Cine
CARLOS SORÍN: CON DANIEL DAY-LEWIS HICE UNA PELÍCULA QUE ERA ESPANTOSA
Fotos: Carla Santillán
Carlos Sorín está por cumplir 70 años, es uno de los directores argentinos más reconocidos en el mundo. Historias mínimas, Bombón el perro, El camino de San Diego o Días de pesca, son solo algunos de sus filmes que han transcendido por la fuerza de su narrativa. Muchos lo conocen como el director de la Patagonia; confiesa que él mismo edita sus películas en casa, y nos habla de su hijo Nicolás, quien le pone música a su vida y a sus películas.
Ingresa a la sala de prensa con una chalina, saluda a todo el mundo, mientras algunos flashes iluminan sus cortos pasos. Se le nota algo cansado pero aún así sostiene en el rostro una sonrisa. Aquí una entrevista donde Sorín se tumbó muchos mitos, y nos demostró involuntariamente que existe un argentino sin ego.
Carlos tú incursionas en el cine mediante la publicidad
Sí, yo vengo de la publicidad lamentablemente.
¿Por qué lamentablemente?
Bueno la publicidad me dio algo que es fundamental para hacer cine, me dio plata, después, tienes que comenzar a desaprender todo lo que aprendiste ahí, para luego encarar un largometraje.
En publicidad trabajaste casi diez años en Colombia.
No, no fue tanto, en Colombia estuve pocos años, son casi treinta años de cine publicitario, he podido hacer un poco menos, pero bueno (risas).
Por qué después de trabajar con un súper actor como Daniel Day-Lewis, decides hacer películas con actores que no son profesionales.
Con Daniel Day-Lewis hice una película que era espantosa (risas). No fue culpa de Daniel, fue culpa mía, y después de mucho tiempo regresé hacer cine. Depende de qué te propongas con una película, hay películas que necesitan actores, y películas que son mejor hacerlo sin actores profesionales. Por ejemplo, en mi última película tengo un entrenador de boxeo, que hace cuarenta años es entrenador de boxeo, es mucho más fácil explicarle a él como actuar, que a un actor como es el tema del boxeo, es muchísimo más simple. O un guía de pesca, que le vamos estar enseñando a un actor como se pesca, más vale agarrar un guía de pesca y le enseñamos como se actúa, es mucho más fácil.
Sorprende el talento que tienes para dirigir actores…
No actores (risas). Los actores también me gustan dirigirlos, con los no actores no tengo ningún método, porque cada caso es un caso único, tienes que ir viendo por dónde lo encaras. Y con los actores tampoco tengo un método, yo se que dirijo actores y lo hago razonablemente bien, pero no aprendido un método, lo hago porque lo siento, y trato de comunicarme con los actores, si el actor es bueno establecemos una buena química, una buena relación, pero no ensayo nunca, esa es la única metodología. Y el hecho de no ensayar nunca es porque pienso que en el ensayo salen las mejores cosas y después nunca más las voy a volver a ver, entonces, filmó siempre.
Con “Historias mínimas” y la Patagonia se puede decir que comenzó un cambio en tus películas.
Sí, claro, allí había pasado once años desde que hice la película “Eterna sonrisa de Nueva Jersey” con Daniel Day- Lewis, y es como una nueva ópera prima, empecé una segunda parte de mi carrera, una segunda carrera muy distinta a la anterior y en la que todavía estoy.
Sorín junto al protagonista de Historias mínimas Antonio Benedicti
¿Qué te ha dado la Patagonia, que no te ha dado otros lugares?
Te da hoteles de una estrella, pésima comida, viento perfecto (risas). No es un lugar cómodo, si uno busca un lugar cómodo y placentero para filmar, la Patagonia no es aconsejable.
¿Y por qué insistir en la incomodidad?
No sé, hay algunas cosas de soledad, de distancia, de paisajes y rutas infinitas, estaciones de servicios, moteles, y a mí me gusta mucho ese tipo de locación, pero mis historias no son patagónicas, mis historias podrían suceder en cualquier parte, no son estrictamente de la Patagonia, y después como me dicen Sorín es el director de la Patagonia, entonces, voy y filmó allá para confirmar esa etiqueta, viste, hay magia (risas).
Háblame de la experiencia de trabajar con tu hijo Nicolás haciendo cine, prácticamente son un dúo.
Sí, pues ya llevamos seis películas, al principio en la relación padre e hijo, se imponía la relación director –músico, pero ahora ya no, él ha crecido mucho y además es un excelente músico de cine, y lo tengo porque es un excelente profesional, y nuestra relación es muy profesional en el sentido que si a mí no me gustan las cosas se lo digo, ahora cada vez menos, porque cada vez la acierta más de entrada, y tenemos una relación muy fluida, sabemos que ninguno de los dos va perdonar algo (risas).
Después de ver tus películas me da la sensación de que tienes el espíritu de un monje tibetano, porque nos haces recordar que somos humanos.
(Risas). Yo creo que en general, salvo “El gato desaparece”, son películas rurales, no sé cómo será en Perú, pero en Argentina, la vida rural es totalmente distinta a la vida de las grandes ciudades y a la de Buenos Aires, la tensión, la agresión, que es muy fuerte que se vive en la grandes ciudades y en Buenos Aires especialmente a la Patagonia llega como con sordina, como una cosa lejana, los tiempos son otros, la gente es otra, hay más calma, y esa sensación de calma tiene que ver con que mis historias son rurales.
Pero siempre subrayas el hecho de darle valor a esas pequeñas cosas.
Sí, porque en esos contextos esas cosas tienen su valor. Recuerdo que cuando se estrenó “Historias mínimas” en Buenos Aires, muchos de los comentarios eran esos, era como la vieja Argentina, eso de llevar una torta, son cosas que en Buenos Aires era imposible. Y cuando se estrenó tenía como una resonancia, a un Buenos Aires de la infancia de uno, que ya esas cosas se perdieron.
En tu última película “Días de pesca” comienzas sin hacernos saber que le sucedió al protagonista…
Sí, porque sino sería una telenovela, no tiene importancia que pasó atrás, si es que se peleó con su mujer, por qué motivo, todo eso el espectador lo completa como quiere, no pasa por ahí la película. Entonces, en el proceso aporto la menor cantidad de datos posibles para que el espectador tenga más zonas para reconstruir lo que está pasando. Tampoco es una película enigmática donde tienes que descubrir algo.
Escena de la película Días de pesca
En tu película “Días de pesca” uno de los grandes logros es el final ¿lo pensaste mucho?
No, yo lo tenía ese final, pero hice varias versiones, la historia viene de la época de “Historias mínimas”, ese final para mí es importante, si bien yo no creo, porque soy pesimista, que él va ser otra persona y que va salir definitivamente del alcohol, y va restablecer la relación con su hija y con su nieto que acaba de conocer, yo no creo en eso, aunque la película lo deja abierto, aunque el espectador puede pensar que sí. Pero a mí me parece importante, es que él sabe y yo creo que eso es lo que lo pone feliz, que en caso extremo y ante la muerte, no va estar solo.
En los últimos años hemos tenido la perdida de varios directores argentinos, cuando te enteras que directores como Fabián Bielinsky o Leonardo Favio, han muerto ¿qué te pasa por la cabeza?
Bielinsky durante muchos años fue asistente mío, fue mí asistente de dirección, eso fue un golpe duro. Favio ya era un hombre mayor, como que la gente ya estaba preparada porque que Favio estaba enfermo durante muchos años. Pero lo de Fabián Bielinsky fue un golpe, y estaba manejando y me llama mi asistente, y me dice acaba de morir, no puede ser dije yo, con el éxito servido.
Algunos dicen que lo mató el estrés y el cigarro…
No, creo que él tenía problemas de tensión, creo que la filmación de “El Aura” fue muy dura, y una de las cosas que yo contemplo, porque realmente el cine necesita un gasto físico importante, uno tiene que tratar a pesar de la edad estar más o menos en training. Cuando me voy a una filmación, en todas mis cosas llevo siempre una cinta de correr, y la llevo dentro del equipo, va con los faroles.
¿Entonces, ese es el secreto de que se te vea tan joven?
Cada uno lo hace a su manera, pero hay que estar físicamente en la forma razonablemente buena, porque es un esfuerzo, es un estrés permanente, hay películas que el director tiene que tomar cantidad de resoluciones y decisiones todos los días, y que eso te estresa. En las filmaciones grandes tienes a cuarenta o cincuenta personas exigiéndote cosas, recuerdas las clases como “La Noche Americana” de Truffaut. Bueno y eso estresa, pero eso no lo puedes cambiar, lo que tienes que estar es primero, en buena forma física o lo mejor que puedas y después, cierta calma.
¿Piensas en la muerte?
En la muerte pienso siempre, además cuando uno llega a cierta edad ya es inevitable no pensar en la muerte. La muerte está muy presente en mis películas, yo creo que todas las obras que hace el hombre sino tuviera la muerte seríamos inmortales, y sería irrelevante, yo creo que esa tragedia le da grandeza a la gran novela, a la gran película.
¿Qué opinas de la tecnología que ha cambiado el cine de alguna manera?
Sí, para mejor, “Días de pesca” es mi primera película digital, a mÍ me costó dejar el celuloide, pero vos ves que hay situaciones que con la cámara y el monitor, ves mucho más de lo que ves con tu ojo, y dices: diablos. Entonces, no voy a necesitar de llevar faroles, y todo se vuelve más fácil, y el tema de costos, también es tema de eficacia. Ya hace años que está instalada toda la edición digital, ya nadie salvo Almodovar, nadie edita en la tabla. Además, es más rápido porque vos vas a probar muchas más variantes de edición, eso es lo importante, es un tema creativo, no es un tema de economía.
¿Se puede experimentar más?
Puedes experimentar más y sin tiempo, antes hacer una modificación de un armado de una escena eran horas, tenías que ir al canasto a buscar un pedacito de película, al final uno decía: bueno ya hagámoslo así nomás. Yo creo que es un tema mental, o sea la mente del director se vuelve muchísimo más rápido con la tecnología actual, y la mente del espectador con el cine actual también es muchísimo más novedoso, hay cosas con el cine actual que hace veinte años el espectador no lo podía entender.
¿Cuál es el error más frecuente que notas en los nuevos cineastas?
Mira, yo te voy a decir una cosa. Creo que hay muchos directores que seguramente tienen talento, pero no para el cine, digamos, podrían ser buenos administradores de empresa, buenos deportistas (risas). Yo creo que el talento del director es lo que define una película, y no ves ese talento, ese talento no lo puedes aprender en las escuelas. Los grandes directores tienen talento, y también requieres un equipo con talento, actores con talento y escritores con talento. Yo creo que por esa facilidad que da el cine y que ahora todo el mundo puede hacer una película, hay muchos que tienen talento pero para otra cosa, realmente lo pienso (risas).
¿Y qué piensas de las escuelas y las facultades de cine?
Yo creo que en la escuela se puede aprender algunos oficios, no sé si el oficio de un guionista, o la fotografía y edición, algunas cosas que son cursitos cortos, la dirección hace quince años podrías aprender algo porque todavía se respetaba el eje, ahora ya no, el cine ha cambiado enormemente en este aspecto, y la formación de un director de cine es la vida, es como siente uno la realidad, los libros que lee, las películas que ve, los museos que va, los conciertos que asiste, todas las relaciones que tiene con su familia, ese es el director, allí se hace (risas).
Alexander Payne dijo “antes de ser cineasta y director soy un amante de las películas”.
Yo creo que lo que dice Alexander es fundamental, el director tiene que ser un cinéfilo, yo aprendí cine en los cines, a pesar que fui a una escuela de cine, y ahora que es mucho más fácil comprarse en “Polvos azules” lo que quieras, o lo bajas por internet. El director tiene que ser un apasionado de las películas, pero sin duda.
¿Qué te ha parecido este año el Festival de Cine de Lima?
La programación que tiene el festival es bárbara, al margen de la sección oficial, las otras secciones y las muestras paralelas, todo arma un abanico que para cualquier cinéfilo de cualquier parte del mundo esto es un gran festival. No tendrá el glamur que tienen otros festivales, pero si tiene lo más importante de un festival que son las películas.
Conocemos a Carlos Sorín cineasta, pero cómo es el otro Carlos Sorín, el de casa y las parrillas
No hay, ese es el drama (risas). Es que te cruza la vida de punta a punta, yo nunca he podido separar, siempre estoy pensando en la próxima película, pensando en la edición, siempre estoy en algún momento del proceso, obviamente tengo familia, tengo hijos, pero es imposible decir ahora me voy a tomar una semana de vacaciones, o decir me despejo la mente, es imposible, hay una cierta obsesividad que no es del oficio del director, sino es mío, en el cual no puedo distraerme, yo edito en mi casa, tengo una sala de edición, y allí edito solo, y son prácticamente dos meses y medio a tres meses, y estoy sentado en la mesa con mi familia y estoy con piloto automático, te conté esto, pero no soy yo, la mente está en la sala de edición, en el corte, y en lo último que hice (risas). Y creo que nunca lo podría separar, pero ojo, veo que es una cosa negativa mía.
Muchas personas dicen que Carlos Sorín no parece argentino porque es muy humilde…
No creas ah (risas). Esa es una de las facetas, te puedo mostrar las otras (risas). No, no creas, un director no tiene que ser humilde, se hace le humilde que es distinto, pero yo creo que una de las cosas, no sé si se aprende o no se aprende, dirigir una película es un ejercicio de autoridad, realmente tienes que ejercer una autoridad bien entendida, nada de militar, pero si mantener en el conjunto del equipo una autoridad, ya que el cine es así (risas).
Para finalizar, un mensaje a los jóvenes que van a comenzar hacer cine.
Piénsenlo bien, piénsenlo dos veces (RISAS).
ENTREVISTA PUBLICADA EN LA REVISTA IMPRESA LIMA GRIS N° 6
LA PUEDES DESCARGAR AQUÍ https://www.limagris.com/descarga-la-revista-lima-gris-n-6-con-solo-un-click/
Cine
Edith Piaf está de vuelta: alistan película biográfica de la cantante generada con IA [VIDEO]
Voz e imagen de la cantante parisina regresarán gracias a la tecnología, según lo informó Warner Music.
El ‘Gorrión’ de Paris volverá a cantar en este nuevo milenio. La voz e imagen de la mítica cantante francesa Edith Piaf serán recreadas con Inteligencia Artificial (IA) para la realización de ‘Edith’, una película biográfica sobre la destacada artista del país galo.
Warner Music Entertainment informó que se ha asociado con la productora Seriously Happy para hacer una película de 90 minutos de duración narrada por la voz de Édith Giovanna Gassion (su nombre original) que “descubrirá aspectos de su vida hasta ahora desconocidos”.
En el comunicado, las productoras explican que la imagen y voz de Edith Piaf serán recreadas gracias a la tecnología de IA que fue entrenada con cientos de archivos, algunos de hace más de 80 años, “para realzar aún más la autenticidad y el impacto emocional de su historia”.
“La animación ofrecerá una visión moderna de su historia, mientras que la inclusión de imágenes de archivo, actuaciones en el escenario y en televisión, imágenes personales y entrevistas televisivas proporcionarán al público una visión auténtica de los momentos significativos de la vida de Piaf”, dice el anuncio.
La cinta está ambientada en las ciudades de París y Nueva York, y comprende la época de 1920 a 1960.
El proyecto promete ofrecer una visión moderna de su historia, mostrando logros personales y actuaciones icónicas de la intérprete de ‘Non, je ne regrette rien’.
La idea original es de la directora y guionista Julie Veille, responsable de películas de televisión como Diana Ross, suprême diva (2019) y Stevie Wonder: Visionnaire et prophète (2019), y comparte créditos de escritura con Gilles Marliac.
“Su historia es una muestra de increíble resistencia, de superación de luchas y de desafío a las normas sociales para alcanzar la grandeza, y es tan relevante ahora como lo fue entonces”, dijo Veille en un comunicado.
Por su parte, Catherine Glavas y Christie Laume, las albaceas del patrimonio de Piaf, expresaron lo “especial y conmovedor” que resultaba la experiencia de volver a escuchar la voz de la cantante gracias a la tecnología IA.
“Se siente como si estuviéramos de nuevo en el cuarto con ella”, apuntaron.
La vida del ‘Gorrión’ estuvo marcada por la tragedia y los excesos al haber vivido una infancia azotada por la necesidad y la miseria, y una vida adulta golpeada por la muerte de su única hija y de su amado, el boxeador Marcel Cerdán, y problemas con su adicción a la morfina.
Cine
Marco Panatonic: “En Perú hay un fascismo que quiere destruir el cine”
Largometraje “Kinra”, del cineasta cusqueño Marco Panatonic, ganó el premio a Mejor Película Internacional en el Festival de Cine de Mar del Plata. El cine peruano continúa cosechando premios internacionales.
“Kinra”, opera prima del cusqueño Marco Panatonic, acaba de ganar el Astor Piazzolla de Oro, a mejor Película Internacional en la Competencia del Festival de Cine de Mar del Plata, que este año va por su 38° edición.
El largometraje de Panatonic, aborda una realidad innegable en Latinoamérica; el tema de la migración que toca a todos los que alguna vez hemos salido de nuestros terruños. Y sin duda, el enfoque visual de “Kinra” nos narra un testimonio que no necesita mayor relato, que sus propias imágenes.
El cineasta peruano celebra el triunfo de su película en Mar de Plata.
Panatonic agradeció al festival por permitirle estrenar el filme en Latinoamérica y en especial, a su equipo de trabajo, porque “ha puesto el cuerpo para caminar por los Andes”.
“Me llevo una gran experiencia. Estaba dudando de si puedo hacer cine y seguiré dudando, porque en Perú hay un fascismo que quiere destruir el cine. Hay que seguir luchando”, aseveró el director en su discurso durante la ceremonia.
Marco Panatonic, estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad Nacional San Antonio de Abad; sin embargo, tiene una formación autodidacta en cine y también experiencia en el área técnica de diversas producciones. No por algo, participó en años pasados en uno de los festivales de cortos más importantes de la región, el FENACO, y hoy ya puede gozar de los logros, luego de un arduo trabajo.
Cine
35° Festival de Cine Europeo de Lima llega con 55 películas de estreno
La 35 edición del Festival del Cine Europeo de Lima se realizará del 16 al 30 de noviembre en Lima, Cusco, Arequipa, Piura, Trujillo y Chiclayo.
El Festival del Cine Europeo de Lima está de vuelta en su 35ª edición del 16 al 30 de noviembre de 2023 prometiendo dos semanas llenas de cine europeo de primer nivel gracias a sus organizadores: las embajadas de los Estados miembros de la Unión Europea en el Perú, la Delegación de la Unión Europea y la Filmoteca de la Pontificia Universidad Católica del Perú.
Esta edición trae consigo una emocionante selección de 55 películas procedentes de 18 países europeos, como Alemania, Austria, Bélgica, España, Finlandia, Francia, Grecia, Hungría, Italia, Países Bajos, Polonia, Portugal, Rumanía, además de Dinamarca, Bulgaria, Malta, Croacia, Estonia y la participación de Ucrania y Perú.
Los amantes del cine tendrán la oportunidad única de sumergirse en la riqueza de la cinematografía europea y descubrir historias de toda la Unión Europea.
La programación detallada se encuentra disponible en www.festivaldecineeuropeo.pe. Con un total de 179 funciones programadas, distribuidas en 18 sedes en Lima y 8 en provincias, que incluyen Cusco, Arequipa, Piura, Trujillo y Chiclayo, el Festival se asegura de que todos tengan la oportunidad de acercarse a la cinematografía europea y encontrar historias que se adapten a sus gustos.
Premio del público
El 35° Festival del Cine Europeo de Lima marca el regreso del Premio del Público permitiendo a los seguidores elegir la película más destacada del evento, convirtiendo también a los asistentes en protagonistas de la celebración cinéfila.
Presidencia española
En esta edición, el Festival estará bajo la presidencia de España, cuya Embajada presentará entre otras películas, en estreno exclusivo, “As bestas” de Rodrigo Sorogoyen, Premio Goya 2023 a la mejor película entre las 9 distinciones que recibió como la de mejor director, mejor actor o mejor actor de reparto.
Además, se realizará un homenaje al genio creativo y el legado cinematográfico del aclamado director español Carlos Saura, proyectando cinco de sus icónicas películas, incluyendo “Cría cuervos” y “Ay, Carmela”.
El Festival también presentará una selección de películas peruanas. Se explorarán temas históricos y sociales a través de una selección de seis largometrajes, tres de España y tres de Perú, que abordan el posfranquismo de los años 70 y la violencia armada interna de los años 80, respectivamente.
Ucrania, país invitado
También, a través del lente cinematográfico, el Festival ofrecerá una mirada al impacto del conflicto bélico en Ucrania a través de cuatro películas, incluyendo un drama ficcionado y tres documentales, que arrojarán luz sobre los desafíos que enfrentan las personas en ese país en la actualidad.
Talleres profesionales
Finalmente, por quinto año consecutivo, el Festival de Cine Europeo contará con el laboratorio de formación en cinematografía CINELABS, organizado por el grupo de Institutos Culturales Europeos en Perú (EUNIC) espacio que convocará a expertos internacionales en temas como redacción de guiones, corrección de color, nuevas tecnologías, fotografía, animación, dirección de arte y sonido.
Cine
Los ‘Buenos Muchachos’ retornarán a la pantalla gigante [VIDEO]
Película de Martin Scorsese será reestrenada desde este 2 de noviembre.
Los ‘Buenos Muchachos’ (Goodfellas) están de regreso. Con más de tres décadas de su estreno original, UVK Multicines trae a sus pantallas este clásico en alta definición que reúne a Ray Liotta, Paul Sorvino y los galardonados Robert de Niro y Joe Pesci.
Una de las películas más influyentes del cine clásico de gangsters, Goodfellas, en español Buenos Muchachos, regresa al cine en versión remasterizada y en alta definición a través de las pantallas de UVK Multicines este 2 de noviembre.
Estrenada en 1990, el director italo-americano, Martin Scorsese entregó una de las mejores películas del cine moderno que expone el fascinante, misterioso y violento submundo de las familias de la mafia neoyorquina, a través de la vida de Henry Hill.
Buenos Muchachos cuenta la historia del ascenso y caída de este gángster italo-irlandés-americano que, entre los años 50’s y 80’s, se hizo rico a costa de robos, asaltos, tráfico de drogas, complicidad en asesinatos, otros crímenes y delitos con sus secuaces Paul Cicero, Tommy DeVito y Jimmy Conway.
La cinta reúne a un reparto de lujo conformado por Ray Liotta, Paul Sorvino, Joe Pesci, quien se hizo acreedor de un Premio Oscar como Mejor Actor de Reparto gracias a su performance en el filme, y Robert de Niro, dos veces ganador del premio a Mejor Actor de la Academia.
Nominada a seis premios Oscar, ganadora de cinco premios por parte del BAFTA y nombrada como Mejor Película del año por el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York y por la Asociación de críticos de cine de Los Ángeles, además que la cinta Buenos Muchachos fue declarada de “importancia cultural” y fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos.
Considerada por muchos la mejor película sobre mafiosos, ahora podrás verla en pantalla grande y en exclusiva desde este 2 de noviembre en los cines UVK San Martín del Centro de Lima y UVK Platino Panorama de Surco.
Cine
Película ‘La naranja mecánica’ se reestrenará en las salas de cine peruanas
Obra maestra de Stanley Kubrick podrá ser disfrutada desde este jueves en distintas cadenas de cines.
A ‘videarnos’. Stanley Kubrick está de vuelta y desde este jueves ‘La naranja mecánica’ (A clockwork Orange) regresará a las salas de cine para celebrar los 100 años de la Warner Bros. A fines de setiembre, le tocó a la mítica trilogía de ‘Batman: The Dark Knight’ y ahora es el turno de la película dirigida por Kubrick y protagonizada por Malcolm McDowell, a quien volveremos a ver en su papel como Alex DeLarge en una versión remasterizada que ofrece una mejor experiencia auditiva y visual para el público.
Esta cinta, que está basada en el libro homónimo de 1962 escrito por el británico Anthony Burgess, llegará a los cines de nuestro país el jueves 19 de octubre de 2023. La película tiene una duración total de 136 minutos, es decir, 2 horas y 16 minutos; además, debido a la gran cantidad de violencia, está dirigida únicamente para mayores de 18 años.
La película sigue la historia de Alex DeLarge, un joven delincuente y líder de una pandilla, mientras es sometido a un controvertido experimento de reacondicionamiento conductual. A través de esta trama intrincada, la película plantea preguntas éticas y filosóficas sobre el poder, el libre albedrío y la moralidad; desafiando a los espectadores a reflexionar sobre la naturaleza humana y la sociedad en la que vivimos.
‘La naranja mecánica’ tuvo múltiples nominaciones a los Premios Óscar, Globos de Oro y BAFTA, sin embargo, no alcanzó el éxito y se quedó sin levantar dichas estatuillas. Un destino distinto registró en los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York (NYFCC Awards), en donde obtuvo galardones a mejor película y a mejor director. Otro premio importante que ganó fue en el Festival de Cine de Venecia, en el cual resultó vencedor en la categoría de mejor película extranjera.
La película podrá verse únicamente en las salas de cine seleccionadas de Cineplanet, Cinemark, Cinépolis, UVK, y Cinestar, entras otras, por lo que es recomendable que ingreses a la página web de tu cine favorito para revisar dónde estará disponible, los horarios y el precio de las entradas.
Cine
El mundo de cine está de luto: William Friedkin, director de ‘El Exorcista’, fallece a los 87 años
Director estadounidense obtuvo el Oscar a Mejor Director y Mejor Película por “Contacto en Francia”, en 1972.
Un pionero en la dirección cinematográfica. William Friedkin, director recordado por su cinta ganadora del Oscar Contacto en Francia (The French Connection)y la aclamada cinta de terror El Exorcista, murió a los 87 años de edad en Los Ángeles. Así lo confirmó el decano de la universidad Chapman, Stephen Galloway amigo cercano a la esposa de Friedkin, Sherry Lansing, quien también estuvo involucrada en el cine como productora y jefa de estudio. Hasta el momento, se desconocen las causas de muerte.
Friedkin tuvo una larga trayectoria en la industria del cine donde obtuvo diversos premios y nominaciones en certámenes como los Globos de Oro y los festivales como Cannes, Locamo, Sitges o Venecia. Precisamente, su último rodaje ‘The Caine Mutiny Court-Martial’, protagonizada por Kiefer Sutherland, se estrenará en dicho festival italiano.
El padre de dos películas de culto
William Friedkin nació en Chicago en 1935. A los 27 años inició su carrera como director de televisión estando a cargo de series como ‘Alfred Hitchcock Presenta’ (1965), ‘The Twillight Zone’ (1985), ‘Tales from the Crypt’ (1992) o C. S. I. (entre 2007 y 2009).
Ya en 1972, a la edad de 35 años, obtuvo el máximo galardón en los Oscar, obteniendo el premio a Mejor Película por su largometraje Contacto en Francia, la cual se impuso nada menos que a ‘La Naranja Mecánica’ de Stanley Kubrick.
‘The French Connection’ contiene una de las secuencias de persecución de autos más famosas del cine y actualmente es un ejemplo para el género policial. ‘Conexión’ logró varios premios incluidos al mejor actor para Gene Hackman.
Sí, Contacto en Francia hizo que Friedkin se ganara el amor de la Academia, pero fue en 1974 cuando se ganó el corazón del público con la aclamada cinta El Exorcista.
El Exorcista fue nominada a los Oscar, pero perdió contra El Golpe de George Roy Hill. Sin embargo, es de aplaudirse que una cinta de terror llegara a esta prestigiosa terna compitiendo contra figuras de la talla de Francis Ford Coppola, Ingmar Bergman y Melvin Frank.
A pesar de haberse consagrado a lo largo de las décadas como una de las cintas de terror más importantes de todos los tiempos, Friedkin aseguró en una entrevista celebrada en 2014 que no se trataba de una película del género, sino que buscó hacer una crítica/reflexión sobre la fe y cómo se vivía en aquellos días en occidente.
“Blatty (Bill Blatty, escritor de la novela original y guionista de la cinta) y yo nunca hablamos de hacer una película de terror. Hablamos de hacer una película sobre el misterio de la fe. Sentí que la historia de El exorcista era una de las cosas más poderosas que podías hacer al tratar con el misterio de la fe y el amor y el perdón de Dios”.
Cine
Arrancó la 76ª edición del Festival de Cannes 2023 [VIDEO]
Y actor Johnny Depp recibió ovación de siete minutos por su película “Jeanne du Barry”.
¡Luces, cámara, Cannes! Finalmente los amantes del sétimo arte podrán presenciar películas que ameriten los aplausos y los comentarios de café, y no los bodrios que nos ofrece la cartelera nacional, con comerciales de hora y media que se hacen pasar como largometrajes, o los refritos donde se vale de todo menos actuar.
Desde el pasado 16 de mayo se dio inicio a la 76ª edición del Festival de Cannes, una de las grandes citas esperadas por los amantes del celuloide. Entre las películas que generan mayor expectativa se encuentran ‘Killers of the flower moon’, del destacadísimo director Martin Scorsese. Aunque la película se estrenará el 20 de octubre, la cinta protagonizada por Leonardo DiCaprio, Robert de Niro, Jesse Plemons y Brendan Fraser entre otros tiene ya la fecha del 20 de mayo fijada para presentarse ante los asistentes en el certamen. Además, el director español Pedro Almodóvar irá con su particular nuevo trabajo, ‘Extraña forma de vida’, protagonizada por Ethan Hawke y Pedro Pascal.
Además del laureado director español también se encuentra Víctor Erice, quien pasará por el festival fuera de concurso con ‘Cerrar los ojos’, en la Sección Cannes Premiere. También pasará por ahí los trabajos de Martin Provost (‘Bonnard, Pierre and Marthe’), Takeshi Kitano (‘Kubi’) y Katell Quillévéré (‘Le temps d’aimer’). Steve McQueen también estará dentro de los Special Screenings, donde presentará ‘Occupied city’. Wim Wenders, que compite en la Oficial, presentará aquí ‘Anselm (Das Rauschen Der Zeit)’. Wang Bing (‘Man in black’) y Kleber Mendonça Filho (‘Retratos fantasmas’) los acompañarán. Los Midnight Screenings serán ‘Kennedy’ de Anurag Kashyap, ‘Omar la Fraise’ de Elias Belkeddar y ‘Acid’ dirigida por Just Philippot.
Johnny Depp es ovacionado durante siete minutos
De pie y a mano abierta. Durante el estreno de la película “Jeanne du Barry”, película encargada de abrir el certamen fílmico, protagonizada por el actor Johnny Depp y dirigida por Maïwenn Le Besco, el aclamado actor recibió una ovación general durante siete minutos por parte de los espectadores, significando su retorno triunfal a la pantalla grande.
“Jeanne du Barry” marca el regreso de Johnny Depp a un proyecto cinematográfico de gran importancia después de su prolongado juicio contra Amber Heard. La expareja de actores se enfrentó legalmente, intercambiándose demandas por difamación en un proceso mediático que acaparó titulares.
La actuación de Johnny Depp en “Jeanne du Barry” ha generado expectativas y ha despertado el interés de los amantes del cine en todo el mundo. Sin embargo, también ha despertado gran controversia.
Cine
Película “Todo en todas partes al mismo tiempo” fue la gran ganadora de los premios Oscar 2023
Obra filmográfica de ‘Los Daniels” se llevó anoche siete estatuillas doradas, incluyendo mejor película y mejor director.
Estuvieron en todas. Entre todos los multiversos posibles esta película siempre resultaba ganadora por su maravillosa historia, dirección y reparto actoral. La película dirigida por Daniel Kwan y Daniel Scheinert, también conocidos en el mundo del celuloide como ‘Los Daniels’ cumplió con los pronósticos y ganó este domingo el óscar a la mejor película en la 95 edición de los premios de la Academia de Hollywood, frente a la otra favorita, ‘The Fabelmans‘.
“No hay otra película con un reparto mejor que este. El Oscar es para todos nosotros”, aseguró el productor del filme, Jonathan Wang, al recoger el galardón.
Posteriormente, Daniel Kwan tomó la palabra y agradeció a la industria de Hollywood por aportarle “inspiración” durante toda su vida y servirle como “un refugio ante el caos del mundo”.
La cinta dirigida por Daniel Kwan y Daniel Scheinert consiguió once nominaciones al Oscar y ya había triunfado en los premios del Sindicato de Productores de Hollywood (PGA Awards), en los del gremio de directores (DGA), en los del Sindicato de Actores de EE.UU. (SAG), en los Critics Choice y en los Spirit.
Esta aventura fantástica sobre una superheroína familiar (Michelle Yeoh) que trata de salvar al mundo viajando por universos paralelos cautivó a gran parte del público este año y consiguió que los 25 millones de dólares que invirtió el estudio A24 para su producción fueran rentabilizados con creces, al facturar casi 110 millones.
Además de la de mejor película, ‘Todo en todas partes al mismo tiempo‘ se embolsó otras 6 estatuillas: mejor dirección, mejor actriz, montaje, guion original, actor secundario y actriz secundaria.
Lista de ganadores de las principales categorías de los premios Oscar 2023:
- Mejor película: Everything Everywhere All At Once (“Todo en todas partes al mismo tiempo”)
- Mejor dirección: Daniel Kwan, Daniel Scheinert – Everything Everywhere All At Once (“Todo en todas partes al mismo tiempo”)
- Mejor actriz: Michelle Yeoh – Everything Everywhere All At Once (“Todo en todas partes al mismo tiempo”)
- Mejor actor: Brendan Fraser – The Whale (“La ballena”)
- Mejor actriz de reparto: Jamie Lee Curtis – Everything Everywhere All At Once (“Todo en todas partes al mismo tiempo”)
- Mejor actor de reparto: Ke Huy Quan – Everything Everywhere All At Once (“Todo en todas partes al mismo tiempo”)
- Mejor edición: Everything Everywhere All At Once (“Todo en todas partes al mismo tiempo”)
- Mejor guion original: Everything Everywhere All At Once (“Todo en todas partes al mismo tiempo”)
- Mejor guion adaptado: Women Talking (“Ellas hablan”)
- Mejor película internacional: Im Westen nichts Neues (“Sin novedad en el frente”) – Alemania
- Mejor fotografía: Im Westen nichts Neues (“Sin novedad en el frente”)
- Mejor banda sonora: Im Westen nichts Neues (“Sin novedad en el frente”)
- Mejor película de animación: Guillermo del Toro’s Pinocchio (“Pinocho”)
- Mejor canción original: Naatu Naatu – RRR
- Mejor diseño de producción: Im Westen nichts Neues (“Sin novedad en el frente”)
- Mejor maquillaje y peluquería: The Whale (“La ballena”)
- Mejor vestuario: Black Panther: Wakanda Forever (“Pantera negra: Wakanda por siempre”)
- Mejores efectos visuales: Avatar: The Way of Water (“Avatar: el camino del agua”)
- Mejor sonido: Top Gun: Maverick
- Mejor largometraje documental: Navalny
- Mejor corto de ficción: An Irish Goodbye
- Mejor corto documental: The Elephant Whisperers
- Mejor corto animado: The Boy, the Mole, the Fox, and the Horse (“El niño, el topo, el zorro y el caballo”)
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