de edición.

Hasta la fecha, cada una de mis producciones ha sido hecha de manera independiente. Sin ninguna coproducción de por medio. Aunque siempre he sabido ingeniármelas para juntar un excelente equipo técnico y artístico. Un grupo humano talentoso y de encomiable compromiso.

¿Cuántas películas de horror tiene en su haber? ¿Y las hizo solo en Perú?

Hasta la fecha, llevo realizados 8 cortometrajes. Siete de ellos, referidos al género de Terror, Thriller y/o Suspenso. Cada uno de estos trabajos ha tenido una destacada participación en diversos festivales de Latinoamérica, Europa, e incluso Asia.

Entre los certámenes en los cuales mis cortos han sido seleccionados se pueden mencionar:

Buenos Aires Rojo Sangre (BARS) (Argentina), Weekend of Fear (Alemania), Maratón de Sants (España), Sadique Master Festival (París), Rising Sun Fest” (Japón), Weekend Horror Awards (España), Srpskog Filma Fantastike (Serbia), Bogotá Horror Film Festival (Colombia), Santiago Horror (Chile), Cine Inusual (Argentina), INSÓLITO (Perú), entre otros.

Es recién con mi primer proyecto de largometraje (“Work in Progress”) que he tenido la oportunidad de grabar en algunas ciudades de Europa (París, Roma, Turín, Ámsterdam y Barcelona). Aunque no con toda la parafernalia hollywoodiense (cámara de lujo y personal incluido).  Más bien, muy a mi estilo independiente: con algunos amigos actores, un celular de buena resolución y mi aporte como hombre orquesta (dirección, cámara, producción, sonido, etc).

Actualmente, estoy más que orgulloso, ante la reciente selección de mi corto “INSPIRACIÓN” (2025) en el “Chicago Horror Film Festival”. Un prestigioso certamen, ubicado dentro del top ten mundial de cine del género. El estreno mundial de nuestro corto, está fijado para el domingo 18 de mayo en The Logan Theatre (Chicago, Illinois, USA), en horario estelar.

¿Es fácil realizar este género? ¿Hay actores dispuestos a encarnar esos complejos papeles? ¿El Perú se presta como mercado?

Considero que cada género presenta su propia dificultad. Todo depende estrictamente del guion; del relato que se pretenda plasmar en imagen y sonido. Incluso hoy en día, algunos todavía menosprecian al terror y sus distintas variantes (thriller, gore, slasher, etc), catalogándolo como meramente morboso y de bajas cualidades creativas. Nada más alejado de la realidad.

En lo que respecta a mi experiencia, puedo asegurar que toda la logística involucrada en la realización de un film de terror, thriller o suspenso representa un enorme reto. Claro está, hay una diferencia entre grabar a 2 personajes charlando en una habitación, a realizar una sangrienta secuencia de persecución en medio de la calle, con media docena de actores (con machetes de por medio) y todo un equipo técnico por detrás.

No obstante, no está mal el pecar de ambicioso. Nuestra profesión nos permite ese factor de ímpetu y rebeldía. Claro está, siempre sustentado en una sólida propuesta argumental. Como ya dije, el guion es la clave, el núcleo vital.

Curiosamente, el reclutar actores para filmes asociados a este género no me ha resultado para nada difícil. Ya sean estos, el cruel antagónico o la indefensa víctima, al parecer, el actor lo ve como un simpático reto (muy alejado de su zona de confort).

En cuanto al mercado de cine. Si bien, luego del éxito de la cinta “Cementerio General” (2013) de Dorian Fernández, se dio un breve periodo de auge asociado al cine de terror. Las cintas producidas por aquel entonces no supieron captar el interés del público. Historias poco inspiradas, clichés y para nada entretenidas, terminaron por hartar y generar rechazo en la audiencia. Considero que aquí se perdió una gran oportunidad.

No obstante, a nivel mundial, el terror se ha visto revitalizado con muy interesantes propuestas de corte extremo, tales como “La Sustancia” (2024) de Coralie Fargeat, o la trilogía de “Terrifier” de Damien Leone. Ya queda en manos de nosotros, los realizadores locales, el ver si estamos a la altura de este nuevo desafío. Este es el momento ideal para la producción de buenas cintas de terror (con énfasis en “buenas” … no mediocres).

¿Qué significa Inspiración? ¿Se basa en crónicas policiales o simplemente es producto de su ingenio?

El corto “Inspiración” es enteramente un relato original, de mi propia autoría. No apela a ninguna referencia periodística, crónica policial u obra literaria. Básicamente la trama se centra en 2 personajes: Un caballero implacable y una dama letal. Un duelo de voluntades, traducido en una insana competencia, con muchas víctimas de por medio.

La ficción como tal, es tan solo una excusa. Nada es lo que parece. La violencia es el vehículo para un fin mucho más elevado. Uno que se resume en el título mismo del corto: “Inspiración”, aquella que nos hace trascender como artistas. Tal vez encuentres mi respuesta un tanto, encriptada, pero dado que mi corto se encuentra aún en pleno recorrido festivalero, no considero prudente spoilearla.

¿Cómo fue el proceso de este cortometraje? ¿Resultó muy costoso? Refiérame alguna anécdota.

En lo que respecta al corto, fueron un total de 10 jornadas (módulos) de grabación, divididas en un período de 11 meses. La edición, colorización y post de sonido tomó 3 meses más. Sin duda, fue una laboriosa odisea que superó el año.

Por tal motivo, la inversión para el corto fue de carácter moderado. Factor clave para cualquier realizador independiente. No obstante, un dato importante para los jóvenes directores, es el contar con una sólida carpeta que resuma el proyecto y lo venda de modo efectivo y contundente tanto a artistas, como técnicos.

Oswaldo Salas e Isabel Verastegui (los protagonistas) fueron de los primeros en unirse a esta gran aventura. De inmediato, supe con seguridad que habíamos empezado con muy buen pie. Tiempo después se nos unió Víctor Prada (nuestro 1er actor nacional), completando así un elenco de lujo. Mención especial para Julio Vidal (dirección de fotografía y cámara), Andrés Juscamaita (dirección de arte y efectos en maquillaje FX), Neto Ankalli (diseño & mezcla de sonido y musicalización) y Ronald Ruiz (colorización y post).

¿Una anécdota?… Recuerdo que, en la última jornada de filmación, estábamos a mitad de una secuencia de corte musical: con danza incluida, crímenes viscerales y un enfermizo toque de humor negro. Las tomas se estaban realizando en el jardín interior de mi casa. Casi a mitad del rodaje, se podían ver a varios vecinos ubicados en sus terrazas o azoteas, observando con curiosidad (y una ligera pisca de espanto). Fue un espectáculo muy jocoso para todos en el equipo. Por fortuna, esto no distrajo a los actores.

¿“Work in Progress” se centra en el mismo tema?

En parte sí. Esto, en cuanto a jugar con la “4ta pared” y crear cierta ambigüedad entre la realidad y la ficción. Límites que son transgredidos con completa impunidad.

Ante todo, “Work in Progress” es una cinta vinculada al género mockumentary (falso documental). Básicamente, es la “autobiografía” del director Fede Vega. Un director obsesionado con el cine Gore (Terror) y con muchos demonios a cuestas.

Apelando a material de archivo (found footage) y grabaciones con celulares, el relato nos presenta diversas facetas en la vida de Fede, cuyo objetivo central en la cinta es el poder filmar su gran “obra maestra” y hacerse de un nombre en el circuito de cine mundial, a como dé lugar y sin importarle las consecuencias.

Dato curioso: esta cinta es mi primera experiencia formal como actor. Y es que soy yo quien personifica a Fede Vega (el director atormentado). Entre algunos colegas y amigos, bromeamos respecto a qué tan ficcional es el relato y si este no es acaso algún un tipo de catarsis, respecto a todas mis vivencias en el campo del cine y la dirección. Digamos que aquel componente de duda y ambigüedad es lo que más habrá de destacar a “Work in Progress” por sobre otras propuestas.

Tenemos ya un primer corte del film, el cual tiene un estreno garantizado en un destacado festival de cine de terror en París. El avant premiere está fijado para marzo del 2026. Asimismo, se planea inscribir la película en diversos certámenes internacionales, tales como “Sitges”, “Rotterdam”, “Chicago Horror Film Festival”, “Scream Fest”, “BARS” entre otros.

¿Cuándo se proyectará el corto “Inspiración” en Perú?

Dado que estamos aún, en pleno recorrido festivalero (con múltiples inscripciones), debemos aguardar la respuesta de varios festivales internacionales. Una vez concluida esta “primera etapa” de envíos se procederá a evaluar opciones de estreno en festivales locales.

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Cine

Murió el actor Val Kilmer

La estrella de Hollywood que interpretó soberbios papeles en las películas Top Gun, Heat, Batman Forever y The Doors, y quien le rompió el corazón a la cantante Cher, vio menoscabada su salud y padeció un cáncer de garganta que le hizo perder la voz. Val Kilmer falleció rodeado de su familia y amigos.

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Durante la madrugada de este martes 1 de abril, murió por causa de una neumonía, Val Kilmer, actor estadounidense de 65 años de edad. La noticia fue confirmada por su hija Mercedes Kilmer en un comunicado difundido a medios estadounidenses.

Ovacionado por sus soberbias actuaciones en películas como Top Gun, Heat, Batman Forever y The Doors, Kilmer ha dejado sin aliento a los amantes del cine.

Como se recuerda, el actor fue diagnosticado con cáncer de garganta en 2014, enfermedad que le hizo perder la voz, pero de la que más tarde se recuperó.

Kilmer cobró gran notoriedad mundial en 1986, cuando dio vida al intrépido piloto Tom “Iceman” Kazansky en la película Top Gun, erigido como el principal rival de Maverick, el díscolo personaje interpretado por Tom Cruise.

Luego de encarnar a Jim Morrison, Val Kilmer requirió terapia

Una de las interpretaciones más memorables en la carrera de Val Kilmer fue su papel de Jim Morrison en la película The Doors (1991) de Oliver Stone.

“Ya poseía una voz similar a la de Morrison”, reporta Far Out Magazine, pero Kilmer “gastó varios miles de dólares para prepararse para el papel”, incluyendo perder una cantidad significativa de peso y ensayar música de The Doors todos los días en su casa, al norte de Santa Fe. El actor aprendió medio centenar de canciones del Rey Lagarto de memoria, 15 de las cuales interpretó en vivo para la película, y no necesitaron doblarlas con la voz del artista original.

La interpretación de Kilmer fue excepcional. Sin embargo, luego tuvo que recurrir a terapia psicológica después del rodaje porque no podía sacudirse de su personaje. Necesitaba ayuda extra para volver a su vida normal.

Tras conocerse la noticia de su fallecimiento, figuras de la industria cinematográfica expresaron su pesar y rindieron homenaje al legado de Kilmer. Por su parte, el director Michael Mann, quien trabajó con Kilmer en ‘Heat’, remarcó su capacidad para encarnar personajes con una intensidad única. “Siempre me maravilló su rango y la brillante variabilidad dentro de su poderosa expresión como actor”, comentó Mann al medio The Hollywood Reporter.

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Cine

El ganador del Óscar, Gene Hackman, su esposa y su perro aparecieron sin vida

El legendario actor, escritor y pintor de 95 años, Gene Hackman, y su esposa la pianista clásica Betsy Arakawa de 63 años perdieron la vida en su casa de Nuevo México.

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Eugene Allen Hackman, más conocido como Gene Hackman, actor de 95 años que participó en más de un centenar de películas y que gracias a una prolífica carrera cinematográfica se hizo acreedor de dos premios Oscar, fue hallado muerto, junto a su mujer, la pianista Betsy Arakawa, de 63 años, y al perro de ambos, esta madrugada en su casa en Santa Fe, en Nuevo México, según confirmó la oficina del sheriff del condado local.

El actor ganador de dos premios Óscar junto a su esposa Betsy Arakawa.

Aún no se confirma las causas de su fallecimiento, aunque no se deduce que haya sido un acto delincuencial, sostuvo la portavoz de la oficina del sheriff del condado de Santa Fe, Denise Womack-Ávila.

Cómo olvidar los innumerables papeles que interpretó Hackman quien además de hacerse acreedor de dos premios Óscar, también ganó cuatro Globos de Oro, y dos Premios Bafta. Sin embargo, cautivó con su personaje del reverendo Frank Scott, un líder fraterno y generoso que salvó a casi toda la tripulación de un trasatlántico, en la icónica cinta ‘La Aventura del Poseidón’ (1972).

Gene Hackman con Shelley Winter en ‘La Aventura del Poseidón’.

Asimismo, su rol del irreverente villano Lex Luthor en la saga de películas de “Superman” de los años 70 y 80, lo convirtieron en un icono del cine. 

Según la opinión de Elizabeth, la segunda hija del famoso actor, lo que habría causado la muerte de su padre y su mujer, sería la inhalación de gases tóxicos; sin embargo, aún no se ha informado oficialmente las causas del deceso.  

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Cine

El segundo acto, de Quentin Dupieux (2024)

Lee la columna de Mario Castro Cobos

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Las comedias son (sirven)… para estar o para ser ligero, o como se dice -expresión un tanto desagradable, o completamente desagradable- ‘para no pensar´. La voz nihilista – conformista dice: para qué pensar, si nada, a estas alturas, tiene ya ninguna solución. O las comedias pueden usarse para que, sin pensarlo, uno se vea obligado, o estimulado, a pensar (esto es, la idea de que pensar es verse forzado a hacerlo). O sea que pensar, según cómo se endulce o adorne o con qué se mezcle, puede no ser tan desagradable. ¿Es que ya no hay gusto por el pensamiento?

Ya ven. Ideas más o menos idiotas de lo que es una comedia, o de lo que son las películas. Cómicas o no. Y qué es una película. Por qué necesitamos películas. Ya que, si es todo una farsa, una ficción, un fingimiento, qué hay que hacer. Abandonar, sí, abandonar la ficción. Y para siempre. Y con sublime alegría. Como quien se libera de un hechizo. De una enfermedad. De una cobardía. De una droga. De una maldición. Como intenta uno de los personajes en la película, un personaje que actúa de actor y que en ese momento actúa de un actor que ya no quiere ser actor. Claro: y cuándo cualquiera deja de actuar… Actor: ser totalmente banal que le da la espalda a la sagrada y grave, urgente y trágica realidad. Pero, un momento. ¿Se puede? ¿Están las líneas divisorias tan claras? Es decir: cuál es la relación de las películas con lo que llamamos ‘lo real’.

En El segundo acto se explicita lo que suele callarse. El espectáculo, el entretenimiento, ocultan el vacío, el vértigo. Es e chiste de la cebolla: capa tras capa… y no hay centro, no hay nada. ¿Por qué razón tanta gente dedica su vida a esto, de un lado y del otro? O no hay razón alguna para la ficción. O la razón es la diversión. Y si incluye la crítica… Uy, la gente quiere soñar, escapar de su triste realidad tan insuficiente. ¿Pero están seguros de cuál es su realidad? El arte, el sueño, la imaginación, la ficción, pone en duda lo que abrazamos, ingenuos o desesperados, como lo real. La jocosa, tonta, astuta, constante desestabilización en la que nos mete El segundo acto, nos reconecta con la complejidad.

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Cine

A los 78 años de edad fallece el destacado cineasta David Lynch [VIDEO]

Director realizó películas de culto como “Mulholland Drive” o “Blue Velvet”, o la surrealista serie para televisión “Twin Peaks”.

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Cuando tenemos que hablar de leyendas del cine, aquellos directores que pueden plasmar en una filmación de aproximadamente dos horas toda su magnífica imaginación, es imposible dejar de mencionar al cineasta norteamericano David Lynch, quien lamentablemente falleciera producto de una severa enfermedad que lo tuvo varios meses postrado.

“Nosotros, su familia, anunciamos con tristeza honda el fallecimiento del hombre y artista David Lynch», compartieron sus familiares por la tarde en un mensaje en Facebook. «Hay un gran agujero en el mundo ahora, cuando ya no está entre nosotros. Pero como él decía: ‘Mantén la mirada en el donut, no en el agujero’”.

Sus familiares más cercanos no brindaron mayores detalles sobre su partida, sin embargo, en agosto del año pasado, el propio director anunciaba que padecía de un enfisema pulmonar producto de décadas de consumo de tabaco.

“He disfrutado mucho del cigarrillo”, escribió el director de vanguardia, “pero tengo que pagar un precio por eso que disfruté. Y el precio es un enfisema”. “Apenas puedo cruzar la habitación”, reconoció en noviembre del año pasado”, agregando “es como si caminara con una bolsa de plástico atada a la cabeza”, confesó para la revista People.

fuente: el universal.

Lynch comenzó su carrera como pintor antes de incursionar en el cine, con cortometrajes animados y de acción real. Su primer largometraje, Eraserhead (1977), se convirtió en un clásico de culto en el circuito de proyecciones de medianoche. Esta obra, realizada durante cinco años, llamó la atención de Mel Brooks, quien contrató a Lynch para dirigir The Elephant Man (1980). Este drama sobre John Merrick, un hombre deformado que vivió en la Inglaterra victoriana, recibió ocho nominaciones a los Premios Óscar, incluyendo mejor director para Lynch.

A pesar de este éxito, su carrera tuvo altibajos. En 1984 dirigió Dune, una adaptación del clásico de ciencia ficción de Frank Herbert que fue un fracaso comercial y crítico. Sin embargo, Lynch se recuperó con Blue Velvet (1986), un relato inquietante sobre el lado oscuro de una pequeña ciudad estadounidense, y con Wild at Heart (1990), que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

Oscura y aclamada serie «Twin Peaks». Foto: ABC.

En televisión, Lynch revolucionó la narrativa con Twin Peaks (1990), creada junto a Mark Frost. La serie, que seguía la investigación del asesinato de la estudiante Laura Palmer, introdujo temas tabúes y elementos sobrenaturales en la televisión de horario estelar, obteniendo 14 nominaciones a los Premios Emmy en su primera temporada. Aunque perdió audiencia en su segundo año, Twin Peaks mantuvo un culto de seguidores que impulsó una película precuela (Twin Peaks: Fire Walk With Me, 1992) y un renacimiento en 2017 con una tercera temporada en Showtime.

Entre sus otras obras destacadas se encuentran Lost Highway (1997), The Straight Story (1999) y Mulholland Drive (2001), esta última considerada una de sus películas más aclamadas y por la que recibió una nominación al Óscar como mejor director.

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Cine

Colin Farrell recibe el premio al mejor actor en los Globos de Oro 2025 por su interpretación del “Pingüino” [VIDEO]

Magistral caracterización de personaje de ficción le hizo merecedor a su tercer Globo de Oro al actor irlandés.

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Merecidísimo. La 82 edición de los Globos de Oro se celebró anoche en el Beverly Hilton de Los Ángeles y nos dejó un palmarés muy repartido tanto en las categorías de series como en las de películas. Uno de los ganadores de la noche fue Colin Farrell, que se reencontró con el galardón por tercera vez en su carrera.

El irlandés de 48 años se llevó el premio a Mejor Actor en la categoría de Series, compartiendo nominación junto a otros grandes profesionales como Richard Gadd (Mi reno de peluche), Andrew Scott (Ripley) o Ewan McGregor (Un caballero en Moscú), aunque fue él quien venció por su interpretación en El Pingüino.

Cabe destacar que es el tercer Globo de Oro que se lleva Farrell a lo largo de su carrera como actor. Los dos anteriores los consiguió en la categoría de mejor actor principal en comedia o musical, primero por Escondidos en Brujas (2009) y tiempo después por Almas en pena de Inisherin (2023).

Semanas atrás, el actor había expresado públicamente el cansancio que sentía tras la cantidad de horas que había pasado en la sala de maquillaje para conseguir la caracterización del Pingüino. «Me quedan prótesis para rato», bromeó sobre todo el tiempo que pasó cada día de rodaje y lo que le espera si sigue interpretando al villano en el futuro, algo que es bastante probable.

El intérprete irlandés agradeció a todos sus compañeros de equipo y las personas responsables de la serie. Incluso tuvo unas palabras para Carolina, una mujer que mantuvo a todo el reparto hidratado y cálido en las noches frías de rodaje en Nueva York. Por supuesto, elogió a Matt Reeves como productor ejecutivo, a la showrunner Lauren LeFranc y al resto de nominados.

fuente: max latinoamerica.

Farrell supo encarnar notablemente al Pingüino, uno de los más famosos villanos de la serie Batman, ambos pertenecientes del Universo DC, dotándole de profundidad y detalles tan ricos visualmente que hacen pensar en una segunda temporada de la serie transmitida por Max.

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Cine

Sétimo arte: Vuelve el Festival de Cine Europeo de Lima

Del 14 al 28 de noviembre público en general podrá apreciar de manera gratuita películas provenientes del viejo continente.

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Una sana costumbre. Durante dos semanas, más de 13 mil espectadores podrán disfrutar de manera gratuita 35 películas de estreno provenientes de 13 países de la Unión Europea: Hungría, que lleva la presidencia del Festival, Alemania, Bélgica, Eslovenia, España, Finlandia, Francia, Grecia, Italia, Países Bajos, Polonia, Portugal y Rumanía; además de producciones de Ucrania, país invitado y de Perú.

A partir del lunes 4 de noviembre, el público podrá reservar sus entradas para las funciones en todas las sedes (a excepción de las sedes CCPUCP y Alianza Francesa de Lima) a través de Joinnus. Es importante tener en cuenta que la reserva no asegura un asiento, dado que las entradas se entregarán por orden de llegada en cada función. Asimismo, las personas que no realicen la reserva podrán asistir directamente a las funciones.

Hungría, país anfitrión

Este año, como ya es tradición, se llevará a cabo un Diálogo Cinematográfico entre Perú y Hungría, país que lleva presidencia del Festival. Este encuentro busca enlazar las creaciones de ambos países a través de un eje temático cuidadosamente seleccionado el cual será este año: “Las complejidades de las relaciones humanas en contextos de adversidad”. 

Las dos películas elegidas son: “Szerelem”, de Károly Makk, un clásico del cine húngaro de 1971 que explora la represión política de la década de los 50; y “La piel más temida”, de Joel Calero, un intenso drama peruano del 2023 que examina un complejo entramado de poder, violencia y amor.

Ucrania, país invitado

Además, Ucrania se suma como país invitado especial, ofreciendo un Ciclo Especial, que refleja el impactante y desafiante contexto que este país enfrenta a través de cuatro películas: “El Francotirador de Donbass”, “Cultura vs. guerra”, “Buscando a Nika” y “Edurodonbás”.

Premio del público

El Festival no sólo será un escaparate del cine europeo, sino también una experiencia participativa dado que los asistentes podrán participar en la votación del “Premio del Público”, eligiendo la película más destacada del evento y convirtiéndose así en protagonistas de esta fiesta cinematográfica.

Con una variada cartelera, el Festival será una ventana única al cine europeo contemporáneo. Con 129 funciones distribuidas en 16 sedes de Lima, Cusco, Arequipa, Piura, Trujillo y Chiclayo, el público podrá elegir entre una variada programación de cine para todos.

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Cine

Destacado cineasta Lars Von Trier tiene en mente desarrollar una nueva película

Polémico cineasta danés expulsado del festival de Cannes por sus declaraciones anuncia ‘After’, su último largometraje a futuro.

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Ácido, poco ortodoxo, perfeccionista, machista, sin filtros y metódico en su trabajo hasta la locura, eso y muchas cosas más se han dicho sobre el director de cine danés Lars Von Trier (68), quien desde el año 2022 viene padeciendo de la enfermedad de Parkinson, recientemente ha anunciado su último proyecto titulado ‘After’, la cual ha recibido 1,3 millones de coronas danesas (192.000 dólares), por parte del Instituto de Cine Danés (DFI), según una lista publicada por dicho instituto.

Hasta el momento no se conocen mayores detalles sobre su nuevo proyecto.

En julio, el actor sueco Stellan Skarsgard, quien ha protagonizado en varias de sus películas, dijo a la web Taxidrivers que von Trier estaba trabajando en su nueva película “desde casa”. After será el decimoquinto largometraje de von Trier desde que se graduó de la Escuela de Cine de Copenhague en 1982.

Recientemente había escrito en una publicación de Instagram que luego fue eliminada que “con un poco de suerte, todavía debería tener algunas películas decentes por hacer”.

El director, padre de cuatro hijos, nunca ha rehuido la controversia. En 2011, causó un escándalo cuando dijo que “entendía” a Hitler durante la presentación de su película Melancholia en el Festival de Cine de Cannes. Fue inmediatamente vetado, pero su película siguió en competencia y su protagonista, Kirsten Dunst, ganó un premio a la mejor actriz. Luego se disculpó por el comentario.

“Bailar en la oscuridad”(2000), con la cantante islandesa Björk.

Una de las mayores estrellas del cine danés, von Trier ha dirigido más de 14 largometrajes, a menudo perturbadores y violentos. Ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes en 2000 por Dancer in the Dark.

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