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Música

ESPUELA DE ORIÓN: ¿Los casets ya son piezas de museo?

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¿Los casets ya son piezas de museo?

Por Juan Mujica

 

Recuerdo que a finales de los años 80 escuchaba salsa en casets de 60 minutos. En ese tiempo era de lo más común utilizarlos, y además los vendían como pan caliente. Luego en los años 90 tuve un mayor acercamiento con ellos, ya que estaba en época de promoción y por ende con todas las energías y entusiasmo por la música. En el año 1993 estaba en el colegio, había algunos que teníamos competencia por ser el que más casets de reggae poseía. Yo era el tercero, pero además estaba la fiebre del techno, que acompañaba a la moda del reggae jamaiquino.

En la década de los 90 era muy común encontrar vendedores que expendían casets de los más variados géneros, y estábamos acostumbrados a coger con nuestras manos los estuches y chequear el caset en sí, que a menudo era probado por el vendedor y luego de darle el visto bueno nos lo llevábamos a nuestras casas. Pasando a ser uno más de la colección. Tal y como lo hacemos ahora con nuestros CDs de música.

No obstante, el caset fue conocido por ser un medio para el almacenaje de audio que fue introducido en Europa por la empresa Phillips en 1963, y en los Estados Unidos en 1964, bajo marca registrada con el nombre de Compact Cassette. Aunque había otros sistemas de cartucho de cinta magnética en ese entonces, llegando a ser dominante como resultado de la decisión de Philips (en respuesta a la presión de Sony) de licenciar el formato gratuitamente. Se convirtió entonces en una alternativa popular y re-grabable al disco de vinilo durante los años 70.

¿Es ya el caset una pieza de museo? Me pregunto. Y tal vez para muchos ya lo sea. Sin embargo, tal y como pasó con otros formatos de audio o video, llega el momento en que por el avance de la tecnología, hay que modernizarnos y estar a la par con los nuevos inventos. Sin embargo, lo que no podemos dejar de lado es el contenido, tal y como son las canciones y las películas. Eso sí que es imborrable, y quedará para la posteridad.

Los periodistas aún usan casets para usarlos en sus grabadoras de mano. Sin embargo, que no nos sorprenda si tal uso llega a tener un cambio radical. Ya que el ser humano, tal y como ya dije en anteriores artículos, es un ente acostumbrado a los cambios.

Yo todavía conservo mis casets de reggae y demás géneros musicales. Así como casets con grabaciones periodísticas, pertenecientes a mis años de estudiante de periodismo. ¡Qué tiempos aquellos!

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Cultura

El retorno de Grita Lobos con “Katalaxia Remixes”: darkwave y techno psicodélico para el desenfreno

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Luego de cuatro años de silencio discográfico, el proyecto electrónico peruano Grita Lobos emerge del misterio para presentar la versión alternativa de su álbum Katalaxia, esta vez apostando por remixes que reemplazan las guitarras y la distorsión por el baile y el desenfreno.

Titulado “Katalaxia Remixes”, Grita Lobos presenta un álbum que recoge remixes de su anterior entrega “Katalaxia”, publicado en 2017. Mientras que el álbum original tiene mucha presencia de guitarras, distorsión y frecuencias noise, en este nuevo álbum se re-mezclan las pistas originales pero en clave de electrónica dance.  Es decir, este disco se puede bailar.

 “Katalaxia viene del griego Katalasso, que significa reconciliar a las personas alejadas y una de las maneras de incentivar la intención de reconciliar, es a través de la Ayahuasca. Por eso el álbum original parte de esas dos ideas y estas remezclas las profundizan. Los remixes parecen oscuros y siniestros, como puede ser el momento más intenso de una sesión de ayahuasca, pero muy rápido uno entra en un estado de celebración y comunidad”, comenta Grita Lobos! respecto al álbum. 

La pauta sonora de “Remixes Katalaxia” está claramente marcada por la electrónica, pero convergen importantes cuotas de darkwave, minimal house y techno psicodélico creando un ambiente luminoso, festivo y prediseñado para bailar.

Escúchalo aquí:

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Cultura

De gustibus non est disputandum ¿Spinetta vs Dylan?

Seres humanos como Luis Alberto Spinetta y Bob Dylan, sólo pasan una vez por este mundo. La influencia de ambos es incalculable, pero ¿es posible comparar a ambos artistas? ¿Implica un mayor crecimiento cultural, goce o refinamiento del gusto musical, preferir a uno sobre el otro? Demos una vuelta a su fanaticada.

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Por Gerónimo Stoll

Todo empezó cuando un amigo me dijo “Si te parece que Spinetta es más que Dylan, estas equivocado. Dylan es el Dios. Cualquier persona que niegue eso, aún no ha sido alcanzada por la verdad” así que me pregunté si era posible compararlos como artistas. La voz de Spinetta es casi imposible de igualar dentro de la misma impresión de emociones, dejaba el alma en todo lo que hacía; Dylan, genio, poeta, multifacético, queda en la monotonía para algunos, en cuanto al tema vocal. Ese fue mi primer argumento, mas la insistencia de escuchar y leer con detenimiento las composiciones del artista estadounidense, iniciaron en mí un proceso de exploración musical con una laboriosidad cuasi obrera.

Siempre me pregunté por qué toda su fanaticada se siente elevada a comparación del resto, mientras escuchan la ininteligible voz de un artista (cuya voz poética y lírica) puede plasmarse por escrito como para llevar nobeles a la casa todos los fines de semana. Es como ir a protestar en contra del McDonald’s, acompañado por ritmos de folk, country, rock, blues, gospel y mucho rock, and roll mientras se atiende la comida en el McDonald’s. Fusion Food en su máxima expresión desgastada por el alcohol, es lo que diría yo acerca de Robert Allen Zimmerman.

Bob Dylan.

Mientras que resulta casi blasfemo observar covers de spinetta, ya que malogran horrible la versión original con ese ánimo de beatitud por alcanzarlo, los covers que realiza Dylan de otros artistas son geniales, como “All Along The Watchtower” de Hendrix, del mismo modo, temas que luego han sido un cover exitoso como “Can’t help falling in love” (UB40 realiza el cover) resultan abrasadoramente emotivas y conmovedoras hasta el tuétano en la versión de Dylan. Por favor, no me traigas a los Guns and Roses con “Knockin on heaven´s doors” luego de escuchar al genio sui generis de la canción anglosajona, te los regalo.

Por otro lado, las composiciones y temas de Luis Alberto Spinetta dicen tanto, que superan la voluntad Nietzcheana y del estilo Schopenhauer, trasciende en todo sentido con una naturalidad que hasta el mismo Leibniz se preguntaría si todo pasa por algo, y en este caso ¿qué razón llevó a Latinoamérica a parir esta genialidad de ser? Temas como “Desatormentándonos” y el “Blues de Cris” deja todo en la cancha acerca de las raíces blueseras de las cual bebe este poeta que experimentó con el eclecticismo surreal. Dylan también, dice mucho, protesta siempre y su voz, merece ser cancelada, al poder no le gusta lo que dice.

Luis Alberto Spinetta.

Sin embargo, frente a todo se halla el corolario de los fans. Los fans de Dylan son arrogantes, al menos aquellos que me han rodeado socializando ¿Por qué? Hasta ahora me lo sigo preguntando y preguntando. Creo que es una pregunta sin responder. Es cierto, te sientes más elevado y emocionalmente sosegado al escuchar a este artista, pero ¿a tal punto de querer enarbolar una bandera de sofisticación impuesta en tu ser? Usas la bufanda, los lentes oscuros, las chompas de lana, la casaca morada, la actitud de fumador culto, de lector exhibicionista, músico sólo de ropa para afuera en la católica… No gracias, no voy con ello, me da ganas de vomitar.

Acerca de Luis Alberto Spinetta, no he observado dicha actitud en su fanaticada, mas bien, no tiene fanaticada, es alguien a quién uno llega sólo, Luis Alberto no te busca, tu llegas a él, mientras que Dylan te rodea como un imperativo KFC Starbucks, Chilli’s y otras fusiones extrañas pero deliciosas en cuanto a sabor, sin embargo, Dylan no te genera una indigestión, al igual que Spinetta, de modo que ambos nos transportarían a lo más alto de la gastronomía mundial, al igual que musical, bueno, realmente en el plano musical deja sorprendido encontrase con una comunidad que disfruta del sosiego y emociones desatadas que ambos transmiten y en ello, sus seguidores tienen un común denominador: el refinamiento del oído y el gusto aceptando al otro.

Esta fusión de análisis no tiene respuesta, realmente no la tiene. Musicalmente uno puede perderse, pero basta con ver al grueso de seguidores —así como fans— para ver la influencia del artista. No hablamos de los seguidores que enarbolan la pose de saber todo sobre el artista, sino de aquellos que viven en su interior el arte del mismo, aquellos que guardan un perfil bajo, aquellos que aceptan al otro, aquellos que te hablan más sobre sí mismos y lo que dejaron ambas estatuas de nuestra música, de la humanidad, de aquello que une a culturas tan disímiles como la anglosajona y latinoamericana, que viene a ser la música y la fiesta como protesta estética sujeta de goce cultural.

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Cultura

Escucha “Keep Dancing”, el nuevo single de Andrea Mendoza

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Hace unos meses cubrimos el lanzamiento de “Nothing Else”, quizás el tema más pausado y melancólico de la cantautora peruana Andrea Mendoza, y desde ese último encuentro, vaya que las cosas han cambiado mucho. En su reciente sencillo “Keep Dancing”, Andrea se muestra más vivaz, enérgica y con muchísimas ganas de bailar. Dale play y déjate contagiar.

“La inspiración de “Keep Dancing” viene de sentir haber fallado en casi todas las metas que me había propuesto y encontrar en el arte una motivación para sentirme motivada, relajada y feliz. El ejercicio de escribir esta canción ayudó muchísimo a “dejar ir” muchos estereotipos de lo que significa “estar bien” y enfocarme en estar bien bajo mis propios términos. Fue un ejercicio casi terapéutico”, nos cuenta Andrea Mendoza sobre la canción.

Con este single, Andrea nos ha dejado en claro su gusto y predilección por el R&B y el pop ochentero; sin embargo, en “Keep Dancing” va más allá y propone una fusión entre funk y disco con muchísimo groove. La línea vocal es ligera, como el mensaje, y el bajo mantiene un movimiento constante en el fondo que invita a bailar “libremente”, sin preocupaciones. La canción cierra con un solo de teclado a cargo de la tecladista Jemma Heigis, también libre y atrevida en las melodías que se pierde en un fade out insinuando que continúa hasta el infinito.

La canción fue producida por su hermano Adrian Mendoza (productor de importantes bandas y artistas como Autobus, La Ficción, Isza y NATI) en julio del 2020 en Lima, Perú.

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Cultura

Los amores de primavera se hicieron música: Lucho Figueroa presenta “Ensayos sobre ti”

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¡Novedades musicales en primavera! El novel cantautor trujillano Lucho Figueroa, luego de publicar tres sencillos musicales en lo que va del 2021, al fin nos presenta su primer álbum titulado “Ensayos sobre ti”, siete canciones que narran los amores, decepciones y alegrías de un corazón adolescente.

Este primer trabajo discográfico representa un gran proceso de aprendizaje para Lucho en el que, a través de la música, logró encontrarse a sí mismo y compartir sus experiencias de vida en canciones hechas para amar, abrazar, bailar y llorar. “Ensayos Sobre Ti” es una bitácora personal musicalizada con sonidos del mundo.

 “Con este álbum quise darle ritmo y sabor a varias de mis composiciones intensas y melancólicas. Claro que algunas canciones dejamos que fueran ellas mismas y tiren más al concepto de balada, pero fue demasiado chevere meter lo tropical y armar un fiestón de esos que toda la gente pueda disfrutar en cualquier momento, lo cual terminó por englobar a todo el álbum”, comenta Lucho sobre el álbum.

Tal como lo demostró en sus dos primeras entregas, Lucho ha construido un sonido en base a diversos sentimientos como la melancolía, el amor, la decepción, la alegría que le otorgan al álbum un carácter ecléctico y bastante diverso. El resultado es un disco que ofrece elementos de la cumbia, reggae, reggaetón, balada, latin, funk, afrobeat, bossa nova, flamenco y rock, un verdadero viaje musical.

Escúchalo aquí:

Sigue a Lucho Figueroa en Facebook, Instagram, Twitter y Spotify.

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Cultura

Entrevista a la cantante nacional Blanca Galdos

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Fotografía: Herbert Salas

Blanca Galdos siempre vivió pensando que cantar era lo suyo, aunque su trabajo con niños abandonados, por casi 25 años, la tuvo apartada de la música. No fue sino hasta hace un año y medio en que se decidió a grabar una placa: “Honrar la vida” con el apoyo del guitarrista reconocido y Premio Nacional de Cultura “Coco” Linares y todo pareció volver a su cauce.

Ha tocado más de doscientas veces en un año y viajado incluso a México y a El Salvador representando a nuestro país. Y aunque su familia pertenezca a la inteligentzia artística, pues su señor padre es el premiado pintor: Enrique Galdós Rivas y su hermana es Martha Galdos, muy conocida en el concurso Yo Soy, su brillo es propio y su voz, cálida y estudiada, está siendo reconocida por entendidos y el público de a pie.

1.-La pandemia ha significado cambiar muchas de nuestras costumbres, incluso cuestiones técnicas y específicas en el plano artístico (¡Susana Baca grabó una disco encerrada en el baño y solo con un celular y ganó un Grammy!). ¿Cómo ha sido adaptarse a este tiempo? ¿Qué se ha ganado y qué se ha perdido en este tiempo?

Yo, aún no me adapto totalmente a este nuevo tiempo, siendo consciente de mi continua necesidad de reinventarme en mi trabajo como cantante, pero sólo desde las formas, porque la esencia y significancia es la misma, ya que el canto sigue constituyendo para mí, una expresión maravillosa de conexión conmigo misma y con el otro, además de ser una experiencia terapéutica, tanto para el que canta como para el que escucha. Pero, en razón de la pregunta, que entiendo, es desde el plano artístico, creo que lo más fuerte que se ha perdido en este tiempo, ha sido el encuentro presencial entre el cantante y el público y con ello, esa energía inigualable sostenida en el acompañamiento mutuo. Y es que, en una presentación de tu arte, se entrega y se recibe. ¡Tú, como cantante, entregas tu voz, tu interpretación, tu sentir y de alguna forma -como yo lo siento-, “tu abrazo y tu servicio” lo que implica “ponerte en disposición emocional de gratitud, puesto que agradeces a la vida, la bendición de poder cantar, de poder llegar, de poder emocionar! ¡Pero, así como brindas, recibes y recibes mucho! (¡hace menos de un mes y tras casi 18 meses sin cantar de forma presencial, tras  culminar mi presentación, una poeta quien también se presentó, al bajar del estrado se acercó a mí, y con evidente cariño me dio un beso en la cabeza! ¡esas expresiones de afecto son para mí inigualables! ¡Yo recibo mucho cariño!

¿Y frente a la pregunta de qué se ha ganado?, creo que lo que se ha ganado, es el hecho de explorar tu ser creativo y de que, cualquier reinvención, no tiene por qué quitar tu calidez y deseo de entrega, más allá de la separación física de las personas. ¡Si bien, el trabajo virtual no remplaza el encuentro físico, tampoco lo descalifica, exigiéndote el aprendizaje de nueva tecnología que antes no tenías necesidad de ver!

¡Definitivamente todo ello es un desafío!

2.-La grabación de “Honrar la Vida”, tu primer disco, significó todo un esfuerzo y asumir un nuevo camino. Blanca, la profesional del INABIF (tu antiguo lugar de trabajo) dio paso a Blanca, la cantante. No obstante, este transvase o nuevo nacimiento no se ha dado en un tiempo regular sino todo lo contrario, este es un tiempo convulso tanto por razones sanitarias como políticas, intuimos que no es fácil “cantar en medio del caos”, parafraseando el título de un conocido libro de poesía: ¿Qué significa cantar en el Perú

En efecto, la grabación de mi primer disco “Honrar la vida” significó todo un esfuerzo, tanto en el plano profesional como económico, sintiéndome feliz con el producto final, el cual estuvo listo el mes de enero de 2020. Y cuya cálida e íntima producción, fue coronada por la pintura de mi padre, el artista plástico Enrique Galdos Rivas, quien hizo el cuadro que aparece en la carátula.

Si bien, yo renuncié, el 2018 tras laborar como trabajadora social 25 años, mi canto siempre estuvo presente, solo que bien guardadito y aún sin voz, me acompañaba, haciéndose evidente sólo en reuniones familiares o eventos institucionales. ¡Hasta que decidí dar un paso trascendente con mi renuncia, tanto así, que, como a veces lo comento “dejé lo cierto por lo incierto”, siendo inimaginable el panorama que en menos de dos años se venía! Hoy, definitivamente, atravesamos un tiempo convulso y entonces ante la pregunta ¿qué significa cantar en Perú? yo respondo que, para mí, cantar en mi país, es persistir, auto motivarme y creer en mí y en mi trabajo profesional como intérprete peruana, entendiendo que esta persistencia tiene que ver con el amor y enorme gratificación que me proporciona el poder expresarme a través del canto y del sonido. A ello se suma tu necesidad de desafiarte en la creación de otros escenarios y proyectos de trabajo como cantante, pero también e incluso, desde otras perspectivas laborales y de emprendimiento, dada la situación actual de un artista sin escenario. Como reflexión, es menester referir que una cantante, como todas y todos, tiene sus propias necesidades de subsistencia y siento que es importante expresar esto, porque a veces hay que personas que te solicitan que cantes sin plantearte ningún pago, como si sólo fuera un pasatiempo y no hubiera en ello, mayor esfuerzo y trabajo. En el caso de una cantante que se asuma profesional, hay un trabajo periódico de vocalización, de gimnasia respiratoria y física, de revisión de repertorio, de ensayos sola o con un instrumentista, etc.

Me gustaría expresar por otro lado, que las respuestas en el arte no son sencillas, porque han de existir tantas apreciaciones como cantantes y personas existan. 

3.-En tu trabajo siempre nos encontramos con imágenes muy poéticas, tanto porque cantas textos de vates como Vallejo o Javier Heraud, asimismo ese sino de declamar, un arte que tiene muy pocos exponentes por estos lares. ¿Cómo ve la poesía una cantante?

Quizás no te pueda responder cómo ve la poesía una cantante, pero puedo decirte como la veo yo. Para mí, la poesía es una posibilidad de comunicación y encuentro conmigo y con el otro, tan valorable como el hecho de cantar. Y particularmente me gusta enraizar ambas, ya sea, precediendo primero un poema relacionado con la letra de la canción y/o intercalándolo. Siento que ambas expresiones son un arte que se enriquece en amorosa comunión, por ello, para mí es tan importante el estudio de la voz hablada como cantada, siendo mi máximo ejemplo, el trabajo de la increíble artista española Nati Mistral, quien para mí es un icono. Veo entonces la poesía, tanto declamada, como cantada, como una presencia sostenida en mi trabajo, máxime, al encontrar poesías sentidas y magistralmente musicalizadas.

4.-Sabemos que eres una cantante muy exigente, cosa que significa también rodearse de profesionales exigentes. Podrías contarnos cómo es que trabajas una canción desde que dices “esta es” hasta que la puedas grabar o mostrarla en público.

Cuando sé que esa canción es para mí, la escucho muchas veces por los artistas que la han transitado, y por la persona que la compuso -si es que esta persona la canta-, puesto que ella es la versión original. Paralelamente aprendo la letra y la analizo en la búsqueda de entender que dice, sobre todo, porque muchas letras son simbólicas. Sumo a ello, identificar cada canción con un verbo o adjetivo que la represente y exprese su sentido, como, por ejemplo, Honrar, Celebrar, Añorar, Agradecer, Suplicar, etc. Y en el encuentro de mi versión, voy precisando sus cadencias, preguntándome ¿cómo puedo expresar tal o cual frase desde la súplica o desde la alegría?, ¿cómo ha de ser la inflexión de la voz? Todo ello resulta ser un proceso personal y genuino, porque no podría cantar una canción sino la sintiera. Si canto la frase “es una carta de amor”, expresamente debe entenderse ello, no sólo desde la correcta articulación, sino desde el fraseo, la interpretación, gestualidad y corporalidad. Por lo expuesto, recitar previamente la letra para encontrar los énfasis, es muy útil. Paralelo a ello, hay un trabajo de investigación sobre el autor y su contexto, historia personal e historia de la canción. Esta tarea en su conjunto, me emociona, especialmente cuando los compositores de las letras y/o autores de poemas, han vivenciado experiencias y/o trances muy fuertes y dolorosos, como el caso de Miguel Hernández, poeta español de la generación del 27, quien, siendo aún joven, falleció en la cárcel, despidiéndose con un escrito en la pared que decía “Adiós, hermanos, camaradas y amigos, despedidme del sol y de los trigos”. De él interpreto su poema “Tres heridas” musicalizado por Joan Manuel Serrat.

Luego de lo expuesto, la canto e interpreto para mí, para después cantarla al público y/o grabarla.

5.-Qué te significa el “Bicentenario”, ¿Qué cantantes peruanos deberían ser homenajeados en estas celebraciones y por qué?

El Bicentenario debiera constituir una celebración magnífica si se entiende que cumplimos 200 años de emancipación. Sin embargo, la historia de inequidad social y económica de nuestro pueblo no se condice con ello. No obstante, constituye un momento para reconocer que somos un pueblo vigoroso y solidario que sigue adelante y que se reinventa, pero definitivamente hay muchísimo por hacer y por contribuir.

Y respecto a la pregunta de ¿qué cantantes deberían ser homenajeados?, creo sinceramente que la lista no acabaría. Seguramente, sería sencillo nombrar a cantantes mediático, que han hecho carrera -como se dice-, sin embargo, ha de existir mucha gente que compone y/o canta y lleva alegría a sus pueblos. Estas personas deberían ser homenajeadas, pero no sólo con la entrega de una medalla o diploma, sino con el reconocimiento y atención oportuna de sus necesidades.

6.-Escuchamos tu versión del “Himno Nacional”, equiparada quizás a la versión libre que hace el guitarrista Echecopar de nuestro himno patrio. Cómo nace esta idea y cuál es la diferencia de cantar un tema popular a cantar un tema que no solo es un símbolo patrio, sino que cualquier cambio que se haga tiene que comunicarse a las autoridades.

El Himno Nacional me lo solicitaron para iniciar un evento y dado que no era presencial sino virtual, hice una grabación que luego compartí en mis redes. Personalmente me pareció algo difícil cantar el himno, dada la melodía marcial y al sentido patriótico y emblemático de la misma. Una cosa es cantarla en grupo y otra muy distinta, interpretarla sola. Y como si fuera una canción nueva, debí revisarla, buscar otras interpretaciones, reconocer con la máxima claridad sus letras y sentir el himno, que a mí me parece muy hermoso. Personalmente no realicé ningún cambio, apegándome a la forma ya conocida, sin embargo, me agradaría mucho, intentar una versión más libre, sin faltar a su esencia y desde varios dialectos de nuestra tierra.

7.-¿En qué nuevos trabajos está Blanca Galdos, podrías adelantarnos algo?

Claro que sí, en principio, tengo dos grandes brazos que tienen como tronco, la voz y el canto.  Por un lado, un trabajo personal de reencuentro de repertorio, preparación e interpretación de canciones peruanas e internacionales, incluyendo poesía musicalizada que en algún momento había considerado. Por ahora a capela, pero a mediano plazo con un guitarrista o pianista. Deseo interpretar canciones de Alicia Maguiña, como “Soledad Sola” o “Recordando a mi padre” y ojalá, algunas inéditas. Asimismo, composiciones hermosas de Astor Piazzolla como “Balada para un loco” y así de diversos representantes de nuestra música universal. Por otro lado, me encantaría grabar un disco de cunas y canciones infantiles, así como un disco de música de fe y carácter espiritual. Por otro lado, culminar y llevar a cabo una propuesta de taller de canto terapéutico, que algunos profesionales denominan como canto terapia, dado que me he preparado en el tema vocal, investigo sobre el mismo, además de haberme recibido como coach profesional, todo ello, en el entendimiento de que el cantar mejora nuestro estado de ánimo y sin importar la edad, constituye una posibilidad de desarrollo, además, de “abrir memorias”, al permitirte evocar recuerdos, llorar, reír; por eso, ese dicho popular español que dice “Quien canta sus males espanta”, es perfecto.

8.-Si te dieran la posibilidad de hacer algo por la cultura de nuestro país que es lo que cambiarías.

Fomentaría escuelas de música en los diversos distritos de Lima y en las diversas ciudades del país, para el canto popular y el canto lírico y en donde los asistentes no tengan límite de edad.

Plantearía, asimismo, desarrollar el canto coral en todas las escuelas.

Promovería la creación de una casa albergue para adultos mayores en estado de carencia económica, que hubiesen dedicado su vida a actividades artísticas y como reconocimiento y agradecimiento por el aporte entregado a la comunidad. Lo expuesto, no desde la lectura de “la ayuda asistencial”, sino desde su derecho constitucional. Recuerdo un video que me compartieron de un ex instrumentista de la orquesta sinfónica, en donde se apreciaba al músico, bastante mayor, tocando en una avenida y en evidente estado de mendicidad.

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Cultura

Escucha “Redes”, la nueva entrega de Vílchez Huamán

El primer adelanto oficial de “Baila o muere”, su tercera placa discográfica

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El experimentado músico peruano Ricardo Wiesse -conocido por dar la cara en agrupaciones como La Mente o Suda- viene desarrollando desde 2017 una nueva aventura que empezó en solitario pero en el camino se refugió en una familia musical. Luego de publicar dos álbumes inclasificables y bastante versátiles, está a punto de lanzar un tercer misil discográfico en los próximos meses. Sin embargo y para no revelar la sorpresa en su totalidad, ha anticipado un adelanto titulado “Redes”, sencillo que cuestiona abiertamente el aporte de las RRSS en nuestras vidas.

“Redes es el primer sencillo “oficial” del disco que se viene y que llevará por nombre “Baila o muere”, nombre que claramente propone danzar en estos tiempos de horror como mecanismo de autodefensa. Y si bien no todas las canciones son bailables, evoca conceptualmente a aquella frase que dice “bailar es soñar con los pies”, por ende, “soñar es bailar estático”, comenta Ricardo Wiesse, voz y líder de Vilchez Huaman.

Musicalmente, la canción mantiene el mismo espíritu audaz que Vilchez Huaman se ha encargado de demostrar en sus anteriores álbumes. Precisamente, y jugando un poco con la ambigüedad musical que lo caracteriza, “Redes” podría calzar en la etiqueta de ‘post-pop’ a modo de autoproclamación de libertad creativa de su propia música y para alejarse cada vez más de géneros preestablecidos.


Mira aquí el videoclip:

Más sobre Vílchez Huamán:

  • Vilchez Huaman es un proyecto musical comandado por Ricardo Wiesse Hamann, experimentado músico peruano que integró -e integra- diversos proyectos como Lapura Purita, Suda, La Mente y Aikido.
  • Así mismo, la banda que le hace soporte en los shows en vivo está integrada por Hernando Suarez (guitarra), Telmo Jáuregui (bajo), Luis Espinoza (batería), Miguel Ginocchio (teclados), Martin Del Prado (teclados), Brian Pezo (Ingeniero de mezcla), Mariano Marquez (luminotecnia) y Sebastian Suarez (Vj).

Escúchalo en Spotify:

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Cultura

Sylvia Falcón: “Nos se llora solo por tristeza, se llora también por emoción”

Lima Gris conversó con la soprano peruana Sylvia Falcón. Aquí la entrevista.

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Foto: Andina.

La extraordinaria soprano de coloratura y antropóloga peruana alista nuevo disco y espectáculo en la FIL Guadalajara. Nueva producción musical se estrenará en enero de 2022.

Hay noticias de que estás preparando nuevo material para cerrar este 2021, con presentaciones internacionales.

Si todo sale bien, en noviembre participaremos en la FIL de Guadalajara, y ahora estamos preparando el nuevo tema que esperamos lanzar a inicios del próximo año. Este 2021 estamos con varios proyectos en marcha y vamos avanzando poco a poco. Ahora estoy con Novalima y Guillermo Grimaldo del Solar. Yo tuve una colaboración con ellos hace unos años, al lado de Liberato Kani. Desde entonces hemos interactuado mucho en conciertos y otros eventos, y a partir de ahí nace esta propuesta de armar un nuevo proyecto andino electrónico, que ya en octubre verá la luz.

La versión del Himno Nacional en quechua se ha convertido en un hit. Se ha cantado en muchas actividades oficiales…

Sí, se ha cantado en todas partes (ríe). Desde que lo saqué en 2015, no ha parado. Ha sido como una puerta que me ha permitido ingresar a varios espacios.

¿Crees que todos los peruanos deberíamos aprender quechua, para evitar polémicas como la de hace unos días en el Congreso?

Mira, yo creo que, si se da eso con el quechua, pues se tendría que dar también con las más de 40 lenguas originarias que tenemos en el Perú. Pienso que debería darse una propuesta para que se estudien las lenguas originarias más importantes y extendidas del país, ponerlas en las plataformas de escuelas y universidades de todo el Perú. Es que es algo muy importante, es casi como llevar cursos básicos. Yo hablo un poco de quechua, que aprendí de mis padres, y en esa misma medida también lo entiendo.

¿Crees que quien habla quechua posee una sensibilidad distinta de quien no domina la lengua? Una especie de “sentir” distinto…

Por supuesto, claro que sí. Imagina que no hablas quechua y que hablas inglés o francés, que son idiomas comerciales claro está, pero estas lenguas vienen acompañadas de un sentir particular. La música francesa tiene un sentir especial, la música de los Beatles en inglés también tiene un sentir propio, y así, la música quechua tiene un sentido en su idioma.

Sylvia Falcón. Foto: Andina.

Arguedas también hacía música en quechua.

Así es, la hacía y la defendía, porque la música ancestral, a pesar de haber sufrido muchos cambios los últimos quinientos años, tiene un sentido que está ligado directamente con el idioma. Y al ser este un idioma tan especial le otorga un sentido extraordinario a nuestra identidad. Y así pasa con otras lenguas y esto es muy sencillo de entender. Lo que ocurre es que nosotros mismos cerramos nuestro espectro, creemos que nos va a “hacer menos”. Es un absurdo pensar que saber quechua no nos va a conducir al desarrollo, cuando conocer un idioma nuevo es conocer un universo nuevo, es abrirse paso a un nuevo entendimiento y, sobre todo, cómo no hacerlo si es el idioma que habla casi un tercio de nuestro país. Me parece un disparate no considerar que es una posibilidad para abrirle la mente a la mayoría de peruanos, que no son quechua hablantes, para poder a un universo que nos hace más peruanos. Son cosas muy básicas que no se entienden porque son utilitarias e incluso exótico: hablas dos o tres palabras cuando te conviene, pero no entiendes todo el simbolismo que carga consigo, toda esa cosmogonía que la enriquece… no es algo superficial, todo lo contrario, es algo muy profundo. No podemos seguir pensando que el quechua es algo para adornar nuestros platos y resultar exóticos…

O para ponerle nombres exóticos a restaurantes que cobran carísimo pero que, seguramente, prohibirían el uso del quechua entre sus empleados…

Exacto, exacto, el quechua es un idioma maravilloso.

Mencionaste que formas parte de la comisión del bicentenario que irá representando al Perú en la Feria Internacional del Libro de Guadalajara, pero el actual ministro anunció que esa lista sería reemplazada por otra ¿sabes algo del tema?

No, no estoy al tanto. Yo, la verdad, si me dicen que voy, voy. Si me dicen que no voy, no voy (ríe). Para mí es bien práctica la cosa, como siempre estoy ocupada… no me preocupo mucho de por quienes van, quienes no van.

Eres una representante del bell canto en el Perú ¿qué tan importante es la educación musical para, por ejemplo, luchar contra la simpleza repetitiva del Regaetton?

Mira, yo creo que el arte tiene un espectro demasiado amplio, y creo que la música en general nos sirve todas las opciones para nosotros poder elegir. Ahora, a lo que nos ha conducido el pensamiento moderno y comercial, es a esa música. Bien por esa gente que lo aguanta, le gusta, lo practica, difunde y etc. Perfecto. Para los que no nos gusta tenemos la trinchera de nuestra música, de nuestras propias propuestas. En ese sentido hay que preocuparnos pues hay tanto de lo otro y tan poco de lo que podría llevarnos a atesorar nuestra música, nuestro acervo, que para mí si eso me mantiene viva y viviendo mi día a día, para mí ya es bastante.

He seguido tu labor como la de alguien que explora dentro de la producción musical histórica del Perú ¿has encontrado algún tema que te haya conmovido al punto de querer interpretarlo?

Mira, todas las canciones tradicionales que he escuchado en mi pueblo, desde las auroritas que se cantan después de las corridas de toros en los pueblos chiquititos, y que ya muy poca gente las conoce. Mi papá nació en Sequeira, en Páucar del Sara Sara, en el distrito de Marcabamba, allá en Ayacucho. Y desde las huayllachas que ya nadie conoce o de las huancas que cantaban las mamachas en honor a la papa en Cusco, me mueven esos cantos, me emocionan. Mi última canción, “Macchu Picchu”, empieza con esas huancas que ya no se van a escuchar más porque ya no las cantan de forma tradicional, y como ya el espectro comercial ha ganado mucho espacio en la música andina incluyendo instrumentos como la batería, por ejemplo, ya la música que se practica como medio social, como cuando siembras o cosechar en tu chacra, o techas tu casa o hace un ayni… todo eso antes se cantaba. Hoy ya no se hace más.

Se dice que la música representa el gusto o el sentir de determinado grupo social. Por ejemplo, siempre se ha dicho que la gente del ande es triste porque tristes son sus huaynos, como triste es el tono del verde de sus cerros ¿tú crees eso?

Para nada, para nada. Es una versión muy sesgada, siempre lo he dicho; es como si, viendo toda la discografía de los Rolling Stones, solo te centraras en Angie. Eso demuestra una falta de conocimiento enorme. Y eso es algo que siempre recalco: falta de conocimiento. Si nosotros no sabemos, nos vamos a creer cualquier cuento; si no sabes y viene alguien que te dice falsedades de una manera bonita, te lo vas a creer todo. Y no debería ser así. Dónde quedan los Santiagos, dónde los Cacharparis, dónde el Huaylarsh, dónde toda música que se baila fervientemente, que se goza pero también se llora, por supuesto. Yo pienso que se entiende mal la melancolía del andino, pues esta está relacionada íntimamente con el goce. No se llora solo por tristeza, se llora también por emoción: el andino baila la vida.

En ese sentido somos una sociedad muy hipócrita ¿no crees? Cuando estamos “alegres” bailamos de todo, pero en estados “normales” aflora el desprecio y la subvaloración por la música andina ¿A qué crees que se deba esto?

Yo pienso que eso se debe, primero, a una falta de reconocimiento: no creer que eso que tú eres, es valioso. Y eso se debe pues a que somos una sociedad discriminadora, marginadora, que toda la vida te ha dicho que ser serrano es malo, es triste, es feo. Son doscientos años ya con ese tratamiento, que no es poca cosa tampoco, y si a eso le sumamos el trauma de la colonización, estamos hablando de lo mismo. No es poca cosa. No hemos podido revertir de una manera efectiva esta crisis existencial.

Yo siento que el volver a reconocer el valor de nuestra historia, de lo que somos, del lugar de donde venimos, cómo nos hemos configurado, por qué somos valiosos el día de hoy, y ver en eso diverso, en eso complejo, en eso denso, el potencial para el futuro. Yo siento que, a mí, ese universo me ha enseñado mucho.

¿Hay mucha hipocresía entonces?

Yo creo que sí, porque te gusta el tema por encimita nomás, porque hay un posible rédito de por medio, pero luego estás diciendo “Ay, ese serrano, ese chuncho…”.

La imagen de los padres sobre los niños también enseña a apreciar lo que somos, sobre todo desde el arte.

Tengo una nena, pequeña. A ella le compuse un arawi antes de que naciera. Cuando nos escucha componer a su papá y a mí, está pendiente de nosotros, aprende las canciones que le gustan… Así como pasó conmigo, así quiero que le nazca naturalmente lo que ella quiera ser. A pesar de que yo nací en Lima, nadie me obligó, nadie me dijo haz esto o lo otro, no te sientas así o de otra manera, nunca. Yo sola me di cuenta de esta sociedad hostil, sí, pero a mí nunca me afectó porque yo sé quién soy y lo que quiero, y siempre he estado orgullosa de eso, que mis padres me enseñaron. Y quiero lo mismo para mi hija. Que nadie te diga cómo debes sentirte, tú sólo debes darte cuenta de ello: hacer brotar ese sentimiento, verlo crecer, desarrollarlo y compartirlo. La identidad es una cuestión de vivencia, no está en los libros, tienes que sentirla. El arte es un gran gatillador de todo esto. Yo le debo a la música andina, el que me haya desprejuiciado desde niña por completo.

Qué tan importante es la educación musical en los colegios, algo que ahora se ha abandonado en muchísimos casos.

Para mí es algo básico, y no solo aquí si no en todo el mundo. Es fundamental que los niños aprendan arte y se desenvuelvan en la música. Lo veo en mi niña ahora, por ejemplo. La música incluso afina actitudes mentales que son muy importantes. Yo no tuve esa suerte de niña, de formación escolar, pero aprendí en mi pueblo y eso fue todo.

Ahora que estás en una nueva etapa, cuáles son tus expectativas como artista.

Siento que tengo mucho que aprender aún, tengo que descubrir nuevas versiones de mí misma, busco espacios donde pueda aportar en lo peruano, soy muy obstinada con eso. Yo no me compro el cuento de los sonidos foráneos para poder vender mejor y que con ese sonido voy a hacer la revolución musical, no, yo no creo en eso. Creo que la revolución tiene que salir de aquí adentro y nosotros tenemos que aprender. Es muy difícil porque no lo hemos hecho, pero tenemos que aprender de nuestro propio sonido e historia. Como lo hicieron los brasileros, los africanos, que conquistan el mundo con su música. Ellos no copiaron, ellos “hicieron”.

¿Crees que la música puede definir un carácter nacional, local? La música popular brasileña, por ejemplo, no es igual en ninguna otra parte del mundo, y es a la vez alegre y nostálgica.

Los brasileños son unos genios, le encontraron la vuelta a la música con el Bossa Nova, por ejemplo, como hicieron los ingleses con la música popular en los setentas. Y en el Perú no tenemos eso simplemente porque aún no nos la creemos, no creemos en nuestra música, no nos apasionamos a fondo, no la estudiamos. Hay que preguntarle a los que supuestamente hacen fusión de música peruana, cuánto más conocen de verdad de música peruana. ¿Qué pasó con Moisés Vivaco e Yma Súmac, por ejemplo? Ese fenómeno, por ejemplo. Lo que hizo Vivanco con ese efecto con el que ambos se fueron a volar por el mundo se debió a que ese señor no era un improvisado: era un absoluto conocedor de la tradición de su pueblo. Sabía de dónde venían los arawis, los yaravíes, el carnaval, la cosecha de habas, sabía todo al revés y al derecho. Y luego ese conocimiento de armonía convencional, de música moderna empezó a unirse a toda esa corriente de andino pensadores e intelectuales que devino en su gran momento en componer en una clave inédita. Nadie le puede decir a Vivanco que su trabajo no fue original.

El problema es que no nos conocemos y desde ahí tampoco nos aceptamos.

No somos capaces de reconocernos en nuestra música, y como no somos capaces de abrazar eso, no puedes construir nada sobre aquello. Somos muy acomplejados. Te pones el poncho y el chullo para la foto, pero nada más. Una vez que termina tu viaje turístico regresas a la ciudad y hablas mal de los serranos, de los chunchos… no nos conocemos. En todos los estudios de Ciencias Sociales, desde la antropología, la sociología a la historia, la arqueología, están repletos de investigadores extranjeros. Revisen todas las últimas publicaciones que se lanzan en el espectro de las ciencias sociales y los investigadores extranjeros ebullen desde hace mucho tiempo ¡y son unos amantes del Perú!, y te preguntas ¿por qué nos quieren tanto? ¿por qué se entregan tanto a la historia al conocimiento de esa manera tan obsesiva? Pues porque mientras más conocen (al Perú), más lo quieren, más lo aprecian, más espectacular les parece. Es una cosa increíble. Si no nos enseñan eso en el colegio seguiremos creyendo que siempre seremos derrotados por cualquier extranjero.

¿Te ha resultado difícil como mujer, destacar en el medio musical?

Sí y no por igual. Es difícil para todos, sobre todo si estás dedicada a algo no comercial. Yo creo que he tenido mucha suerte por los aliados que he encontrado en el camino, y ellos han hecho que lo que yo quería o anhelaba llegara a florecer. Yo he hecho todo, desde la producción de arte hasta el vestuario y lo he hecho con mucho amor. A mí me interesa el reconocimiento de la gente que sabe y que construye algo que va a durar mucho tiempo. Si ha sido difícil, no me arrepiento de ninguno de los momentos de tensión que hemos pasado en este largo camino.

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Música

Andrea Mendoza nos habla de los amores cotidianos en “Nothing Else”, su nuevo sencillo

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Andrea Mendoza es una cantante y compositora peruana afincada en la ciudad de New York, Estados Unidos, donde viene desarrollando una ascendente carrera artística. En lo que va del 2021, Andrea nos ha regalado los dos primeros cortes de su próximo EP Fermata: “March Eleven” y “I’m Back”, sencillos con las que ha llegado a un importante número de medios musicales nacionales e internacionales destacando su propuesta orientada al R&B y pop contemporáneo. Esta vez nos presenta “Nothing Else”, su tercer sencillo en el que nos abre su corazón para hacernos partícipe de un mensaje de amor y paz.

En definitiva, se trata de una canción de amor. “Nothing Else” nos habla de un amor simple… de uno que no necesita demostrar nada o sentirse constantemente validado. Por el contrario, nos da la libertad de ser genuinos el uno con el otro. Los versos transmiten, a través de ejemplos cotidianos, un sentimiento de apreciación y paz en las pequeñas rutinas de una relación y de sentirse apoyado por su pareja.

En cuanto a su sonoridad, “Nothing Else” toma distancia de las anteriores entregas de Andrea -cuya pauta estuvo guiada por el sonido del pop y el neo soul- y rinde un tributo a diversos elementos de la música andina. Integra un estilo indie folk, con sintetizadores, bombos y charangos.

Escúchala aquí:

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