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Cultura

Un correo dirigido a funcionarios del Ministerio de Cultura revela presunta corrupción al estilo Richard Swing

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El escándalo del caso Richard Swing y la vacancia de Vizcarra parece que no ha generado un cambio en el Ministerio de Cultura. Lima Gris tuvo acceso a un correo dirigido a funcionarios de la alta dirección del MINCUL, donde los propios trabajadores denuncian presunta corrupción en la cartera del ministro Alejandro Neyra.

El mail que se filtró esta dirigido a Juan Antonio Silva Sologuren, Secretario General del Ministerio de Cultura. En el correo electrónico se denuncia que se coloca y direcciona contrataciones al mismo estilo Richard Swing, acomodando los requisitos para que las contrataciones de personal con modalidad CAS sean aceptados por Recursos Humanos.

Juan Antonio Silva Sologuren.

Según nuestra fuente, el propio ministro Alejandro Neyra también tiene conocimiento del tema, así como más de 15 personas de la alta dirección, quienes fueron notificados a sus debidos correos institucionales.

A continuación, transcribimos el mensaje completo del correo electrónico, porque nos parece importante que los lectores conozcan el contexto de la misiva:

Señor Secretario General Juan Antonio Silva Soluguren,

De nuestra especial consideración

Ayer ha sido un día histórico y la elección de la nueva mesa directiva del Congreso, presidida por el hoy presidente interino, nos llena de esperanza a muchos peruanos que anhelamos un gobierno justo, equitativo e integro.

Hace unos meses, la administración del Ministerio de Cultura fue origen de la mayor crisis política afrontada por la gestión del ex presidente Vizcarra, exhibiéndose una contratación de servicios con cuestionadas finalidades públicas y requisitos mínimos de calificación del proveedor que toda contratación debe justificar. Sin embargo, a pesar de los resultados que todo ello provocó, los directivos continúan disponiendo indebidamente de los recursos del Estado.

Con proceso CAS N° 157-2020-OGRH-MC se publicó la contratación de un especialista de Giros – Planillas nivel III, para la oficina de tesorería de la OGA del Ministerio de Cultura, cuyas funciones son el registro y proceso de la fase del giro de las planillas de remuneraciones del personal, la verificación y gestión de pago de la AFP de las planillas a través del portal AFP.NET, pago de CTS y sentencias judiciales, registro administrativo de la fase de giro SIAF, operaciones de la caja chica, elaboración de cartas y órdenes de pago nacionales e internacionales, entre otras funciones alineadas a las competencias financieras/contables/administrativas.

Hasta ahí todo dentro de lo regular, pero a partir de la revisión del Termino de Referencia Publicado y Autorizado, se evidencia la corrupción que dirigen, pues para intentar postular al cargo de Especialista de Giros-Planillas nivel III (Oficina de tesorería) los requisitos mínimos indispensables que se piden son: Título universitario en Contabilidad o Administración o en Ciencias de la Comunicación.

Sí, efectivamente, para ocupar el puesto de especialista en giros de la oficina de tesorería del Ministerio de Cultura, es condición indispensable ser profesional en ciencias de la comunicación. ¡Estamos hartos!

La desfachatez y descaro del Director de Tesorería (requiriente), llegó a tal punto de hacerle manifestar abiertamente que contaba con la aprobación del mismo Director General de Recursos Humanos (autorizante) lo cual encontraba sentido, pues al revisar algunas otras convocatorias hallamos el proceso CAS N° 129-2020-OGRH-MC para la contratación de un especialista en planificación y organización para la misma OGRH, por una remuneración de S/ 8,000.00 (Mayor pago que la de la especialista de tesorería) con requisito mínimo imprescindible: Cartón de bachiller (menor formación que la del especialista de tesorería) administración de empresas o administración pública o ingieniería industrial o economía o psicología o relaciones industriales o derecho o contabilidad o ciencias de la comunicación.

Coincidentemente, en ambos procesos resultaron ganadoras quienes contaban con la profesión de Ciencias de la Comunicación: Briceño Chávez María Giovanna y Valdivia Mandujano Roxana Katy.

Mientras que para el personal antiguo limitan o anulan las posibilidades de mejores pagas, exigiendo requisitos mínimos “estandarizados”, para otros afortunados hasta crean, ordenan, autorizan y dirigen concurso públicos. Qué mérito existe si todo es producto del abuso del poder de sus cargos ¡Estamos hartos!

Hace mucho tiempo ese mismo Director General que negocia esas contrataciones viene prometiendo mejores condiciones al personal generando expectativas, pero nunca se cumplen por falta de presupuesto. Claro, cómo va a haber dinero para regularizar las situaciones de los antiguos si lo gastan a su conveniencia.

Apelamos al espíritu de justicia que identificamos en su persona, y por el honor del ministro Alejandro (Neyra), le solicitamos que tomen las acciones inmediatas para no convertirse en cómplice de dichos actos y reiniciar la nueva gestión con esos asuntos pendientes, pues no bajaremos la guardia y lo exigiremos hasta las últimas instancias y medios.

Los años han hecho entender a la mala que cada gestión cuenta con un equipo de confianza, ¡Pero todo tiene límites! Ese concurso ya fue demasiado y no permitiremos más porque continuaremos revisando los concursos y denunciaremos hasta ante el mismo Congreso. Los cargos de confianza son para trabajar para la gestión del sector, no para abusar de su poder autorizando requerimientos indebidos.

Copiaremos al STPAD para la revisión correspondiente y al OCI para evitar que las manipulaciones del Director General de la OGRH y el Director de Tesorería entorpezcan las funciones del STPAD.

Agradecemos su tiempo y empatía.

Para evitar represalias, los trabajadores del Ministerio de Cultura vienen denunciando estos hechos desde el anonimato. Hay que señalar que las denuncias anónimas pueden ser interpuestas por cualquier ciudadano

Luego de tener conocimiento del correo, ingresamos a la página web del Ministerio de Cultura y encontramos los resultados finales de los procesos CAS que se mencionan en la denuncia: CAS N° 157-2020-OGRH-MC y CAS N° 129-2020-OGRH-MC referentes a Briceño Chávez María Giovanna y Valdivia Mandujano Roxana Katy. Tal como se señala, las dos personas fueron beneficiadas con estos cargos tan importantes y delicados en el manejo de dinero de todos los peruanos.

Buscando información sobre los grados académicos de las personas mencionadas, solo encontramos en la SUNEDU el registro de Valdivia Mandujano Roxana Katy, como licenciado de Ciencias de Comunicación. Sobre Briceño Chávez María Giovanna, existe registro académico solo como bachiller de Ciencias de la Comunicación.

Una pregunta pertinente que se tiene que hacer es ¿Por qué se contrató a una persona de Ciencias de la Comunicación para un puesto donde se necesita un profesional dedicado al rubro de administración, contabilidad y finanzas?

Registro de la SUNEDU de Valdivia Mandujano Roxana Katy.

Registro de la SUNEDU de Briceño Chávez María Giovanna.

Lima Gris se comunicó con Juan Antonio Silva Sologuren, Secretario General del Ministerio de Cultura para conocer los descargos sobre el tema y esto fue lo que nos comentó:

Juan Antonio Silva Sologuren.

“Conversé con el jefe de Recursos Humanos que ha coordinado con el Secretario Técnico y me indica que de oficio ya inició las investigaciones, a fin de determinar posibles responsables. He conversado también con la jefa de OCI y me ha dicho que ella también ha iniciado de oficio sus investigaciones”.

Sobre la denuncia anónima enviada a su correo, mencionó: “Lamento que la denuncia sea anónima, aquí nosotros no tomamos represalias contra nadie. Nos gusta tener una relación abierta con la gente”.

Sobre el presunto conocimiento del direccionamiento del Director de Recursos Humanos, señaló: “De ser así, se va a determinar eso mediante la secretaría técnica o la jefatura de OCI. Aquí no vamos a blindar a nadie. Tenemos nosotros el compromiso de trabajar de manera transparente, esa es la visión que el ministro Alejandro Neyra quiere dejar súper claro”.

Juan Antonio Silva, también señaló como uno de los responsables del proceso a Sebastián Diaz Rodríguez (Coordinador en Gestión del Empleo en el Ministerio de Cultura), por lo cual, los 18 procesos CAS que fueron presentados el día de hoy bajo la responsabilidad del señor Diaz, han quedado anulados.

Es importante señalar que los propios trabajadores del Ministerio de Cultura vienen realizando una fiscalización desde interior de la sede principal, con la finalidad de que no se repita nuevos casos al estilo Richard Swing.

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Cine

Canción sin nombre: innominable

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Por Tania Pariona Icochea

Hace dos semanas obligué a mi pareja a ver Canción sin nombre, de la directora Melina León, una película que el Ministerio de Cultura estuvo promocionando y que se encuentra en Netflix. Marcos estuvo reacio porque el cine peruano no suele tener buenas producciones y sus propuestas casi siempre son dramas terribles. Sin embargo, mi (imposición) entusiasmo ganó el control remoto.

Realmente fue una gran decepción. Sin embargo, el hecho de que sea una película innecesariamente larga, lenta y con muchas incoherencias en la trama no es lo único malo. Lo realmente peligroso es una idea que se desliza bajo las formas del cine de estética hípster: el “terruqueo”. Aunque no ha usado el término terruqueo, Mario César Castro Cobos ha escrito una colérica opinión que en gran parte comparto y recomiendo leer: https://limagris.com/cancion-sin-nombre-de-melina…/….Como no soy una experta en cine, no hablaré de la fotografía ni de la técnica ni de las referencias a otras películas o directores. Me remitiré a abordar las incoherencias en la forma de abordar la ficción y en la trama.

No podemos juzgar a una película como a un reporte periodístico. Su aproximación a los hechos de la realidad real no tiene que ser meticulosa y exacta. De hecho, como ya señaló la directora, el tema central del filme – el robo de niños – ocurrió en el Perú años antes de 1988 (año en que la película se contextualiza). No se trata de la realidad, sino de una representación de la realidad. ¿De un mundo posible? No, no llega a tanto.

Si bien los espectadores no debemos reclamar a la obra un apego preciso a la realidad peruana, el filme se vale demasiado de las referencias a la realidad para comercializarse. Canción sin nombre entiende la ficcionalidad como una mímesis de la realidad. Los personajes no representan a personas que realmente existieron, pero sí a tipos sociales, étnicos y de clase. La misma Melina León ha mencionado que su padre fue periodista y que investigó el caso del secuestro de niños en el país. Por otro lado, el uso de los personajes migrantes, observados desde una lente exotista en sus “fiestas folklóricas” (como han dicho algunos youtubers) busca añadir realismo a esta cinta.

Se podría argumentar que es una ficción realista y que manosear la biografía y las manifestaciones culturales es una técnica publicitaria de mal gusto, pero no ilegal, como los lobbies. Bueno, pero que conste que es muy feo. Ahora vamos a la trama. Comencemos por la pareja ayacuchana de Georgina y su esposo quienes viven en un cerro limeño. Al principio, se los ve integrados a la comunidad de migrantes, participando de una fiesta, así nos enteramos de que el esposo es danzante de tijeras. No obstante, estando inscritos en una comunidad, viven en una choza de esteras alejadísima de otras. Y no solo eso, siendo partícipe de una comunidad, Georgina prefiere dar a luz en el centro de Lima, con unos absolutos desconocidos, sin avisarle a su esposo ni a las vecinas (¡que viven muy lejos, Tania!) ni a nadie de su entorno.

Pedro, el periodista que ayuda a Georgina a buscar a su bebé raptada, tiene una historia extraña. Se subraya la homosexualidad del personaje a través de una relación sentimental con un actor cubano. No obstante, este dato no agrega nada importante a la trama. Ni la homosexualidad ni la homofobia son temas desarrollados en la película. La inserción de este detalle parece más bien un intento por abordar la otredad en varias de sus formas: étnicas, de género. Otra vez, un guiño a la publicidad bienhondista de la época. Además, Pedro tiene en el periódico una compañera de acento marcadamente venezolano y se entrevista en la Amazonía con una mujer de acento marcadamente venezolano. Puede que una pizca de atemporalidad no caiga mal, pero en esta película parece que se les pasó la mano.

El personaje del esposo, por su parte, danzante y trabajador en el mercado sufre unos cambios que no se explican muy bien. Primero, deja sola a su esposa en la búsqueda de la bebé, solo la acompaña en dos ocasiones y luego desaparece. Más adelante nos enteramos que se enroló a Sendero Luminoso y toma parte en un atentado en una loza deportiva. La explosión ocurre durante una fiesta popular en la que participan sus vecinos y su esposa (!). Qué extraña manera de expresar la impotencia e indignación: atacando a los vecinos y a la esposa. Esto deja a Georgina todavía más sola y ella debe pedir ayuda a una vecina para que la esconda (¿no que la vecina vivía muy lejos?, ¿si podía pedir ayuda para huir, por qué no pidió ayuda para dar a luz?).

Si bien en el Perú existe una ley que castiga a la apología del terrorismo, no existe ninguna sanción contra el “terruqueo”. Esta es una práctica de desprestigio que vincula a una persona o a un grupo social/étnico con prácticas terroristas.

Lamentablemente, Canción sin nombre tiene una mirada que subrepticiamente terruquea, ¿por qué?, porque coloca al terrorismo del lado de los migrantes ayacuchanos pobres en los cerros de Lima. Quizás sea de modo inconsciente, pero sigue siendo un terruqueo. Esto ocurre por la forma superficial en que se propone un tema tan delicado para los peruanos. Entonces, sí, Mario Castro Cobos tiene razón cuando señala que Canción sin nombre no hace preguntas importantes ni mucho menos profundas a la realidad que quiere representar, pues de hacerlo se convertiría en “un artefacto en verdad incómodo, oscuro, perturbador, complejo, es decir, todo lo no que es”.

Me animo a escribir estas líneas porque leí que Canción sin nombre se perfila como “una de las películas más celebradas en la historia del cine nacional” y me preocupa mucho que se celebre una forma velada de colocar la culpa del terrorismo en ciertos grupos sociales, étnicos y de clase. No me parece exagerado decir esto en un país que cuestiona las marchas de protesta de los jóvenes y de los agricultores y que no procesa a los verdaderos culpables. No me parece exagerado despertar una alerta de “terruqueo” porque no necesitamos “mano dura”, sino reconstruir un país con memoria y dignidad.

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Cine

Los festivales culturales que migraron a lo digital

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Cuando se inició la emergencia sanitaria y surgió el confinamiento social el circuito cultural en Perú se vio afectado. Las galerías de arte, los cines, los teatros, las bibliotecas y los museos tuvieron que cerrar sus puertas. De golpe se cancelaron importantes ferias y festivales culturales; sin embargo, en el país algunas de esas organizaciones han sido tenaces y se reinventaron con el único fin de no truncar sus misiones y sus ofertas culturales. En ese sentido, importantes marcas como el Festival de Cine de Lima, el Festival de Cine Al Este, el Hay Festival Arequipa y la Alianza Francesa de Lima asumieron el reto e inauguraron sus eventos de forma no presencial utilizando como herramienta, la tecnología para ingresar al mundo virtual.

Revista impresa Lima Gris N° 20.

Lima Gris conversó con cada uno de sus directores para que nos den sus impresiones sobre los avatares que tuvieron que afrontar en esta pandemia que le declaró la guerra a la cultura.

Iniciada la pandemia muchos festivales fueron cancelados; solo algunos festivales lograron organizarse a pesar de tenerlo todo en contra. Marco Muhletaler, director del 24º Festival de Cine de Lima, mencionó:El miedo estaba ahí todo el tiempo. Yo creo que sí, fuimos muy claros en el momento de que lo que haríamos era llegar a hacerlo, y hemos tenido idas y venidas básicamente por temas de recursos, hasta que fuimos encontrando los aliados, los soportes y las plataformas. Yo quería estar seguro de que íbamos a poder atender al público de la mejor manera posible, porque quería que las películas se puedan ver bien, que los cineastas y los distribuidores con quienes trabajamos hace más de 24 años, puedan confiar en nuestra plataforma para tener una buena manera de exhibir sus películas, y cuando lo tuvimos, recién lo anunciamos”.

Marco Muhletaler director del CCPUCP y del Festival de Cine de Lima. Foto: PUCP.

En la ciudad blanca el Hay Festival también migró a lo virtual, con una clara premisa: resistir.  Ángela Delgado Valdivia, directora de Desarrollo del Hay Festival Arequipa 2020, señaló:La situación fue compleja y difícil. Cuando se decretaron las medidas de confinamiento estábamos a casi dos semanas de hacerlo en Gales, pero la decisión se tomó rápido y se migró a lo digital. A Arequipa no le tocaba otra solución que atender a las medidas de seguridad por la pandemia y seguir adelante. Lo que quiere el Festival es sentar continuidad y dejar un precedente; dejar el alma, y dejar la huella”.

Ángela Delgado. Foto: Julio del Carpio.

Otro de los festivales de cine que fue golpeado por la pandemia es el XI Festival de Cine Al Este, dirigido por David Duponchel. Para él, el tema económico fue importante ya que se tuvo que realizar una inversión onerosa para migrar a lo virtual. “Pienso que ha sido más caro, porque se ha tenido que hacer una plataforma. Nosotros, lo que hemos tenido como suerte en esta edición, es la respuesta de los directores”, señaló Duponchel.

Otro importante eje cultural en el Perú, es sin duda la Alianza Francesa. Para su director Nicolás Mezzalira, ha sido una experiencia intensa migrar en corto tiempo a lo virtual.“El teatro lo tuvimos que parar, pero hemos logrado terminar con suerte nuestro gran festival llamado Temporada Alta de Teatro Experimental, que fue hasta la quincena de febrero. Pero sí tuvimos que anular luego toda la temporada de artes escénicas y también la galería de artes visuales; aunque esta galería se ha reiniciado hace un mes y medio cumpliendo con los protocolos y ya está funcionando con un aforo súper reducido; pero el teatro todavía no. Y el cine según la fase cuatro abrirá a fin de mes”, explicó Mezzalira.

Con la pandemia también se tuvo que prescindir de muchos trabajadores; Marco Muhletaler manifestó: El equipo fue mucho más pequeño. Tuvimos que adaptar la organización a las realidades de esta nueva forma de hacer festival. Algunos empezaron a aprender cosas nuevas, y tuvimos que estar en otras posiciones a las habituales. Para muchos, era como aprender a hacer algo nuevo”.

Pero como en toda crisis, también aparecen nuevas oportunidades, una de ellas fue nuevos puestos de trabajo en áreas de comunicación digital y community manager. En ese sentido, Ángela Delgado precisó: “Nuestro equipo de comunicaciones del Festival tomó contacto con cada una de las personas y grupos presentes que están involucrados en el asunto de community manager, o de emprendimientos culturales y comunicativos a partir de la plataforma internet. Hemos dado más énfasis y creo que se lo seguiremos dando al equipo de comunicación digital que es tan necesario y tan pertinente en este tipo de estrategias”.

Una de las preguntas pertinentes ante la nueva experiencia virtual fue ¿cuál será la respuesta del público? David Duponchel afirmó: “Aproximadamente sumado a todo lo que es gratis, siempre ha sido entre diez mil y doce mil espectadores. Este año todavía no tenemos las cifras, pero lo que ha pasado es que hay más miradas de películas; entonces hubo menos gente que ha comprado su ticket. Pero la gente también ha visto más películas porque había películas gratis y también hubo un pago que hacer y había una preventa que nos ha ayudado también a pagar algunos derechos de películas”.

David Duponchel. Foto: Al Este de Lima.

En el caso de la Alianza Francesa, Mezzalira explicó: “En abril fue 40% menos. Somos una sociedad sin fines de lucro, pero el 90% de los ingresos de la Alianza Francesa vienen de las clases; entonces si haces el cálculo: 40% sobre el 90% es un golpe súper fuerte. El mercado del idioma no ha sufrido mucho con referencia a los otros mercados; como, por ejemplo, el de los restaurantes, que han sido destrozados durante seis meses. Y te puedo decir que octubre de 2020 fue mejor que octubre de 2019 en volumen de inscripciones, y por eso hemos mantenido todos los sueldos y todos los empleos al cien por ciento”.

Ante una crisis provocada por la pandemia, el respaldo de algunos auspiciadores se mantuvo en algunos casos; en otros, se tuvo que bregar ante la ausencia de marcas. Marco Muhletaler mencionó: Nosotros contamos con la colaboración del BBVA que se ha mantenido este año tal cual, y estamos muy agradecidos por seguir apostando por el Festival de Cine. La verdad, es que tampoco hicimos una campaña muy agresiva para salir a buscar a otros auspiciadores, pero ahí se unieron algunos auspiciadores en el camino”.

Además, agregó: “El Festival se ha hecho con casi el 8% del presupuesto regular y las entradas tenían los precios más bajos. Una entrada era para toda una familia, o para un grupo de personas que comparten una pantalla; pero también la virtualidad llevaba a otras salidas desde el punto de vista presupuestal; porque no teníamos deudas tan grandes en pasajes y en hoteles y otros costos que son muy altos”.

Por su parte, Ángela Delgado manifestó: Se han portado súper bien, porque sabemos que es un año difícil. Y si ustedes ven nuestra lista de patrocinadores, son empresas que nos han seguido casi desde el primer año; fieles, sólidas y comprometidas con los objetivos. Ahora, es evidente que el monto ha descendido por las propias circunstancias y lo entendemos bien. Lo que no entendemos y en esto me permito ser muy cuidadosa con lo que estoy diciendo: es que haya instituciones como el Gobierno Regional de Arequipa que se comprometió a un patrocinio para el Festival, pero lamentablemente no contestó nuestras cartas; lo ha hecho recién hace unas semanas diciéndonos que no pueden por la pandemia, pero nosotros también nos cuestionamos y nos gustaría saber qué tipo de políticas y qué tipo de consideración tienen hacia el área cultural”.

Una de las estrategias que utilizaron los festivales virtuales, fue la preventa. Una importante herramienta que evitó que el golpe económico sea más fuerte. En ese sentido, David Duponchel afirmó: “Hemos vendido mucha preventa a 29 soles, pero también había muchos estudiantes y por eso este año hemos vendido muchos tickets, pero al final hay poca recaudación porque tienes que cobrar 12 soles a los estudiantes nacionales para que vean 60 películas, pero atrás de esas 60 películas hay titulación y está la plataforma que tiene un costo. Lo que pasó realmente es que se divide el ingreso de dinero con el cine; por ejemplo, Cineplanet te toma la mitad, más el impuesto de la municipalidad, y no te queda mucho sobre el boleto final y eso es un problema, porque los festivales todo el tiempo no pueden contar con el apoyo del Estado, porque también se tienen que sostener”.

Pero cada festival también tuvo sus propias limitaciones; en algunos casos la ausencia de público fue mayor. Para Marco Muhletaler este año: “Ha sido menor y necesariamente tenía que ser así, porque recordemos que este año el Festival tuvo 30 películas, versus las 167 películas que tuvo el año pasado en su sección principal, más otras 300 en la sección de la Muestra Itinerante. Por otro lado, se pensaba que por el hecho de que sean virtuales los tickets iban a ser ilimitados. Pero los distribuidores nos marcaron a nosotros un numero de tickets y el universo total de tickets que nosotros podíamos vender ha sido de 15 mil, pero eso no significaba que eran 15 mil personas y de acuerdo a la estadística que hicimos, cada ticket vendido significaba que cada día era visto por 2 personas en promedio”.

Instituciones comola Alianza Francesa en plena pandemia apostaronpor una inyección cultural permanente, para ellos las redes sociales jugaron un papel importante como plataforma. Estamos muy orgullosos de todo el equipo, porque tuvimos una semana donde sabíamos qué hacer y lo hicimos con una onda un poco ligera, desde el 16 de marzo subimos una canción por ahí, un libro y una visita virtual al Museo del Louvre. Pero como actividad más fuerte empezamos a partir de la quincena de abril con danza en casa y luego nos tomó como dos semanas para montar el primer festival en línea en danza. Y eso no se improvisa; la política cultural tiene que ser muy clara porque consideramos que los artistas iban a ser muy impactados”, destacó Nicolás Mezzalira.

Nicolás Mezzalira. Foto: Rqphoto.

En todo cambió se suscitan también nuevos problemas. La tecnología es un gran aliado, pero muchas veces hay cosas que suceden de forma inesperada. Marco Muhletaler nos cuenta ese curioso momento del Festival de Cine de Lima: “Sin duda este año el tono que debía tener toda la comunicación no era celebratorio. Celebrar la fiesta del cine no era el enfoque en ese momento, pero sí era el momento propicio para seguir viendo cine y pensamos que debería ser un espacio de conversación, difusión y de reflexión sobre dónde estábamos en ese momento y en la inauguración hicimos un conversatorio sencillo pero profundo a la vez. Y en la clausura llegamos a hacer lo mismo, pero tuvimos la primera baja fuerte de internet en toda la emisión del festival, porque no habíamos tenido ni un solo problema serio, pero en plena clausura se cortó la trasmisión a la mitad y tuvimos que grabarla para poder emitirla, pero el público fue muy cálido también”.

Otro de los retos que tuvieron que afrontar los festivales, fue la difusión en los medios de comunicación. Vender un evento virtual en plena pandemia no fue una tarea fácil. David Duponchel detalló: “Ha bajado y ha subido. Internacionalmente ha subido; hemos tenido un montón de artículos en Argentina y hemos tenido artículos en la prensa de América Latina. Y nacionalmente un poco menos, porque no tuvimos televisión local este año. Solo en cable estuvimos en Wantan Night y en prensa escrita, en El Comercio y Correo”.

Al pasar de un festival presencial a uno virtual, sin duda se pierde algo, pero también se gana. Para los directores de los festivales, ¿qué se perdió y qué se ganó con esta nueva experiencia?

Marco Muhletaler: “Yo creo que ganamos la posibilidad de que el contenido sea más democrático y llegue a más regiones del país. Ahora, lo que más perdió el Festival es el espacio de comunicación y de encuentro físico que no solamente se vive en las salas, porque se viven en los pasillos, en la cafetería, en la sala de prensa y en el día a día”.

Ángela Delgado: “Si somos conscientes de las circunstancias, creo que vamos ganando en presencia mediática a nivel internacional; vamos ganando en conocimiento respecto al Festival hacia diversos públicos. Qué hemos perdido… yo creo que eso es temporal y momentáneo. Se pierde la calidez del contacto directo, eso es un factor humano irresistible y además imprescindible en el contacto humano porque es nuestra propia naturaleza”.

David Duponchel: “Lo que hemos perdido son quizás los encuentros que uno hace en un festival y la calidad de la proyección, porque hay películas que necesariamente se tienen que ver en una sala de cine. Pero también sentí que ganamos en las clases virtuales, porque hubo como un calorcito que lo vivimos en directo y los contactos con mi equipo… nos hemos visto casi siempre vía conversa”.

Nicolás Mezzalira: “Yo vengo de las artes escénicas de la calle y siempre militaré para que volvamos a los espacios físicos, porque creo que a nivel antropológico las artes escénicas es más que presenciar un espectáculo. Es recrear el círculo mágico de la palabra, el enlace social y el vínculo social. Somos animales y necesitamos abrazarnos. Y la otra cosa es que el arte y la cultura están ahí para eso, y no es casualidad que sea el sector más impactado por todos, porque al final arte y cultura es donde desde miles de años nos hemos encontrado nosotros. Y se ha ganado algo para capacitaciones, porque todas esas herramientas como zoom, y google earth, todo eso existía antes del 16 de marzo, pero no estaba en nuestro pensamiento y a nadie se le había ocurrido hacer un Congreso Mundial de las Alianzas Francesas con zoom, en lugar de que todos vayan a París”.    

(Articulo publicado en la revista impresa Lima Gris N° 20)

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Cultura

Índigo retrató la inmensidad del MAR en su tercer álbum

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Ya hemos presentado antes algunos adelantos que Índigo nos hizo de este, su esperado tercer álbum de larga duración. En él, la banda mantiene un concepto artístico bastante cuidadoso y detallado muy ligado al mar. En tanto la parte estética como lírica del álbum se basan en la relación que existe entre el mar y la inmensidad de las emociones humanas; en la sensación de infinito y de cómo ambas comparten evocaciones similares como la calma, melancolía, furia, alegría, y más.

Mar cuenta con 16 tracks que fueron concebidos y trabajados desde finales del 2018, desarrollando el sonido que ahora identifica a la banda en el que destacan las atmósferas melancólicas y ensoñadoras derivadas del dream pop con una base rítmica bastante potente.

Así mismo, este importante lanzamiento viene acompañado del videoclip de “Excesos en espiral”, tercer corte del álbum. Aquí, tanto la canción como el vídeo retratan la decadencia de las relaciones amorosas hasta sucumbir en el círculo vicioso de la monotonía. La sincronía audiovisual nos muestra la impotencia y todos aquellos sentimientos encontrados que experimentan las relaciones en ese contexto.

Las grabaciones se hicieron en los home-studios de Darko Sáric y Jonatan Zuñiga y algunas baterías se grabaron en Huaca Estudio. La producción y mezcla del álbum estuvo a cargo de Darko, excepto en “Excesos en espiral” donde participa Alejo León en la co-producción; la masterización a cargo de Carli Beguerie de Argentina.

Escucha el álbum en tu plataforma favorita de streaming.

Un dato extra:

La última canción del álbum titulada “Dime que cambiar” es cantada, a modo de coro, por amigos y personas que acompañan a la banda en esta nueva etapa.

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Arte

Las acuarelas virtuales de Zeballos

Juan Carlos Zeballos, un artista peruano que radica en Francia. Aquí la entrevista.

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Entre 1954 y 1955, los diarios El Comercio y La Prensa de Lima, los más prestigiosos en aquella época, fueron escenario de una ilustrada polémica sobre una nueva corriente que se iba apoderando del espacio artístico peruano, al menos en la capital.

Este denominado “Arte abstracto” nació en los inicios del siglo XX bajo el ojo avizor de la austriaca Helma af Klimt, quién en 1906 hizo representaciones visuales de ideas espirituales complejas y formas geométricas, algo nuevo y revolucionario que inmediatamente fue seguido por Kandinsky con acuarelas abstractas.

Este nuevo concepto atrajo a un joven Ricardo Grau quién lo fue imponiendo en el medio limeño y dando a conocer a sus jóvenes alumnos cuando asumió la dirección de la Escuela de Bellas Artes.

La polémica que menciono, se suscitó pues existía aún muy fuerte la influencia del Indigenismo y no se concebía un arte fuera de estos parámetros. En aquellas “discusiones de papel” intervinieron profesionales como Sebastián Salazar Bondy ( el mayor crítico de esta corriente), Luis Miró Quesada Garland, el filósofo Francisco Miró Quesada, el pintor y etnólogo Emilio Mendizábal Lózack, el periodista Edgardo Pérez Luna, los pintores Fernando de Zsyzslo, Carlos Aitor Castillo, Jorge Piqueras y otros.

Una continua transmutación

Pero, la última voz la tuvieron los artistas y el arte abstracto con sus múltiples variaciones, se fue haciendo parte del mundo de la paleta nacional, sobre todo en lo decorativo sin que esto significara una frivolidad.

El arequipeño Juan Carlos Zeballos Moscaero, es uno de sus más entusiastas seguidores y lo hace con tanta pasión que obtuvo el Primer Premio del 75 Salón de Arte Contemporáneo ARAMI, en la feria realizada en la ciudad de Ermont.

 Sus obras se encuentran en libros de acuarela y pintura contemporánea en Perú, América Latina y Europa. También figura en el diccionario biográfico de artistas visuales en Francia ARTFABETEC.

El artista nacido en Arequipa en 1976, es egresado de la universidad de San Agustín y reside en Francia desde el 2014.

Con motivo de las restricciones de la pandemia, decidió exponer de manera virtual una selecta selección de acuarelas con el título que revela los cambios de sus trabajos (y al parecer de la modalidad de exponer): TRASMUTACIONES/TRASMUTACION CREPUSCULAR.

Esta abstracta exposición será en la Galería “Yvonne Sanguinetti” y estará abierta a partir del 11 de febrero hasta el 6 de marzo. Este es el enlace para acercarnos a la muestra sideral: http://yvonnesanguinetigaleria.com/

Lima Gris, sostuvo una amena charla virtual con el artista, que compartimos para conocer su interesante trayectoria.

El arte que usted practica es esencialmente abstracto, sin embargo hay divergencias respecto a esta Escuela pues se dice que solamente llegan a ella quienes no han logrado desarrollar otras especialidades como el figurativismo, realismo, surrealismo, neo clasicismo, cubismo, etc. ¿Qué piensa al respecto?

Recurrimos a la abstracción para cada una de nuestras actividades mentales, incluso desde las primeras manifestaciones del ser humano, entonces ¿por qué no buscar nuevos discursos plásticos como sucedió desde inicios del pasado siglo’. Considero que solo era cuestión de tiempo y formalizar el discurso para una corriente que más allá de especulaciones y criticas, sigue vigente entre las demás corrientes del modernismo. Ha pasado más de un siglo desde sus primeros manifiestos que asentaron sus bases y que celebramos en  las primeras obras abstractas fechadas (Gabriele Münter, Hilma af Klimt), incluso en los ya reconocidos fundadores de la abstracción.

Los artistas abstractos conocieron bien la realidad e historia del arte, tuvieron grandes etapas en sus propuestas y su inconformidad e investigaciones los llevaron a múltiples variaciones. Existen miles de testimonios, lo podemos ver en la obra de los Maestros. Para abstraer no basta la necesidad de  conocer bien la realidad, experimentarla y pasar por un largo proceso de formación  académica o autodidacta, es una búsqueda personal, permanente del inconsciente y en las emociones. Es una opción libre que podemos elegir, una toma de riesgos donde el resultado no será una casualidad sino la sumatoria de todo lo vivido.

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¿Qué tendencias existían en Arequipa en la época en que empezó a desarrollar su vocación artística? ¿Cuál practicaba usted?

Estudié en la escuela de artes de la UNSA entre 1995 y el 2000, disfruté de una formación académica competitiva y amalgamada de experiencias artísticas ya que en su mayoría mis maestros eran artistas reconocidos a nivel nacional por sus  exposiciones y la infinidad de premios que obtenían cada ano en los diversos concursos nacionales de pintura. Crecí admirando su maestría en la interpretación del realismo que hacían.

La pintura en Arequipa conservaba ese romanticismo, pero con ciertas propuestas al expresionismo, fauvismo y realismo fotográfico. Tenía en ellos y  frente a mí la mejor pinacoteca de acuarela que pudiera imaginar, el paisaje infinito de la ciudad que hasta hoy se sigue plasmando pero que no estaría dispuesto a seguir .mi obra fue realista esos años, tuve la opción y confianza por parte de mis maestros de la escuela de  poder especular en mi búsqueda y seguir otros estilos al inicio seguí el impresionismo por el trajo en taller y de campo q hacíamos pero siempre  me incline por lo urbano. Hice una tesis sobre ‘paisaje urbano nocturnos y diurnos para  graduarme y mi obra se inclinó por un expresionismo  para esos años hasta mis viajes y estudios en Brasil (a partir del 2001).

La acuarela tiene múltiples usos y siempre resulta agradable el resultado. ¿Cree que con la tendencia abstracta se puede lograr lo mismo? ¿No sería mejor hacer por ejemplo, paisajes?

Claro que sí, la acuarela permite abordar cualquier tema desde lo formal hasta lo abstracto, pese a que muchos buscan la prolijidad y precisión en la técnica, mostrar su extremo dominio, pero el  artista puede dar rienda suelta a su capacidad de ejecución, imaginación, arriesgándose ante cualquier  resultado.

Es así que la acuarela ha cobrado vital importancia en su uso para la creación de obras de arte ,el poder del agua y el color es superlativo en su definición fugaz o complejidad desde su ejecución hasta el resultado solo traducido por el mismo.

Radica en París desde el 2014. ¿Lo hizo para seguir la tradición de que un artista solo se logra si llega a la Ciudad Luz? Compruebo que los premios y distinciones los obtiene a partir de su convivencia parisina. ¿Sin este viaje cree que también lo hubiera logrado?

Fui  organizándome a medida que pasaron los años desde mi llegada: las invitaciones para exposiciones personales, colectivas, ferias  y salones se me presentaron y las aproveché. Mi obra fue mi única carta de presentación, sabía  bien que el currículo que traía de Perú no iba marcar alguna diferencia aquí terminé la escuela de artes entre los primeros de mi promoción. Gané mis primeros premios a nivel nacional e internacional desde el año 2000 hasta antes de dejar Perú con una obra realista, expresionista y expresionista abstracta (premio de pintura Pro unámonos, Michell y cia, Jhon Constable, Icpna, Cerro Verde, 50 años de la escuela de Artes Carlos Baca Flor. Fui merecedor de la medalla de la ciudad de Arequipa, medalla de la ciudad de Taubate en Sp, Brésil, Bienal de Pintura Raul Soldi en buenos aire, bienal de pintura de Álvaro Novoa en Guayaquil, Bienal de acuarela Viña del Mar, premio internacional Francisco de Zurbarán en España, entre otros.

El 2014 llegué a Francia siendo el único finalista  latinoamericano para participar en 2 bienales intenacionales de acuarela (la bienal de Narbonne y la Bienal de Arcachon), ese mismo año tenía mi primera muestra individual en Paris y luego continúe con nuevas exposiciones personales, colectivas, festivales y los salones de arte. Fue así que decidí comenzar nuevamente de cero, instalarme en esta ciudad de ensueño, vertiginosa y maravillosamente  inspiradora que aun continua sorprendiéndome, reconociendo un camino que no permitiría dar marcha atrás. Desde entonces continuo mi propia señal ética, preparo cada exposición diferente a la anterior para Europa, Asia o América, mis proyectos inspirados en la misma ciudad, donde no hay temor al límite, la bidimencionalidad o tridimencionalidad y los materiales o técnicas que utilicé. Sobre la tradición nunca la considere, sin duda es inimaginable la historia que uno encuentra y sabe que vivieron miles de artistas y dejaron de ejemplo viviente y que ahora se lleva sobre los hombros (una razón más para no desistir).

Me  fui preparando desde chico para lo que sería continuar mi vocación desde donde este, fue en París (que siento me eligió). Existe una infinidad de opciones y una crítica favorable por mi obra. Pudo ser otra ciudad o regresar al Perú, pero sin duda hubiese continuado como el primer día, sin avanzar.

Vayamos al tema de sus trabajos: capturar la luz -como los impresionistas- para manifestar sus sensaciones sobre el entorno urbano. Solamente lo puede logar en París? ¿Qué ha recogido del Perú?

Asumo la pintura en  relación a mi descontenta exploración  estética, el desencanto ante la figuración clásica  y la disolución del motivo anecdotico. La exaltación del color y su dosificación, el alto contraste, la sobrexposición, la simplicidad de la mancha, la espontaneidad del gesto, recurrir al recuerdo, a la emoción a sensaciones y experiencias lo dicen todo… no he renunciado a mi narrativa, a la observación diaria, a la fuerza instintiva  donde parecen surgir presencias, masas, ciudades, códigos urbanos, otras realidades quizá por descubrir .

La luz siempre estará  presente en mi obra porque su trasmutación comenzó en mi interior desde mis estudios y continua, no es el lugar, se trata de uno mismo. Europa reforzó este cambio y estoy convencido que toda evolución obedece a la búsqueda y al cambio.

Conservo  mis raíces, no hui de nuestro país ,ni ha disminuido mi amor y orgullo por el suelo patrio pues en cada obra que empiezo y culmino hay un  retazo del Perú, mi entorno, nuestra  historia, la tradición y folclore,  la enseñanza que recibí de mis maestros. Tengo la responsabilidad de continuar con su legado y estoy comprometido con lo aprendido en Perú.

Con la pandemia, los sentimientos, emociones y visiones se han transformado. ¿Cómo los puede traducir usted en sus trabajos?

Esta cuarentena surrealista nos ha empujado a una creatividad y reinvención absoluta donde nuestra libertad y el poder cultural nos ayudará a reconstruir una sociedad con nuevas oportunidades. El arte ha vuelto a su génesis y a todos nosotros al mismo punto de partida. Ahora dependerá de quiénes quieran aceptarlo para continuar con su pasión o permanezcan tal como los encontró la pandemia. Fortalecer sueños y luchas personales será la clave para continuar este proceso. Personalmente pienso que se vive en una cuarentena perpetua para la creación. Si hay un después, reencontrarnos a sí mismos, liberarnos de convenciones, el arte seguirá generando oportunidades de desarrollo en lo emocional, social, económico, oportunidades para uno mismo o colectivos. Pude trabajar una serie de pinturas de pequeño y mediano formato durante ese periodo (por estos años inimaginable por la concepción de mi obra), pero que me dio resultados y pude llegar a otros mercados, ahora será una práctica constante. Luego del confinamiento comencé una nueva serie de pinturas  con todos los materiales que reciclé en atelier e ilustro mi diario y las historias que describía como un tácito observador  por esos meses a manera de  crónicas y que planeo publicar este 2021 por nuestro aniversario patrio.

Me parece que es la primera exposición virtual que realiza. Se podrán apreciar los colores y formas de sus trabajos con la misma nitidez y subjetividad? ¿Cuánto se gana y cuánto se pierde?

Es mi  primera exposición individual con la Galería Yvonne Sanguineti que hago y con la que inicio este nuevo año. El 2020  continúe exponiendo mi obra e interactuando en exposiciones colectivas en Francia, América y Asia virtualmente  (muchas exposiciones fueron anuladas y otras continuaron a través de las redes, en su mayoría se  cambiaron las  fechas  para su reinicio a mediados de este año hasta el 2022). Mi obra continuará  su derrotero  desde otras plataformas hasta volver a la normalidad.

No es posible superar el encuentro físico de obra artística y público. Estar frente a ella en aquel territorio de complicidades y alquimias, pero es el riesgo que asumimos ante  esta modernidad y muchas de las banalizaciones que ofrece el sistema. el  color es emoción y se puede transmitir también a través de una pantalla, lo gestual evoca imaginar  texturas y formas, el discurso del artista, y finalmente será nuestra imaginación y la sensibilidad de cada uno lo que defina que esta frente a nosotros.

Sin  duda es más lo ganado al consumir ,compartir y aprender mediante esta globalización de los medios, es lo que tenemos y tomamos en esta sobrevivencia. La  cultura es clave y la mejor herramienta para construir un mundo mas justo y desarrollarnos mejor.

¿A qué artistas contemporáneos admira en París?

Conocí del arte mundial desde niño mediante  libros, revistas que mi madre coleccionaba y series  que hablaban de la vida y peripecias  de los artistas. No era solo coincidencia que se establecieron aquí y otros en New York, vivieron por el arte y para el arte  y comencé a  seguirlos desde los clásicos  hasta aquellos  comprometidos y transgresores  en las corrientes modernas y postmodernas. Me emociono y conmuevo ante sus testimonios, al recorrer los museos que me sean accesibles (Desde un Giotto hasta una instalación de cualquier artista de la  Young Brittish Artist), soy pintor y seguiré  su romanticismo y con pasión a aquellos que lo dieron todo por la pintura. Nombres de quienes  admiro son muchos, aprendí y aprendo aún de ellos; pero sin dudar  serian también  los artistas peruanos que llegaron aquí para preparar la ruta que seguiríamos, algunos  por poco tiempo, otros toda una  vida, y que aún persisten; mi homenaje a  los que continúan aquí y aquellos  que ya partieron dejándonos  su obra inmortal: Guzman, Braun, Sanchez, Piqueras. Arequipa y el Perú,  la nostalgia perpetua por mis maestros y su arte milenario y todos los hombres que construyeron nuestra cultura y luego  nuestros procesos  de asimilación a esta modernidad.

Ya desde Europa y en este país Francia se sabía que desde sus inicios el arte  moderno suscitó  trágicos finales pero que una vez asimilado otra sería nuestra historia. Es inevitable no ser influenciado por este arte europeo y las objeciones y tentaciones culturales que te ofrece París, un ejercicio diario y de riesgos. Entre seguidores creo tener artistas  comprometidos con la pintura y las historias de América Latina, conservando solo sus recuerdos y transmutados en emociones a ellos podrían comprender una odisea.

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Cultura

Se inició la undécima edición de la Feria del Libro de Huancayo (FELIZH) y tuvo como invitado estelar a Mario Vargas Llosa

Evento se realizará por primera vez de manera virtual.

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La literatura no puede parar. El reconocido escritor peruano fue el encargado de inaugurar la feria a través de una videoconferencia que fue transmitida en las redes sociales.

Desde Madrid, su lugar habitual de residencia, Vargas Llosa destacó la participación en el certamen de su amiga, la escritora nicaragüense Gioconda Belli.

Esta no fue la única aparición del Nobel en la feria, pues también recibió un homenaje de parte de los organizadores y mantuvo una charla magistral titulada “Literatura en los Andes” junto al escritor y periodista peruano Raúl Tola, también residente en la capital española.

En la inauguración de la FELIZH también intervino el ministro de Cultura, Alejandro Neyra, quien destacó el esfuerzo de los organizadores por hacer la feria por primera vez de manera virtual, un paso que el año pasado ya dio la Feria Internacional del Libro (FIL) de Lima, entre otros espacios culturales.

Por su parte, el presidente de la FELIZH, Willy Mateo, invitó a toda la población del Perú, que nuevamente está confinada desde inicios de mes, y del extranjero a seguir las 90 actividades culturales que se desarrollarán hasta el 28 de febrero.

Junto a Vargas Llosa y Belli, en la feria participarán otros 30 autores extranjeros como el español Hernán Migoya, el colombiano Santiago Gamboa, la ecuatoriana Margarita Laso, la mexicana Leticia Luna o la venezolana Belkys Arredondo. Entre las actividades programadas también se le realizará un merecido homenaje al importante historiador y sociólogo de origen huancaíno, Nelson Manrique Gálvez, por su aporte a la comprensión del proceso histórico de nuestro país.

Todas las actividades las podrá seguir desde el Facebook Live del evento.

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Cultura

Para los amores intensos de verano: “Verano Infierno”, primer LP de Fernanda Perochena

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La talentosa cantautora peruana Fernanda Perochena inicia el 2021 con mucha buena actitud y con disco nuevo bajo el brazo. Luego de soltar algunos sencillo a lo largo del 2019 y 2020 anticipando lo que vendría, finalmente nos presenta Verano Invierno, su álbum debut que nos acerca a sus anhelos, inquietudes y temores de verano.

Tras su debut en solitario a inicios de 2019, la cantautora Fernanda Perochena nos ha regalado un puñado de canciones cuya carga emocional introspectiva nos permitió adentrarnos en su mundo y entender mejor sus inquietudes creativas. En 2020 conocimos sus sencillos “Otro café”, “Detrás de ti”, “Fragmentos” y “Despertarse al mediodía” que anticiparon Verano invierno, su primer álbum de larga duración que acaba de estrenar.

Verano invierno es un disco de larga duración compuesto por 10 tracks en los que la cantautora repasa una a una sus influencias musicales que van desde el R&B, pasando por el pop experimental, hasta la música electrónica. El resultado es un disco bastante versátil que acompañará al escucha por diversos paisajes y momentos significativos en los que Fernanda deposita sentimientos, conflictos, pasiones y emociones evocadas por el verano limeño.

“El nombre viene principalmente de lo que me hace sentir el disco, un sentimiento nostálgico pero a la vez emocionante de verano, mezclado con un poco de oscuridad. Pero a la vez tiene varios elementos que en mi cabeza suenan a infierno, como los efectos y sonidos que pintan una paleta más oscura en algunas canciones y resuenan con algunas letras más depresivas del disco”, comenta Fernanda sobre su álbum

Verano Infierno ya está disponible en Spotify, Deezer, YouTube y demás plataformas de streaming.

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Cultura

“Lo blanco y lo negro” el nuevo programa periodístico de la televisión cusqueña

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Luz Amanda Pumahuillca Durand y André Nin López.

En la ciudad de Cusco, el domingo 14 de febrero se emitió de 5 a 7 pm el primer programa de “Lo blanco y lo negro” por el canal 21 TV Mundo, una de las televisoras más sintonizadas de la ciudad imperial. El programa es aliado de Lima Gris y hemos comenzado a trabajar diversos temas de interés público.

La temática del programa es cultural y de investigación periodística: cuyo segmento de investigación es conducido por los jóvenes comunicadores Luz Amanda Pumahuillca Durand y André Nin López, empresario y promotor de varios semanarios impresos, publicados en la región Cusco.

Ambos comunicadores con una amplia trayectoria de investigación periodística, la cual pusieron en evidencia al presentar dos importantes destapes: el primero sobre el maltrato que dan malos efectivos policiales a los ciudadanos del Cusco imperial al momento de sentar una denuncia. En el segundo se evidenció la inconducta funcional de malos funcionarios del Ministerio de Cultura, que se prestaron al presunto tráfico de terrenos en una zona arqueológica de Cusco, perjudicando a más de 180 familias que se ven imposibilitadas de acceder a los servicios básicos como agua y energía eléctrica.

Estas familias se encuentran sumidas en el abandono pese a estar a unos cuantos minutos del aeropuerto de Cusco, que recibe a miles de visitantes nacionales y extranjeros.

Edwin Cavello Limas, director de Lima Gris, será el responsable de informar a la ciudadanía cusqueña del acontecer político y cultural de la capital nacional en un segmento de este nuevo programa dominical “Loa blanco y lo negro”, emitido en horario estelar.

El arqueólogo Jorge A. Calero Flores, reconocido investigador social, autor de varios libros y docente universitario es el encargado de los segmentos políticos y culturales, desde na mirada cuestionadora promete un enfoque diferente del hecho noticioso, siendo su menú de cada domingo en “lo blanco” un reportaje que resalte las acciones correctas en bien de la ciudadanía y en “lo negro” un destape de corrupción debidamente documentado, facilitándole al Ministerio Público su labor de perseguir el delito y defender la legalidad.

Jorge Calero.

Le deseamos los mayores éxitos a nuestro medio aliado “Lo blanco y lo negro”, en bien de los cusqueños y la población en general.

Aquí el link del primero programa (https://www.facebook.com/TvMundoCuscoPeru/videos/424324605446043)

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Cultura

Olfer y su arte para mostrar justicia por luchadores sociales

Un destacado artista peruano que pretende grabar hechos históricos de nuestro país a través de sus obras a gran escala.

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Su nombre es Olfer Leonardo Fernández. Escultor egresado de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú en 2016. Durante su trayectoria como artista descubrió su pasión por el muralismo, huecograbado, esgrafiado, entre otras artes que demuestran su pasión por exhibir la identidad peruana.

Desde muy pequeño se sumergió en el arte. Su dote artístico lo descubrió mientras dibujaba algunas de las obras de sus padres. Al igual que Olfer, ellos también se formaron como artistas en la misma escuela y en sus creaciones artísticas se asoma una mirada profunda sobre temas sociales, culturales y políticos.

Tuvo la oportunidad de viajar a otros países que le permitieron mejorar sus técnicas e implementar nuevas, como en Argentina, donde descubrió el esgrafiado; Chile, lugar donde se interesó por las técnicas de mosaico. Fue así como se abrió a un mundo más amplio del arte, tomando muchos más talleres de especialización.

Pasión por el muralismo

El apasionado artista encontró en el muralismo una fórmula perfecta para dar a conocer su expresión, al ser un espacio a gran escala, cualquiera que pase por ese lugar se percatará de su obra, creando en ellos un sentimiento reflexivo para valorar  las maravillas del país.

Olfer describe a su arte como algo realista y de mucho color, en los cuales suele enfatizar mucho en las expresiones físicas, y siempre ligado con temas históricos. Sus creaciones toman forma en las personas, ambulantes, calles, niños, etc.: para él la inspiración es un rumbo de vida.

Encuentra en el Perú una cultura milenaria para crear arte. Una referencia clara para él son los huacos y monumentos de piedra, que se encuentran en nuestras diversas culturas, la cerámica y la textilería coloridos en pueblos como Ancash, Piura, Arequipa, entre otros lugares que cuentan con una identidad cultural marcada.


Mural “Puka Picante”, obra de Olfer Leonardo y Bridguith Valverde, en coordinación con la Asociación Cultural Retama, auspiciado por la Municipalidad Provincial de San Juan Bautista- Ayacucho.

Digitalizando las obras de Olfer

Hoy el artista y muralista presenta algunas de sus obras con la técnica linóleo en la primera galería virtual de arte en el Perú, Artplace, plataforma que invita a los artistas a exhibir sus obras de manera digital.

Obra “Lautaro”, realizada por Olfer Leonardo, grabado sobre papel opalina, y tinta tipográfica con técnica linóleo.

En esta galería online, encontrarán alrededor de 10 creaciones de Olfer, donde se evidencia su gusto por las expresiones físicas de las personas y referencias culturales de nuestro país.

El artista señala que Artplace es una vitrina fundamental para que muchos artistas muestren su arte, pues consciente de la digitalización en la que nos encontramos, es justo contar este tipo de espacios virtuales que suman con la proyección de las creaciones artísticas.

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