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Cultura

Boris Espezúa y el imaginario puneño en el libro “Gamaliel y el oráculo del agua”

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Hay poetas que buscan registrar la memoria colectiva de un pueblo y profundizar en las vértebras más íntimas de una zona geográfica, cuya sabiduría se mantiene en las creencias ancestrales de sus habitantes. Para alcanzar todo esto no solo se necesita ambición y talento, sino que hay un factor mucho más determinante: la identidad cultural, la cual permitirá la existencia de una gran sensibilidad telúrica, en este caso relacionado a lo andino.

En el año 2009, el puneño Boris Espezúa ganó el Premio Copé de Oro en poesía con “Gamaliel y el oráculo del agua”, uno de los libros premiados más importantes en la historia de dicho certamen. Este poemario ha servido como antecedente a la creación de otros que han seguido esta misma línea de poetizar teniendo como figura central a un escritor importante de nuestro país. Es el caso del último copé ganador, “Expediente Vallejo” de Johnny Barbieri. Ambos no solo comparten el hecho de utilizar una voz lírica en primera persona de dos poetas marginados y provincianos (quizás los autores más importantes y representativos de nuestra historia literaria) sino que utilizan como elementos paratextuales a algunas citas de sus escritos. Cartas en el caso de Vallejo y “El pez de oro” y algunas conferencias en el caso de Churata.

Boris Espezúa, con el poemario ya mencionado, retoma un estilo de escritura poética que no ha sido tan considerada en nuestro país (plagada de subjetividades y catarsis), que es la de reflejar una preparación intelectual previa a la creación del discurso lírico. En todo el libro, demuestra con maestría el amplio conocimiento que tiene del contexto puneño y de las creencias andinas, alcanzando una interpretación fidedigna del pensamiento, vida y obra de Gamaliel Churata.

Autor de otros poemarios importantes como “A través del ojo de un hueso” (1988), “Tránsito de amautas” (1990), “Alba del pez” (1998) y “Tiempo de cernícalo” (2002), considero que la trascendencia de “Gamaliel y el oráculo del agua” radica en pretender unir e integrar los distintos elementos de la cosmovisión andina a través de la vida y obra del fundador del grupo “Orkopata”. Para ello va a considerar dos perspectivas: lo maravilloso y lo histórico.  La primera servirá para describir la cálida, misteriosa y armónica relación del hombre con la naturaleza (plagada de historias míticas y legendarias) y la segunda permitirá conocer datos biográficos de Churata, entre ellos su crecimiento intelectual, el doloroso entorno familiar, el exilio a Bolivia y el triste retorno al Perú.

Ricardo Gonzáles Vigil afirma que Churata fue el primero en tener una propuesta por lo real maravilloso, apoyándose en ideas consideradas como “abstractas” para tejer un mundo propio. Boris Espezúa va a representar en Churata la imagen del oráculo que permite la conexión entre las deidades – lo sagrado – y el pueblo – lo humano-. Este será la voz principal de toda la cosmovisión, ya que posee la capacidad de tener un gran conocimiento acerca del tiempo (sucesos pasados y futuros) y de la vida y de la muerte, siendo un puente luminoso entre el cosmos y lo terrenal (lo ultraórbico).

Proveniente de una familia cristiana, una de las grandes influencias literarias de Gamaliel Churata fue la biblia, lectura que le ayudó a utilizar una voz solemne y majestuosa en muchos párrafos de “El pez de oro”.

Es por ello que el primer poema (escrito en prosa) con que Espezúa inicia “Gamaliel y el oráculo del agua” está plagado de figuras que permiten la exageración y la formación de un mundo fantástico, estableciendo un discurso explicativo y religioso sobre el origen del Altiplano y del Lago Titikaka.

“Hace mucho tiempo el Altiplano estuvo cubierto con agua uránica y desde su cúspide emanaba al mundo abundante líquido benéfico y purificador, que se fue perdiendo poco a poco y ahora ha quedado condensado en crustáceos en el Lago Titikaka …”

Lo curioso en este primer gran poema es que se logra una unión indisoluble entre el cristianismo y la cosmovisión andina ancestral, pues más adelante se pasará de un politeísmo a un monoteísmo, utilizando tanto la figura de “El Hacedor” Wirakocha y la figura de la santísima trinidad para explicar el primer periodo de la historia.

A ello se suma dos ideas muy interesantes, el renacer de los mitos teogónicos:Diez halcones se calcinarán y río arriba saldrá Wiracocha para reunirse con la Madretierra y hacer revivir lo engendrado, dando infinitud a la mitogénesis …” y la crítica a la modernidad:La tradición andina doblega el tiempo ciclópeo, su historia tiene la ingravidez de la persistencia ante la modernidad, sus tres periodos tienen el rumor del agua en nuestros ojos donde ahogamos el grito …”

Hay que tener en cuenta que la modernidad europea que se incrustó violentamente en nuestro continente no logró homogenizar a todas las culturas de una nación, sino que buscó la exclusión entre ellas mismas, como una forma de sometimiento a su poder hegemónico. Tanto Churata y Boris Espezúa son muy críticos al respecto.

El elemento del “Agua” es muy importante en el poemario,  no solo por ser considerada como fuente de pureza e inocencia y denominar a Churata como el “oráculo” de ella, sino porque también es un elemento de unión entre la cultura andina y la europea. Cabe mencionar que en nuestra narrativa el autor que también buscó unir estas dos tradiciones culturales fue Edgardo Rivera Martínez, tanto en sus cuentos como en su gran novela “País de Jauja”.

En estos versos se evidencia esta unión cultural:

Con el agua primera que vio Tales de Mileto / y los Apus del Altiplano / con su agua secreta que es la sustancia / que da vida / en lo más alto de su misterio”.

También se recurre a lo maravilloso para establecer un discurso de valorización hacia la mujer andina, utilizando como personajes a las tres imillas (jóvenes indígenas en aymara) representadas en una flor, en el agua y en el fuego. Esta triada simbolizará la fertilidad de la naturaleza y la solidaridad que perdura en la memoria colectiva de la comunidad. A ello habría que añadir otro personaje femenino como Juana Apomayta, quien confesará los secretos y ritos de la muerte, que no es más que un eterno retorno en la cosmovisión andina.

Los siguientes versos refuerzan esta idea:

“En el proyecto genealógico andino/ hubo un tiempo matriarcal/ que precedió al patriarcal/ donde/ estuvieron las piedras sometidas/ a la recristalización”.

Otro aspecto importante en el poemario es el de la identificación con el mundo animal, ya que se utilizarán a algunos de ellos, considerados sagrados entre la cultura andina, para una resemantización de los discursos originarios.

Al igual que en “El pez de oro”, Borís Espezúa también utiliza una variedad discursiva: poemas en prosa con un sentido bíblico, poemas con rasgos orales muy marcados, reseñas, diálogos narrativos, entre otros. A todo ello hay que sumar el carácter híbrido del lenguaje, ya que en algunos versos se añaden términos aymaras y quechuas. Al finalizar el libro, el lector podrá encontrar un vocabulario de ambas lenguas autóctonas. El uso de este recurso no solo es con un afán de reivindicación a la sabiduría de la cultura aymara, como se demuestra en estos versos:

Los aymaras sabían que no hay que pelearse por el agua, porque termina por aniquilarte, ya sea ahogado o ya sea muriendo de sed.  El agua renueva las transformaciones del devenir, las emociones, la perseverancia; nos libera”.

Sino que también sirve como protesta hacia un pueblo que fue subyugado por la ambición e ignorancia de los colonizadores.

“Hay una lengua colonial colgada en la incertidumbre/ hay un estertor del poder que abyecta, no razona/ y finalmente subyuga tu cerviz”.

La existencia armónica entre la vida y la muerte permite a los pobladores andinos tener una vida más pura y luminosa. La contemplación de los ciclos de la naturaleza forma parte del cuerpo y la mente de las personas, la eternidad se alcanza adorando a los muertos:

“Los abuelos dicen que las almas de los muertos serán los portadores de las lluvias que requieren los campos para empezar con la época de la siembra”.

El último poema titulado “De vuelta a la semilla” simboliza la cosmovisión circular que tenían las culturas andinas de la vida, pero también se podría considerar el retorno de Churata a Puno, luego de muchos años de exilio en Bolivia. Los ciclos se cierran, pero otros se abren, ningún viaje es perfecto porque tiene siempre un regreso. No es coincidencia que uno de los libros de Alejo Carpentier, considerado como el fundador de lo real maravilloso, se titule “Viaje a la semilla”.

Esta primera parte, donde he colocado algunos ejemplos para explicar los rasgos maravillosos y fantásticos que existen en la relación hombre-naturaleza se complementará con otros textos poéticos, cuyos rasgos históricos y biográficos nos ayudarán a adentrarnos en la vida de Churata.

Boris Espezúa.

Por ejemplo, el poema titulado “La escuela 1881” es un homenaje a aquel hombre ilustre que fue el maestro de todo el grupo “Orkopata”, José Antonio Encinas, quien fue nombrado director del Centro Escolar de Varones 881 de Puno, iniciando la importantísima experiencia pedagógica de la Primera Escuela Nueva en el Perú, teniendo como uno de los objetivos principales la valorización del ser andino.

En este poema, la voz de Churata evoca con nostalgia y cariño el recuerdo del maestro:

“Mi maestro, voz de leopardo, tú viviste con un trozo de bala en la palabra. Vuelve hablarnos de la libertad, de la respiración de los mitos y del tiempo que gira más implacable sobre la tierra”.

En esta misma secuencia de poetizar los datos biográficos de Churata, también encontramos textos homenajes a “Bohemia andina”, nombrando a otros grupos importantes como fueron “Colónida”, el “Grupo Norte”, “Aquelarre” y “Resurgimiento. Aquí se plantea la idea de luchar por construir una literatura genuinamente americana.  Los otros poemas que forman el hilo secuencial en la vida de Churata son los siguientes: “El grupo Orkopata”, “El Boletín Titikaka” y “Estadía en Bolivia”.

Boris Espezúa logra consolidar una poesía donde la simultaneidad de voces que aparecen en los discursos logra dialogar con la historia y el tiempo.  Hay una supremacía del lenguaje coloquial, sin dejar de lado que en algunos versos se incrustan rasgos neobarrocos y simbolistas, aportando connotaciones abstractas y metafísicas a las creencias que aún perduran en las zonas andinas.

Este es un pequeño bosquejo para un análisis más sistemático y teórico que merece tener “Gamaliel y el oráculo del agua”, uno de los mejores poemarios peruanos publicados en lo que va del 2000 y que pretende alcanzar una poética integradora, totalizante y poseedora de una variedad de temáticas que enaltecen nuestra riqueza cultural.

Para finalizar hay que resaltar que la tradición literaria de Puno va consolidándose cada vez más debido a la aparición de importantes autores que siguen la senda de voces trascendentales como Oquendo de Amat, Gamaliel Churata, Alejandro Peralta, José Luis Ayala, Efraín Miranda, entre otros.

Aquí dos poemas del libro:

B. TRES IMILLAS.
I.- En los tiempos cuando volteaba los ojos el cuculí.

Tres imillas
vinieron a media noche a danzar
                          a las orillas del lago
y dejar enterrada la semilla de la papa
                          para ser fecundada en el alba.

Tras enceguecerse con la luna
una de ellas antes de morir en el cerro más alto
previno a las dos imillas que quedaban
que miren siempre el arco de piedras
                         del cerro mayor
porque al pie de una de sus columnas
estará siempre dormida en una flor.
Allí cada año se hacen sacrificios de ovejas
                         tiernas y se completa
el embrujo en el cenit rubio de la Pachamama.

Las dos imillas que quedaron
tras crepitar la tierra y pesar el amor en el aire
se convirtieron en agua y en fuego
                         por el horizonte de la alquimia
en el tercer y sexto sol y con los fardos
                         de los equinoccios.
En las cosechas nos acompañan siempre
                         y con ellas
recogemos hasta las papas más pequeñas
si no hay mala suerte para la próxima cosecha.
Aseguramos la papa en calendarios
                         y solares nuevos
así, la tierra madre hecha de cal no es proscrita y el capullo
                          en flor evidencia
que el hombre al morir se transforma
                          en nueva semilla
y el congelo de la papa en vida resurrecta.

II.- En nuestros tiempos cuando vuela sin ojos el cuculí.

Tres imillas
en este lugar siempre son recordadas
elevan su voz ausente en las noches de San Juan
y la bajan en cada ofrenda a la Madretierra
visten de ráfaga y danzan para los dioses,
aprisionan sus gritos de amor en nuestros gritos
dejan de llamarnos con infinitos abandonos
                           fracturados,
un abejorro hace desaparecer los truenos
y el denso aire se lleva los hedores de las
                        danzas continuadas
Tres imillas
en el imaginario de este pueblo
en sus aguayos llenos de olor de coca
                          custodian la tierra fértil
y llevan una lágrima petrificada
en sus ojos de pescado de luna llena
que son diamantes de eternidad.

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Joe Guzmán Rodríguez. (Trujillo, 1991) Docente. Estudió la carrera de Educación Secundaria, en la mención de Lengua y Literatura, en la Universidad Nacional de Trujillo. Autor de El devenir de lo incierto (Paloma Ajena Editores, 2014). Segundo (2010) y primer (2012) puesto en los Juegos Florales Interuniversitarios de la Universidad Nacional de Trujillo; segundo puesto en el Concurso Nacional de Relato Corto “A toda página” de El Cultural (2012); y menciones honrosas en el Concurso Nacional de Poesía (2016) organizado por la Feria Internacional del Libro de Trujillo, el II Concurso Nacional de Poesía Huauco de Oro (2017) y el XVII Concurso Nacional Juvenil de Cuento “Germán Patrón Candela” (2017)

Cultura

Joe Guzmán presenta su poemario “La arqueología del caos” en la Feria del Libro de Los Olivos

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Hoy por la tarde en Lima, el escritor Joe Guzmán presentará su libro “La arqueología del caos” publicado por la editorial trujillana “Paloma Ajena Editores”. La presentación se realizará en la Feria del Libro 2022 – Los Olivos: Ciudad con Cultura (ubicada en la explanada de la Municipalidad de Los Olivos – Lima) organizada por Ciudad Librera y el Fondo de Cultura Económica Perú.

En la mesa de presentación estarán Amós León (director de la editorial), Ángel Flores (docente y crítico literario) y talentoso escritor Joe Guzmán (autor del libro).

Descripción no disponible.

Sobre el libro, el escritor y crítico Luis Eduardo García mencionó: “Un segundo libro en el que explora la naturaleza y el origen del caos como parte esencial de la naturaleza humana, confirma a Joe Guzmán como una de las voces más auténticas y originales surgidas en la poesía trujillana de los últimos años”.

También el periodista, escritor y gestor cultural Augusto Rubio, se refirió al libro: “En las páginas de este libro aparecen el miedo, el cadáver que crece al interior nuestro, la noción de felicidad y la locura, la interpretación de la historia y de nuestro origen. El significado de la poesía y el destino de las mujeres, así como la soledad y la colisión cultural entre lo prehispánico y el saber de los invasores, hacen de estas páginas una lectura necesaria, un descenso a los infiernos, pero también una luz de esperanza en el horizonte de lo que significa estar de pie en un país como el nuestro”.

Para finalizar, el crítico literario y docente Ángel Flores, señaló: “Este poemario quiere constituir una voz colectiva en diálogo con los sujetos subalternos, lo cual le permite abordar temas sensibles como la condición de la mujer, mediante la evocación del personaje de la bruja como una justificación para perseguir a las librepensadoras de la Edad Media, o el de la pobreza, entendida como el despojo total de las libertades del sujeto. Joe Guzmán ha escuchado la voz de Ojeda: “tendré que retornar a las raíces/ buscando la evidencia bajo la confusión” sin temor de haberse llenado de siglos y de fósiles“.

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Cultura

Presentan catálogo fotográfico del atuendo típico: “mujeres jaujinas, historia, atuendo y tradiciones”

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La ropa tradicional de la mujer Jaujina es presentada en todo su esplendor poniéndola en vitrina para los ojos del mundo. Con la presentación y el lanzamiento del catálogo de  la narrativa visual  “MUJERES JAUJINAS: Historia, Atuendo y Tradiciones”,  esta bellísima presentación recorre las páginas de la historia del vestido de la mujer jaujina, en una puesta fotográfica  de los trajes  desde 1880 hasta la actualidad. Veremos cómo fue evolucionando en formas y estilos, siendo uno de los trajes andinos que tiene un valor sociohistórico  y de unión de  tradiciones.

En el catálogo se recrearon algunos de los trajes más antiguos, y también trajes que retratan todo el proceso y la evolución en los cambios.  Esto a partir de la investigación de la antropóloga Karyna Miranda, en el libro Jauja en el Bicentenario. El catálogo se hizo realidad con apoyo de damas jaujinas que posaron para el lente del impecable trabajo del fotógrafo Jaujino Marco Núñez Fernández,  en extraordinarios parajes y casonas Jaujinas, se plasmó con mucha atención y cautela cada ropa típica, dedicación que estuvo a cargo del colectivo Jauja Utopía Posible, que vino trabajando en un ciclo de conferencias,  pasarela de traje típico y la sesión fotográfica, que tuvo como resultado el presente catálogo, el cual se presentará este martes 24 de mayo a horas 10:30 am, en la sala de audiencia  de la Universidad Continental, Av. San Carlos # 1980 Huancayo y  vía Facebook Live Jauja utopía posible.

En una rueda de prensa donde se mostrará el traje típico de la dama jaujina y su evolución a través del tiempo, en coordinación de alianza estratégica con la carrera de diseño de modas del Instituto Continental Huancayo, que viene apoyando incondicionalmente a la cultura de la provincia, fortaleciendo los lazos entre la investigación académica y la ciudadanía.

Es el momento de empoderar a la mujer a través del conocimiento de su cultura,  su historia y ahora su traje típico que es su segunda piel, haciéndola revalorar su herencia y orgullosa de sus tradiciones de mujer andina, reflejado en su atuendo y en el sutil arte del vestir, teniendo en cuenta su feliz contraste de colores en el atuendo típico, y ver como prevalecen algunas prendas desde la época pre inca e Inca, como el tupo y la lliclla. Elementos que fueron persistiendo desde la colonia, en medio de un proceso de sincretismo entre las dos culturas. Eso muestra cómo la historia da forma a este bellísimo atuendo desde tiempos milenarios, en colores, formas y estilos , incorporando con el tiempo el sombrero, y otras prendas. Y siendo las mujeres herederas que van desplegando su arte en un sutil disfrute visual de nuestro atuendo típico.

El evento será transmitido por Facebook Live desde las páginas de Jauja Utopía Posible. Este magno evento cuenta con el respaldo del Ministerio de Cultura, a través de la Dirección Desconcentrada de Cultura de Junín, se suman a este evento personalidades jaujinas e importantes empresas Jaujinas: Miskymuña y La casa Vieja.

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Cultura

Herencia de artistas

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Observo este acrílico de Oskar Olazo Tupa y me enredo con sus formas singulares que me recuerdan la de los peces nativos como el suche o la trucha y quizás de aquellas larvas de las ranas serranas llamadas renacuajos, quedo estática ante esa imagen que es y no quiere ser la del  universal Quijote, pero me digo “este es un Quijote andino, porque no va montado en su famoso caballo Rocinante, sino en un gallo…!” aunque después me distraigo en la serie Figura y Geometría y me acerco al famoso “Cargador “ que a lomo de espalda llevaba pesados bultos  y según parece aún quedan algunos, en el tradicional Mercado de San Pedro, pero  ojalá con mejor suerte.

Mientras recorro esta sublimal colección, también encuentro un saludo para Picasso, como a  las Tres Gracias Andinas, un Warayoc a la manera de Sabogal, los Génesis y Brutalidad 1 y 2. Esto solo a vuelo de pincel y como parte de  los “50 Años, haciendo y desfaciendo entuertos en el arte”, que reúne más estilos, otras expresiones. Ahora el artista  Olazo, se encuentra construyendo nuevas obras, las que deben llegar a 30 para una próxima exposición. “Sólo tengo 18, me dice a manera de queja” es que en el camino, le van adquiriendo sus trabajos, restando así al número que precisa.

Oskar Olazo (1947) es cusqueño, autodidacta y lleva en los genes la herencia de dos artistas que lo precedieron. Su abuelo Ernesto Olazo Allende, fue el escultor que junto a Agustín Rivero y otros colaboradores, creó el famoso Cristo Blanco nominado también como el Cristo Redentor. Esta emblemática imagen  desde la cima del cerro Puncamoqo, extiende los brazos abrazando al Cusco y a sus habitantes, desde 1945.

Francisco Olazo o simplemente Pancho Olazo, fue un eximio artista plástico, uno de los fundadores de la ex Escuela Nacional de Bellas Artes y perteneciente a la generación de oro, pues junto a él se encuentran los grandes pintores Julio Gutiérrez, Mariano Fuentes Lira, Juan G.Medina, Teófilo Benavente.

Olazo, ha trabajado en las artes plásticas desde muy joven, dejando de lado su especialidad de Ciencias Biológicas. Es fundador del grupo Illary  y IMAPIMUSPO, una organización de arte de diferentes disciplinas. A partir de los 70 ha expuesto a nivel local, nacional y sudamericano. Fue director de eventos de la Asociación de Artistas Plásticos de Cusco.

Lima Gris conversó con este artista multidisciplinario  y de diversos estilos.

Trato de definir tu estilo y no logro hacerlo, pues dentro de la variedad, encuentro un surrealismo vestido, por así decirlo, de indigenismo y a la vez una suerte de Figurativismo. ¿quisiste hacer una simbiosis de estas tendencias?

Bueno, yo también trato de definirlo (es un decir, pues en realidad no me preocupa), creo que tiene un poco de todo; en principio la “variedad” corresponde a diferentes épocas de mi trabajo, el cual hace más de 50 años empieza con la figuración realista, especialmente paisajística, hoy es unas veces neofigurativo, otras abstracto y, quizá también, surrealista, todo esto con relación a la “Serie Onírica” que vengo trabajando en estos últimos años, ya que, anteriormente, hice la serie “Paisaje y Geometría” que, como su nombre lo dice, hace una simbiosis de ambos elementos, resultante de la observación de la geometría contenida especialmente en el paisaje urbano, desarrollando sus posibilidades estéticas que sirvan para evitar lo figurativo realista que , creo, ya está ahí, construido, y sólo debe ser un pretexto para dar paso a la creatividad.

Entre estas dos series se ubica, y traslapa, “Los Habitantes del Tiempo” que, en extrema síntesis, representa escenas humanas logradas con un mínimo de líneas continuas que, sin embargo, resultan suficientes para mostrar el tema espiritual del que trata. Lo indigenista, o más bien lo ancestral-andino está presente con alguna frecuencia en las series anteriores como un fluir natural de mi naturaleza plena de Ande; esto es algo que no procuro ni lo evito intencionalmente.

Definitivamente esos difuminados me dan la sensación de un ambiente andino,  con lluvias y niebla persistente, ¿así lo sientes?

Yo pasé espacios de tiempo de mi niñez en el campo, en el Valle Sagrado, en Calca específicamente, y quedó registrado en mi memoria esos frescos amaneceres con niebla que le dan una tenue  suavidad a la atmósfera, de modo que, especialmente cuando hago figuración paisajística (en mi estilo geométrico),  lo cual no es muy a menudo, esa sensación es trasladada al lienzo.

Dentro de la gama de variaciones, me parece que has resuelto por uno que con semejanzas de otros estilos, sea tuyo, que tenga tu propio sello.

Creo que las tres series antes mencionadas responden a un estilo muy personal y claramente definido. Posiblemente mi condición de autodidacta ha sido una ventaja en ese sentido, pues me parece inevitable recibir influencia de los maestros que nos formen en el oficio.

¿En qué te facilitan tus estudios de ciencias biológicas, en tus trabajos pictóricos? ¿Abandonaste la carrera o trabajas paralelamente en las dos especialidades?

Diez años de mi vida dediqué al desempeño de mi trabajo en laboratorio,  fue una experiencia enriquecedora que ejercí simultáneamente con el arte y ese acercamiento y observación del  microcosmos, me llevó  al deleite de encontrar composiciones “abstractas” maravillosas siendo verdaderamente, realistas, pues existían físicamente y de un modo natural. Me parece que de esa experiencia se fijó en mi subconsciente una linealidad formal y color que hoy, cuarenta años después, se expresa sin proponérmelo, especialmente en la “Serie Onírica” que vengo produciendo, en la que se perciben formas globulares o ameboideas que surgen espontáneas en secreta complicidad con el azar.

Conociste ya joven la obra de tu padre, el pintor Pancho Olazo. ¿Influyó de alguna manera en tu carrera inicial?

Siendo aún niño veía con admiración los trabajos de mi padre y sentía como una obligación moral seguir en el camino del arte que él con tanto amor había transitado. Empecé copiando  algunos dibujos y después pinturas. Ya joven , con los ímpetus propios de la edad, me sentí en la capacidad de buscar formas nuevas de expresión, que  me aproximaron al surrealismo, la abstracción y otros vericuetos del arte, creando en mi personalidad artística ese estilo personal del que hemos hablado y que me da satisfacciones y mayores desafíos.

La exposición que preparas será en Cusco, Lima o en alguna capital latinoamericana, ¿para cuándo y con qué título la presentarás?

Estoy en el proceso de consolidar una producción un poco más amplia de la “Serie Onírica”, que por ahora lleva ese título, todavía no he concretado acuerdos pero es posible que la presente en Cusco, Lima y en dos  ciudades del país y Dios mediante, fuera también (posiblemente Brasil y República Dominicana) .

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Cine

El faro (The Lighthouse) llega a Netflix para ‘encender’ nuestra intriga [VIDEO]

Película del director Robert Eggers desde hoy podrá ser disfrutada por todos los cinéfilos.

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Si usted es amante de Edgar Allan Poe y de las historias de terror y misterio entonces póngase cómodo, coja su bebida de preferencia y disfrute con las luces apagadas esta película del director Robert Eggers “El Faro” (The Lighthouse) estrenada en el año 2019.

Protagonizada por los actores William Dafoe y Robert Pattinson, quienes interpretan a dos fareros que comenzarán a perder la cordura cuando una tormenta los deja aislados en una remota isla de Nueva Inglaterra.

“Pronto, la relación tiránica desemboca en un conflicto de poder, un choque generacional entre la vieja guardia que clama “¡la luz es mía!” y la nueva que intenta tomarla. Todas las interpretaciones son válidas y esta no es la única. Mucho menos la más fascinante.”, escribe Ricardo Espinal del diario La República.

En efecto, los primeros visos para entender ese tipo de filme lo proporciona el propio director quien desliza que los personajes interpretados por Dafoe y Patinson “tienen una raíz simbólica del mito de Proteo y Prometeo”.

“Era innegable la alegoría sobre la obtención del fuego, su recelosa custodia y el fatídico destino de su liberador. El significado de la luz del faro variará dependiendo del lente con el que se aprecie, pero se mantiene como el eje central sobre el cual se desarrolla el conflicto entre los dos hombres.”, explica Espinal.

“También está la teoría de que ambos son realmente la misma persona, evocando irrevocablemente a la película “Persona” de Ingmar Bergman. Thomas lucha contra su contraparte, quien lo atormenta por su pecaminoso pasado e impide hacerse con la luz que representa la salvación de su conciencia. Aún si todo fue producto de su esquizofrenia, es un cliché que Eggers aborda de manera inteligente.”, subraya el periodista.

“Como si todas estas lecturas no fueran suficientes, hay que profundizar más en la psique para captar el subtexto homoerótico, simbolizado en un gigantesco falo, así como los matices edípicos. Los roles de género están en juego, la masculinidad tóxica en jaque y las emociones reprimidas afloran entre tanta tensión. La influencia de Carl Jung y Sigmund Freud fue constada por el propio cineasta.”, añade en su interpretación Espinal.

Robert Pattinson en una de sus mejores actuaciones. Foto: Universal Pictures.

El Faro ha llegado a la famosa plataforma de streaming para mostrarnos la orilla correcta en donde debemos enfocarnos para recordar que una buena película no tiene que recurrir necesariamente a grandes efectos especiales.

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Cultura

Alberto Plaza regresa a Lima para ofrecer un concierto este 4 de junio en el Gran Teatro Nacional

Lima Gris conversó con el cantautor chileno quien nos ofrecerá lo mejor de su repertorio en lo que significará el reencuentro con el público peruano.

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Por Raúl Villavicencio

Sesenta años cumplidos, de los cuales 37 los ha dedicado a su carrera artística (contando los 2 años de para por la pandemia), Alberto Plaza es uno de los pocos artistas de lengua hispana que aún le cantan al amor, y seguramente cuando usted escucha alguna de sus canciones inmediatamente logrará reconocer o recordar un fragmento que marcó sus vidas. Canciones escritas para permanecer en el tiempo, para recordarnos que todo en esta vida puede cambiar excepto el amor incondicional, ese mismo que lo mantiene vigente y que pronto podremos escucharlo de manera presencial este 3 de junio en el teatro Víctor Raúl Lozano Ibañez de la ciudad de Trujillo, y el 4 de junio en el Gran Teatro Nacional de Lima (Avenida Javier Prado Este 2225, San Borja).

Lima Gris conversó con el artista, quien nos revela, en primera persona, el proceso de su nuevo disco “Duetos” que tendrá la participación del cantante Gianmarco, y en donde estrenará su nueva canción “No me quites la ilusión”; y también de su gira “35 años”.

Aquí la entrevista:

Cuéntenos sobre su amistad con el cantante Gianmarco, ¿cómo surgió la idea de hacer un dueto?

A Gianmarco lo conozco hace más de 20 años, nos une una muy bonita amistad. Estoy sacando una nueva canción junto a él que se llama “No me quites la ilusión”. La verdad fue a él a quien llamé primero que nadie para hacer un dueto, y él siempre me comenta que yo he sido una gran influencia para su carrera, lo cual estoy muy agradecido.

Usted en su última canción menciona la palabra “ilusión” y quiero enlazarla con el matrimonio que últimamente ha venido a menos, ¿siente que está pasando de moda?

Pienso que el amor ha cambiado y el matrimonio también; ahora existen nuevas formas de pareja y considero que todo eso es válido. Justamente escribí una canción que se titula “Mejor estar en compañía” (1992) que habla sobre las relaciones en pareja. Me encuentro a favor del matrimonio.

A mí, por ejemplo, la pandemia me agarró lejos de mi familia, de mis hijos mayores. Ese tipo de distancia a mí me dolía.

Más allá de la vida pública, en qué emplea su tiempo libre.

No soy mucho de escuchar música, sabes, pero cuando tengo la oportunidad me gusta escuchar música clásica.

Hace poco escuchaba que tiene usted como un dogma de vida, la “causa y efecto”.

Exactamente, la Cienciología me llevó a eso y me enseñó que uno debe de estar siempre en el asiento del conductor, nunca en el asiento del copiloto. Creo que si uno empieza a descubrirse como persona puede alcanzar la felicidad.

Lo que más destaco de sus canciones son las letras, las sabe utilizar muy bien y eso lastimosamente se viene perdiendo.

Podría decirse que soy un fanático por la forma y uso correcto de la palabra. Incluso, cuando le escribo al WhatsApp a mi esposa, lo hago sin ninguna falta ortográfica. Será porque he tenido la suerte de haber leído bastante desde muy niño, ya que en mi casa no se permitía ver televisión. Pienso que la Tv le hace mucho daño a la sociedad.

Por ejemplo, mi canción “Sentencia”, casi pocos saben que en realidad está compuesta por 14 versos.

Las canciones actuales han perdido el buen trato del lenguaje.

Es cierto eso, en estos tiempos se ha dado mayor cabida a las palabras vulgares, a recurrir al simplismo para escribir una canción, y donde el oyente se encuentra más que satisfecho con 4 acordes y el autotune. Si tú escuchas bien mis canciones, yo me esfuerzo de que exista la armonía y que suene melódico.

Para ir terminando, le diré algunas palabras y usted me dirá un concepto o idea de las mismas.

La mujer: mi mujer, sin lugar a dudas.

El amor: es el hilo conductor que lo mueve todo.

La cienciología: es un cúmulo de conocimientos que le ha hecho mucho bien a las personas.

La pandemia: es sumamente extraño; he pasado por algunas dificultades, pero por suerte mi familia siempre estaba a mi lado. También hizo notar que habían muchas cosas innecesarias como por ejemplo las cuarentenas.

Su último hijo León: él llegó a mi vida cuando tenía 58 años, y hemos luchado juntos porque llegó con algunos problemas de salud, nació con algunas complicaciones en la mandíbula.

Finalmente, qué espera a su llegada al Perú

Uf, hace muchos años que no voy al Perú. Espero reencontrarme con muchos queridísimos amigos que tengo allá, y sobre todo probar esa exquisita comida peruana que es conocida por todo el mundo.

Las entradas para asistir a la presentación del cantautor chileno se encuentran disponibles en la plataforma Joinnus.

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Arte

Muestra en homenaje a ensayo del artista italiano Bruno Munari

Se exhibe en galería El Observatorio de Corriente Alterna en Miraflores. Ingreso libre.

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“Artista y diseñador” es la exposición que incluye obras reconocidas internacionalmente de Jerry B Martin, Yerko Zlatar y Joan Jiménez, Entes, en homenaje al ensayo, del mismo nombre, del artista multidisciplinario italiano, Bruno Munari, una de las figuras más importantes del diseño industrial y de la comunicación visual del siglo XX,  máxima expresión del futurismo. Munari desarrolló piezas artísticas que revolucionaron la forma de ver el arte y el diseño como: Cosmic Map, Futurist, Fork Desing, Useless Machine, entre otros.

La muestra organizada por la Escuela de Arte y Creatividad, Corriente Alterna, ha sido curada por el historiador e investigador Carlos García–Montero. La exposición analiza a través de la obra de los artistas visuales, las diferencias entre el arte y el diseño, decantando los límites entre ser artista y ser diseñador.

Esta exhibición es un trabajo museográfico en torno a las artes visuales y nos inspiramos en Munari, porque el buscaba la esencia del arte y del diseño en el equilibrio entre el rigor y la levedad, sirviéndose siempre del juego, del humor y de la ironía, afirmó Carlos García Montero, Director Académico de Corriente Alterna.

La exposición se puede visitar hasta el mediados de julio en la galería Observatorio de la Escuela de Arte y Creatividad Corriente Alterna, de lunes a viernes de 9 am a 6 pm, y sábados de 9 am a 1 pm. Ingreso libre.

Sobre Corriente Alterna

Es una escuela de educación creativa y artística fundada en 1992 con un enfoque formativo, innovador, transgresor y multidisciplinario. Es el principal referente en el Perú en cuanto a formación en arte contemporáneo. Con una metodología de enseñanza activa que fomenta la toma de riesgos para hacer la diferencia en la industria del arte, el diseño y la creatividad. Actualmente, ha desarrollado dos nuevas carreras: Diseño gráfico y Diseño de interiores.

Los egresados de Corriente Alterna han representado al Perú en ocasiones históricas e inéditas como Elena Damiani llevando al Perú por primera vez a la Exhibición principal de la Bienal de Venecia 2015, el encuentro de arte contemporáneo más prestigioso del mundo. Asimismo la obra de Alberto Borea fue adquirida por el Museo Guggenheim 2015, entre otros hitos históricos peruanos del arte contemporáneo nacional.

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Cine

Arrancó el Festival de Cannes 2022

Del 17 al 28 de mayo 75 edición del popular evento de cine vuelve a acoger a espectadores tras un receso por la pandemia.

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Ver, sentir, respirar cine. El sétimo arte no se siente igual si los sentidos no están completamente libres para poder apreciar a las verdaderas estrellas que hacen posible que una secuencia de imágenes se convierta en una película. La pasarela, la moda, el glamour, y la alfombra roja están preparadas para esta 75 edición del Festival de Cannes 2022.

Bodas de diamante para uno de los festivales de cine con mayor renombre a nivel mundial, y que oficialmente empezó ayer, en donde recibirá un estimado de 35 mil personas que recorrerán el paseo de La Croisette, sin obligación de llevar mascarilla. Un claro signo de que el festival busca recobrar la confianza de sus asistentes, que antes de la pandemia bordeaban los 40 000.

El crítico de cine Renato León nos comparte su optimismo sobre esta edición: “Ahora todos podrán ver las películas en pantalla grande, asistir a las conferencias, ver a los artistas en la alfombra roja. Además, habrá grandes directores en competencia y fuera de ella, nombres tan importantes en el mundo del cine. Será un buen año”.

Por su parte, la crítica de cine y docente Mónica Delgado nos comenta que “el festival mantiene su marca desde antes de la pandemia, y no ha cambiado su línea editorial. Siempre están los highlights, los cineastas recurrentes de Cannes, como Claire Denis, Hazanavicius y otros más. No creo que haya habido un antes y un después. En ese sentido el festival ha mantenido esa perspectiva”.

Justamente, el francés Michel Hazanavicius fue el elegido para abrir Cannes 2022, con su película “Coupez!” (“¡Corten!”, en español), una comedia de zombis, que recrea el ya clásico del género “One cut of the dead”, de Shinichiro Ueda.

Festival abordará la invasión a Ucrania.

El Festival de Cannes se originó en 1938, para competir con el de Venecia, que fue usado por Benito Mussolini como instrumento propagandístico del fascismo en expansión. Sin embargo, no fue hasta 1946, una vez acabada la Segunda Guerra Mundial, que se pudo realizar la primera edición. En ese sentido, tiene un trasfondo antibélico y lo ha hecho notar al darle vitrina a Ucrania, país que ha sido invadido por Rusia.

La crítica de cine Alejandra Bernedo nos da su opinión al respecto: “El origen antifascista de Cannes es remarcable. El apoyo a poblaciones víctimas de conflictos bélicos es imprescindible, cosa que, lamentablemente, no han mostrado en ocasiones anteriores con otros conflictos tal como procederán a hacerlo esta vez con Ucrania”.

Así, el 21 de mayo será considerado el “Día de Ucrania”, que se dará dentro del “Mercado de Cannes”, donde cineastas y productores de dicho país podrán exhibir sus películas y presentar proyectos. Buena parte de estas producciones serán documentales.

Una de las películas que se proyectarán es “Mauripol 2”, del cineasta lituano Mantas Kvedaravičius, que murió a manos del ejército ruso el pasado abril, en la ciudad de Mariúpol. La cinta lleva imágenes grabadas en Ucrania y recuperadas por la pareja del director Hanna Bilovroba, quien además presentará el filme.

Por otra parte, los organizadores del festival anunciaron que no recibirán delegaciones oficiales rusas ni a personas vinculadas con el Gobierno ruso. Sin embargo, no se boicoteará ninguna película proveniente de dicho país y hay una en competencia: “La esposa de Tchaikovsky”, de Kirill Serébrennikov.

Nominados al Festival de Cannes 2022

  • Holy spider – Ali Abbasi
  • Les Amandiers – Valeria Bruni Tedeschi
  • Crimes of the future – David Cronenberg
  • Tori et Lokita – Jean-Pierre y Luc Dardenne
  • Stars at noon – Claire Denis
  • Frére et soeur – Arnaud Desplechin
  • Close – Lukas Dhont
  • Armageddon time – James Gray
  • Broker – Kore-Eda Hirokazu
  • Nostalgia – Mario Martone A
  • R.M.N – Cristian Mungiu
  • Triangle of sadness – Ruben Östlund
  • Haeojil Gyeolsim – Park Chan-Wook
  • Showing up – Kelly Reichardt
  • Leila’s brothers – Saeed Roustaee
  • Zhena Chaikovskogo – Kirill Serebrennikov
  • Walad Min Al Janna – Tarik Saleh
  • Zhena Chaikovskogo – Kirill Serebrennikov
  • Pacifiction – Albert Serra
  • Un petit frére – Léonor Serraille
  • EO – Jerzy Skoliwski
  • Le otto montagne – Charlotte Vandermeersch y Felix Van Groeningen

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Cultura

Ascenso, auge y declive de la hegemonía Bolaño

Una mirada al mercado editorial y su trascendencia entre los escritores que aparecieron luego del 2010.

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Un autor que no es ni chileno ni mexicano, un latinoamericano perdido en Latinoamérica que como muchos se exilió en España y acabó muriendo tempranamente con relativa fama en un ambiente bastante estrecho de la literatura. Admirado hasta la imitación por menores de 40 años y casi intrascendente para mayores de 50 años, el fenómeno Bolaño es una pieza clave en la historia de la literatura en español que inaugura entre los hispanoamericanos el postboom. Sin embargo, lo que buscó exorcizar acabó convirtiéndose en otro demonio a exorcizar:  el mismo Bolaño. Este es un artículo enfocado a su impacto en el mercado editorial y su trascendencia entre los escritores que emergieran después del 2010.

El ascenso: cómo pescar peces gordos

A principios de 1990, Bolaño era otro latino de segunda clase con ínfulas de escritor sin suerte en un pueblo de provincia en España. Todo deparaba que acabaría sin pena ni gloria sino fuera porque a diferencia de muchos escritores con ambición, Bolaño era un buen lector que conocía su mercado.

Después de publicar algunos libros intrascendentes apareció un libro raro en las estanterías que si llamó la atención: Literatura nazi en América. Lo que sus primeros lectores imaginaron era un ensayo de historia de autores reales acabó siendo un señuelo que mordió el mismo Herralde. Una metáfora del oficio de escritor a través del morbo de muchos lectores por el fascismo y su presencia poco difundida en la literatura. Este juego de Bolaño fue un acierto mercadotécnico. El libro no se vendió mal pero tampoco fue un éxito, su mérito yace en que llegó a donde se tenía que llegar: a los editores.

Jorge Herralde director de Anagrama, la gran editorial de los años 90 y 2000 que emergió como una alternativa a colosos en español como Planeta o Random, supo ver en el hábil Bolaño la habilidad de un escritor que si había captado el signo de los tiempos en el mercado editorial. Se cuenta que el mismo Herralde al leer el libro llamó a casa de Bolaño. El autor no se sorprendió de esa llamada, seguramente solo se alegró. Había picado uno.

Un par de años después, Bolaño enviaba su siguiente novela al premio Anagrama. Una novela de 600 páginas, Detectives Salvajes, se hacía con el primer premio. Bolaño había aparecido en el mapa editorial español. El libro es un homenaje al estilo y juegos estructurales de los autores del Boom latinoamericano (los primeros escritores de Latam en triunfar en Europa y el resto del mundo en la década de 1960). Comparado con frecuencia a Rayuela de Cortázar, el libro de Bolaño sin embargo se parece más a un realismo urbano a lo Vargas Llosa a ratos con toques de Fuentes y ciertas referencias al imaginario de Borges.

Roberto Bolaño con Herralde en su premiación en Anagrama.

En resumen, un estudio detallado e inteligente del gusto dominante del mercado del libro. Pero tenía dos cosas más. Primero era una enorme glosa de chismes sobre autores de segunda Liga que Bolaño conocía muy bien (los infrarrealistas mexicanos o el grupo peruano Hora Zero, entre muchos otros). Si estos grupos gozan de estima fuera de sus países al día de hoy se lo deben a la novela de Bolaño, quien a través de cambiarle los nombres a escritores fácilmente reconocibles para el lector ducho, nos cuenta quien era gay, quien le sacaba la vuelta a quien, quien le debía plata a quien, y un largo etcétera. Eso produjo un interés y un odio entre sus contemporáneos, pero eso no importaba a la hora de hacer ruido. El segundo mérito era que la novela que si bien jugaba a un homenaje a los libros del Boom también significó una superación del mismo en tanto desafío abierto. La imagen atacada por sus personajes a una vaca sagrada como era Octavio Paz, es también una metáfora de la literatura institucionalizada de los autores hegemónicos de entonces como era todo el Boom. Poco después de ganar el premio Anagrama, esta misma novela ganaría el premio Rómulo Gallegos, el gran premio que consagraba a los autores de Latinoamérica. Con estos dos galardones empezaba un camino que la desgracia y la suerte a través del mito y una cantante de rock estadounidense consolidaría.

Auge: no se trata solo de los libros, se trata de vender al autor

En 2003 y con 49 años Bolaño moría por falla hepática. Su último libro, 2666 se publicaría poco después inacabado. En ese momento su obra estaba bien editada pero no tenía el futuro asegurado, una vez muerto el autor que no había terminado de consolidarse, el riesgo de ser relegado del mercado era lo evidente. Sin embargo no hay muerto malo, y menos cuando su historia es una versión de Rocky o la Cenicienta versión Literatura. Estos factores más 2666 (el libro latinoamericano con mejor título en 40 años) ayudaría a que llegara a los oídos de Patty Smith, la poeta y cantante norteamericana que al conocer la primera traducción de Detectives Salvajes no dudó en impulsar la carrera de un muerto.

Bolaño con Enrique Vila Matas.

A través del mito se vende mejor un personaje, y en eso tienen años de delantera los gringos. Patty Smith vendió a Bolaño prácticamente como drogadicto (cosa que en vida no fue), una especie de Rockstar poeta en un México salvaje de los 70s, época en que está ambientada  los Detectives Salvajes, entonces esa imagen joven, con melena, más drogas y mucho retro, fue lo que finalmente terminó por enganchar  al público especializado gringo. Un par de años después de fallecido el autor, en EE.UU. publicaban 2666 en su primera traducción en inglés, y gracias al mito como marketing el libro con todos sus méritos ganó el premio de la crítica de la estadounidense. Cómo consecuencia el público especializado ya crítica en Latinoamérica, como buenos alienados, empezaron a interesarse por este autor que recogía en su breve biografía todos los típicos de una leyenda (vivir la dictadura chilena, el exilio, ser inmigrante en Europa, y realmente poco más, pero que se vendió como LA VIDA DEL POETA).

Pero es recién a partir de 2010 a 2012 que se establece una auténtica HEGEMONÍA entre los lectores latinos menores de 30 años que descubren a Bolaño hasta volverlo un autor de culto. El resultado no podía ser mejor: los escritores jóvenes empezaron a dedicarle sus libros a través de epígrafes o la simple imitación. Bolaño lo había logrado.

Patti Smith con el libro 2666 de Roberto Bolaño.

Declive: más es menos

Toda HEGEMONÍA es un imperialismo y todo imperialismo no es eterno y menos en literatura. Bolaño paso de ser la alternativa de superación de la lacra del Boom latinoamericano (esa lacra narrativa por la que los lectores y por tanto los editores europeos buscaban en los nuevos autores latinoamericanos papagayos, tucanes  y mujeres volando), a convertirse en un estilo tomado y repetido de una u otra forma hasta el hartazgo.

El fenómeno de su declive es reciente. En los últimos cinco años el entusiasmo y cariño por la obra de Bolaño ha empezado a estancarse, incluso a enfriarse, las ventas no son lo que eran antes y menos desde que Alfaguara de hizo con los derechos de sus libros (Anagrama supo vender los libros a tiempo). El fenómeno pasó, su influencia sin embargo todavía se mantiene como nociva. Los imitadores no faltan. Yo mismo fui uno, mea culpa. El detalle es que todavía no emerge una superación de su narrativa, ni siquiera alternativas claras entre autores latinoamericanos. Tal vez como Bolaño exista otro escritor astuto que haya sabido leer el signo de los tiempos del mercado editorial. Tal vez este año, tal vez el próximo. Mientras el mercado espera.

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