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Literatura

ESPUELA DE ORIÓN: ¿Los turrones Castro Castro?

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¿Los turrones Castro Castro?

 Escribe Juan Mujica

 

Lo primero que me hace recordar es aquel pata que le dicen “Avenida Tacna”, porque tiene turrón todo el año. Y justamente es una gran verdad, ya que en aquella avenida del centro de Lima, durante los doce meses se expende el riquísimo turrón. Aquel producto que como recordamos fue creación de doña Josefa Marmanillo, quien era discapacitada, y milagrosamente recuperó la función de ambos brazos, no teniendo mejor idea que crear el turrón cuyo proceso de elaboración le fue revelado en un sueño. Y con el tiempo dicho producto fue conocido como “El turrón de Doña Pepa”.

Justamente estando en el mes del Señor de los Milagros, se tiene la tradición de consumir el clásico turrón, que me hace recordar cuando Don Ramón vino a Perú y promocionó una marca de turrones (qué recuerdo imborrable). Nunca falta que a uno de nuestros familiares se le ocurra comprar una caja del dulce turrón o que nosotros mismos lo compremos. Sin embargo, lo que ha sorprendido en estos días ha sido la elaboración de un turrón en el penal de Castro Castro, hecho por los mismos internos. Acontecimiento que tiene mucho mérito y que refleja un deseo de superación de esa gente que día a día purga su condena.

Sin embargo, sin ánimos de despreciar el esfuerzo de estas personas, desanima un poco el hecho que los interesados en adquirir este producto tengan que acercarse hasta el mismo penal para comprar los turrones. No obstante, ya sería un hecho que los familiares de los presos se acerquen y los adquieran, y hasta les pasen la voz a sus conocidos o en el mejor de los casos les hagan llegar para vendérselos o regalárselos.

De todos modos, ya sea con turrones o sin ellos, el mes de octubre siempre ha sido estímulo para dedicarle una devoción al Señor de los Milagros, y rezarle y pedirle por nuestra salud y por la de nuestros familiares. Eso principalmente. Y si las personas que están en la avenida Tacna todo el año ofreciendo el turrón, podríamos interpretar de alguna manera que están promocionando el mes morado con total devoción. Y aunque no estén en época de venderlos en febrero o en agosto, no sería falta de tino comprar y llevar un paquete de este producto a nuestros hogares.

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Cultura

Feliciano Padilla y su infinito amor por las letras: “No se puede ser escritor sin ser lector”

Ayer viernes 07 de enero, a los 78 años de edad falleció el escritor y catedrático puneño Feliciano Padilla Chalco. Aquí lo recordamos en una reciente entrevista realizada por el periodista Fernando Chiquipiunta.

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Feliciano Padilla Chalco, fue un notable narrador puneño-abanquino (1944). Murió en la ciudad lacustre de Puno el viernes 07 de enero del 2022. Ha sido profesor Principal de la Universidad Nacional del Altiplano, cesado por límite de edad el 19 de febrero del 2019.

Ha publicado los siguientes libros: La estepa calcinada, Réquiem, Surcando el Titikaka, Dos narradores en busca del tiempo perdido, La huella de sus sueños sobre los siglos, Alay Arusa, Polifonía de la piedra, Calicanto, Amarillito amarilleando, Antología comentada de la Literatura Puneña, Pescador de luceros, La bahía, Cuentos de otoño, Ezequiel el profeta que incendió la pradera, Aquí están los Montesinos, Diez cuentos de un verano inolvidable, El morral escarlata y muchos más.

Aquí lo recordarnos en una reciente entrevista.

¿En qué medida las vivencias de su infancia han influido en su obra?

Influyeron bastante. Siempre es así. Oswaldo Reynoso decía: Si no has vivido de qué diablos vas a hablar.

Si tuviera que elegir un escritor puneño con el que charlar un rato, ¿a quién elegiría?

A Omar Aramayo.

¿Existe alguna novela conocida que le hubiera gustado escribir?

Estoy contento con lo que escribí, unos 24 libros. Acabo de concluir con la última revisión una novela.

Su trayectoria literaria es muy prestigiosa y relevante ¿Cómo describiría el proceso de su obra, desde que empezó y de lo que viene siendo ahora?

Como un proceso. Todo lo que el hombre piensa o hace es susceptible de perfeccionamiento. Parece que llegué a mi madurez. Ahora me intrigan otra clase de temas más cotidianos.

En el 2021 conmemoraremos el Bicentenario del Perú ¿Cuáles serían los grandes retos del escritor peruano?

Nos organizaremos a nivel nacional y no participaremos en las celebraciones oficiales donde se rinda homenaje a San Martín y Bolívar. Vamos a poner en el primer plano a José Gabriel Condorcanqui y Micaela Bastidas, así como a todos nuestros héroes originarios de aquella revolución continental.

¿Qué conmemoraremos: 200 años de libertad, 200 años de independencia, 200 años de República?

Según Luis Alberto Sánchez cumpliremos 200 años de republiqueta achorada que ha expoliado y explotado sin piedad a los peruanos de Selva, Sierra y Costa. Recusaremos la corrupción sistemática de 40 años de Alberto y Keiko Fujimori, el Cholo Toledo, Alan García, Ollanta Humala y PPK que robaron tanto en lugar de construir más hospitales bien equipados, con respiratorios, con suficientes médicos, enfermeras y técnicos y una educación de calidad. Actualmente la educación es un sistema de embrutecimiento y enajenación.

Para Luis Alberto Sánchez el Perú era el retrato de un país adolescente, mientras el historiador Jorge Basadre afirmaba que el Perú era un problema y una posibilidad. ¿Cómo define usted a nuestro país en la actualidad?

Un país destruido, en crisis estructural, que hace agua por todos sus poros. No tenemos salvación si el pueblo no se pone de pie.

¿Alguna anécdota curiosa que haya ocurrido en su trayectoria literaria?

No volvía a mi tierra más de 40 años sin ver a ningún familiar ni amigos. Mis abuelos, mis tíos, mis hermanos creían que había muerto en algún sitio. Entonces empezaron a rezar por mí para que les haga algún favor, luego, me prendieron velitas y me convirtieron en un santo varón que hacía muchos milagros. Era Chanito, santo varón resuelve este problema y lo resolvía. Cuando me encontraron se terminó la magia de esta historia. Ahora nos vemos con ellos en Apurímac, Cusco, Arequipa y Lima.

Escritores puneños: Percy Zaga Bustinza, Fidel Mendoza Paredes y Feliciano Padilla Chalco.

¿Cuál es su opinión sobre la literatura peruana?

Que existe un canon oficial perteneciente a las transnacionales que impone paradigmas o modelos de hacer literatura. El mercado se ocupa de que esta literatura sea la única reconocida y prestigiada. Pero yo le digo que, en este momento, hay escritores que han superado dichos modelos y aunque no han entrado al mercado, está comprobado que escriben igual o mejor que muchos limeños. Te cito a Pérez Huarancca, Zein Zorrilla, Crónwell Jara, Sócrates Zuzunaga, Rosina Valcárcel, Winston Orrillo, Andrés Cloud, Mario Malpartida, Rocío Silva Santisteban, Enrique Rosas Paravicino, Mario Guevara, Jóspani, Omar Aramayo, José Luis Ayala, Gloria Mendoza, Boris Espezúa, Jorge Florez-Áybar, Vladimir Herrera, Jovín Valdez, Alfredo Herrera, Leoncio Luque Ccota, Darwin Bedoya, Christian Reynoso, Javier Núñez, Bethoven Medina y muchos más que en este momento no vienen a mi memoria. Yo pertenezco al Gremio de Escritores del Perú que está dirigido por Armando Arteaga y Jorge Luis Roncal que, también, son buenos poetas.

¿Qué elementos o alguna situación, en particular, decidió que fuera escritor?

Construía poesía en mi niñez y juventud. Cuando ingresé a la universidad se los mostré a Luis Nieto Miranda, poeta prestigioso y profesor mío. Me devolvió en un café de la universidad y analizó mi poesía y dijo ¿dónde está la poesía? Dime ¿dónde está la poesía? No hay poesía. Tu poesía son palabras sin sentido, muchos adjetivos y nada más. No te dediques a la poesía. Donde noto que puedes progresar es en la narrativa. Tienes materia bruta; tu lenguaje corre como un río desbocado, controla ese lenguaje, que no se te escape. Lee mucho y serás un gran narrador. Rompí toda la frondosa poesía que había construido en la universidad y me dediqué a la narrativa con vida, alma y corazón.

Jorge Flórez Áybar, Enrique Rosas Paravicino, Óscar Colchado, Feliciano Padilla Chalco y Mario Guevara Paredes.

¿Hay un horario para escribir o lo pude hacer en cualquier momento?

Antes, cuando trabajaba escribía todas las noches. Ahora que soy profesor universitario cesante escribo en las mañanas y en las tardes.

¿Cómo quisiera que le recuerden?

Como un buen narrador y, gran maestro, en tanto mi profesión es de profesor, aunque tenga grados de Magister y de Doctor en Ciencias de la Educación. Soy profesor. Si volviera a nacer sería nuevamente profesor.

Finalmente, ¿algún mensaje para los jóvenes que se quieran dedicar a la literatura?

Que lean bastante y vivan la vida. No se puede ser escritor sin ser lector.

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Cultura

Juan Morillo Ganoza y el diálogo catártico de un río

Una mirada a la obra literaria del escritor peruano Juan Morillo Ganoza.

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Una ciega enclaustrada entre lo onírico y lo real, entre los recuerdos y los olvidos, entre el grito y el silencio. Una familia, los Ponte, marcada por la decadencia y la crueldad de un destino que busca ponerle fin a su estirpe. Y también un río, tempestuoso y calmo, balbuceante y musical, portador de la vida y de la muerte.

Todo esto forma parte de la novela “El río que te ha de llevar” de Juan Morillo Ganoza, narrador nacido en 1939 en el distrito de Taurija (Pataz – La Libertad) y que formó parte de dos grupos importantes en la tradición de nuestra literatura nacional. El primero fue “Trilce”, que surgió en la década del 50′ y que estuvo conformado por escritores como Santiago Aguilar, Juan Paredes Carbonell, Teodoro Rivero Ayllón, Eduardo González Viaña, entre otros. El segundo fue “Narración” (de mayor trascendencia), que surgió en la década de los 60′ y estuvo conformado por Oswaldo Reynoso, Antonio Gálvez Ronceros, Miguel Gutiérrez (líder e ideólogo del grupo), Gregorio Martínez, entre otros.

Este dato parece confirmarnos sobre la calidad literaria de Morillo Ganoza, pues aparece en un contexto en que la narrativa peruana se encontraba en una de sus etapas más fructíferas y diversas. Es así que Ricardo Gonzáles Vigil lo coloca dentro de los autores principales de lo que vendría a ser los “Años decisivos de la narrativa peruana”, libro donde reúne sus apreciaciones sobre autores representativos de la literatura nacional.  Es interesante mencionar que de La Libertad también considera a González Viaña y a Jorge Díaz Herrera.

La novela, sobre la cual reflexionaré y daré algunos apuntes, “El río que te ha de llevar” (2000), es el tercer libro publicado de Morillo Ganoza. El primero fue “Los arrieros” (1964), reeditado recientemente por Nectandra ediciones del escritor Carlos Santa María, y el segundo “Las trampas del diablo” (1999). Este dato es interesante, pues se ve una distancia temporal de 35 años entre estos dos últimos libros. Detalle que se asemeja al de Miguel Gutiérrez, con “El viejo saurio se retira” (1969) y “Hombres de camino” (1988).

En nuestra tradición existen diversas formas de literaturas que son simultáneas, heterogéneas y hasta contradictorias, o como diría Ricardo Piglia “se podría hablar de muchas literaturas nacionales conviviendo en un mismo espacio”.

Lo interesante de analizar la novela de un autor como Morillo Ganoza, es que nos podemos dar cuenta que se nutre de diversas fuentes para lograr consolidar un cosmos narrativo. Entre ellas tenemos al indigenismo, lo real maravilloso, el estilo faulkneriano, entre otras.

Como ya se ha mencionado al inicio del texto, la novela “El río que te ha de llevar” tiene tres figuras esenciales: el río, la familia Ponte (abarcan tres generaciones) y la ciega Zoila (testigo y narradora de todos los acontecimientos).

Respecto a la primera figura, el río (Marañón) adquiere una dimensión total y acondicionadora en las historias que se van intercalando en torno a la decadencia familiar, pues no solo representa una ambientación geográfica-física, sino también espiritual y emotiva en algunos personajes. Lleva consigo la vida, pero en mayor medida la muerte. Este rasgo fantasioso, enérgico y trágico del río, se asemeja con la segunda historia que está en la novela “Las palmeras salvajes” de William Faulkner. En ella, el río Misisipi es llamada “el viejo” y representa la devastación, el fracaso, pero también el carácter divino de la naturaleza y del hombre. Además, también hay una semejanza en el estilo, ya que, en el relato del escritor norteamericano, la sonoridad, el ritmo y las frases largas fluyen como un río por la conciencia del narrador. En el caso de la novela de Morillo Ganoza, también se da lo mismo, pues, Zoila, la narradora, deja fluir su conciencia como un río tempestuoso (diálogo catártico) que trae sus propias vivencias, las creencias populares, los sueños, los olvidos, lo leído, lo visto y lo que está en el subconsciente. El río es la imagen de la vida, pero que conduce a la muerte.

“… vengo quedándome y de tanto quedarme aquí me ha tocado ver y oír más que nadie en la vida, así que puedo decir que han pasado delante de mis ojos las mil maneras que hay de vivir y de morir y que por mi parte he pasado alborozos y amarguras y que con todo soy la que soy y aquí me tienen, verdad que cada vez más vieja y envuelta en las sombras de esta ceguera sin remedio que me priva de las cosas del diario mirar pero verdad también cada vez más encendida por dentro, entretenida en ver los caminos y parajes que me fue dado recorrer o que otros recorrieron y que yo retraté en mi mente con solo oírlos mentar”.

En la novela, el río se metamorfosea y adquiere la apariencia de distintas figuras, especialmente la de animales (culebras, toros salvajes, etc.). Mauro Mamani, al analizar la poesía de José María Arguedas, menciona que en el autor de “Los ríos profundos” el río también es una memoria y un elemento simbólico en la cosmovisión andina, asemejándose a los animales y al rayo, por su movimiento intenso. Además, representa las reivindicaciones sociales, ya que entra a la sangre y espíritu de la gente explotada.

“Es el Marañón, un río, un culebrón de aguas alborotadas y bravas que, fingiendo estar dormida, brama mientras se va. Siempre es así, viene y se va alborotando y enturbiando sus aguas sin darse el más mínimo sosiego, allá, abajo, lejos, en su cauce de altas orillas, abiertos al despeñadero de muerte”.

Ya se ha mencionado que la narrativa de Morillo Ganoza tiene honda raíces andinas y que pareciera que, a través de sus personajes, los pueblos hablan. En esa cuestión, toma del neoindigenismo el lirismo y las reivindicaciones sociales, representada en la figura de Adela y en la rebelión de Atusparia.

La ciega Zoila utiliza el recurso de la oralidad para impedir que el río de la memoria sea el río del olvido. El crítico Espino Relucé, en su libro “La literatura oral o la literatura de la tradición oral”, afirma lo siguiente:

  • La forma oral tiene representatividad para una comunidad cultural.
  • Tiene un sentido de popularidad.
  • Es una transmisión generacional, representa la tradición y porta huellas de identidad.

Todas estas características de la oralidad se adecuan al testimonio de la ciega Zoila, porque a través de ella, se logra consolidar un cosmos narrativo que representa las costumbres, los hábitos, lo contrahegemónico, las creencias, la idiosincrasia del pueblo de Uchos, el imaginario popular y la memoria colectiva.

Los personajes pertenecen a las periferias, desarrollando una antiromantización de la ciudad y de la modernización de esta. Morillo Ganoza demuestra que los campos también son focos de civilización, de cultura, de reivindicaciones sociales, y no de barbarie y salvajismo, tal como se creía hace varias décadas bajo un pensamiento colonialista.

La decadencia de la familia Ponte, que abarca tres generaciones, es explicada a través de creencias populares, bujerías, decisiones divinas, pero añadiendo un sentido crítico a las desigualdades sociales. Es impresionante la imagen que otorga la novela: la decadencia de una familia retratada en la tempestad de un río y en la memoria de una ciega. En ello también se asemeja a Faulkner, pues la atmósfera familiar define la forma de la narración a través de distintas situaciones.

Para culminar, en 1959, la narradora Carson McCullers mencionaba lo siguiente:

“La obra de un escritor se atribuye no solo a su personalidad, sino también a la región en que nació”.

Podemos afirmar que uno de los grandes méritos de Morillo Ganoza consiste en lograr un estilo maduro que representa, a través de lo fantasioso e histórico, la memoria e identidad de un pueblo; además de erigir un cosmos narrativo heredado de los clásicos universales, las grandes novelas indigenistas de inicios del siglo XX y las leyendas y mitos de nuestra tradición oral.

Al igual que el escritor patacino, hay otros autores que también vienen consolidando una obra importantísima para la literatura nacional, teniendo como epicentro narrativo el pueblo en que nacieron. Tal es el caso del narrador ayacuchano Julián Pérez, cuyas novelas “Criba” (Premio Nacional Copé Oro) y “Retablo” son conmovedoras y ambiciosas.   

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Cultura

César Vallejo y la imposibilidad de la muerte

César Vallejo es un poeta de los excesos y de la inclusión, un poeta de la voluntad y de lo irrepresentable, un poeta valiente y oscuro, un poeta honesto e hiriente, un poeta como pocos, mejor dicho, un poeta como nadie.

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Se ha escrito tanto de la vida y poesía del autor de “Trilce” que muchas veces resulta algo tedioso sumergirse en uno de los tantos libros que tratan sobre ello, pero a veces también aparecen textos que cumplen con una crítica sensata, ordenada y fructífera. Tal es el caso de la obra “César Vallejo, un poeta del acontecimiento” de Víctor Vich, uno de los críticos peruanos que más me han entusiasmado en estos últimos años, junto a Camilo Fernández Cozman y a Carlos García-Bedoya.

Víctor Vich presenta a César Vallejo como alguien que tiene como proyecto poético alcanzar “el hombre humano”, trascendiendo de la función puramente estética hasta alcanzar una dimensión totalmente política. Para ello va integrando distintas perspectivas teóricas y temáticas que le servirán como herramienta de análisis en algunos poemas.

Uno de los grandes méritos que tiene el libro de Vich es que utiliza un lenguaje pedagógico con el objetivo de que la lectura sea más dinámica, entretenida y entendible, a pesar de que va citando teóricos importantes como Alan Badiou, Althusser, Butler, Eagleton, Jameson, Marx, entre otros.

El libro está estructurado en 6 partes esenciales (además de la introducción y de las conclusiones) que forman un conjunto ordenado y sistematizado, presentando a Vallejo como un poeta versátil y totalizador:  un poeta de la ética de lo Real, un poeta de la crisis del lenguaje, un poeta de la parte sin parte, un poeta que anuncia el acontecimiento, un poeta del acontecimiento-comunismo, un poeta de las causas perdidas y Vallejo y el arte político más allá de la muerte (conclusiones).

En este texto plantearemos algunas de las ideas más importantes que propone Vich sobre la poética vallejiana hasta dar con el punto central de todo el libro. Empecemos explicando la razón de por qué en el título se menciona que César Vallejo es un poeta del acontecimiento. Es importante mencionar que Badiou reconoce como verdad a “la consecuencia de un acontecimiento” y que este es entendido como un momento de ruptura de un estado de la realidad y como un acto que altera la lógica de una situación existente porque trae una verdad que emerge desde un espacio marginado por el poder.

Es por eso que la propuesta inicial de Vich consiste en presentar a Vallejo como un autor que utiliza el fenómeno poético como un espacio clave para definir y nombrar el acontecimiento, es decir, como alguien que poetiza a partir de los excesos y de las transgresiones, tanto en el amor como en la revolución social.

En la parte “Un poeta de la ética de lo Real”, compromete a la poética vallejiana con una causa universal, para ello define a lo Real como un exceso y un signo de la crisis, de lo simbólico y de la imposibilidad que tiene la cultura de funcionar como un todo organizado. Asimismo, se apoya en el psicoanálisis para mencionar que la ética surge de un tipo de malestar y que, por lo tanto, todo aquello que resulta excesivo para lo tradicional debe ser expulsado.  Desde esta perspectiva, César Vallejo es un poeta que se inclina a los excesos, a lo innombrable y a todo aquello que ha quedado sin lugar en el sistema, pues transgrede las normas del lenguaje, y que es por eso mismo que utiliza sujetos líricos subalternos, ya que estos nunca disponen de un lenguaje completamente propio para poder expresarse. Vich analiza poemas como el poema XIII, LXXIII, Nómina de huesos, Considerando en frío, imparcialmente …, entre otros, para sustentar todo lo expuesto anteriormente.

En la parte “Un poeta de la crisis del lenguaje”, Vich propone que Vallejo es consciente de lo que significa el dolor humano: una condición profunda y estructural de uno mismo. Para ello parte de una realidad material y no simbólica, proponiendo una estética que evidencia la falla de toda una representación (fundamento de la existencia humana) y también lo heroico, pues cuestiona el discurso hegemónico sobre el progreso y las vanguardias artísticas, ya que ambas son incapaces de comprometerse con las demandas de la realidad. No hay que olvidar el polémico texto que escribió Vallejo: Autopsia del Superrealismo.

En “Un poeta de la parte sin parte”, se pone de manifiesto que Vallejo tiene como objetivo el compromiso de politizar sobre el dolor humano, considerando que este no solo proviene de una condición interna y/o existencial del hombre, sino también desde una realidad material. Busca alcanzar una poesía que nombre las causas y represente los efectos que el dolor provoca a los marginados por el sistema, es decir, una poética de la representación de la marginalidad, teniendo como base al marxismo (reconstrucción de la sociedad) y a un arte desestabilizador de todo aquello que se impone como “único” y “verdadero”.

Aquí ya se empieza analizar levemente la importancia del marxismo en la poesía de César Vallejo, y que, según mi perspectiva, desembocaría en su mejor poemario: “España, aparta de mí este cáliz”. Se desarrolla una semejanza entre el cristianismo y el marxismo, ya que ambos desean la aparición de un nuevo mundo que emerja desde una posición fuera del poder.

En “Un poeta que anuncia el acontecimiento”, se define nuevamente a Vallejo como un poeta del acontecimiento, pues su poesía refleja las ansias de transformar el mundo. No hay que olvidar que Badiou definió al acontecimiento como “algo nuevo que emerge desde aquello que no estaba contabilizado en los marcos establecidos”. Los acontecimientos se dan en distintas dimensiones: en la ciencia, en el amor, en el arte y en la política. La voz poética de Vallejo sabe que el acontecimiento solo puede surgir de los márgenes y de los excluidos, producto de su propia experiencia personal.

 “Un poeta del acontecimiento – comunismo” representa la parte más esencial del libro, pues gira en torno a la figura del Vallejo político en su condición más pura y crítica. Para el autor de “Poemas humanos”, el comunismo es la posibilidad de reconciliar al hombre con la historia, con la naturaleza y consigo mismo, además de que representa un proyecto universal que ofrece la posibilidad de ofrecer justicia en el mundo entero ¿utopía, delirio, realidad?

En Vallejo el comunismo es un acto de voluntad que ayuda a posibilitar la trascendencia de la inercia personal, le otorga un sentido humano y una posibilidad esperanzadora a una vida que el capitalismo ha intentado cosificar con sus distintas formas de coacción. Por lo tanto, el comunismo es un acontecimiento, pues altera las reglas y normas establecidas por los grupos de poder.

Vich intenta sostener en todo el libro que la poética vallejiana “es una ética que surge de la idea comunista y que hace referencia a aquello que ha observado el exceso histórico de la opresión social y que ha optado por recanalizar dicho exceso en un verdadero proyecto de emancipación humana”.

Hay que tener en cuenta el comunismo fue introducido principalmente en nuestro país por José Carlos Mariátegui, maestro y gestor de un gran grupo de escritores e historiadores. Así como El Amauta, César Vallejo también fue bastante crítico con aquellos marxistas de manual que solo repetían aforismos y sentencias comunistas, sin conocer las condiciones históricas de un contexto determinado. Esto es muy importante, ya que nos da a entender que la propuesta de César Vallejo está direccionada hacia la trascendencia humana y social antes que a una ideología rígida.

En esta parte también se plantea dos ideas:

  • El papel del artista consiste en dejar que la historia hable por su voz, llegando a todos por igual (inclusivos).
  • La voz poética es insuficiente para reflejar todos los acontecimientos.

Vich menciona que Vallejo inicia “España, aparta de mí este cáliz” para registrar la experiencia de los vencidos, pues era consciente que la guerra había comenzado a perderse. Elabora una analogía entre la tragedia de la guerra de España con el rompimiento del lenguaje poético.

La epicidad es un rasgo importante en este poemario, pues con ella se intenta representar los inmensos proyectos colectivos y solidarios. A ello hay que unir el sentido religioso (referencias bíblicas) presente en sus discursos poéticos y que le otorga un rasgo mesiánico a la visión comunista.

En “Un poeta de las causas perdidas”, se menciona que el sujeto de la poética vallejiana es un sujeto de la voluntad, y que se vuelve “hombre humano” cuando opta por ser fiel a una verdad universal y se ve involucrado a un acontecimiento. Es innegable que Vallejo enriquece su poesía debido a sus ideas políticas, a diferencia de otros autores.

En “España, aparte de mí este cáliz”, Vallejo utiliza un conjunto de personajes entrañables que defienden su verdad (una postura comunista) hasta después de muertos. Son personajes que buscan consolidar una verdad antidogmática en proceso de construcción. Quizás el más memorable sea Pedro Rojas, quien comunica su muerte, alentando a la comunidad para que subyuguen la injusticia y logren cambiar el orden social, además de realizar algo muy importante: sobrevivir en la oralidad. No hay que olvidar que la invasión europea representó en nuestra cultura la derrota de la oralidad, y que a través de esta (tal como decía Pablo Macera), se reconstruye una patria, recupera un pasado y se delinea una utopía. Recomiendo como lectura el análisis que hace Antonio Cornejo Polar sobre Pedro Rojas en su libro “Escribir en el aire” donde se plantea el imposible retorno a la oralidad.

Para finalizar, cabe decir que en Vallejo la poesía trasciende su función puramente estética para proyectarse en algo más totalizante: alcanzar el hombre humano (justo, solidario, integrado y crítico). Todo ello va acompañado de una transformación social tanto en el opresor como en el oprimido (perspectiva humanista). Asimismo, su poética es una práctica que muestra el intento comunista de evolucionar socialmente, de tener un compromiso mayor con la verdad y de nunca olvidar que todo buen arte está instalado en la imposibilidad de morir.

Hay que leer “César Vallejo, un poeta del acontecimiento” de Víctor Vich. La crítica literaria es también una forma de acariciar los detalles que para cualquier lector pasarían inadvertidos. La crítica literaria también es una creación.

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Cultura

Los peligros de leer a Mariana Enríquez

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Nacida en Buenos Aires en 1973, Mariana Enríquez pertenece a la segunda generación de escritores post-dictadura argentina, junto a Samantha Schweblin, Pola Olaixorac, Ariana Harwicz, etc. Autora de libros de ficción y no ficción, publicó su primer cuentario “Los peligros de fumar en la cama” en el 2009, teniendo en consideración que algunos de estos relatos ya habían aparecido en distintas antologías de su país. Este volumen está compuesto por doce historias que giran en torno a un cosmos narrativo formado por lo fantástico, lo terrorífico, lo patológico y lo realista. Entrar en él es sumergirse a los espacios desconocidos que nos habitan y que tratamos de ignorar por creernos civilizados. Algunos de los tópicos más utilizados son la muerte (tentación por conquistar la inmortalidad), la violencia y el erotismo (deseo de vivir con intensidad y fundirse con el objeto amado).

Es un libro cruel y valiente, pues niega la sumisión banal a la dictadura del entretenimiento (tan común en estos tiempos), obligándonos a tomar una postura frente a situaciones extremas.  Según sus propias declaraciones, los personajes que utiliza son “técnicamente reales”.

Uno de los objetivos de la narrativa de Mariana, lo ha reiterado en diversas entrevistas, es demostrar que las creencias populares de terror, pese a que no sean catalogadas como canónicas por provenir de los iletrados, poseen una gran riqueza artística y cultural. Por ello es que los espacios físicos de algunas historias están situados en zonas periféricas.  Es interesante recordar lo que Faustino Sarmiento mencionaba en su libro “Facundo” sobre que los focos civilizados eran las ciudades y que los campos representaban la barbarie. Asimismo, Ángel Rama afirmaba que la ciudad era el único receptáculo posible de las fuentes culturales y que construían una sociedad civilizada sometiendo el vasto territorio salvaje de las periferias.

Todo esto guarda relación con la mayoría de personajes del libro de Mariana, pues, desde una perspectiva “civilizada” y “centralista”, estos aún viven en un estado salvaje ya que son capaces convivir con el espíritu de una niña desenterrada, con la maldición de un mendigo despreciado, con los espíritus de niños desaparecidos y asesinados, con los rituales de una bruja de pueblo, con dos adolescentes que terminan devorando el cuerpo de su ídolo musical, con adolescentes que se masturban hasta sangrar, con adolescentes perdidos que un buen día aparecen para espanto de sus familiares, de seres que se desdoblan, etc.

Esa atmósfera salvaje e incivilizada se desarrolla en cuentos como “El desentierro de la angelita”, “La virgen de la tosquera” y “El aljibe”. Los acontecimientos están demarcados por las creencias y supersticiones populares de una comunidad ajena a lo “racional”, pero que es totalmente efectiva, como es el caso del pedido que hace la adolescente Natalia a la Virgen de la tosquera para vengarse un amor no correspondido y que termina por cumplirse.

“Tiene un manto blanco para ocultar, para taparla, pero no es una Virgen. Es una mujer roja, de yeso y está en pelotas. Tiene los pezones negros.”

“(…) que tenía un pelo muy lindo, negro y largo, más oscuro y más sedoso que el de Silvia y que cuando se le acercó, el falso manto blanco virginal se le cayó solo,  sin que ella lo tocara,  como si quisiera que Natalia la reconociera. Entonces le había pedido algo”

Mariana incrusta en estos textos una vertiente muy poca desarrollada en la literatura Hispanoamérica que es la de mezclar los mitos, las leyendas y creencias de un pueblo con el subgénero de terror. Esto lo lleva al límite con la estupenda novela, ganadora del premio Herralde, “Nuestra parte de noche”. Otro autor que también utiliza este recurso es José Donoso, especialmente en su monumental, barroca y extraña novela “El obsceno pájaro de la noche”. La diferencia entre ellos es que mientras que en el chileno se aprecia una atmósfera surrealista y delirante, como si se tratase de una pesadilla que solo existe mientras tenemos los ojos cerrados, en la de Mariana se percibe como algo real y que forma parte de nuestra vida diaria, pero que a veces ignoramos por simple cobardía.

Todas estas situaciones aspiran a consolidar una gran iconografía de terror que subyace en los distintos tipos de violencia y que sirven como denuncias a una sociedad que margina y asesina.

Hay que tener en cuenta que los relatos de terror de Mariana no son instrumentos de diversión y escape (como se mencionó al inicio), sino que en ellos se reflejan los miedos colectivos e históricos de una sociedad. Elton Honores, en su libro “La civilización del horror” afirma que hay dos tipos de efectos de terror:

  • Terror oblicuo o intelectual: el terror es sugerido e intuido, más cerebral o psicológico.
  • Terror frontal o emocional: se describe, se muestra, es más emotivo o visceral.

En el caso de estos cuentos, se percibe una mayor concentración en el terror emocional, pues las descripciones son más realistas y descarnadas y los personajes actúan vertiginosamente. En el cuento “Dónde estás corazón”, una adolescente tiene un extraño fetiche sexual con los latidos cardíacos. Un día descubre en internet a otros fetichistas que comparten los audios de sus latidos cardíacos y esto ocasiona un desenfreno sexual. El cuento finaliza de una forma muy extrema, le pide a un chico lo siguiente:

“Ni siquiera protestó cuando le dije que estaba aburrida. Que quería verlo. Apoyar mi mano sobre el corazón despojado de costillas, de jaulas, tenerlo en la mano latiendo hasta que se detuviera, sentir las válvulas desesperadas en un abrir y cerrar a la intemperie. Solo dijo que él también estaba cansado. Y que íbamos a necesitar una sierra”.

Se incrusta el asunto de la enfermedad como rasgo literario (¿literatura + enfermedad = enfermedad?), pues a través de ella se metaforiza, no solo un contexto social y/o político post-dictadura, sino también los abismos de la existencia humana plagada de ausencias, silencios y tabúes.

Otro cuento donde se desarrolla un terror visceral es en “Carne”. Aquí se lleva a cabo la necrofilia y la antropofagia practicadas por las adolescentes Mariela y Julia sobre el cadáver de un rockero exitoso (Santiago Espina), ocasionando dos reacciones distintas: la aceptación y envidia por otras adolescentes fanáticas de Espina y el rechazo de los adultos.

“Pero la inhumación era apenas el principio.  Las chicas habían abierto el féretro para alimentarse de los restos de Espina con devoción y asco; alrededor del hueco daban testimonios de su esfuerzo los charcos de vómito. Uno de los policías también vomitó. Dejaron los huesos limpios, le dijo a la televisión y el conductor, estremecido, se quedó sin palabras por primera vez”

En estos cuentos no aparece el tema del heroísmo, pues en las atmósferas de terror el miedo es totalmente colectivo. El historiador Jean Delumeau mencionaba un tipo de miedo que se acopla a este libro: “el miedo espontáneo”, pues afecta a toda una población y a todas las clases sociales, y que además son cíclicas.

Toda la crueldad inmersa en estos doce relatos que conforman “Los peligros de fumar en la cama”, provoca una reacción en nosotros para romper la pasividad y la indiferencia ante lo que ocurre en el mundo real, nos hace reflexionar y e intuir lo que somos capaces de hacer en un momento de vértigo, pues como afirmaba José Ovejero en su libro “La ética de la crueldad”:

“Los detalles sangrientos, morbosos, sádicos, la detallada representación de carnicerías, torturas, violaciones, no pretenden a menudo provocar una reacción dolorosa en el lector / espectador, sino que en realidad satisfacen sus deseos”.

No hay que dejar de lado que toda perversión permite un cuestionamiento a la autoridad, asumiendo una posición contrahegemónica y en contra de la moral dominante.

Escritores como Mariana Enríquez, Charles Baudelaire, Roberto Bolaño, El Conde de Lautréamont, William Faulkner, Cormac McCarthy, Osvaldo Lamborhgini, Sade, entre otros, exploran el horror y la violencia porque la vida burguesa les parece totalmente deshumanizante y aburrida.

Quizás la literatura nos enseña a morir valientemente.

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Cultura

Fahrenheit 051: Conflicto social y literatura

El programa de libros conducido por el escritor Gabriel Rimachi Sialer.

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En este episodio de Fahrenheit 051 conversamos sobre “Mañana nunca llega”, primer y esperado libro de cuentos del escritor piurano Tadeo Palacios Valverde, dónde aborda historias de corte urbano y social que se convertirán en un referente futuro para entender desde la literatura lo que se vivió hasta hace poco en el Perú.

En la orilla del terror, el escritor y líder mundial en la promoción de la sostenibilidad con énfasis en el medio ambiente, Gonzalo Castro de la Mata, nos entrega una historia de su nuevo libro “12 Historias Macabras”, que ha sido ilustrado por el reconocido artista plástico Hugo Salazar Chuquimango.

En poesía escucharemos la voz del poeta Andrés Mulder, que acaba de publicar una colección que reúne más de cien poemas, gracias a editorial Caja Negra. Historia y movimientos sociales, terror y poesía en esta edición de Fahrenheit 051, el programa de libros del Círculo de Lectores Perú producido por Lima Gris TV y conducido por el escritor Gabriel Rimachi Sialer.

Aquí el programa completo.

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Cultura

“Poetizando” con Julio Barco: César Vallejo, frente a la poesía de su tiempo

El programa de poesía conducido por Julio Barco.

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En Poetizando se habló de César Vallejo y sus dos primeros trabajos poéticos. Expresaremos algunos puntos esenciales de Los heraldos negros y Trilce.

Aquí el programa completo.

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Cultura

Marita Troiano celebra 25 años de la publicación de su poemario “Mortal in Puribus”

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La poeta, narradora y ensayista, Marita Troiano, presentará la nueva edición de su libro “Mortal in Puribus”, que cumple 25 años desde su primera publicación realizada por Lluvia Editores. La presentación se realizará el 14 de diciembre a las 7 pm vía zoom desde el Centro Cultural de la Universidad de Piura.

Marita Troiano es Licenciada en Sociología y Ciencias Políticas por la Pontificia Universidad Católica del Perú. Editora del sello Carpe Diem fundado en 1996 y Directora de la Comisión de Escritoras del PEN Internacional del Perú desde el 2006. Organizadora del Concurso Nacional de Poesía de Mujeres Scriptura y del Festival multidisciplinario por el Día Internacional de la Mujer: Arte en el Parque.

Entre sus obras publicadas aparecen: Mortal in puribus (1996 – 1997), Poemas urbanos (1998), Extrasístole (1999), Secreto a veces (2003), La Historia según la Poesía   (2005),   Ad Libitum – Antología personal  (2006),  Dando ansí por ty soy toda erranza  (2010), Mi mundo raro (2018), Poemas que alguna vez soñé(2020)   Antologías: En 1997, Mujer y Poesía, y en el 2017, La Poesía nos une – 50 Poetas del Perú.  Narrativa: La Noche anterior (2001) y Las increíbles aventuras de Rafo, Mati, Nico y Esperanza. Por su destacada labor literaria y continua defensa de los Derechos de la Mujer y la Infancia, fue galardonada en el año 2006 como una de las 40 Latinas más destacadas de la ciudad de Nueva York en el XI Certamen organizado por el Diario La Prensa. Así mismo por su fructífera trayectoria como escritora ha recibido el homenaje del Congreso de la República del Perú a través de la Comisión de Cultura y la Medalla de Honor que otorga la Municipalidad de Chincha.

Mortal in puribus es el primer libro de poesía de Marita Troiano publicado en el año 1996 por Lluvia Editores. Al año siguiente tuvo una segunda Edición por la misma editorial, y este año, precisamente en el mes de noviembre, se cumple un 25° Aniversario de este poemario. Para celebrar este acontecimiento Carpe Diem Editora ha publicado una tercera y especial edición que incluye en sus 192 páginas —además de los clásicos poemas—, poemas inéditos, fotografías, memoria periodística y saludos de poetas amigos a dicha publicación.

Sobre la nueva edición la edición de 25° aniversario de Mortal in puribus, el escritor Isaac Goldemberg mencionó: “Situada entre la tradición y la modernidad, tanto en su concepto de la poesía como en su capacidad innovadora, Marita Troiano nos entrega —en una edición ampliada— Mortal in puribus. Libro polifacético, altamente imaginativo, construido y estructurado con gran sentido artístico y con un repertorio de voces sabias y cautivantes. Precisos, llenos de hermosas y certeras imágenes, estos poemas son revelaciones de un sentido oculto de la condición humana. Para cumplir esa función reveladora, Troiano convoca magistralmente experiencias, sueños y enigmas, logrando lo que debe cumplir toda obra de arte, toda poesía de verdad: alejarse de lo superfluo, de todo aquello que tan solo expone sin revelar nada”.

Por su parte, el poeta Marco Martos, comentó “Pasados 25 años después de la publicación de su primer libro, Marita Troiano sigue siendo la misma mujer que todos los días descubre la poesía como el medio más eficaz de entender los sentimientos humanos. Ese diálogo consigo misma, con la página en blanco y con los generosos lectores, se ha afinado y enriquecido con sus labores de editora y promotora literaria que bien conocemos, y le dan una presencia singular en el proceso de la literatura peruana. Hoy, con esta edición, celebramos los comienzos, el momento en que se empezó a desenrollar el ovillo de la creación literaria de su estro delicado y poderoso”.

De la misma forma, Juan Carlos de la Fuente, expresó: “Hay libros que transforman de alguna manera nuestra visión del mundo. Mortal in Puribus es uno de ellos. Reivindica la sabiduría de lo cotidiano y la claridad de una verdad que no busca refugiarse en un aparente misterio. Poesía apasionada, poesía del cuerpo y el alma; poesía que despoja y arropa. Indispensable para enfrentar la vida con más vida y más amor“.

En la presentación de la edición de aniversario estarán presentes la poeta y documente Ana María García; el poeta, narrador y editor Alberto Alarcón; y el poeta Juan de la Fuente Umetsu.

El libro estará en preventa a 60 soles (incluye el delivery) por Facebook hasta el 10 de diciembre. Luego se podrá encontrar en todas las librerías.

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Cultura

Kareen Spano en la FIL Guadalajara

La agente literaria Kareen Spano llegó hasta la FIL Guadalajara para promover a autores peruanos.

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La agente literaria Kareen Spano Klein, quizá la única agente literaria de Perú en años, realiza su primera incursión internacional en la FIL Guadalajara. Su enfoque es simple y claro: “la literatura es un trabajo y el trabajo debe producir dinero. El escritor debe ver ese dinero en su bolsillo”.

A diferencia de otros agentes en Latinoamérica, cuyo rol está más asociado a defender las grandes editoriales trasnacionales, el trabajo de Spano está dirigido a defender los intereses de su cartera de representados a través de su empresa de Agencia Literaria Sueños Salvajes. En 2020 Spano antologó, editó y consiguió el financiamiento para la publicación de HASTÍO, antología deliciosa del sinsabor (Zumbayllu, un brazo de Editorial CampoLetrado).Un libro raro que reúne a 20 autores de seis países (Argentina, Perú, Finlandia, USA, Bulgaria, etc.).

Kareen Spano y Mónica Maristáin, ex editora de la revista Playboy México en la Fil Guadalajara.

Ese mismo año, pero publicado ya el año 2021, Spano redescubre y obtiene junto a editorial Gato Viejo un premio de incentivo económico del Ministerio de Cultura del Perú. Con este fondo reeditan por primera vez desde 1989 El cuarto de los trebejos, la única novela de la poeta más importante junto a Javier Heraud y César Calvo de la generación del 60, Carmen Luz Bejarano. Quizá el redescubrimiento editorial más importante del año 2021.

¿Pero, quién es Spano?

Tiene 45 años mechándose con la muerte en la escritura. Ha sido actriz por 30 años, autora de una obra dramática, un par de antologías, consultora editorial, couch narrativo, guionista de la serie de radio novela de RPP Mi novela favorita, entre otros trabajos. Y es madre de dos hijos.

Sus autores

La cartera de autores de Spano incluye de un filósofo y managment español a una danza terapeuta argentina, pasando por poetas y narradores. Aquí una pequeña muestra de su valija en Guadalajara.

Manolo Alcázar. Natural de Bilbao, es PhD, MBA, filósofo, speaker y autor de una serie de libros de Managment. Con 40 mil copias vendidas internacionalmente es uno de los autores referenciales para directivos empresariales en cuestión de Gobierno de personas, desde un enfoque de filosofía aplicada que va más allá del mero especialista gerencial. Su libro Antivirus Mental arrasó en ventas durante la pandemia y su libro Persona es el perfecto marco para acercarse y comprender mejor al ser humano desde una organización sea empresarial, gubernamental o incluso familiar. Ha publicado en editoriales de prestigio como Pearson, Ariel, Rialp, Planeta, Prodec.

¿Alguna vez has pensado que estará pensando La Monalisa? Dulcinea Segura Rattagan quizá tenga la respuesta. Natural de Buenos Aires, en 2018 publicó su primera novela Modelo Viva (actualmente agotado), una novela en lengua española quizá única en su género por abordar la mirada y pensamiento de las modelos de pintura. Basada sobre su experiencia como modelo de desnudos para las escuelas de bellas artes en Barcelona, Dulcinea nos cuenta qué es lo que ve la mujer que mira a los hombres que miran a las mujeres. Es autora de relatos en varias antologías. Con un estilo reflexivo, corporal. Su prosa es una mezcla de la poesía de Paul Claudel con la corporeidad escultórica de Camille Claudel y un toque de rareza, como un bello horror. Es danza terapeuta y su trabajo de escritura involucra siempre el cuerpo, lo erótico incluso en el aliento, la postura de un brazo quieto como un pensamiento estancado, o los ojos verde amarillo fuego en un vagón.

Elvis Herrada. Este escritor ha hecho de todo. Viajo a una cumbre de escritores en Luxemburgo reuniendo financiamiento a partir de vender sus libros en los buses de Lima. ¿Cuántos escritores con cojones conoces que hagan eso? Saliendo incluso en las noticias por su tenacidad por alcanzar ese vuelo. Se ha desempeñado como periodista de investigación, espectáculos, policial y un largo etcétera. Y como escritor ha publicado en varias antologías. Quizá su cuento más importante sea Historia de un animal-niño-chico. Si lo tuyo es leer algo bello que te hará llorar, este es el cuento. Aquí un extracto. Y él no sabía qué decir porque su papá le cortó la lengua, y como ya no había nada por suceder, se durmió mirando el suelo de algodón y plumas que se convertirán en una suave y espumosa convulsión.

Kenneth O’Brien. Un autor difícil  con nombre de poeta romántico del s. XIX, pero tenaz. La bestia ambulante y 20/39/04 son dos de sus poemarios mejor logrados. Con casi una media docena de poemarios publicados en 15 años, lo suyo no es una aventura sino una dedicación a la escritura que no ceja, no se detiene y va para más. Para ser una escultura/ te mueves mucho… / para ser una orilla/ te precipitas/ para ser un filósofo/ plancha tu perro.

Y claro, está Spano que también es escritora. Pero como diría Kipling, esa es otra historia.

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