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Cine

CARLOS SORÍN: CON DANIEL DAY-LEWIS HICE UNA PELÍCULA QUE ERA ESPANTOSA

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Fotos: Carla Santillán

Carlos Sorín está por cumplir 70 años,  es uno de los directores argentinos más reconocidos en el mundo. Historias mínimas, Bombón el perro, El camino de San Diego o Días de pesca, son solo  algunos de sus filmes que han transcendido por la fuerza de su narrativa. Muchos lo conocen como el director de la Patagonia; confiesa que él mismo edita sus películas en casa, y nos habla de su hijo Nicolás, quien le pone música a su vida y a sus películas.

Ingresa a la sala de prensa con una chalina, saluda a todo el mundo, mientras algunos flashes iluminan sus cortos pasos. Se le nota algo cansado pero aún así sostiene en el rostro una sonrisa.  Aquí una entrevista donde Sorín se tumbó muchos mitos, y nos demostró involuntariamente que existe un argentino sin ego.

Carlos tú incursionas en el cine mediante la publicidad

Sí, yo vengo de la publicidad lamentablemente.

¿Por qué lamentablemente?

Bueno la publicidad me dio algo que es fundamental para hacer cine, me dio plata, después, tienes que comenzar a desaprender todo lo que aprendiste ahí, para luego encarar un largometraje.

En publicidad trabajaste casi diez años en Colombia.

No, no fue tanto, en Colombia estuve  pocos años, son casi  treinta años de cine publicitario, he podido hacer un poco menos, pero bueno (risas).

Por qué después de trabajar con un súper actor como Daniel Day-Lewis, decides hacer películas con actores que no son profesionales.

Con Daniel Day-Lewis hice una película que era espantosa (risas). No fue culpa de Daniel, fue culpa mía, y después de mucho tiempo regresé hacer cine.  Depende de qué te propongas con una película, hay películas que necesitan actores, y películas que son mejor  hacerlo sin actores profesionales. Por ejemplo, en mi última película tengo un entrenador de boxeo, que hace cuarenta años es entrenador de boxeo, es mucho más fácil explicarle a él como actuar, que a un actor  como es el tema del boxeo, es muchísimo más simple. O un guía de pesca, que le vamos estar enseñando a un actor como se pesca, más vale agarrar un guía de pesca y le enseñamos como se actúa, es mucho más fácil.

Sorprende el talento que tienes para dirigir actores…

No actores (risas). Los actores también me gustan dirigirlos, con los no actores no tengo ningún método, porque cada caso es un caso único, tienes que ir viendo por dónde lo encaras. Y con los actores tampoco tengo un método, yo se que dirijo actores y lo hago razonablemente bien,  pero no aprendido un método, lo hago porque lo siento,  y trato de comunicarme con los actores, si el actor es bueno establecemos una buena química, una buena relación, pero no ensayo nunca, esa es la única metodología. Y el hecho de no ensayar nunca es porque pienso que en el ensayo salen las mejores cosas y después nunca más las voy a volver a ver, entonces, filmó siempre.

Con “Historias mínimas” y la Patagonia se puede decir que comenzó un cambio en tus películas.

Sí, claro, allí había pasado once años desde que hice la película “Eterna sonrisa de Nueva Jersey” con Daniel Day- Lewis, y es como una nueva ópera prima, empecé una segunda parte de mi carrera, una segunda carrera muy distinta a la anterior  y en la que todavía estoy.

Sorín junto al protagonista de Historias mínimas Antonio Benedicti

¿Qué te ha dado la Patagonia, que no te ha dado otros lugares?

Te da hoteles de una estrella,  pésima comida, viento perfecto (risas). No es un lugar cómodo, si uno busca un lugar cómodo y placentero para filmar, la Patagonia no es aconsejable.

¿Y por qué insistir en la incomodidad?

No sé, hay algunas cosas de soledad, de distancia, de paisajes y rutas infinitas, estaciones de servicios, moteles, y a mí me gusta mucho ese tipo de locación, pero mis historias no son patagónicas, mis historias podrían suceder en cualquier parte, no son estrictamente de la Patagonia, y después  como me  dicen Sorín es el director de la Patagonia, entonces,  voy y filmó allá para confirmar esa etiqueta, viste, hay magia (risas).

Háblame de la experiencia de trabajar con tu hijo Nicolás haciendo cine, prácticamente son un dúo.

Sí, pues ya llevamos seis películas, al principio en la relación padre e hijo, se imponía la relación director –músico,  pero ahora ya no, él ha crecido mucho y además es un excelente músico de cine, y lo tengo porque es un excelente profesional, y nuestra relación es muy profesional  en el sentido que si a mí no me gustan las cosas se lo digo, ahora cada vez menos, porque cada vez la acierta más de entrada, y tenemos una relación muy fluida, sabemos que ninguno de los dos va perdonar algo (risas).

Después de ver tus películas me da la sensación de que tienes el espíritu de un monje tibetano, porque nos haces recordar que somos humanos.

(Risas). Yo creo que en general, salvo “El gato desaparece”, son películas rurales, no sé cómo será en Perú, pero en Argentina, la vida rural es totalmente distinta a la vida de las grandes ciudades y a la de Buenos Aires, la tensión, la agresión, que es muy fuerte que se vive en la grandes ciudades y en Buenos Aires especialmente a la Patagonia llega como con sordina, como una cosa lejana, los tiempos son otros, la gente es otra, hay más calma, y esa sensación de calma tiene que ver con que mis historias son rurales.

Pero siempre subrayas el hecho de darle valor a esas pequeñas cosas.

Sí, porque en esos contextos esas cosas tienen su valor. Recuerdo que cuando se estrenó “Historias mínimas”  en Buenos Aires, muchos de los comentarios eran esos, era como la vieja Argentina, eso de llevar una torta, son cosas que en Buenos Aires era imposible. Y cuando se estrenó tenía como una resonancia, a un Buenos Aires de la infancia de uno, que ya esas cosas se perdieron.

En tu última película “Días de pesca”  comienzas sin hacernos saber que le sucedió al protagonista…

Sí, porque sino sería una telenovela, no tiene importancia que pasó atrás, si es que se peleó con su mujer, por qué motivo, todo eso el espectador lo completa como quiere, no pasa por ahí la película. Entonces, en el proceso aporto la menor cantidad de datos posibles para que el espectador tenga más zonas para reconstruir lo que está pasando. Tampoco es una película enigmática donde tienes que descubrir algo.

Escena de la película Días de pesca

En tu película “Días de pesca” uno de los grandes logros es el final ¿lo pensaste mucho?

No, yo lo tenía ese final, pero hice varias versiones, la historia viene de la época de “Historias mínimas”, ese final para mí es importante, si bien yo no creo, porque soy pesimista, que él va ser otra persona y que va salir definitivamente del alcohol, y va restablecer la relación con su hija y con su nieto que acaba de conocer, yo no creo en eso, aunque la película lo deja abierto, aunque el espectador puede pensar que sí. Pero a mí me parece importante, es que él sabe y yo creo que eso es lo que lo pone feliz, que en caso extremo y ante la muerte, no va estar solo.

En los últimos años hemos tenido la perdida de varios directores argentinos, cuando te enteras que directores como Fabián Bielinsky o Leonardo Favio, han muerto ¿qué te pasa por la cabeza?

Bielinsky durante muchos años fue asistente mío, fue mí asistente de dirección, eso fue un golpe duro. Favio ya era un hombre mayor, como que la gente ya estaba preparada porque que Favio estaba enfermo durante muchos años. Pero lo de Fabián Bielinsky fue un golpe, y estaba manejando y me llama mi asistente, y me dice acaba de morir, no puede ser dije yo, con el  éxito servido.

Algunos dicen que lo mató el estrés y el cigarro…

No, creo que él tenía problemas de tensión, creo que la filmación de “El Aura” fue muy dura, y una de las cosas que yo contemplo, porque realmente el cine necesita un gasto físico importante, uno tiene que tratar a pesar de la edad estar más o menos en training. Cuando me voy a una filmación, en todas mis cosas llevo siempre una cinta de correr, y la llevo dentro del equipo, va con los faroles.

¿Entonces, ese es el secreto de que se te vea tan joven?

Cada uno lo hace a su manera, pero hay que estar físicamente en la forma razonablemente buena, porque es un esfuerzo, es un estrés permanente, hay películas  que el director tiene que tomar cantidad de resoluciones y decisiones todos los días, y que eso te estresa. En las filmaciones grandes tienes a cuarenta o cincuenta personas exigiéndote cosas, recuerdas las clases como “La Noche Americana” de Truffaut. Bueno  y eso estresa, pero eso no lo puedes cambiar, lo que tienes que estar es primero, en buena forma física o lo mejor que puedas y después, cierta calma.

¿Piensas en la muerte?

En la muerte pienso siempre, además cuando uno llega a cierta edad ya es inevitable no pensar en la muerte. La muerte está muy presente en mis películas, yo creo que todas las obras que hace el hombre sino tuviera la muerte seríamos inmortales,  y sería irrelevante, yo creo que esa tragedia le da grandeza a la gran novela, a la gran película.

¿Qué opinas de la tecnología que ha cambiado el cine de alguna manera?

Sí, para mejor, “Días de pesca” es mi primera película digital, a mÍ me costó dejar el celuloide, pero vos ves que hay situaciones  que con la cámara y el monitor, ves mucho más de lo que ves con tu ojo,  y dices: diablos. Entonces,  no voy a necesitar de llevar faroles, y todo se vuelve más fácil, y el tema de costos, también es tema de eficacia. Ya hace años que está instalada toda la edición digital, ya nadie salvo Almodovar, nadie edita en la tabla. Además, es más rápido porque vos vas  a probar muchas más variantes de edición, eso es lo importante, es un tema creativo, no es un tema de economía.

¿Se puede experimentar más?

Puedes experimentar más y sin tiempo, antes hacer una modificación de un armado de una escena eran horas, tenías que ir al canasto a buscar un pedacito de película, al final uno decía: bueno ya hagámoslo así nomás. Yo creo que es un tema mental, o sea la mente del director se vuelve muchísimo más rápido con la tecnología actual, y la mente del espectador con el cine actual también es muchísimo más novedoso, hay cosas con el cine actual que hace veinte años el espectador no lo podía entender.

¿Cuál es el error más frecuente que notas en los nuevos cineastas?

Mira, yo te voy a decir una cosa. Creo que hay muchos directores que seguramente tienen talento, pero no para el cine, digamos, podrían ser buenos administradores de empresa, buenos deportistas (risas). Yo creo que el talento del director es lo que define una película, y no ves ese talento, ese talento no lo puedes aprender en las escuelas. Los grandes directores tienen talento, y también requieres un equipo con talento,  actores con talento y escritores con talento.  Yo creo que por esa facilidad que da el cine y que ahora todo el mundo puede hacer una película, hay muchos que tienen talento pero para otra cosa, realmente lo pienso (risas).

¿Y qué piensas de las escuelas y las facultades de cine?

Yo creo que en la escuela se puede aprender algunos oficios, no sé si el oficio de un guionista, o la fotografía y edición, algunas cosas que son cursitos cortos, la dirección hace quince años podrías aprender algo porque todavía se respetaba el eje, ahora ya no, el cine ha cambiado enormemente en este aspecto, y la formación de un director de cine es la vida, es como siente uno la realidad, los libros que lee, las películas que ve, los museos que va, los conciertos que asiste, todas las relaciones que tiene con su familia, ese es el director, allí se hace (risas).

Alexander Payne dijo  “antes de ser cineasta y director soy un amante de las películas”.

Yo creo que lo que dice Alexander es fundamental, el director tiene que ser un cinéfilo, yo aprendí cine en los cines, a pesar que fui a una escuela de cine, y ahora que es mucho más fácil comprarse en “Polvos azules”  lo que quieras, o lo bajas por internet. El director tiene que ser un apasionado de las películas, pero sin duda.

¿Qué te ha parecido este año el Festival de Cine de Lima?

La programación que tiene el festival es bárbara, al margen de la sección oficial, las otras secciones y las muestras paralelas, todo arma un abanico que para cualquier cinéfilo de cualquier parte del mundo esto es un gran festival. No tendrá el glamur que tienen otros festivales, pero si tiene lo más importante de un festival que son las películas.

Conocemos a Carlos Sorín cineasta, pero cómo es el otro Carlos Sorín, el de casa y las parrillas

No hay, ese es el drama (risas).  Es que te cruza la vida de punta a punta, yo nunca he podido separar, siempre estoy pensando en la próxima película, pensando en la edición, siempre estoy en algún momento del proceso, obviamente tengo familia, tengo hijos, pero es imposible decir ahora me voy a tomar una semana de vacaciones, o decir me despejo la mente, es imposible, hay una cierta obsesividad que no es del oficio del director, sino es mío, en el cual no puedo distraerme, yo edito en mi casa, tengo una sala de edición, y allí edito solo, y son prácticamente dos meses y medio a tres meses, y estoy sentado en la mesa con mi familia y estoy con piloto automático, te conté esto, pero no soy yo, la mente está en la sala de edición, en el corte, y en lo último que hice (risas). Y creo que nunca lo podría separar, pero ojo, veo que es una cosa negativa mía.

Muchas personas dicen que Carlos Sorín no parece argentino porque es muy humilde…

No creas ah (risas). Esa es una de las facetas, te puedo mostrar las otras (risas). No, no creas, un director no tiene que ser humilde, se hace le humilde que es distinto, pero yo creo que una de las cosas, no sé si se aprende o no se aprende, dirigir una película es un ejercicio de autoridad, realmente tienes que ejercer una autoridad bien entendida, nada de militar, pero si mantener en el conjunto del equipo una autoridad, ya que el cine es así (risas).

Para finalizar, un mensaje a los jóvenes que van a comenzar hacer cine.

Piénsenlo bien, piénsenlo dos veces (RISAS).

 

ENTREVISTA PUBLICADA EN LA REVISTA IMPRESA LIMA GRIS N° 6

LA PUEDES DESCARGAR AQUÍ https://www.limagris.com/descarga-la-revista-lima-gris-n-6-con-solo-un-click/

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Edwin Cavello Limas. Periodista y cinéfilo. Es CEO y director de la revista, radio y TV Lima Gris. Actualmente es editor de la revista ONCE, columnista del diario La Razón y conductor del programa Lima Gris que se transmite por Fuego TV a nivel nacional.

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Cine

Comienza la 10ª edición del Festival de Cine Francés

Películas y cortometrajes para adultos y niños del 4 al 13 de mayo.

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Fotograma de la película Nocturama.

El Festival de Cine Francés inicia su 10ª edición presentando las mejores proyecciones francesas contemporáneas para el público peruano bajo la curaduría del cineasta David Duponchel. Este año, el evento presencial contará con diversas producciones de todos los géneros y para todas las edades desde el 4 al 13 de mayo.

Para esta edición la Alianza Francesa de Lima ha preparado un programa variado de diversas películas que serán proyectadas en su nueva sala de cine. Sin duda, un homenaje al séptimo arte destacando el género francés y presentando a nuevos directores franceses como Quentin Dupieux, Ludovic y Zoran Boukherma, Damien Manivel, Bertrand Mandico y Juliette Ducournau o hasta clásicos como Bertrand Bonello o Georges Franju.

El festival presentará películas categorizadas en cinco secciones de las cuales la institución francesa proyectará 17 proyecciones dentro de dos categorías para adultos y niños.

“Frantástico”: Cine fantástico

Una reivindicación a los monstruos dentro del cine fantástico y es que antes este tipo de personajes nos aterrorizaban sin embargo con el paso de los años y gracias a la domesticación por parte de la ficción postmoderna lo han convertido en parte de nuestra realidad.

Se presentarán clásicos como Los ojos sin rostro de Georges Franju o El planeta salvaje de Réné Laloux hasta Mandíbulas de Quentin Dupieux o Teddy de Ludovic y Zoran Boukherman. Además, En el bosque de Guilles Marchand, Solos de David Moreau y Nocturama de Bertrand Bonello.

Dentro de esta categoría se presentan los cortometrajes “Fantásticos” con ingreso libre de Ácido de Just Philippot, Expira de Magali Magistry, La noche de las bolsas de plástico de Gabriel Harel  y Osa de Nicolas Birkenstock.

¡Niños al cine!

La magia, animación y entretenimiento estarán dentro de la sección “Niños al cine”. Son 4 proyecciones de animación francesa premiadas en todo el mundo. De esta manera, se presentará el ganador del premio Cristal del festival de Annecy, El extraordinario viaje de Marona de Anca Damian (a partir de 7 años) en 2019. Asimismo, Josep de Aurel, elegida mejor película de animación europea en 2020 (a partir de 14 años), Pequeño vampiro de Joann Sfar (a partir de 6 años), también premiada en Annecy, y La famosa invasión de los osos en Sicilia de Lorenzo Mattoti (a partir de 8 años), seleccionada en la prestigiosa sección Un Certain Regard del Festival de Cannes en 2021.

Las películas estarán disponibles desde el 4 al 13 de mayo en la Alianza Francesa de Lima de Miraflores con entradas a la venta en Joinnus (S/12). Programación completa en la página de la institución: https://www.aflima.org.pe/cine.

Fotograma de la película “Mandíbulas”.
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PROGRAMA

Miércoles 4 de mayo

6 p.m. Mandibules

Director: Quentin Dupieux

Duración: 1h 12

Género: Ficción, Comedia

País: Francia

Año: 2020

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

Jean-Gab y Manu, dos jóvenes ingenuos, encuentran una mosca gigante atrapada en el maletero de un coche y se proponen entrenarla para ganar dinero con ella. 

Jueves 5 de mayo

6 p.m. Courts métrages “frantastique” 1
Ingreso Libre

Acide

Director: Just Philippot

Duración: 18 min

Género: Ficción, Fantasía

País: Francia

Año: 2017

Modalidad Presencial

Una nube ominosa se ha formado en algún lugar del oeste. Está subiendo lentamente hacia el centro del país, arrojando a la gente a las carreteras. A medida que la nube avanza, el pánico aumenta. Esta nube es ácida.

Expire

Directora: Magali Magistry

Duración: 13 min

Género: Ficción, Fantasía

País: Francia

Año: 2017

Modalidad Presencial

Una niebla tóxica ha cubierto el planeta y obliga a la gente a vivir encerrada. Pero cuando tienes quince años, como Juliette, la vida real está fuera.

7 p.m. La planète sauvage 

Director: René Laloux

Duración: 1h 12

Género: Animación, Fantasía

País: Francia

Año: 1973

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

En el planeta Ygam, viven unos androides llamados los Draags. Crían pequeños seres humanos a los que llaman Oms. Pero un día, el joven Oms de Tiwa resulta ser más inteligente e iniciará una revuelta… Basado en la novela “Oms en série” de Stefan Wul (1957).

Viernes 6 de mayo

5 p.m. Petit vampire

Director: Joann Sfar

Duración: 1h 25

Género: Animación, Fantasía

País: Francia

Año: 2020

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

El pequeño vampiro vive en una casa encantada con una alegre banda de monstruos, pero él está aburrido… Han pasado 300 años desde que tenía 10 años, así que los barcos piratas y el cineclub no le divierten desde hace mucho tiempo. ¿Su sueño? Ir a la escuela y hacer amigos. Pero sus padres no lo ven así. El mundo exterior es demasiado peligroso. Acompañado por Fantomate, su fiel bulldog, el pequeño vampiro se escapa de la mansión, decidido a conocer a otros niños. 

7 p.m. Teddy

Director: Ludovic Boukherma, Zoran Boukherma

Duración: 1h 29

Género: Ficción

País: Francia

Año: 2020

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

En los Pirineos, un lobo despierta la ira de los aldeanos. Teddy, de 19 años, vive con su tío adoptivo y trabaja en un salón de masajes. Su novia Rebecca está a punto de graduarse en el instituto y tiene un brillante futuro por delante. Para ellos, es un verano cualquiera. Pero una noche de luna llena, Teddy es arañado por una bestia desconocida. En las semanas siguientes, se deja llevar por extraños impulsos animales… 

Sábado 7 de mayo

4 p.m. Josep

Director: Aurel

Duración: 1h 14

Género: Animación

País: Francia

Año: 2017

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

Febrero de 1939. Abrumado por la avalancha de republicanos que huyen de la dictadura de Franco, el gobierno francés opta por confinar a los españoles en campos de concentración.

Dos hombres separados por la alambrada se convertirán en amistad. Uno es policía, el otro dibujante. De Barcelona a Nueva York, la verdadera historia de Josep Bartolí, un luchador antifranquista y un artista excepcional.

6 p.m. Mandibules

Director: Quentin Dupieux

Duración: 1h 12

Género: Ficción, Comedia

País: Francia

Año: 2020

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

Jean-Gab y Manu, dos jóvenes ingenuos, encuentran una mosca gigante atrapada en el maletero de un coche y se proponen entrenarla para ganar dinero con ella. 

Martes 10 de mayo

5 p.m. Dans la forêt

Director: Guilles Marchand

Duración: 1h 43

Género: Ficción

País: Francia

Año: 2016

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

Tom y su hermano mayor, Benjamin, van a Suecia para reunirse con su padre durante las vacaciones de verano. Tom está preocupado por el reencuentro con este hombre extraño y solitario. El padre, en cambio, parece convencido de que Tom tiene el don de ver cosas que los demás no pueden. Cuando sugiere que vayan al norte a pasar unos días en una cabaña junto a un lago, los niños están encantados. Pero el lugar está muy aislado, en medio de un enorme bosque que exacerba los temores de Tom. Y cuanto más pasan los días, menos parece que el padre considere su regreso…

7 p.m. Seuls 

Director: David Moreau

Duración: 1h 30

Género: Ficción

País: Francia

Año: 2016

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

Leila, de 16 años, se levanta tarde como cualquier otra mañana. Excepto que hoy no hay nadie que la apure. ¿Dónde están sus padres? Se sube a su bicicleta y recorre su barrio vacío. Todos han desaparecido. Pensando que es la única superviviente de una catástrofe inexplicable, acaba conociendo a cuatro jóvenes: Dodji, Yvan, Camille y Terry. Juntos, intentan comprender lo que ha sucedido, aprender a sobrevivir en su mundo ahora hostil… ¿Pero están realmente solos? Adaptación del exitoso cómic de Fabien Vehlmann y Bruno Gazzotti.

Miércoles 11 de mayo 

5 p.m. L’extraordinaire voyage de Marona

Director: Anca Damian 

Duración: 1h 33

Género: Ficción, Animación

País: Francia

Año: 2019

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

Tras un accidente, Marona, una pequeña perra blanca y negra, recuerda a los diferentes amos que ha conocido y amado a lo largo de su vida. A través de su infalible empatía, su vida se convierte en una lección de amor. Una magnífica fábula llena de color e invenciones gráficas.

7 p.m. Nocturama

Director: Bertrand Bonello

Duración: 2h 10

Género: Ficción

País: Francia

Año: 2016

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

París, una mañana. Un puñado de jóvenes de distintas procedencias. Cada uno por su lado, comienzan un extraño ballet en el laberinto del metro y las calles de la capital. Parece que siguen un plan. Sus movimientos

son precisos, casi peligrosos. Convergen en el mismo punto, un departamento grandes almacenes”, justo cuando cierra sus puertas. La noche comienza.

Fotograma de la película “Las noches de las bolsas de plástico”.

Jueves 12 de mayo

5 p.m. La fameuse invasion des ours

Director: Lorenzo Mattoti

Duración: 1h 22

Género: Animación

País: Francia, Italia

Año: 2019

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

Todo comienza el día en que Tonio, el hijo del rey de los osos, es secuestrado por cazadores en las montañas de Sicilia… Aprovechando un duro invierno que amenaza a su pueblo con la hambruna, el rey Leonce decide invadir la llanura donde viven los hombres. Con la ayuda de su ejército y de un mago, consigue derrotarlos y finalmente encuentra a Tonio. Pero pronto se da cuenta de que los osos no están hechos para vivir en la tierra de los hombres… Basada en “La famosa invasión de los osos en Sicilia”, una novela infantil escrita por Dino Buzzati y publicada en 1945.

7 p.m. Les yeux sans visage

Director: Georges Franju

Duración: 1h 28

Género: Ficción

País: Francia

Año: 1959

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

El profesor Genessier, un reputado cirujano, quiere remodelar el rostro de su hija Christiane después de que ésta quede irreconocible tras un accidente de coche, pero para ello tiene que trasplantar piel de otras chicas que se parezcan a ella.

Viernes 13 de mayo

6 p.m. Courts métrages “frantastique” 2

Ingreso Libre

La nuit des sacs plastiques

Director: Gabriel Harel

Duración: 18 min

Género: Animación

País: Francia

Año: 2018

Modalidad Presencial

Agathe, de treinta y nueve años, sólo tiene una obsesión: tener un hijo. Va a reunirse con su ex, Marc-Antoine. Mientras intenta convencerle de que vuelvan a estar juntos, las bolsas de plástico cobran vida y atacan la ciudad.

Ourse

Director: Nicolas Birkenstock

Duración: 27 min

Género: Ficción

País: Francia

Año: 2021

Modalidad Presencial

Ourse se convierte en un sonámbulo y huye por la noche. Su madre intenta curarla de esta enfermedad. Pero no quiere curarse, decidido a entender a dónde la lleva su sueño. ¿Quiere escapar del curso de su propia vida?

7 p.m. Teddy

Director: Ludovic Boukherma, Zoran Boukherma

Duración: 1h 29

Género: Ficción

País: Francia

Año: 2020

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

En los Pirineos, un lobo despierta la ira de los aldeanos. Teddy, de 19 años, vive con su tío adoptivo y trabaja en un salón de masajes. Su novia Rebecca está a punto de graduarse en el instituto y tiene un brillante futuro por delante. Para ellos, es un verano cualquiera. Pero una noche de luna llena, Teddy es arañado por una bestia desconocida. En las semanas siguientes, se deja llevar por extraños impulsos animales… 

ENLACES JOINNUS

◉ Mandíbulas: https://bit.ly/3K78K1p

◉ Cortos Fantásticos 1: https://bit.ly/3L7IOUH

◉ El Planeta Salvaje: https://bit.ly/3rKIGCY

◉ Pequeño Vampiro: https://bit.ly/3rKTf8U

◉ Teddy: https://bit.ly/3Mowxv9

◉ Josep: https://bit.ly/3k4fORP

◉ En el bosque: https://bit.ly/3K6fvjR

◉ Solos: https://bit.ly/3L8RQRb

◉ El Extraordinario Viaje De Marona: https://bit.ly/3EEb4M5

◉ Nocturama: https://bit.ly/36EhcaP

◉ La Famosa Invasión De Osos: https://bit.ly/3k5zp4c

◉ Los Ojos Sin Rostro: https://bit.ly/3xMAEwZ

◉ Cortometrajes Fantásticos 2: https://bit.ly/3ECKt2a

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Cine

Una dura crítica a la película peruana “Hasta que nos volvamos a encontrar” de Tondero

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Edwin Cavello y Luis Alfonso Morey conversaron sobre el cine peruano y la reciente película peruana “Hasta que nos volvamos a encontrar”, dirigido por Bruno Ascenzo y protagonizado por Maxi Iglesias y Stephanie Cayo.

“La película fue producida por Tondero, y como en todas sus producciones lo que más resalta es la mediocridad. El filme parece más una larga publicidad de cerveza cusqueña”, mencionó Edwin Cavello.

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Actualidad

“Sin descanso”, una película de terror que te mantendrá al borde del infarto

Este 24 de marzo llega a la cartelera peruana la película de terror más esperada del año.

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Una de cada tres personas sufre algún tipo de desórdenes del sueño, 95% de las personas que experimentan insomnio  por más de 18 días seguidos probablemente no sobrevivirán. Los que logran sobrevivir no necesitan doctores, necesitan sacerdotes.

Karla está desesperada por encontrar una cura  para una enfermedad llamada Insomnio Fatal  que afecta a su hermano Blake el cual  lleva más de 18 días sin dormir.  Ella acepta que Blake participe en un tratamiento experimental.  Ahora Blake esta poseído por Iddimu, un  demonio que en un momento de debilidad,  posee a  personas que están al borde de estar dormidas y despiertas por mucho tiempo y que sufren de Insomnio Fatal. Después de una serie de eventos aterradores que apuntan a lo sobrenatural, Karla llega a la conclusión que la única cura para salvar a Blake es realizar un exorcismo.

Sin descanso está basada en el caso más aterrador de Insomnio Fatal. Que se trata de una enfermedad hereditaria muy rara cuando  una persona se mantiene despierta, sin dormir, por más de 2 semanas seguidas. Esta enfermedad evoluciona de forma progresiva entre los 6 y 48 meses hasta dejar al paciente en estado de coma.

Estos pacientes sufren pérdida de peso, presentan dificultad para hablar, desarrollan fiebre, alteraciones de la visión, movimientos involuntarios, alucinaciones, ansiedad y procesos depresivos. Son en estos momentos de debilidad que algunos pacientes manifiestan  ser poseídos por un ente maligno.

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Cine

“Madres paralelas”, un fracaso panfletario de Almodóvar

Lee la columna de Gabriel Rimachi Sialer.

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“Madres paralelas” debe ser una de esas cintas que necesita de toda una campaña mediática para justificar sus tremendos errores. Un guion pobrísimo que termina desarmándose tan solo a mitad de película, tres historias que no terminan de despegar, un forzado arqueólogo cuyo papel casi ni se entiende de lo puro impostado en la historia, una Penélope Cruz envuelta en el absurdo más absurdo de los guiones, entregada a las manos de algún guionista activista que terminó por convertir esta cinta en el mamarracho de la temporada, cosa muy extraña, siendo Almodóvar un director con la suficiente experiencia como para entregar un bodrio de este calibre.

Cuando te gana el activismo y la corrección política, cuando te ciega la moda de querer satisfacer a todos perjudicando tu propio trabajo, entregas “Mujeres paralelas” al público. Una película panfletaria que busca quedar bien con todo el mundo y de la que solo se salva la paleta de colores.

El papel de Milena Smit, que empieza bien, termina desarmándose luego de que se entera de que su bebé muerto era en realidad el bebé de Penélope, y el bebé que esta tiene pues… sí, ya se imaginan lo delirante de la situación (y eso sucede apenas en la primera media hora). Y luego la completamente innecesaria relación lésbica entre ambas, innecesaria y absurda porque no resulta importante para la historia, porque no aporta absolutamente nada a ella, porque si la quitan pues no pasa nada y todo sigue igual: una cuota más para cumplir.

Y ya la escena final es un performance de esas donde solo faltaron las batucadas. Tan malo es el final que han tenido que escribirse artículos periodísticos para “explicarlos”. En fin, una cinta muy mala, una decepción esta entrega de Almodóvar, y una muestra de que cuando el arte se somete a las voluntades de las minorías, termina traicionándose a sí misma. Y eso es una pena que afecta tanto al arte como a quienes solemos apreciarlo en cualquiera de sus manifestaciones.

Ojalá vuelva pronto el gran Almodóvar que todos conocemos y disfrutamos. Ojalá sea pronto.

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Cine

Estreno nacional de la película “Sin Escape”

Este 17 de febrero llega a la cartelera peruana “Sin Escape” una película de terror que te sorprenderá

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Esta es la historia de Cole,  un famoso influencer que cuenta con millones de seguidores en su canal llamado “Escape Vida Real”. A menudo hace videos en vivo y publica fotos y videos extremos en sus redes sociales. Junto a sus amigos viaja a la ciudad de Moscú para participar en un cuarto de escape (ESCAPE ROOM) sin saber que sería la experiencia más extrema y escalofriante nunca vista EN VIVO a través de su canal. A medida que la línea entre la vida real y las redes sociales se pierde, Cole y sus amigos deberán luchar para escapar y sobrevivir. ¿Cuántos Likes vale tu vida?

Los cuartos de escape (Escape Room) han ganado mucha popularidad en los últimos años y su influencia en la cultura popular ha permeado hasta el cine de horror. Dentro de las películas que se han realizado sobre este tema, “Escape Room” es quizás la más famosa. Ahora llega a nuestras salas SIN ESCAPE una película del director de ESCAPE ROOM,  inspirada en EL JUEGO DEL MIEDO ( SAW ) y HOSTEL.

En las redes sociales hay seguidores de canales de comida o de música, pero también los hay de canales en donde se publican horrorosas torturas y videos sádicos. SIN ESCAPE es una cinta que muestra los horrores sin límites que conllevan las modas más famosas de la actualidad y la influencia de la redes en nuestras vidas.

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Cine

La telenovela errante, “un cuadro pictórico de Chile”

Lee la crítica de cine de Rosa Cáceres.

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Por Rosa Cáceres

Pareciera que Raúl Ruiz nos hace chistes incluso después de muerto. Aparece con nuevos escritos, poemas, entrevistas, se redescubren filmaciones olvidadas, polvorientos registros guardados y encontrados por casualidad en donde el fantasma de Ruiz nos ha señalado un mapa misterioso para redescubrir.

Grabada en los 90’s y estrenada en 2018, La telenovela errante marca el comienzo del retorno a Chile, el realizador nos abre un nuevo enigma a resolver, “no hay futuro”. Esta temática será transversal en sus películas, retomándola en El tiempo recobrado (1998), obra que habla acerca de la vida y la obra del escritor Marcel Proust.

Una vez la dictadura culminó, Ruiz vuelve a filmar después de 20 años a modo de rito una película fallida, olvidada en la Cineteca Nacional y redescubierta casualmente. Ya fallecido el realizador, la noticia llega a Valeria Sarmiento, su viuda, y con ésta la posibilidad de entrever en esta obra los enigmas del fantasma.

“Supimos que estaban depositadas en la Cinemateca de Santiago las seis o siete bobinas de La telenovela errante y empezamos a buscar el material. Supimos que el sonido estaría en la Universidad de Duke por una copia de trabajo y fue gracias a (la productora) Poetastros que se consiguió el presupuesto y pidió el dinero para poder terminarla”, comentó Sarmiento en una entrevista.

La película toma el género de la telenovela para satirizar al pueblo chileno, como diciendo “no alcanza para película, solo para telenovela” y este es un pretexto para hablar del lenguaje flotante, incoherente, de palabras mal pronunciadas, en un castellano ambiguo mezclado con mapudungun. Algo similar había planteado en Diálogos de exiliados (1975), película que fue duramente criticada e incluso censurada por los mismos actores por no entregar la imagen-país correcta de Chile.

Siempre hay algo mordaz en Ruiz, una especie de amor-odio con Chile, una suerte de contradicción en donde continuamente el humor es su cortina de humo para dejar la crítica ácida con un final abierto.

En palabras del director: “Se estructura en base a la presunción: la realidad chilena no existe, más bien es un conjunto de teleseries. Son cuatro provincias audiovisuales y se respira la guerra entre los bandos. Los problemas políticos y económicos están disueltos en una jalea ficcional dividida en capítulos vespertinos. Toda la realidad chilena está tratada desde el punto de vista de la Telenovela y cumple la función de filtro revelador de esta misma realidad”.

El sacar la vuelta en algún bar y hablar de cualquier cosa es un gozo, que el chileno disfruta en demasía, sin ningún provecho más que quemar el presente en sí, perderse en el tiempo, y ocultar ser considerado flojo. Lejos de ser un rasgo negativo, vemos claramente que el realizador lo destaca y que él mismo constantemente acechaba los bares cada vez que venía de visita.

Todos los personajes van a hacer cosas importantes o trámites pero son detenidos por algún ser que se los lleva hacia ese presente para ubicarse en un momento sin tiempo. Ruiz lo expone como una contradicción interna de la apariencia y el doble estándar de la sociedad chilensis. “Ni chicha ni limoná…”

La modernidad instala el sentido del tiempo, el pasado es siempre precario en relación al futuro ya que este último es el objetvo final. Todo debe tener una mirada hacia ese lugar ficticio y absolutamente inalcanzable, idealizado, en donde todo va a ser mejor; ahorramos para mañana, sacrificamos para el mañana, etc. Lamentablemente ese mañana escasamente llega y si llega ya no existimos.

Este paradigma de pensamiento que no acaecía en la antigüedad ni por supuesto en nuestros indígenas, trastocó el tiempo y actualmente está amplificada por la tecnología virtual.

La idea aristotélica de presentación-conflicto y desenlace, de la cual el cine gringo se jacta mira hacia el futuro. Pareciera que Ruiz presenta verdaderas fórmulas para desenmascarar la estructura cinematográfica del momento, en este caso la nula creencia en el futuro como ideal de progreso, en vez de eso toma el presente y genera una detención rizomática en donde los personajes están desnudos con sus deseos.

En una entrevista a la Revista Paula en 1998 Ruiz señala que cada vez que vuelve ve un país semejante al cuadro del Bosco: “Son personajes que van al purgatorio o al infierno y esa antesala es un bar”.

La errancia de los personajes es algo que Ruiz destaca, es más la errancia errática, por decirlo así, es parte de la coreografía. Chile venía saliendo de uan cruenta dictadura y los personajes se fagocitan, se asesinan y vuelven a vivir, en otro capítulo de la teleserie. Ruiz, en este sentido, es el espectador de un trauma colectivo que es invisible para la mayoría.

“Con el sistema económico Chile se ha convertido en un país de fantasmas, irreconocible -advertía-, a veces me perturba y vuelve a ponerse borroso, solo veo claro que es como una taberna a la que uno acude a tomarse la última cerveza antes de irse, sin boleto de regreso y, definitivamente, al mismísimo infierno”.

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Cine

La felicidad, de Agnès Varda (1965)

Lee la crítica de la semana de Mario Castro Cobos.

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Agnès Varda me hace sentir la felicidad como un extraño (diabólico) equilibrio de fuerzas. Pinta una situación armónica, ideal, y la pone a prueba, nos muestra cómo se destruye, y nos muestra algo más, su reconstitución, parece cruel pero ‘es normal’, la familia se reconstituye; en efecto, la ecuación fría de la película (‘la vida es así’) muestra que uno de los lados del triángulo era una pieza intercambiable. O una pieza que sobraba. Ni más ni menos. Y no hay odio, deseo de hacer mal, pues ‘todo es amor’. La culpa no existe para el que no la siente.

La felicidad es danzar olvidándolos, o sin darse cuenta, sobre los cadáveres de los infelices que se quedaron regados por el camino. Sus restos, abono para frutos sabrosos. Las pasiones que nos hacen sentir más vivos pueden a su vez destruirnos. La solidez del amor está solemnemente pegada con babas. Si me solazo con la retórica. Dónde está la felicidad. Cómo la alcanzas o cómo dejas que te encuentre. Estás listo para ser feliz. Que no te importe lo que sienten los demás será una condición previa. El deseo es sociópata.

Para él nada es más fácil que ser feliz. Las ventajas del macho son evidentes en esta trama. La felicidad, una película sorprendente, me recuerda a La regla del juego, de Jean Renoir. Esa sabiduría exquisita de los franceses para mostrar con inaudita elegancia las contradicciones más salvajes. Y qué película la de Varda. Qué ritmo tan tranquilo. Qué armonía de colores. La propia película parece ser feliz. El deseo es tan egoísta -y no importa que su cara sea de lo más amable- que aterra.

Los dioses se entretienen viendo cómo tratamos de no hundirnos. O cómo nos hundimos. Hormigas en el agua. Polillas dándose contra un foco. La felicidad, o cómo no estamos preparados para ciertos encuentros o dolorosas revelaciones. La película de Varda tiene un fondo entre irónico y siniestro. -Tal vez se le pasa la mano con su falsa inocencia-. O tal vez duele eso que algún filósofo francés llamaba, para caracterizar el problema del amor, ‘la asimetría del deseo’.

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“No mires arriba”, muchas estrellas para una película sin mayores brillos

Una película aburrida y llena de clichés.

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Una de las cintas más esperadas de la época navideña en Netflix, que no estuvo a la altura de las expectativas. Dos astrónomos descubren un meteoro de 10 kilómetros de diámetro que chocará con la Tierra, provocando la extinción de la especie humana, así que deciden avisar al gobierno de los Estados Unidos para que, como en “Armagedón”, manden a Hellboy a colocar bombas nucleares en el meteoro y así desviar su trayectoria.

Hasta acá no es nada que no hayamos visto ya en tantas otras cintas con meteoros que amenazan al planeta cada domingo a las 12 después de la misa: el fin del mundo llegaba con forma de un volcán en Los Ángeles; otro meteoro gigante en “2012”; el fin de los tiempos con Elijah Wood corriendo colina arriba con el adolescente amor de su vida; una pandemia recorriendo el planeta como un mal viento; etc. Y entonces todos los personajes que desfilan en esta película llena de estrellas —de ahí la enorme expectativa— se convierten en clichés que ya hemos visto antes en cintas con muchísimo menos presupuesto y bastante pantalla verde.

¿Qué la hace entonces interesante para algunos y tan aburrida para otros? Puedo ensayar una respuesta desde mi punto de vista: a mí me pareció una película aburrida hasta el hartazgo porque para mí —al menos— no es nuevo el tema de la hiper dependencia digital en los jóvenes y esa necesidad enfermiza de registrarlo todo en sus redes sociales (lo he visto en las revistas donde he trabajado, en medios poblados de “influencers”, en series populares como “Emily en París” donde el Instagram registra todo por un like que al final se monetiza, o en mis propias redes sociales llenas de personajes cuyos likes son estratosféricos y mientras menos ropas tengan encima, más estratosféricos aún; y todavía podría decir que en mis propios post donde pongo algún plato de comida, porque si pongo un libro a las justas merece cierta atención), y lo he visto también en épocas electorales, donde los políticos manejan estupendamente bien las taras y falencias de una generación esclava de lo digital y de la gigantesca necesidad de aprobación ajena. Y también en cierta prensa que te vende noticias de gatitos y perritos en medio de asesinatos y convulsiones políticas, que es la prensa que aparece en “No mires arriba”, una donde todo tiene que tener un final feliz porque eso genera tráfico y vistas.

Entonces tal vez esta cinta no sea para público en general sino que esté dirigida a aquellas personas que —en un incomprensible asombro en medio del mundo que habitamos— descubren por primera vez que vivimos en un planeta dependiente de las redes sociales y consideran por ello a esta cinta como una “genial sátira política” o una “estupenda crítica social”. Tiene sus momentos, es cierto, como aquel donde los defensores del planeta organizan un concierto ¿les suena conocido? para “concientizar” al otro bando: los que no creen en el meteoro porque desde el poder les han venido diciendo que no miren arriba, que todo es un invento, que no hay nada que temer: hasta que alguien levanta la mirada y ve el brillante círculo surcando la noche en que el mundo se irá a la quinta paila del infierno ¿no es esto también archiconocido y ya lo vimos en “Día de la Independencia” donde la gente saltaba en una azotea agitando sus manitos hasta que los marcianos los convierten en polvo cósmico con un láser?

Y así, la escena poscréditos da para un último colerón pero supongo que ya la verán, tiene su no sé tú. Pero ahí nomás, no ha sido, en todo caso, la película que yo esperaba, ni siquiera resulta “divertida”, mucho menos “hilarante” como he leído por ahí, aunque tiene sus momentos, claro que sí (y Meryl Streep se lleva todos los aplausos). Un hashtag no cambia nada: entiéndelo de una vez.

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