Cine
CARLOS SORÍN: CON DANIEL DAY-LEWIS HICE UNA PELÍCULA QUE ERA ESPANTOSA
Fotos: Carla Santillán
Carlos Sorín está por cumplir 70 años, es uno de los directores argentinos más reconocidos en el mundo. Historias mínimas, Bombón el perro, El camino de San Diego o Días de pesca, son solo algunos de sus filmes que han transcendido por la fuerza de su narrativa. Muchos lo conocen como el director de la Patagonia; confiesa que él mismo edita sus películas en casa, y nos habla de su hijo Nicolás, quien le pone música a su vida y a sus películas.
Ingresa a la sala de prensa con una chalina, saluda a todo el mundo, mientras algunos flashes iluminan sus cortos pasos. Se le nota algo cansado pero aún así sostiene en el rostro una sonrisa. Aquí una entrevista donde Sorín se tumbó muchos mitos, y nos demostró involuntariamente que existe un argentino sin ego.
Carlos tú incursionas en el cine mediante la publicidad
Sí, yo vengo de la publicidad lamentablemente.
¿Por qué lamentablemente?
Bueno la publicidad me dio algo que es fundamental para hacer cine, me dio plata, después, tienes que comenzar a desaprender todo lo que aprendiste ahí, para luego encarar un largometraje.
En publicidad trabajaste casi diez años en Colombia.
No, no fue tanto, en Colombia estuve pocos años, son casi treinta años de cine publicitario, he podido hacer un poco menos, pero bueno (risas).
Por qué después de trabajar con un súper actor como Daniel Day-Lewis, decides hacer películas con actores que no son profesionales.
Con Daniel Day-Lewis hice una película que era espantosa (risas). No fue culpa de Daniel, fue culpa mía, y después de mucho tiempo regresé hacer cine. Depende de qué te propongas con una película, hay películas que necesitan actores, y películas que son mejor hacerlo sin actores profesionales. Por ejemplo, en mi última película tengo un entrenador de boxeo, que hace cuarenta años es entrenador de boxeo, es mucho más fácil explicarle a él como actuar, que a un actor como es el tema del boxeo, es muchísimo más simple. O un guía de pesca, que le vamos estar enseñando a un actor como se pesca, más vale agarrar un guía de pesca y le enseñamos como se actúa, es mucho más fácil.
Sorprende el talento que tienes para dirigir actores…
No actores (risas). Los actores también me gustan dirigirlos, con los no actores no tengo ningún método, porque cada caso es un caso único, tienes que ir viendo por dónde lo encaras. Y con los actores tampoco tengo un método, yo se que dirijo actores y lo hago razonablemente bien, pero no aprendido un método, lo hago porque lo siento, y trato de comunicarme con los actores, si el actor es bueno establecemos una buena química, una buena relación, pero no ensayo nunca, esa es la única metodología. Y el hecho de no ensayar nunca es porque pienso que en el ensayo salen las mejores cosas y después nunca más las voy a volver a ver, entonces, filmó siempre.
Con “Historias mínimas” y la Patagonia se puede decir que comenzó un cambio en tus películas.
Sí, claro, allí había pasado once años desde que hice la película “Eterna sonrisa de Nueva Jersey” con Daniel Day- Lewis, y es como una nueva ópera prima, empecé una segunda parte de mi carrera, una segunda carrera muy distinta a la anterior y en la que todavía estoy.
Sorín junto al protagonista de Historias mínimas Antonio Benedicti
¿Qué te ha dado la Patagonia, que no te ha dado otros lugares?
Te da hoteles de una estrella, pésima comida, viento perfecto (risas). No es un lugar cómodo, si uno busca un lugar cómodo y placentero para filmar, la Patagonia no es aconsejable.
¿Y por qué insistir en la incomodidad?
No sé, hay algunas cosas de soledad, de distancia, de paisajes y rutas infinitas, estaciones de servicios, moteles, y a mí me gusta mucho ese tipo de locación, pero mis historias no son patagónicas, mis historias podrían suceder en cualquier parte, no son estrictamente de la Patagonia, y después como me dicen Sorín es el director de la Patagonia, entonces, voy y filmó allá para confirmar esa etiqueta, viste, hay magia (risas).
Háblame de la experiencia de trabajar con tu hijo Nicolás haciendo cine, prácticamente son un dúo.
Sí, pues ya llevamos seis películas, al principio en la relación padre e hijo, se imponía la relación director –músico, pero ahora ya no, él ha crecido mucho y además es un excelente músico de cine, y lo tengo porque es un excelente profesional, y nuestra relación es muy profesional en el sentido que si a mí no me gustan las cosas se lo digo, ahora cada vez menos, porque cada vez la acierta más de entrada, y tenemos una relación muy fluida, sabemos que ninguno de los dos va perdonar algo (risas).
Después de ver tus películas me da la sensación de que tienes el espíritu de un monje tibetano, porque nos haces recordar que somos humanos.
(Risas). Yo creo que en general, salvo “El gato desaparece”, son películas rurales, no sé cómo será en Perú, pero en Argentina, la vida rural es totalmente distinta a la vida de las grandes ciudades y a la de Buenos Aires, la tensión, la agresión, que es muy fuerte que se vive en la grandes ciudades y en Buenos Aires especialmente a la Patagonia llega como con sordina, como una cosa lejana, los tiempos son otros, la gente es otra, hay más calma, y esa sensación de calma tiene que ver con que mis historias son rurales.
Pero siempre subrayas el hecho de darle valor a esas pequeñas cosas.
Sí, porque en esos contextos esas cosas tienen su valor. Recuerdo que cuando se estrenó “Historias mínimas” en Buenos Aires, muchos de los comentarios eran esos, era como la vieja Argentina, eso de llevar una torta, son cosas que en Buenos Aires era imposible. Y cuando se estrenó tenía como una resonancia, a un Buenos Aires de la infancia de uno, que ya esas cosas se perdieron.
En tu última película “Días de pesca” comienzas sin hacernos saber que le sucedió al protagonista…
Sí, porque sino sería una telenovela, no tiene importancia que pasó atrás, si es que se peleó con su mujer, por qué motivo, todo eso el espectador lo completa como quiere, no pasa por ahí la película. Entonces, en el proceso aporto la menor cantidad de datos posibles para que el espectador tenga más zonas para reconstruir lo que está pasando. Tampoco es una película enigmática donde tienes que descubrir algo.
Escena de la película Días de pesca
En tu película “Días de pesca” uno de los grandes logros es el final ¿lo pensaste mucho?
No, yo lo tenía ese final, pero hice varias versiones, la historia viene de la época de “Historias mínimas”, ese final para mí es importante, si bien yo no creo, porque soy pesimista, que él va ser otra persona y que va salir definitivamente del alcohol, y va restablecer la relación con su hija y con su nieto que acaba de conocer, yo no creo en eso, aunque la película lo deja abierto, aunque el espectador puede pensar que sí. Pero a mí me parece importante, es que él sabe y yo creo que eso es lo que lo pone feliz, que en caso extremo y ante la muerte, no va estar solo.
En los últimos años hemos tenido la perdida de varios directores argentinos, cuando te enteras que directores como Fabián Bielinsky o Leonardo Favio, han muerto ¿qué te pasa por la cabeza?
Bielinsky durante muchos años fue asistente mío, fue mí asistente de dirección, eso fue un golpe duro. Favio ya era un hombre mayor, como que la gente ya estaba preparada porque que Favio estaba enfermo durante muchos años. Pero lo de Fabián Bielinsky fue un golpe, y estaba manejando y me llama mi asistente, y me dice acaba de morir, no puede ser dije yo, con el éxito servido.
Algunos dicen que lo mató el estrés y el cigarro…
No, creo que él tenía problemas de tensión, creo que la filmación de “El Aura” fue muy dura, y una de las cosas que yo contemplo, porque realmente el cine necesita un gasto físico importante, uno tiene que tratar a pesar de la edad estar más o menos en training. Cuando me voy a una filmación, en todas mis cosas llevo siempre una cinta de correr, y la llevo dentro del equipo, va con los faroles.
¿Entonces, ese es el secreto de que se te vea tan joven?
Cada uno lo hace a su manera, pero hay que estar físicamente en la forma razonablemente buena, porque es un esfuerzo, es un estrés permanente, hay películas que el director tiene que tomar cantidad de resoluciones y decisiones todos los días, y que eso te estresa. En las filmaciones grandes tienes a cuarenta o cincuenta personas exigiéndote cosas, recuerdas las clases como “La Noche Americana” de Truffaut. Bueno y eso estresa, pero eso no lo puedes cambiar, lo que tienes que estar es primero, en buena forma física o lo mejor que puedas y después, cierta calma.
¿Piensas en la muerte?
En la muerte pienso siempre, además cuando uno llega a cierta edad ya es inevitable no pensar en la muerte. La muerte está muy presente en mis películas, yo creo que todas las obras que hace el hombre sino tuviera la muerte seríamos inmortales, y sería irrelevante, yo creo que esa tragedia le da grandeza a la gran novela, a la gran película.
¿Qué opinas de la tecnología que ha cambiado el cine de alguna manera?
Sí, para mejor, “Días de pesca” es mi primera película digital, a mÍ me costó dejar el celuloide, pero vos ves que hay situaciones que con la cámara y el monitor, ves mucho más de lo que ves con tu ojo, y dices: diablos. Entonces, no voy a necesitar de llevar faroles, y todo se vuelve más fácil, y el tema de costos, también es tema de eficacia. Ya hace años que está instalada toda la edición digital, ya nadie salvo Almodovar, nadie edita en la tabla. Además, es más rápido porque vos vas a probar muchas más variantes de edición, eso es lo importante, es un tema creativo, no es un tema de economía.
¿Se puede experimentar más?
Puedes experimentar más y sin tiempo, antes hacer una modificación de un armado de una escena eran horas, tenías que ir al canasto a buscar un pedacito de película, al final uno decía: bueno ya hagámoslo así nomás. Yo creo que es un tema mental, o sea la mente del director se vuelve muchísimo más rápido con la tecnología actual, y la mente del espectador con el cine actual también es muchísimo más novedoso, hay cosas con el cine actual que hace veinte años el espectador no lo podía entender.
¿Cuál es el error más frecuente que notas en los nuevos cineastas?
Mira, yo te voy a decir una cosa. Creo que hay muchos directores que seguramente tienen talento, pero no para el cine, digamos, podrían ser buenos administradores de empresa, buenos deportistas (risas). Yo creo que el talento del director es lo que define una película, y no ves ese talento, ese talento no lo puedes aprender en las escuelas. Los grandes directores tienen talento, y también requieres un equipo con talento, actores con talento y escritores con talento. Yo creo que por esa facilidad que da el cine y que ahora todo el mundo puede hacer una película, hay muchos que tienen talento pero para otra cosa, realmente lo pienso (risas).
¿Y qué piensas de las escuelas y las facultades de cine?
Yo creo que en la escuela se puede aprender algunos oficios, no sé si el oficio de un guionista, o la fotografía y edición, algunas cosas que son cursitos cortos, la dirección hace quince años podrías aprender algo porque todavía se respetaba el eje, ahora ya no, el cine ha cambiado enormemente en este aspecto, y la formación de un director de cine es la vida, es como siente uno la realidad, los libros que lee, las películas que ve, los museos que va, los conciertos que asiste, todas las relaciones que tiene con su familia, ese es el director, allí se hace (risas).
Alexander Payne dijo “antes de ser cineasta y director soy un amante de las películas”.
Yo creo que lo que dice Alexander es fundamental, el director tiene que ser un cinéfilo, yo aprendí cine en los cines, a pesar que fui a una escuela de cine, y ahora que es mucho más fácil comprarse en “Polvos azules” lo que quieras, o lo bajas por internet. El director tiene que ser un apasionado de las películas, pero sin duda.
¿Qué te ha parecido este año el Festival de Cine de Lima?
La programación que tiene el festival es bárbara, al margen de la sección oficial, las otras secciones y las muestras paralelas, todo arma un abanico que para cualquier cinéfilo de cualquier parte del mundo esto es un gran festival. No tendrá el glamur que tienen otros festivales, pero si tiene lo más importante de un festival que son las películas.
Conocemos a Carlos Sorín cineasta, pero cómo es el otro Carlos Sorín, el de casa y las parrillas
No hay, ese es el drama (risas). Es que te cruza la vida de punta a punta, yo nunca he podido separar, siempre estoy pensando en la próxima película, pensando en la edición, siempre estoy en algún momento del proceso, obviamente tengo familia, tengo hijos, pero es imposible decir ahora me voy a tomar una semana de vacaciones, o decir me despejo la mente, es imposible, hay una cierta obsesividad que no es del oficio del director, sino es mío, en el cual no puedo distraerme, yo edito en mi casa, tengo una sala de edición, y allí edito solo, y son prácticamente dos meses y medio a tres meses, y estoy sentado en la mesa con mi familia y estoy con piloto automático, te conté esto, pero no soy yo, la mente está en la sala de edición, en el corte, y en lo último que hice (risas). Y creo que nunca lo podría separar, pero ojo, veo que es una cosa negativa mía.
Muchas personas dicen que Carlos Sorín no parece argentino porque es muy humilde…
No creas ah (risas). Esa es una de las facetas, te puedo mostrar las otras (risas). No, no creas, un director no tiene que ser humilde, se hace le humilde que es distinto, pero yo creo que una de las cosas, no sé si se aprende o no se aprende, dirigir una película es un ejercicio de autoridad, realmente tienes que ejercer una autoridad bien entendida, nada de militar, pero si mantener en el conjunto del equipo una autoridad, ya que el cine es así (risas).
Para finalizar, un mensaje a los jóvenes que van a comenzar hacer cine.
Piénsenlo bien, piénsenlo dos veces (RISAS).
ENTREVISTA PUBLICADA EN LA REVISTA IMPRESA LIMA GRIS N° 6
LA PUEDES DESCARGAR AQUÍ https://www.limagris.com/descarga-la-revista-lima-gris-n-6-con-solo-un-click/
Cine
A los 78 años de edad fallece el destacado cineasta David Lynch [VIDEO]
Director realizó películas de culto como “Mulholland Drive” o “Blue Velvet”, o la surrealista serie para televisión “Twin Peaks”.
Cuando tenemos que hablar de leyendas del cine, aquellos directores que pueden plasmar en una filmación de aproximadamente dos horas toda su magnífica imaginación, es imposible dejar de mencionar al cineasta norteamericano David Lynch, quien lamentablemente falleciera producto de una severa enfermedad que lo tuvo varios meses postrado.
“Nosotros, su familia, anunciamos con tristeza honda el fallecimiento del hombre y artista David Lynch», compartieron sus familiares por la tarde en un mensaje en Facebook. «Hay un gran agujero en el mundo ahora, cuando ya no está entre nosotros. Pero como él decía: ‘Mantén la mirada en el donut, no en el agujero’”.
Sus familiares más cercanos no brindaron mayores detalles sobre su partida, sin embargo, en agosto del año pasado, el propio director anunciaba que padecía de un enfisema pulmonar producto de décadas de consumo de tabaco.
“He disfrutado mucho del cigarrillo”, escribió el director de vanguardia, “pero tengo que pagar un precio por eso que disfruté. Y el precio es un enfisema”. “Apenas puedo cruzar la habitación”, reconoció en noviembre del año pasado”, agregando “es como si caminara con una bolsa de plástico atada a la cabeza”, confesó para la revista People.
Lynch comenzó su carrera como pintor antes de incursionar en el cine, con cortometrajes animados y de acción real. Su primer largometraje, Eraserhead (1977), se convirtió en un clásico de culto en el circuito de proyecciones de medianoche. Esta obra, realizada durante cinco años, llamó la atención de Mel Brooks, quien contrató a Lynch para dirigir The Elephant Man (1980). Este drama sobre John Merrick, un hombre deformado que vivió en la Inglaterra victoriana, recibió ocho nominaciones a los Premios Óscar, incluyendo mejor director para Lynch.
A pesar de este éxito, su carrera tuvo altibajos. En 1984 dirigió Dune, una adaptación del clásico de ciencia ficción de Frank Herbert que fue un fracaso comercial y crítico. Sin embargo, Lynch se recuperó con Blue Velvet (1986), un relato inquietante sobre el lado oscuro de una pequeña ciudad estadounidense, y con Wild at Heart (1990), que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes.
En televisión, Lynch revolucionó la narrativa con Twin Peaks (1990), creada junto a Mark Frost. La serie, que seguía la investigación del asesinato de la estudiante Laura Palmer, introdujo temas tabúes y elementos sobrenaturales en la televisión de horario estelar, obteniendo 14 nominaciones a los Premios Emmy en su primera temporada. Aunque perdió audiencia en su segundo año, Twin Peaks mantuvo un culto de seguidores que impulsó una película precuela (Twin Peaks: Fire Walk With Me, 1992) y un renacimiento en 2017 con una tercera temporada en Showtime.
Entre sus otras obras destacadas se encuentran Lost Highway (1997), The Straight Story (1999) y Mulholland Drive (2001), esta última considerada una de sus películas más aclamadas y por la que recibió una nominación al Óscar como mejor director.
Cine
Colin Farrell recibe el premio al mejor actor en los Globos de Oro 2025 por su interpretación del “Pingüino” [VIDEO]
Magistral caracterización de personaje de ficción le hizo merecedor a su tercer Globo de Oro al actor irlandés.
Cine
Sétimo arte: Vuelve el Festival de Cine Europeo de Lima
Del 14 al 28 de noviembre público en general podrá apreciar de manera gratuita películas provenientes del viejo continente.
Una sana costumbre. Durante dos semanas, más de 13 mil espectadores podrán disfrutar de manera gratuita 35 películas de estreno provenientes de 13 países de la Unión Europea: Hungría, que lleva la presidencia del Festival, Alemania, Bélgica, Eslovenia, España, Finlandia, Francia, Grecia, Italia, Países Bajos, Polonia, Portugal y Rumanía; además de producciones de Ucrania, país invitado y de Perú.
A partir del lunes 4 de noviembre, el público podrá reservar sus entradas para las funciones en todas las sedes (a excepción de las sedes CCPUCP y Alianza Francesa de Lima) a través de Joinnus. Es importante tener en cuenta que la reserva no asegura un asiento, dado que las entradas se entregarán por orden de llegada en cada función. Asimismo, las personas que no realicen la reserva podrán asistir directamente a las funciones.
Hungría, país anfitrión
Este año, como ya es tradición, se llevará a cabo un Diálogo Cinematográfico entre Perú y Hungría, país que lleva presidencia del Festival. Este encuentro busca enlazar las creaciones de ambos países a través de un eje temático cuidadosamente seleccionado el cual será este año: “Las complejidades de las relaciones humanas en contextos de adversidad”.
Las dos películas elegidas son: “Szerelem”, de Károly Makk, un clásico del cine húngaro de 1971 que explora la represión política de la década de los 50; y “La piel más temida”, de Joel Calero, un intenso drama peruano del 2023 que examina un complejo entramado de poder, violencia y amor.
Ucrania, país invitado
Además, Ucrania se suma como país invitado especial, ofreciendo un Ciclo Especial, que refleja el impactante y desafiante contexto que este país enfrenta a través de cuatro películas: “El Francotirador de Donbass”, “Cultura vs. guerra”, “Buscando a Nika” y “Edurodonbás”.
Premio del público
El Festival no sólo será un escaparate del cine europeo, sino también una experiencia participativa dado que los asistentes podrán participar en la votación del “Premio del Público”, eligiendo la película más destacada del evento y convirtiéndose así en protagonistas de esta fiesta cinematográfica.
Con una variada cartelera, el Festival será una ventana única al cine europeo contemporáneo. Con 129 funciones distribuidas en 16 sedes de Lima, Cusco, Arequipa, Piura, Trujillo y Chiclayo, el público podrá elegir entre una variada programación de cine para todos.
Cine
Destacado cineasta Lars Von Trier tiene en mente desarrollar una nueva película
Polémico cineasta danés expulsado del festival de Cannes por sus declaraciones anuncia ‘After’, su último largometraje a futuro.
Ácido, poco ortodoxo, perfeccionista, machista, sin filtros y metódico en su trabajo hasta la locura, eso y muchas cosas más se han dicho sobre el director de cine danés Lars Von Trier (68), quien desde el año 2022 viene padeciendo de la enfermedad de Parkinson, recientemente ha anunciado su último proyecto titulado ‘After’, la cual ha recibido 1,3 millones de coronas danesas (192.000 dólares), por parte del Instituto de Cine Danés (DFI), según una lista publicada por dicho instituto.
Hasta el momento no se conocen mayores detalles sobre su nuevo proyecto.
En julio, el actor sueco Stellan Skarsgard, quien ha protagonizado en varias de sus películas, dijo a la web Taxidrivers que von Trier estaba trabajando en su nueva película “desde casa”. After será el decimoquinto largometraje de von Trier desde que se graduó de la Escuela de Cine de Copenhague en 1982.
Recientemente había escrito en una publicación de Instagram que luego fue eliminada que “con un poco de suerte, todavía debería tener algunas películas decentes por hacer”.
El director, padre de cuatro hijos, nunca ha rehuido la controversia. En 2011, causó un escándalo cuando dijo que “entendía” a Hitler durante la presentación de su película Melancholia en el Festival de Cine de Cannes. Fue inmediatamente vetado, pero su película siguió en competencia y su protagonista, Kirsten Dunst, ganó un premio a la mejor actriz. Luego se disculpó por el comentario.
“Bailar en la oscuridad”(2000), con la cantante islandesa Björk.
Una de las mayores estrellas del cine danés, von Trier ha dirigido más de 14 largometrajes, a menudo perturbadores y violentos. Ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes en 2000 por Dancer in the Dark.
Cine
Película ‘Yana – Wara’ es elegida para representar al Perú en los 97º premios Oscar [VIDEO]
Obra póstuma, grabada íntegramente en aimara, del cineasta Óscar Catacora también fue seleccionada para los 39º premios Goya.
Cine
Entradas a solo S/6 gracias a La Fiesta del Cine
Del 2 al 4 de setiembre público en general podrá de disfrutar muchas películas que ahora se encuentran en cartelera.
Cine
Lista de ganadores del 28 Festival de Cine de Lima 2024
El sábado 17 se hicieron entrega los premios a las mejores películas en sus categorías.
Diez días donde los peruanos pudimos disfrutar películas de distintos países en un solo lugar. El Festival de Cine de Lima 2024, organizado por la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP), terminó el pasado sábado, regalándonos historias conmovedoras, que nos invitan a reflexionar y redescubrir nuestra propia cultura Latinoamericana.
Fueron diez días maratónicos donde los cinéfilos se hicieron un espacio en sus agendas para poder presenciar la gran cantidad de películas que se encontraban en cartelera en distintas salas de cine.
A continuación, la lista completa de los galardonados:
COMPETENCIA LATINOAMERICANA FICCIÓN
Premio del Jurado a la Mejor Película: Simón de la montaña | Federico Luis | Argentina, Chile, Uruguay
Premio Especial del Jurado: El ladrón de perros | Vinko Tomičić Salinas | Bolivia, Chile, México, Francia, Ecuador, Italia
Premio del Jurado a la Mejor Dirección: Raíz | Franco García Becerra | Perú, Chile
Premio del Jurado al Mejor Guion: Klaudia Reynicke y Diego Vega | Reinas | Klaudia Reynicke | Perú, Suiza, España
Premio del Jurado a la Mejor Ópera Prima: Kinra | Marco Panatonic | Perú
Premio del Jurado a la Mejor Actriz: Maribel Felpeto | Algo viejo, algo nuevo, algo prestado | Hernán Rosselli | Argentina, Portugal, España
Premio del Jurado al Mejor Actor: Lorenzo Ferro | Simón de la montaña | Federico Luis | Argentina, Chile, Uruguay
Premio del Jurado a la Mejor Fotografía: Lorenzo Casadio Vanucci | La mujer salvaje | Alán González | Cuba
COMPETENCIA LATINOAMERICANA DOCUMENTAL
Premio del Jurado al Mejor Documental: La fabulosa máquina de cosechar oro | Alfredo Pourailly De La Plaza | Chile, Países Bajos
Mención Especial al Mejor Documental: Reas | Lola Arias | Argentina, Alemania, Suiza
JURADO DE CRÍTICA INTERNACIONAL
Premio del Jurado de la Crítica Internacional a la Mejor Película: Kinra | Marco Panatonic | Perú
PREMIO DEL PÚBLICO
Premio del público a la mejor película votada de la Competencia Peruana, Latinoamericana Ficción y Latinoamericana Documental: Karuara, la gente del río | Miguel Araoz Cartagena y Stephanie Boyd | Perú
COMPETENCIA PERUANA
Premio del Jurado a la Mejor Película: Karuara, la gente del río | Miguel Araoz Cartagena y Stephanie Boyd | Perú
Premio del Jurado a la Mejor Dirección: El Huaro | Patricia Wiesse Risso | Perú
Premio Especial del Jurado: El pecado social | Juan Carlos Goicochea | Perú
PREMIO DE LA COMUNIDAD PUCP
Premio Comunidad PUCP a la Mejor Película: El Huaro | Patricia Wiesse Risso | Perú
OTROS PREMIOS
MINISTERIO DE CULTURA
Premio a la Mejor Película Peruana: Kinra | Marco Panatonic | Perú
ASOCIACIÓN PERUANA DE LA PRENSA CINEMATOGRÁFICA – APRECI
Premio APRECI a la Mejor Película de la Competencia Latinoamericana Ficción: Kinra | Marco Panatonic | Perú
Mención Honrosa: Simón de la montaña | Federico Luis | Argentina, Chile, Uruguay
APC SIGNIS PERÚ – ASOCIACIÓN DE COMUNICADORES MONSEÑOR LUCIANO METZINGER
Premio APC Signis Perú – Asociación de comunicadores Monseñor Luciano Metzinger de la Competencia Latinoamericana Ficción: Kinra | Marco Panatonic | Perú
CRÓNICAS DE LA DIVERSIDAD
Premio Gio 2024 a la Mejor Película LGBTIQ+ de las secciones en Competencia: Baby | Marcelo Caetano | Brasil, Francia, Países Bajos
ORGANIZACIÓN INTERNACIONAL DEL TRABAJO – CINETRAB
Premio a la Mejor Película de la Competencia Latinoamericana Ficción: Kinra | Marco Panatonic | Perú
Premio a la Mejor Película de la Competencia Latinoamericana Documental: La fabulosa máquina de cosechar oro | Alfredo Pourailly De La Plaza | Chile, Países Bajos
NUNA ASOCIACIÓN DE DIRECTORAS DE CINE DEL PERÚ
Premio NUNA a la Mejor Directora Latinoamericana en competencia: El huaro | Patricia Wiesse Risso | Perú
16TO FILMOCORTO
Mención Honrosa del Jurado: Ojalá pudiera decir la verdad | Víctor Augusto Mendívil Puquio | Samantha Avila
Premio Especial del Jurado: Ovejas y lobos | Alex Fischman Cárdenas
Premio de Preferencia del Público: Ovejas y lobos | Alex Fischman Cárdenas
Premio del Jurado al Mejor Cortometraje: Devenir Rosa | Valeri Hernani
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