Cine
El Fin: Canciones del segundo piso (2000)
En la secuencia inicial de Canciones del Segundo Piso (2000), del sueco Roy Andersson (Gotemburgo, 1943), el dueño de una compañía, desde su cámara de bronceado, le comunica a un ejecutivo de su confianza, que cerrará la empresa, dejando en la calle a los trabajadores, los nuevos tiempos así lo exigen, le explica, y le aconseja a su vez, que haga algo diferente con su vida, ya nada queda en el presente para ellos y hay que aprovechar que aún se tiene dinero. Pasmado por el discurso del empresario, el desconcierto del ejecutivo anticipa el clima general de la película. Una crisis que parece ir más allá del sistema capitalista y que toma la apariencia de “fin del mundo”, muestra a numerosos personajes transitando entre el caos, el egoísmo, la violencia y la total apatía, en un país no determinado, que guarda sin embargo muchas semejanzas con la sociedad del propio director.
El relato que se organiza por fragmentos yuxtapuestos, como segmentos autónomos, casi como sketches teatrales, es construido de forma coral, no detalla demasiado las circunstancias que rodean a sus personajes y ellos mismos no repiten secuencias sucesivas. (Aunque la excepción la constituye el dueño de la mueblería, quien lentamente en la película va teniendo mayor protagonismo).
El contexto de la crisis –que suma a lo económico y social, una congestión vehicular que paraliza la ciudad- es el espacio en que las acciones adquieren sentido –o sinsentido. El fin de todo, es el que moviliza los intereses –para conservarlos o dejarlos-, hace que algunos evalúen la vida y los afectos, e incluso puede llevar a otro a hablar con los muertos –aunque no siempre logre entenderlos.
Las secuencias filmadas en plano fijo, remarcan el sentido de artificio. Actores acartonados o poco expresivos, a ratos también son excesivamente gestuales. La exageración de un registro a otro parece remarcar también el sentido de farsa; el humor y el absurdo -en su acepción literaria como introducción de elementos extraños que trastocan el orden cotidiano-, relajan la “seriedad” que un tema como este podría convocar y emocionar, evitando que el espectador se involucre –demasiado- en los dramas particulares, eludiendo así alguna clase de identificación. Esta suerte de distanciamiento (a lo Brecht), deja lugar para la reflexión, permitiendo mirar el agotamiento de ciertos sistemas sociales (capitalistas), examinar los comportamientos socialmente aceptados –a través de versiones grotescas-, y plantearse, si cabe, algunas preguntas sobre la colectividad a la que hace referencia, su propio país, y la memoria del mismo con respecto a fenómenos históricos como la Segunda Guerra Mundial o el nazismo. (En una especie de casa de retiro, un anciano ex militar, de más de cien años, es homenajeado por una comitiva de estado. Cuando la comitiva le pide al viejo unas palabras, este, emocionado, les dice que saluden a Goering de su parte).
En los segmentos, las acciones que aparecen con nitidez en la profundidad del campo, no siempre acompañan o comentan lo que va ocurriendo cercano a la lente. Esas imágenes surgen con relativa independencia, nos jalan, suscitan nuestra atención, informan o sorprenden, reorganizando el sentido de toda la secuencia. En una palabra: afectan. (Detrás de las explicaciones del vendedor a los inspectores de la aseguradora, están las ventanas que dan a la calle. Allí pueden verse las filas de hombres y mujeres que avanzan ordenadamente, golpeando con una soga – ¿o látigo?- la espalda del que está adelante).
Desde secuencias minimalistas (un hombre llorando en la cocina por haber perdido el empleo, es contemplado desde la puerta por su esposa), hasta otras barrocas (al borde de un precipicio, funcionarios gubernamentales y empresarios, frente a autoridades de la iglesia cristiana, observan la ceremonia de sacrificio de una niña que será arrojada), Andersson presta mucha atención a la composición del plano y a la escenografía. Las funciones de lo que se encuentra “atrás” –con o sin acción- o alrededor, los simbolismos marcados en la combinación de cuerpos y objetos, los colores fríos que prevalecen y la disposición de los actores casi estáticos, refuerza la idea de un orden y emparente el trabajo del director con lo pictórico, como los frescos religiosos, en donde las ideologías confesionales eran mostradas en complejas escenas alegóricas. (Lo cual también encontramos en pintores surrealistas, aun con sus imágenes oníricas de distorsiones y formas desfiguradas).
La cinta de Andersson, armada con la ironía y el absurdo, aborda una cantidad de asuntos difíciles de resumir: la crisis del capitalismo (tardío), el individualismo de la sociedad consumista, la religión, la culpa, el racismo de las sociedades europeas, la historia de esas sociedades, la anuencia con determinadas herencias, entre lo más evidente. El tema central, la crisis financiera, activa estas problemáticas y sus insuficientes respuestas sociales, la falta casi total de alternativas. De ahí, resulta sintomático que el autor haga de las manifestaciones religiosas o esotéricas uno de sus blancos, por la hipocresía con que unas clases privilegiadas buscan en su apelación a lo divino salvar el pellejo. Así, en una reunión de funcionarios –gobierno, empresa- se propone el usar una bola de cristal, en otro momento se sacrifica una persona, o se hace una última juerga en tono de despedida. Pero la falsedad de las creencias también toca al ciudadano de a pie que ve derrumbados sus marcos de entendimiento, por lo que empieza a sentir una culpa que no llega a explicar, un malestar, una dolencia sin razón evidente. Entonces las manifestaciones más desesperadas se vuelven opciones y surgen ideas de negocios disparatados, como vender cruces, para intentar lucrar con la esperanza. Pero todo fracasa y la película también muestra esas actitudes indiferentes de personas que nunca se habían preocupado por sus convivientes o aquellas que prefieren seguir como si nada. En el medio, la violencia aparece como parte del paisaje: un inmigrante es golpeado en la calle a vista y paciencia de los que pasan y nadie hace o dice algo, y no sabemos si el director quiere reseñar aquello como parte de una normalidad europea o como si fuera una reacción derechista frente al desempleo y la crisis económica. Andersson quiere exponer a un ser humano degradado, deslucido, miserable. (La intencionada “fealdad” de sus personajes es parte de ello).
“Amadas las personas que se sientan”, es el verso del poema “Traspié entre dos estrellas” de Vallejo, la cita que abre la película. La poesía, a pesar de todo, interviene para recordarles la humanidad, o por lo menos sus valores más rescatables, a unos cuantos personajes, aun cuando los poetas sean encerrados y dados por locos en el país que Andersson imagina, y los familiares se desesperen durante las visitas al hospital al ver que su hijo, que “enfermó porque la poesía se le metió a la cabeza”, no habla y permanece quieto, como ausente. Porque hay algo en los versos que enajena, pero también algo que permite encontrar una nueva manera de afrontar la vida, con sus riesgos, los que sanciona el sistema y los de la inestabilidad psíquica. De ahí que muy pocos lo entiendan, porque al parecer encerrarse en el statu quo es, en teoría, más “seguro” y “gratificante”. Andersson establece ese contrapunto moral entre el individualismo posesivo de las sociedades capitalistas y unas opciones, todavía no del todo claras, pero sí más solidarias, y se intuye, más justas. (Será el taxista, menospreciado por su familia, el que al descubrirse recitando el poema vallejiano, influenciado por su hermano confinado, parezca adquirir una nueva conciencia).
Pero la poesía, y su representante, el poeta, no reivindicarán a la sociedad planteada por Andersson. El humor cáustico de la película descubre el deterioro de una sociedad cuando a esta ya no la sostiene el motor económico que manejan los poderosos -por eso la película empieza con el cierre y los despidos en una empresa-, que en contextos de “prosperidad” les permite desplazar y encubrir problemas constitutivos del orden social. (A pesar de que suponemos que el referente del director ha sido la sociedad sueca, tan alabada por sus sistemas de bienestar). Estos problemas de “origen” –histórico-, serían también causa de que los muertos persigan a los vivos tratando de encontrar una respuesta a sus decesos, o asesinatos según el caso. Pero los vivos, envueltos en sus propios dramas y miserias, rehúyen de ellos, les gritan porque dicen no entenderlos, y hasta les temen, porque les recordaría el pasado ignominioso que los ha llevado al presente.
Cine
Histórico: tres películas peruanas se encuentran como las más vistas en los cines peruanos
Desplazando a millonarias producciones internacionales “Vaguito”, “Chabuca”, y “Vivo o Muerto” fueron las preferidas ayer.
Sin precedentes. Tres producciones nacionales han conseguido algo impensable después de muchísimos años y es que se han colocado por primera vez en las 3 primeras posiciones del TOP 10 de espectadores a una sala de cine ayer.
Aunque parezca increíble han desplazado a producciones internacionales de cientos de millones de dólares como Dune: Parte dos, Ghostbusters, o Kung Fu Panda 4. El primer puesto se lo llevó “Vivo o Muerto” con 71 mil espectadores, que trata sobre los últimos días del ex presidente Alan García; le sigue “Chabuca”, que durante su semana en cartelera hizo 41 mil espectadores; y en el tercer lugar “Vaguito”, que viene remontando cifras luego de su lánguido estreno, pero que gracias a las redes sociales ha logrado 39 mil espectadores tan solo el día de ayer.
Los números los reporta el usuario de Twitter/X @SoyAlPacine.
1) Vivo o muerto: 71k 2) Chabuca: 41k 3) Vaguito: 39k (cifras del martes 23 de abril del 2024).
En cifras generales, “Chabuca” ya cuenta con unos 337 mil espectadores en total, manteniéndose como la película peruana más vista del año; en tanto “Vivo o Muerto” viene acumulando 315 mil espectadores”. Finalmente, “Vaguito” tiene un acumulado de unos 100 mil espectadores aproximadamente, una cifra importante que se ha visto potenciada por la campaña en redes sobre en favor del albergue al que se apoya con el visionado de esta película del llamado “Hachiko peruano”.
También es importante mencionar que La Fiesta del Cine les dio un tremendo empujón a las películas nacionales durante estos días y se mantiene hasta el día de hoy con precios especiales en todos los complejos.
Vaguito, el “Hachiko peruano” que viene siendo un ‘boom’ en la cartelera nacional
La enternecedora historia de ‘Vaguito’ tuvo un tibio estreno el pasado 18 de abril, apreciándose en muchas de las salas casi vacías donde se proyectaba su película, con el paso de los días el relato de la vida del perrito protagonista de Punta Hermosa ha cautivado a más de uno, lo que generó que más personas acudan a verla.
‘Vaguito’ vio un incremento notable en la asistencia durante su primer fin de semana, alcanzando cerca de 40.000 espectadores al cierre del mismo. De esta cantidad, casi la mitad se concentró el día domingo, según reportes de diversas fuentes.
Actualmente, numerosas salas de cine que exhiben el filme, conocido como el ‘Hachiko peruano‘, están experimentando llenos completos. Esto incluye varias sucursales de Cineplanet, ubicadas en lugares como Mall del Sur, San Juan de Lurigancho, Trujillo y Arequipa.
Cine
Premios Oscar: Oppenheimer se llevó siete estatuillas doradas
Película dirigida por el cineasta Christopher Nolan fue galardonada como mejor película y mejor director.
El ‘padre’ de la bomba atómica remeció anoche el Dolby Theatre de Hollywood. La cinta dirigida por el multifacético director británico Christopher Nolan se consagró como la mejor de la ceremonia en los premios Oscar 2024, llevándose consigo siete estatuillas doradas, incluida el de mejor película, mejor dirección, mejor actor principal, mejor actor de reparto, mejor banda sonora, mejor edición, y mejor fotografía.
La cinta de Universal Pictures se impuso a las favoritas “Killers of the Flower Moon”, “Anatomía de una caída”, “Poor Things” y otras destacadas producciones.
“Oppenheimer” es un drama histórico que explora la vida de J. Robert Oppenheimer, el científico que lideró el Proyecto Manhattan para desarrollar la bomba atómica. La película ha sido elogiada por su dirección, las actuaciones del elenco, la cinematografía y su tratamiento de un tema complejo e importante.
Con este premio, “Oppenheimer” se consolida como una de las películas más importantes del año. La cinta ha logrado un gran éxito de crítica y taquilla, y ahora se suma a la lista de películas ganadoras del Oscar a Mejor película.
En una gala con pocas sorpresas, en la que se cumplieron la mayoría de las quinielas de críticos y aficionados, también resultó multipremiada “Pobres criaturas” (Poor Things).
Una de las 4 estatuillas con las que se hizo el filme del griego Yorgos Lanthimos fue para Emma Stone como mejor actriz, por encarnar a la protagonista, Bella Baxter.
El Oscar que se llevó Da’Vine Joy Randolph como mejor actriz de reparto fue el único para “Los que se quedan” (The Holdovers), y el de Billie Eislish por su canción ‘What Was I Made For?’ el único para el gran éxito de taquilla de este año, Barbie.
“Los asesinos de la luna” (Killers of the Flower Moon) se fue a casa sin ningún reconocimiento, a pesar de contar con 10 nominaciones.
Aquí la lista de los ganadores en las más importantes categorías:
- Mejor película: Oppenheimer
- Mejor dirección: Oppenheimer – Christopher Nolan
- Mejor actriz protagonista: Emma Stone – “Pobres criaturas” (Poor Things)
- Mejor actor protagonista: Cillian Murphy – Oppenheimer
- Mejor actriz de reparto: Da’Vine Joy Randolph – The Holdovers (“Los que se quedan”)
- Mejor actor de reparto: Robert Downey Jr. – Oppenheimer
- Mejor guion original: Anatomy of a Fall (“Anatomía de una caída”) – Justin Triet, Arthur Harari
- Mejor guion adaptado: American Fiction – Cord Jefferson
- Mejor edición: Oppenheimer
- Mejor película internacional: “La zona de interés” (The Zone of Interest)
- Mejor película animada: Kimitachi wa Dō Ikiru ka (The Boy and the Heron, “El chico y la garza”)
- Mejor cortometraje animado: War is Over! Inspired by the music of John & Oko – Dace Mullins, Brad Booker
- Mejor maquillaje y peluquería: “Pobres criaturas” (Poor Things)
- Mejor diseño de producción: “Pobres criaturas” (Poor Things) – Diseño de producción: James Price y Shona Heath, Decoración de escenografía: Zsuzsa Mihalek
- Mejor diseño de vestuario: “Pobres criaturas” (Poor Things)
- Mejores efectos visuales: Godzilla Minus One
- Mejor película documental: 20 Days in Mariupol (“20 días en Mariúpol”)
- Mejor cortometraje documental: The Last Repair Shop
- Mejor fotografía: Oppenheimer
- Mejor cortometraje de ficción: The Wonderful Story of Henry Sugar – Wes Anderson, Steven Rales
- Mejor sonido: “La zona de interés” (The Zone of Interest)
- Mejor banda sonora original: Oppenheimer
- Mejor canción: What Was I Made For? – Barbie
Cine
Este 4 de abril se estrena a nivel nacional la película peruana “Yana-Wara” [VIDEO]
Película póstuma del notable director Óscar Catacora podrá ser disfrutada en Lima y regiones. Imperdible.
La película póstuma de Óscar Catacora codirigida junto a su tío Tito Catacora, “Yana-Wara”, confirma su estreno para el 4 de abril en las principales salas de cine de Lima y regiones.
Realizada por los mismos creadores de las laureadas “Wiñaypacha” y “Pakucha” se trata de un largometraje hablado en lengua aymara, que presenta una historia sobrecogedora con elementos de cine de horror y drama social, que nos acerca a la visión de la vida, la muerte y los misterios de la cosmovisión del universo aymara.
Basada en una idea original de Óscar Catacora, filmada en blanco y negro, en escenarios naturales de Conduriri, en El Collao, Puno, y con una fotografía impresionante Yana-Wara está inspirada en las creencias, testimonios y mitos acerca de la fuerza de la naturaleza y las presencias positivas y negativas que rigen la vida de las comunidades altoandinas.
También nos habla de la existencia de maldiciones que surgen cuando se rompe el orden cósmico y aparecen entes malignos como el Anchanchu, que habita en las cuevas, y la Malahora, tiempo siniestro que trae desgracias que destruyen y castigan.
La trama
El filme narra la historia de Yana-Wara (Estrella del amanecer), una niña de 13 años marcada por la fatalidad desde su nacimiento, cuando su madre muere al darla a luz y al poco tiempo su padre fallece, fulminado por un rayo.
Huérfana bajo el cuidado de Don Evaristo, su abuelo, Yana-Wara crece en un ambiente rural de soledad, rodeada de cerros, en medio de la naturaleza y sus animales.
El abuelo buscando que su nieta se eduque, la lleva a la única escuelita rural de la comunidad para que el nuevo profesor recién llegado, le enseñe a leer y escribir. Lo que parece una oportunidad de mejorar la vida de Yana-Wara, se convierte en el inicio de una tragedia conmovedora y a la vez aterradora, cargada de misterio y situaciones de crudo realismo.
El relato está teñido de fantasía, misticismo y horror. Lo sobrenatural está siempre presente así como la muerte. Yana-Wara es una niña tocada por el mal, atormentada y acosada en la realidad y también por entes malignos a los que es necesario exorcizar. Don Evaristo en su deseo de salvar a su amada nieta de un destino terrible y lleno de dolor, toma una decisión extrema que trasciende a toda la comunidad.
Yana-Wara toca temas como la violencia de género, machismo, la discriminación, la condición de la mujer en las zonas altoandinas y la justicia intercultural vigente en muchos lugares del país.
En la película, la justicia comunal acusa al abuelo de haber asesinado a su nieta y tendrá que definir el castigo de acuerdo a la cosmovisión aimara que los rige. Un proceso que lleva a la reflexión y a mirar la realidad con otros ojos.
El filme está protagonizado por la debutante Luz Diana Mamami, como Yana-Wara; Cecilio Quispe en el personaje del abuelo Don Evaristo, Juan Choquehuanca, Irma D. Percca y José D. Calisaya. La película es producida por Cine Aymara Studios y fue realizada gracias al premio a la producción del Ministerio de Cultura.
Esta esperada película, que continúa la senda dejada por la multipremiada película Wiñaypacha, se estrenará el 4 de abril de la mano de la distribuidora V&R Films en cines de Lima y regiones.
Cine
Cine: “Encantados”, una aventura mágica
Película animada para toda la familia se estrena a nivel nacional el 25 de enero.
Cine
Edith Piaf está de vuelta: alistan película biográfica de la cantante generada con IA [VIDEO]
Voz e imagen de la cantante parisina regresarán gracias a la tecnología, según lo informó Warner Music.
El ‘Gorrión’ de Paris volverá a cantar en este nuevo milenio. La voz e imagen de la mítica cantante francesa Edith Piaf serán recreadas con Inteligencia Artificial (IA) para la realización de ‘Edith’, una película biográfica sobre la destacada artista del país galo.
Warner Music Entertainment informó que se ha asociado con la productora Seriously Happy para hacer una película de 90 minutos de duración narrada por la voz de Édith Giovanna Gassion (su nombre original) que “descubrirá aspectos de su vida hasta ahora desconocidos”.
En el comunicado, las productoras explican que la imagen y voz de Edith Piaf serán recreadas gracias a la tecnología de IA que fue entrenada con cientos de archivos, algunos de hace más de 80 años, “para realzar aún más la autenticidad y el impacto emocional de su historia”.
“La animación ofrecerá una visión moderna de su historia, mientras que la inclusión de imágenes de archivo, actuaciones en el escenario y en televisión, imágenes personales y entrevistas televisivas proporcionarán al público una visión auténtica de los momentos significativos de la vida de Piaf”, dice el anuncio.
La cinta está ambientada en las ciudades de París y Nueva York, y comprende la época de 1920 a 1960.
El proyecto promete ofrecer una visión moderna de su historia, mostrando logros personales y actuaciones icónicas de la intérprete de ‘Non, je ne regrette rien’.
La idea original es de la directora y guionista Julie Veille, responsable de películas de televisión como Diana Ross, suprême diva (2019) y Stevie Wonder: Visionnaire et prophète (2019), y comparte créditos de escritura con Gilles Marliac.
“Su historia es una muestra de increíble resistencia, de superación de luchas y de desafío a las normas sociales para alcanzar la grandeza, y es tan relevante ahora como lo fue entonces”, dijo Veille en un comunicado.
Por su parte, Catherine Glavas y Christie Laume, las albaceas del patrimonio de Piaf, expresaron lo “especial y conmovedor” que resultaba la experiencia de volver a escuchar la voz de la cantante gracias a la tecnología IA.
“Se siente como si estuviéramos de nuevo en el cuarto con ella”, apuntaron.
La vida del ‘Gorrión’ estuvo marcada por la tragedia y los excesos al haber vivido una infancia azotada por la necesidad y la miseria, y una vida adulta golpeada por la muerte de su única hija y de su amado, el boxeador Marcel Cerdán, y problemas con su adicción a la morfina.
Cine
Marco Panatonic: “En Perú hay un fascismo que quiere destruir el cine”
Largometraje “Kinra”, del cineasta cusqueño Marco Panatonic, ganó el premio a Mejor Película Internacional en el Festival de Cine de Mar del Plata. El cine peruano continúa cosechando premios internacionales.
“Kinra”, opera prima del cusqueño Marco Panatonic, acaba de ganar el Astor Piazzolla de Oro, a mejor Película Internacional en la Competencia del Festival de Cine de Mar del Plata, que este año va por su 38° edición.
El largometraje de Panatonic, aborda una realidad innegable en Latinoamérica; el tema de la migración que toca a todos los que alguna vez hemos salido de nuestros terruños. Y sin duda, el enfoque visual de “Kinra” nos narra un testimonio que no necesita mayor relato, que sus propias imágenes.
El cineasta peruano celebra el triunfo de su película en Mar de Plata.
Panatonic agradeció al festival por permitirle estrenar el filme en Latinoamérica y en especial, a su equipo de trabajo, porque “ha puesto el cuerpo para caminar por los Andes”.
“Me llevo una gran experiencia. Estaba dudando de si puedo hacer cine y seguiré dudando, porque en Perú hay un fascismo que quiere destruir el cine. Hay que seguir luchando”, aseveró el director en su discurso durante la ceremonia.
Marco Panatonic, estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad Nacional San Antonio de Abad; sin embargo, tiene una formación autodidacta en cine y también experiencia en el área técnica de diversas producciones. No por algo, participó en años pasados en uno de los festivales de cortos más importantes de la región, el FENACO, y hoy ya puede gozar de los logros, luego de un arduo trabajo.
Cine
35° Festival de Cine Europeo de Lima llega con 55 películas de estreno
La 35 edición del Festival del Cine Europeo de Lima se realizará del 16 al 30 de noviembre en Lima, Cusco, Arequipa, Piura, Trujillo y Chiclayo.
El Festival del Cine Europeo de Lima está de vuelta en su 35ª edición del 16 al 30 de noviembre de 2023 prometiendo dos semanas llenas de cine europeo de primer nivel gracias a sus organizadores: las embajadas de los Estados miembros de la Unión Europea en el Perú, la Delegación de la Unión Europea y la Filmoteca de la Pontificia Universidad Católica del Perú.
Esta edición trae consigo una emocionante selección de 55 películas procedentes de 18 países europeos, como Alemania, Austria, Bélgica, España, Finlandia, Francia, Grecia, Hungría, Italia, Países Bajos, Polonia, Portugal, Rumanía, además de Dinamarca, Bulgaria, Malta, Croacia, Estonia y la participación de Ucrania y Perú.
Los amantes del cine tendrán la oportunidad única de sumergirse en la riqueza de la cinematografía europea y descubrir historias de toda la Unión Europea.
La programación detallada se encuentra disponible en www.festivaldecineeuropeo.pe. Con un total de 179 funciones programadas, distribuidas en 18 sedes en Lima y 8 en provincias, que incluyen Cusco, Arequipa, Piura, Trujillo y Chiclayo, el Festival se asegura de que todos tengan la oportunidad de acercarse a la cinematografía europea y encontrar historias que se adapten a sus gustos.
Premio del público
El 35° Festival del Cine Europeo de Lima marca el regreso del Premio del Público permitiendo a los seguidores elegir la película más destacada del evento, convirtiendo también a los asistentes en protagonistas de la celebración cinéfila.
Presidencia española
En esta edición, el Festival estará bajo la presidencia de España, cuya Embajada presentará entre otras películas, en estreno exclusivo, “As bestas” de Rodrigo Sorogoyen, Premio Goya 2023 a la mejor película entre las 9 distinciones que recibió como la de mejor director, mejor actor o mejor actor de reparto.
Además, se realizará un homenaje al genio creativo y el legado cinematográfico del aclamado director español Carlos Saura, proyectando cinco de sus icónicas películas, incluyendo “Cría cuervos” y “Ay, Carmela”.
El Festival también presentará una selección de películas peruanas. Se explorarán temas históricos y sociales a través de una selección de seis largometrajes, tres de España y tres de Perú, que abordan el posfranquismo de los años 70 y la violencia armada interna de los años 80, respectivamente.
Ucrania, país invitado
También, a través del lente cinematográfico, el Festival ofrecerá una mirada al impacto del conflicto bélico en Ucrania a través de cuatro películas, incluyendo un drama ficcionado y tres documentales, que arrojarán luz sobre los desafíos que enfrentan las personas en ese país en la actualidad.
Talleres profesionales
Finalmente, por quinto año consecutivo, el Festival de Cine Europeo contará con el laboratorio de formación en cinematografía CINELABS, organizado por el grupo de Institutos Culturales Europeos en Perú (EUNIC) espacio que convocará a expertos internacionales en temas como redacción de guiones, corrección de color, nuevas tecnologías, fotografía, animación, dirección de arte y sonido.
Cine
Los ‘Buenos Muchachos’ retornarán a la pantalla gigante [VIDEO]
Película de Martin Scorsese será reestrenada desde este 2 de noviembre.
Los ‘Buenos Muchachos’ (Goodfellas) están de regreso. Con más de tres décadas de su estreno original, UVK Multicines trae a sus pantallas este clásico en alta definición que reúne a Ray Liotta, Paul Sorvino y los galardonados Robert de Niro y Joe Pesci.
Una de las películas más influyentes del cine clásico de gangsters, Goodfellas, en español Buenos Muchachos, regresa al cine en versión remasterizada y en alta definición a través de las pantallas de UVK Multicines este 2 de noviembre.
Estrenada en 1990, el director italo-americano, Martin Scorsese entregó una de las mejores películas del cine moderno que expone el fascinante, misterioso y violento submundo de las familias de la mafia neoyorquina, a través de la vida de Henry Hill.
Buenos Muchachos cuenta la historia del ascenso y caída de este gángster italo-irlandés-americano que, entre los años 50’s y 80’s, se hizo rico a costa de robos, asaltos, tráfico de drogas, complicidad en asesinatos, otros crímenes y delitos con sus secuaces Paul Cicero, Tommy DeVito y Jimmy Conway.
La cinta reúne a un reparto de lujo conformado por Ray Liotta, Paul Sorvino, Joe Pesci, quien se hizo acreedor de un Premio Oscar como Mejor Actor de Reparto gracias a su performance en el filme, y Robert de Niro, dos veces ganador del premio a Mejor Actor de la Academia.
Nominada a seis premios Oscar, ganadora de cinco premios por parte del BAFTA y nombrada como Mejor Película del año por el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York y por la Asociación de críticos de cine de Los Ángeles, además que la cinta Buenos Muchachos fue declarada de “importancia cultural” y fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos.
Considerada por muchos la mejor película sobre mafiosos, ahora podrás verla en pantalla grande y en exclusiva desde este 2 de noviembre en los cines UVK San Martín del Centro de Lima y UVK Platino Panorama de Surco.
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