Cultura
Andrea Cruzado, la poesía entre nómades y sedentarios
En el siglo XVII el escritor Francois de La Rochefoucauld escribió que la gente no se enamoraría si nunca hubiera oído del amor. Posiblemente haya tenido razón. El amor es una ficción, un discurso fragmentado, una exageración, un malentendido que sirve para prolongar la especie (Schopenhauer). El amor nos enferma hasta convertirnos en seres marginales. El amor eterno debe estar prohibido.
Un elemento que está unido al amor es el erotismo, sea cual sea su tipo (transgresor, sagrado, etc.), ya que ambos nos conducen a lo opuesto de un comportamiento “civilizado”. Se emprende, entonces, una búsqueda hacia lo imprevisible, anhelando alcanzar un espacio sin represiones ni censuras.
Estos tópicos han sido utilizados por distintos autores en el transcurrir milenario de la poesía. Nuestro país no ha sido la excepción, mayormente en el caso de escritoras. Algunos señalan que la vertiente erótica femenina dentro de nuestra tradición se inicia con María Emilia Cornejo en la década de los setentas. Yo, en su lugar, colocaría a César Moro con “La tortuga ecuestre” ya que el hablante lírico que se utiliza en esos poemas, lo hace desde una postura totalmente femenina, teniendo en cuenta que a quién se dirige constantemente es a un personaje masculino llamado “Antonio. Incluso ciertas autoras que han utilizado el tópico del erotismo han reforzado esta idea, considerando a Moro como el gran precursor de esta corriente.
En el año 2015, la escritora laredina Andrea Cruzado publicó un poemario titulado “Materia” con la editorial trujillana “Paloma ajena”. Tres años después, este mismo libro formaría parte (junto a “El animal es un acto”) de un proyecto mayor llamado “Museum”, publicado por el Fondo Editorial de la Municipalidad de Trujillo. Sobre Andrea se puede escribir muchas cosas, empezando por su prematura inclinación a la poesía y al desenfreno; de “Materia” también se puede hacer lo mismo, empezando porque los poemas que contienen el libro fueron escritos entre los quince y los dieciochos años. De mi amistad con Andrea también podría decir muchas cosas, desde los eventos poéticos que organizamos durante nuestra época universitaria, hasta las largas conversaciones de madrugada que teníamos con nuestros demás amigos en cualquier parque de la ciudad.
La poesía de Andrea tiene como punto de referencia a la vertiente erótica femenina que se consolidó en Lima durante las décadas de los setentas y ochentas. Tal es el caso de escritoras como, la ya mencionada, María Emilia Cornejo, Carmen Ollé, Rocío Silva Santisteban, Giovanna Pollarolo, Mariela Dreyfuss, entre otras. Obviamente cada una de estas autoras tienen distintos estilos de escritura respecto al erotismo.
La oposición entre hembra-varón ha sido poetizada desde dos formas: la primera, desde una pasividad femenina, donde solo queda la escritura y la ficción como elemento de resguardo; y la segunda, desde una postura más confrontacional y subversiva. En esta última está la poesía de Carmen Ollé, en la otra la de María Emilia Cornejo. Inclusive el registro poético es distinto, Cornejo utiliza una forma confesional y espiritual, Ollé lo hace desde la transgresión, la experimentación y el salvajismo. Se ha dicho que la vertiente del erotismo femenino tiene como trasfondo reivindicar el papel de la mujer en la sociedad, mostrándola como un ser que también está destinada al goce, pasión y plenitud erótica. Puede ser que así lo sea, pero desde mi perspectiva la poesía de Cornejo no logra un paradigma de la liberación femenina, pues en sus poemas se percibe que la voz lírica femenina está subordinada a una figura masculina. Se logra una reivindicación social, por el contexto, antes que literaria.
La poesía de Andrea Cruzada se sitúa en la vereda de María Emilia Cornejo, pues sus poemas van a reflejar un total condicionamiento de la voz femenina hacia la figura masculina, inclusive se utiliza la confesión como recurso poético.
Como ya lo he mencionado, el libro “Museum” está formado por dos poemarios: “Materia” y “El animal es un acto”. Voy a argumentar lo mencionado respecto a la subordinación de la voz femenina, teniendo en cuenta los poemas que conforman “Materia”, para luego hacer un breve comentario acerca del otro poemario.
Para poder analizar los poemas, voy a tener en consideración las ideas que plantea el semiólogo Roland Barthes en su libro “Fragmentos de un discurso amoroso”. Aquí, el francés plantea que toda situación amorosa trae consigo un “discurso” de extrema soledad que existe por arrebatos de lenguaje, utilizado como tributo por el enamorado (a) para reconciliarse con el mundo.
Es natural que en toda relación amorosa encontramos a alguien que da más que el otro, entregándose irremediablemente al triste destino que le depara la vida. En el discurso amoroso que plantea Barthes, encontramos a dos sujetos:
- El sujeto amoroso: vive en una irrealidad por culpa de la ilusión que ha tejido entorno al objeto amado. Es el que entrega sin escrúpulos por los tormentosos caminos del amor. Vive entre el júbilo, la angustia y el desamparo. Es un prisionero de sí mismo
- El ser u objeto amado: centro de adoración y de entrega por parte del sujeto amoroso. Se le conoce también como “atopos”, porque es inclasificable e imprevisible. Es considerado como inocente de cualquier reacción o respuesta ocasionada por el otro sujeto, ya que desconoce el daño y mal que ocasiona.
Al no conseguir nombrar la singularidad de su deseo por el ser amado, el sujeto amoroso desemboca en esta palabra un poco tonta: ¡adorable!
No puedo clasificarlo puesto que es precisamente el único, la imagen singular que ha venido milagrosamente a responder a la especifidad de mi deseo.
Hay que tener en cuenta que la poesía y la literatura es un medio de salvación que utilizará el sujeto amoroso ante la violencia del amor y de la soledad. Entre el sujeto amoroso y el objeto amado, se esparcen distintos tópicos que ayudarán a complementar la idea inicial por Barthes.
Estos elementos temáticos vamos a encontrar claramente en “Materia”. Andrea Cruzado utiliza distintos recursos que van abriendo el camino para la confrontación entre el sujeto y el objeto amado. El libro contiene diecinueve poemas donde ronda la figura del eros como un fantasma que engrandece la tristeza del sujeto amoroso.
El libro se abre con el poema “Sobre la limpieza”. Texto corto, simple y confesional, donde el elemento central es el sentimiento de culpabilidad respecto a una mala acción. Se puede deducir que está representada desde un plano sexual. Nos hace recordar a la “muchacha mala de la historia” de María Emilia Cornejo. El siguiente poema “Inocencia interrumpida” prosigue con este tópico de maldad y culpabilidad:
Debe ser difícil para mi padre/ escuchar a los vecinos/ tildarme de niña malvada/ debe ser difícil, aun así, mi padre/ puede tomarme de la mano/ y llevarme a misa todos los domingos/ …
En estos poemas aún no aparece consolidada la figura del objeto amado, pero igual hacen referencia a la pasividad femenina ante la figura masculina, en este caso se trataría de la paterna.
Esta subordinación seguirá en el transcurso de todo el poemario, cambiando la figura subordinante del padre por la del objeto amado, es el caso de “Sobre el olvido”:
Podré cambiar las sábanas de mi cama/ culpándome de puta/ podré vestirme frente al espejo/ mirando lo sucio de mi carne/ podré limpiar la mugre incrustada entre /mi almohada y mi boca/ golpeándome una y otra vez el pecho/ …
Es a partir del poema “Mujer arqueóloga”, que se va a utilizar de forma prolongada el recurso del erotismo, logrando una mayor subordinación del sujeto amoroso ante el objeto amado. Es curioso que en todos los poemas que conforman el libro, se utilice una locutora femenina en primera persona que dirige su discurso poético hacia un hombre. Esto marca una semejanza con las ideas propuestas por Barthes, ya que en su libro se utiliza la voz de sujeto amoroso para reflexionar acerca del objeto amado.
Barthes plantea que un tópico recurrente en el discurso amoroso es el de la ausencia. Entre los dos sujetos siempre existe la ausencia por parte del objeto amado (sea cual sea la causa), esto ocasiona una transformación en el pensamiento y la acción del sujeto amoroso. En algunos casos ocasiona hasta la locura.
En el poemario, este tópico está bien consolidado, ya que en casi todos los poemas siempre el objeto amado está ausente. Es el caso del poema “Caminante enamorada”
Camino despacio/ por los lugares/ que hemos recorrido/, pronunciando tu nombre en mi vientre/ bautizando a cada árbol/ otorgándole un nombre nuevo/ los beso/ y deseo/ que ningún perro/ se anime a mearlos/ despacito/ contándote una historia/ aunque no la escuches/ ….
En este poema el sujeto amoroso recurre a la ficción para apaciguar el desamparo en el cual se encuentra debido al abandono del objeto amado. Es más, se recurre a un utópico embarazo que el sujeto amoroso tanto anhela.
En “He mirado” se consolida la relación entre ausencia, sujeto amoroso y objeto amado.
El exilio de hombres salvajes/ en la frontera de mi pelvis/ de mujer con complejo de antílope/ y te he hablado del amor/ en setiembre/ mitómano/ ¿Por qué huyes cuando hablamos de amor?
Este último verso resulta muy pertinente para el análisis. Se menciona tres términos claves: exilio, salvaje, huyes.
Roland Barthes plantea lo siguiente desde el discurso del sujeto amoroso:
Es el otro quien parte, soy yo quien me quedo. El otro se encuentra en estado de perpetua partida, de viaje; es , por vocación, migratorio, huidizo; soy yo, yo que amo, por vocación inversa, sedentario, inmóvil, predispuesto, en espera, encogido en mi lugar, en sufrimiento, como un bulto en un rincón perdido de una estación.
Según el francés, el sujeto amoroso se ve representado en la figura del sedentario, y el objeto amado en la del nómade, ya que siempre anda en constantes desplazamientos. Además, el discurso de la ausencia lo pronuncia siempre una figura femenina
(…) la mujer es fiel (espera), el hombre es honrador (navega).
La mujer es quien le da distintas formas a la ausencia, elaborado una ficción de su propia historia, haciendo del amor una figura hiperbólica y exagerada. En otros poemas también se evidencia lo expuesto.
La figura del nómade, representado en la figura masculina también se deja entrever en “Un poema” que tiene la siguiente dedicatoria A mi chico futurista. Al inicio se colocan adjetivos que fortalecen la semejanza entre objeto amado – masculinidad-nomadismo:
Animal ciego /rutinario, rústico/ …/ tú eres el animal ciego/ que inventé con mis besos/ animal ciego/ escribe /escribe /escribe/ escríbeme un poema/ sobre tu viaje de exploración a los espacios/ …
El eros que utiliza Andrea Cruzado en el poemario entra a la clasificación de lo sagrado, ya que el cuerpo del objeto amado, es un completo objeto de deseo que no reduce solo a saciar lo carnal, sino que busca cierta espiritualidad, eliminando la cosificación del cuerpo.
Para Barthes, el abrazo es un gesto que cumple el sujeto amoroso con el sueño de una unión total con el objeto amado.
Abrazándote con estos/ dos brazos aunque no los sientas/ y otros más/ que se agregan en el acto/ …
Siento que he desayunado 48 horas antes/ que me pesan los párpados/ tanto o más/ que estas ganas de abrazarte/ tengo adormecida la boca/ y el cuerpo fracturado/ …
Otro tópico que considera Barthes es el de la catástrofe, que consiste en una destrucción de sí misma en un acto de desesperación. Esta se puede dividir en lenta y violenta.
En el poemario se percibe que el sujeto amoroso recurre a una lenta desesperación y destrucción de sí misma, ya que encontramos cierta resignación:
Voltear a mirar el espacio roto/ ubicado a mi lado derecho/ sin extrañarte/ y llorar de angustia/ porque la soledad/ ya no me ha dado miedo/ porque la soledad se ha atrevido a acompañarme/ en esta procesión. (Del poema Sobre el olvido)
Mirar los abismos de la locura/ y fundirme en tres segundos/ de cobardía/ pintar los espejos/ …
Hay algunos fragmentos que se recurre a la descomposición de lo corporal, pero utilizando un tono sensible y muy pasivo:
Toma esta lata/ llena de carne/ fría y estropeada/ ponle una etiqueta nueva/ cámbiale la fecha de vencimiento/ no dejes que se pudra/ t/r/a/z/a/ una línea/ … (del poema “Conserva”)
A veces siento/ la exagerada necesidad/ de verter mi cuerpo/ sobre la sopa/ des/com/po/ner/me/ en ella si es posible/ …
La forma de violentarse a sí mismo está unida al tópico de la ascesis (otro tópico propuesto por Barthes). El sujeto amoroso se siente culpable con respecto al ser amado, para ello recurre a sorprenderlo representando un total infortunio y autocastigo, por medio del erotismo y del encuentro sexual:
Dejo que aprieten vibrosos en mí/ en mis diecinueve costras arrancables/ en los diecinueves comisuras/ que surcaron silvestres/ tus ramas en mi boca/ dejo que aprieten vibrosos en mí/ (…)/ a tus raíces/ crece despiadado en mí/ en mi piel cicatrizada. (del poema “Silvestre”)
Como ya lo he mencionado anteriormente, aquí también se puede visualizar una total subordinación de la figura femenina (sujeto amoroso) ante la figura masculina (objeto amado).
Aprovecha mis sectores/ analfabetos, faltos de razón/ siémbrate en mí/ juro nadie vendrá a cosechar/ en este terreno. (Del poema “Mujer fértil”)
En todo el poemario se utilizan otros tópicos, como es el caso de la masturbación, el conflicto familiar, los vicios, la reinvención del amor, etc. Andrea Cruzado ha elaborado su propio discurso amoroso lleno de conflictos, culpas, tristezas, aventuras, pero sobre todo, de amor.
Los dos últimos poemas establecen un puente con el otro poemario “El animal es un acto”, donde se va a explorar la figura de la maternidad, y que servirá como análisis para otro texto. El poemario consta de dieciocho poemas donde se va a poetizar desde el alumbramiento hasta el crecimiento del hijo. Todo en una atmósfera de alegres y dolorosos descubrimientos, de soledad y compañía, de muerte y de renacimiento.
Con “Materia”, Andrea Cruzado prosigue una tradición ya establecida por escritoras de generaciones anteriores. Esto tiene sus ventajas y desventajas. Esperemos que el poemario represente una etapa cerrada de su inclinación hacia la vertiente de lo érotico, lo cual le permita explorar otros espacios que demuestren el gran talento que tiene, y así pueda alcanzar una madurez poética que le haría muy bien a la literatura trujillana y también a la nacional (¿por qué no?). Aún tiene mucho por vivir, corregir y escribir. Esperemos que no sea una más de esas voces que se diluyen en el tormentoso camino de la poesía. Estoy seguro de que no, valentía le sobra, eso lo sabemos todos, en especial sus amigos.
Ojalá este pequeño, pero significativo análisis de su poemario “Materia” sirva en algo para que pueda tener mayor difusión de la que ya tiene.
Cultura
Más de 40 bandas se presentan en la Fiesta de la Música 2023
Del 16 al 22 de junio más de 20 conciertos gratuitos distintos en 9 distritos limeños. Desde Francia llega Karimouche y compartirá escenario con Hit La Rosa y Carlos Cruzalegui
La Fiesta de la Música o Fête de la Musique es una de las fiestas en honor a la música más grandes alrededor del mundo celebrada por más de 120 países y 250 ciudades. En el Perú se celebra en las sedes de la red Nacional Alianza Francesa: Arequipa, Chiclayo, Cusco, Piura y Trujillo. La Alianza Francesa de Lima, con el apoyo de la Embajada de Francia, ha preparado una programación especial del 16 al 22 de junio, que incluye alrededor de 40 bandas en más de 20 escenarios distribuidos en 9 distritos limeños. Para conocer más de la programación, visitar la página web www.aflima.org.pe y las redes sociales de la institución (Facebook, Instagram y Tik Tok).
El concierto central, que se realizará en el Parque Kennedy de Miraflores el sábado 17 de junio a partir de las 3: 00pm., acogerá a la artista francesa Karimouche, cantante que reivindica sus orígenes Bereberes de África del Norte en un álbum resueltamente feminista “Folies Berbères ” (sello AT(H)home). Karimouche es una artista que habla de la importancia de conocer sus raíces y de decir “lo que uno piensa”. La artista también hará una gira nacional: el 13 de junio se presenta en Trujillo y el 15 de junio, en Piura.
Karimouche compartirá escenario con Hit La Rosa, una banda peruana de psicodelia tropical que se inspira en el sonido primigenio de la cumbia peruana y explora el folklore de diferentes culturas del mundo. Para el New York Times, “superó el ritmo clip-clop de la cumbia con letras surrealistas, solos de guitarra reverberados por el surf y ecos y arrebatos psicodélicos”. En el mismo escenario también se contará con el cantante y compositor Carlos Cruzalegui, que fusiona el festejo con el rock, el jazz y otros géneros son parte fundamental de su repertorio. “Carlos Cruzalegui tiene una voz hermosa. Tan distinta de otras. No hay que ser melómano o crítico para afirmarlo” (Gabriela Machuca Castillo, El Comercio). Además, se presentarán también las bandas y artistas Nero Lvigi, Skillbea y Camenio en el mismo escenario.
El Rímac se suma a esta edición con un concierto que se realizará en el Paseo de Aguas. Se contará con los artistas emergentes locales como Travesía, Crik Faluzi, Alejaru, Janice Carpenter, Denso y Flora Masato, cuyos géneros van desde la cumbia amazónica, el reggae, el pop urbano, el soul, el indie rock, la fusión hasta el ska reggae punk.
Además del escenario del Paseo de Aguas en el Rímac y en el Parque Kennedy de Miraflores, el público podrá disfrutar conciertos gratuitos y de diversos géneros en el Goethe Institut, en el Centro Cultural Inca Garcilaso de la Vega (Cancillería), en ICPNA del Centro de Lima, en el Cultural Station del Centro Cultural Británico, en el Gran Teatro Nacional, en la Casa de la Literatura Peruana, en el Museo Central-MUCEN (en alianza con UPC Cultural), en el Centro Cultural PUCP, en el Auditorio de la Derrama Magisterial (en alianza con la Asociación Peruana Japonesa), en el Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia del Perú (en alianza con la Universidad Nacional de Música), en el Parque Municipal de Barranco, en la Plaza de los Bancos – Jesús María, en la Sala Alzedo – Teatro Segura, Casa Bulbo Centro Centro Cultural, en el LOC Studio – Centro de Lima, en la Casa de la Cultura de Lince, en el Parque de la Felicidad – San Borja y en nuestras sedes de Miraflores (en alianza con la Universidad Nacional de Música), Jesús María y Las Molina.
En esta edición participan más de 250 artistas agrupados en más de 40 bandas y proyectos musicales como el Coro Infantil Sinfonía por el Perú, Cadenzza Strings, Jose Sanro, Fone, Braulio, Retumbaya, Peña de CIAM, Ximena Ingü, Pilar de la Hoz, Perú Saltado, Tessy Trujillo, Luz María Carriquiry, Búho Clan, Camerata Vocal de Lima, Andrés Vargas Pinedo y los Fabulosos del Sonido Selvático, el Cuarteto ICPNA, el Elenco de Música de la UPC, Cuerdas Nikkei, la Camerata Vocal de Lima, entre otros.
Por último, para los músicos, egresados, docentes y estudiantes de música interesados en la formación en música en Francia, contaremos con la charla virtual “Estudiar Música en Francia”, a cargo de Campus France Perú, el martes 20 de junio a las 8: 00pm., en la cual se expondrán las oportunidades de estudios en los más de 450 conservatorios en todo el país y los requisitos necesarios para iniciar tus estudios y ser parte de los más de 2000 estudiantes de grandes conservatorios en Francia.
PROGRAMA
Viernes 16 de junio
Sonidos Culturales: Entre Francia y Perú.
Organiza: Centro Cultural Inca Garcilaso – Cancillería
Músicos:
Cuarteto de saxofones Miski: Juan Clímaco Huayre Cochachin, Camila Beatriz Huarcaya Salazar, Miguel Angel Pavia Melgar y Jhonatan Vásquez Pino.
Lugar: Centro Cultural Inca Garcilaso (Jr. Ucayali 391, Centro de Lima)
Hora: 7:00 p.m.
Cuerdas Nikkei
Organiza: Asociación Peruano Japonesa y la Derrama Magisterial
Músicos:
Cuerdas Nikkei
Lugar: Auditorio principal de la Derrama Magisterial (Av. Gregorio Escobedo 598, Jesús María)
Hora: 7:30 p.m.
Danzas y Retreta Musical de Fiesta
Organiza: Municipalidad de Jesús María
Músicos:
Los Primos & Compañía Artística “Visiones”
Lugar: Plaza San José – Jesús María
Hora: 5: 00 p.m.
Sábado 17 de junio
Concierto Central de la Fiesta de la Música
Organizan: Alianza Francesa de Lima, Embajada de Francia y Municipalidad de Miraflores
Músicos:
Karimouche
Hit La Rosa
Carlos Cruzalegui
Nero Lvigi
Skillbea
Camenio
Lugar: Av. Diagonal, frente al Parque Kennedy – Miraflores
Hora: 3:00 p.m.
Fiesta de la Música – Rímac
Organizan: Alianza Francesa de Lima y Municipalidad de Rímac
Músicos:
Travesía
Crik Faluzi
Alejaru
Janice Carpenter
Denso
Flora Masato
Lugar: Paseo de Aguas – Rímac
Hora: 3:00 p.m.
Fiesta de la Música – Parque Municipal de Barranco
Organiza: Municipalidad de Barranco
Músicos:
Cadenzza Strings
Jose Sanro
Fone
Braulio
Retumbaya
Kevin Salcedo
Peña de CIAM
Lugar: Parque Municipal de Barranco
Hora: 3:00 p.m.
Hay una Fiesta en el Lago: Ximena Ingü en Concierto
Organiza: Goethe-Institut
Músicos:
Ximena Ingü
Lugar: Goethe-Institut (Jr. Nazca 722, Jesús María)
Hora: 5:00 p.m.
Jazz con Sabor Peruano
Organiza: Británico Cultural
Músicos:
Pilar de la Hoz
Lugar: Cultural Station (Calle Bellavista 546, Miraflores)
Hora: 5: 00 p.m.
Sala Alzedo – Teatro Segura
Organiza: Municipalidad de Lima – Gerencia de Cultura
Músicos:
Perú Saltado
Programa Música para Crecer
Luz María Carriquiry
Lugar: Sala Alzedo – Teatro Segura (Jr. Huancavelica 251, Centro de Lima)
Hora: 6: 00 p.m.
Loc Sessions
Organiza: Municipalidad de Lima – Gerencia de Cultura
Músicos:
Búho Clan
Lugar: LOC Studio (Jirón Hernán Velarde 239 – 240)
Hora: 6:00 p.m.
Concierto Coral
Organiza: Municipalidad de San Borja
Músicos:
Camerata Vocal de Lima
Lugar: Parque de la Felicidad – San Borja
Hora: 7:00 p.m.
Cuarteto ICPNA en Concierto
Organiza: Instituto Cultural Peruano Norteamericano – ICPNA
Músicos:
Cuarteto ICPNA: Franklin Gargate (violín y director), María Foust (violín), Iván Pierantozzi (violonchelo) y un invitado en la viola.
Lugar: Auditorio ICPNA Lima Centro (Jirón Cuzco 446, Cercado de Lima)
Hora: 7:00 p.m.
Nuestras voces
Organiza: Casa de la Literatura Peruana
Músicos:
Coro Infantil Núcleo San Juan de Lurigancho
Coro Juvenil Núcleo Rímac
Coro Infantil Sinfonía por el Perú
Lugar: Casa de la Literatura Peruana (Jirón Áncash 207, Centro de Lima)
Hora: 7:00 p.m.
Klúa – Fiesta de la Música
Organiza: Especialidad de Música FARES-PUCP / CCPUCP
Músicos:
Klúa
Lugar: Martina – Comida y Café del Centro Cultural PUCP (Av. Camino Real 1075, San Isidro)
Hora: 9:30 p.m.
Elenco de Música Peruana UPC
Organiza: Museo Central-MUCEN y UPC Cultural
Músicos:
Elenco de Música Peruana UPC
Lugar: Museo Central, Banco Central de Reserva del Perú (Jirón Lampa 474, Lima)
Hora: 5:00 p.m.
Électronique Française
Organiza: Casa Bulbo
Músicos:Israel Vich
Ludovic
Diego Hidalgo
Lugar: Av. Bolognesi 660, Barranco
Hora: 7:00 p.m.
Fiesta de la Música en la Alianza Francesa de Lima
Sedes: Miraflores, Jesús María y La Molina
Hora: 11: 30am.
Lunes 19 de Junio
Concierto Caleidoscopio Musical
Organiza: Municipalidad de Lince
Músicos:
Instituto de Arte de la Universidad San Martín de Porres.
Lugar: Auditorio de la Casa de la Cultura de Lince (Av. Militar 1966, Lince)
Hora: 7:00 p.m.
Todas las Músicas en homenaje a la Fiesta de la Música
Organiza: Universidad Nacional de Música
Músicos:
Lima Brass Quintet
¿Quién hace tanta bulla?
Tierra
Lugar: Teatro de la Alianza Francesa de Lima (Av. Arequipa 4595, Miraflores)
Hora: 7:00 p.m.
Martes 20 de Junio
Gala de Música Académica
en el Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia del Perú
Organiza: Universidad Nacional de Música y Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia del Perú
Músicos:
Quinteto Granda
Cuarteto de Saxofones “Saxture”
Composiciones Electrónicas de la UNM
Lugar: Plaza Bolívar, Pueblo Libre
Hora: 7:00 p.m.
Charla: Los estudios de Música en FranciaOrganiza: Campus France Perú
Modalidad: Virtual
Hora: 8:00 p.m
Ingreso Libre vía Facebook: Alianza Francesa Cultura / Lima
Miércoles 21 de junio
Alegría de la Selva
Organiza: Gran Teatro Nacional
Músicos: Andrés Vargas Pinedo y los Fabulosos del Sonido Selvático
Lugar: Foyer del Gran Teatro Nacional (Av. Javier Prado Este 2225, San Borja).
Hora: 7:00 p.m.
Jueves 22 de junio
Recital Acústico de Piano
Organiza: Municipalidad de San Isidro
Músicos: Tomas Wong
Lugar: Auditorio Centro Cultural El Olivar
Hora: 7:00 p.m.
Cultura
Una forma de enfrentar la piratería musical de la mano de la tecnología
Latín Music Record empresa dedicada a la distribución digital un nuevo concepto para la difusión en todas las tiendas como Spotify y YouTube Music.
Cultura
Carlos Chávez: “Ángel Chávez visualizó el mundo que hago ahora”
Carlos Chávez López, artista peruano radicado en Nueva York conversó con Lima Gris sobre su reciente premio en Estados Unidos, su pasión por la pintura y el recuerdo de sus tíos Ángel y Gerardo Chávez.
Cultura
Ítalo Morales: “La escritura está hecha de cicatrices”
El escritor chimbotano Ítalo Morales en esta entrevista nos habla sobre su nuevo libro de cuentos “Cicatriz de perro”
Por Viscely Zarzosa
Ítalo Morales (Áncash, 1974) vuelve al ruedo literario con la publicación de una nueva obra narrativa: “Cicatriz de perro” (Índice Editores, 2023). Una vez más, el escritor chimbotano hace gala de su prosa bien elaborada y que reta a los lectores a enfrentarse a este cúmulo de historias intensas y vibrantes.
El crítico literario Gonzalo Pantigoso ha dicho que tu libro de cuentos “Cicatriz de perro” ofrece una lectura laberíntica. ¿Qué tipo de lectores busca el escritor Italo Morales?
El libro es un abanico de historias con un hilo que las va comunicando de alguna forma. He buscado crear atmósferas sombrías donde los personajes parezcan cruzarse en tiempos y espacios similares. Por eso, los relatos inician con los personajes en escena y desde ahí van desencadenando la historia hacia atrás o hacia adelante. El tipo de lector que buscaría sería quizás aquel que guste de armar piezas o datos dispersos.
Personalmente he encontrado un lenguaje muy fluido y estético, el cual se ve notoriamente en las descripciones. ¿Cuánto tiempo te toma el proceso de creación? ¿Finalmente tomas el control del cuento o es el cuento el que te controla?
Siempre la creación narrativa es acto de incesante tortura con el lenguaje. Personalmente demoro mucho porque me gusta oír el fluir de la prosa, que contenga ese ritmo necesario a la historia. Siempre he cuidado ese mecanismo donde palabra y emoción se equilibren, no se desgasten. Al principio hay un cierto control en la historia, pero como todo animal salvaje -como lo es un cuento- termina a veces por domarnos a su modo y vivencia.
En estos nuevos cuentos, por ejemplo en “Los hijos del viento”, encontramos personajes condenados por el sinsentido y la desgracia, y ya lo hemos visto en tus anteriores libros. ¿Se debe a la influencia de tus lecturas, hechos reales o solo son un producto de la imaginación?
Hay una cierta fatalidad en mis historias que quizás venga del plano del inconsciente. En mi narrativa, afín a mis lecturas, he buscado también los modos en que los personajes reescriban su pacto tácito con la vida. Creo que todo libro en el fondo tiene algo biográfico, cuyas formas o seres reales se van moldeando con la ficción.
¿Cuáles son esas cicatrices que incitan a uno a escribir?
Todos tenemos cicatrices. Hay heridas que han sido restañadas o mal curadas por el tiempo. En eso consiste la esperanza, saber convivir con las huellas en la piel, aun cuando tengas la fatalidad en la frente. La escritura también está hecha de cicatrices, de suturas, porque en el fondo la palabra es la piel de los que escriben.
Has dicho que tu libro “Cicatriz de perro” es un homenaje a tu padre…
Sí, mi padre falleció hace dos años y hay un cuento que lo edifica de alguna forma. Es el último relato, que recrea la experiencia de un migrante en Chimbote. Surgió como un sueño donde vi a mi padre como un escritor enigmático, cuyo libro escrito en su juventud resultaba evasivo. A partir de ahí reconstruyo su memoria y ficción, donde se asienta en un puerto convulso, cuyas fauces de la modernidad lo marcarán para siempre.
¿Qué escritores han marcado tu carrera de escritor?
Los escritores que marcan mi manera de concebir la escritura son diversos. Desde mi admiración por narradores como Franz Kafka, Jorge Luis Borges, Italo Calvino, Raymond Clevie Carver hasta por novelistas como Fiódor Mijáilovich Dostoievski, Albert Camus, Marcel Proust, etc, así como la presencia de poetas geniales como Charles Baudelaire, Emily Dickinson, T. S. Eliot. La deuda siempre será inmensa.
Tu obra literaria está conformada por cuentos y microrrelatos. ¿En algún momento incursionaste en otro género?
Básicamente soy un escritor de narrativa corta y de ensayos. En mis inicios escribí poesía cuyo destino quedó en el olvido. Es posible que este año se publique un libro de microensayos. Me gusta reflexionar sobre los aconteceres de la cultura, la filosofía y el lenguaje. Además, tengo un proyecto ya iniciado sobre la construcción de una novela.
Libros publicados
Es autor de los libros de cuentos Días de suerte, Camino a los extramuros, Destierro de Abel y otros cuentos y El lado materno de la muerte. También ha publicado los libros de microrrelatos El aullar de las hormigas y El cielo desleído.
(Entrevista publicado en la página Artes&Letras)
Cultura
Arqueólogo Jorge Calero: “En el disco Echenique se ha podido registrar la representación de plantas sagradas”
Arqueólogo revela su investigación de plantas sagradas en la iconografía de la pluma Echenique, el disco Echenique y el disco Oberti. Aquí la entrevista.
Desde la ciudad imperial, conversamos con el arqueólogo Jorge Calero, quien acaba de publicar su libro “El código secreto de los andes”, una investigación de 25 años que profundiza la presencia de las plantas sagradas encontradas en la iconografía de las piezas como la pluma Echenique, el disco Echenique y el disco Oberti.
Calero nos comentó todos los detalles de su investigación y de la conferencia de prensa que se realizó el 02 de junio en la Casa Garcilaso de la ciudad del Cusco. El importante trabajo será distribuido a nivel nacional y tendrá un costo de 50 soles. Además, anunció que pronto hará una presentación y conferencia en Lima.
Jorge Calero también se refirió a la crisis política de los últimos meses y de cómo viven esta crisis los hermanos cusqueños, ya que el sector turismo ha sido golpeado.
Aquí la entrevista completa. (Lima Gris conducido por Edwin Cavello se transmite todos los viernes de 5 a 6 pm por radio Planicie 91.5 FM)
Cultura
Muñequita Linda: teatro, danza y música con la participación de Cecilia Borasino, Janet Gutarra y Pamela Gutiérrez
La obra se presenta desde el 17 de junio en la Casona Roja que dirige Jaime Lema.
Tres mujeres creadoras e intérpretes, Cecilia Borasino, bailarina; Janet Gutarra, actriz y Pamela Gutierrez, cantante, fueron convocadas por Jaime Lema director, actor, bailarín para crear MUÑEQUITA LINDA, una propuesta que invita al encuentro de tres lenguajes escénicos: el teatro, la danza y la música. La obra que lleva el mismo nombre del popular bolero de antaño, abre un espacio para la reflexión acerca de la imagen distorsionada que aún persiste de la mujer en nuestra sociedad y se estrenará el sábado 17 de junio en La Casona Roja de Chorrillos.
Para la realización de este espectáculo multidisciplinario, cada una de las artistas invitadas, trabajó sus propuestas desde sus propios proyectos: Cecilia Borasino, Directora del Proyecto Atmósfera presenta Pandemonia; Janet Gutarra, integrante del elenco El Actor Bailarín presenta La Mujer Habitada con la dirección de Jaime Lema y Pamela Gutiérrez del proyecto YO Grito, presenta Te quiero, dijiste, también con la dirección de Jaime Lema.
En Pandemonia Cecilia Borasino, directora e intérprete, propone una reflexión a partir del título de la obra: “¿A cuántas de nosotras nos cantaron Muñequita Linda, la canción? Y surgían las preguntas en nuestras mentes de niñas: pero si no soy rubia, mis cabellos no son de oro, mis labios no son de rubí y mis dientes no son perlas, entonces, qué soy? No soy una muñeca con la que puedes jugar, soy una mujer que siente, que ama y se enfurece. Una mujer creadora que engendra sueños y despierta conspiraciones, porque desde hace mucho tiempo ya no somos las muñequitas que se utilizaban y manipulaban al antojo de los machos alfa que tomaban tanto las decisiones como los cuerpos de las mujeres silenciando sus voces”, manifiesta Cecilia.
Por su parte Janet Gutarra en La Mujer Habitada, toma como fuente de inspiración la novela homónima de la nicaragüense Gioconda Belli. En su propuesta escénica una mujer regresa al lugar que la remonta a su infancia y más allá; ha recibido una casa de un familiar como herencia. Es el inicio de un viaje interior, de su encuentro mágico con sus antepasados, de la lucha de su pueblo, de su gente, la despedida del amor. Su gran viaje la lleva a recorrer como un sueño o una pesadilla, los últimos momentos de su vida pasada, al encuentro con los seres de pelos en la cara y bastones de fuego. Su muerte y la espera por 500 años.
Muñequita Linda culmina con Te quiero, dijiste en el que Pamela Gutierrez canta acerca de los amores que desgarran, como en el duelo; que llegan y se van sin avisar. Entonces en nosotros cobra vida el grito como impulso vital del amor que no nos abandona – incluso- a pesar nuestro. A través de cuatro piezas musicales, Pamela comparte la travesía de una mujer que persigue la memoria de su amado, desde la pérdida hasta la continuación sin despedida.
La obra Muñequita Linda marca el inicio del I Encuentro de Espacios Alternativos 2023 creado por Jaime Lema, cuyo principal interés es el intercambio entre diferentes disciplinas artísticas y experiencias creativas, que se desarrollará en la Casona Roja a lo largo del presente año. La obra va desde el 17 de junio solo los sábados a las 8 pm. Las siguientes funciones son: 24 de junio y 1 y 8 de Julio. Información y reservas en el whatsapp: +51 944668137
Cultura
Trisulco: la nueva poesía escrita desde San Marcos
Antonio Salerno incursiona en la poética con su libro titulado “Trisulco”.
Cultura
Exposición “Grados conjuntos” en el Museo de Minerales Andrés del Castillo
Las artistas Melissa Dupont, Gianna Pollarolo y Michele Prazak presentan “Grados conjuntos” en el Museo de Minerales Andrés del Castillo. Ingreso Libre.
El Museo de Minerales Andrés Del Castillo presenta Grados Conjuntos, exposición colectiva organizada por el MADGalería de las artistas Melissa Dupont, Gianna Pollarolo y Michele Prazak bajo la curaduría de GBG ARTS. La muestra podrá visitarse hasta el 20 de junio en Jirón de la Unión – 1030. El horario es de lunes a domingo de 10 a.m. a 5 p.m. El ingreso es libre.
“Grados Conjuntos” explora las relaciones materiales e inmateriales en torno a la forma y el movimiento que surgen entre las artistas Melissa Dupont, Gianna Pollarolo y Michelle Prazak, generando un espacio de diálogo e investigación sobre los procesos de percepción.
La muestra dirige las miradas entre juegos geométricos cuyo fluir, es cuestionar la percepción misma, deambulando entre cambios de estado y de estructura: una mímesis de la metamorfosis en cada obra.
Dupont, Pollarolo y Prazak toman y se apropian de la pintura en blanco que representa la sala como plano y componen con cada obra una pieza única en grados conjuntos, sensibilizando al espectador y sumergiéndolo en un mundo visual.
Gianna Pollarolo (Lima, 1972) es graduada en Pintura de la PUCP, ha sido finalista del X Concurso Nacional de Artistas Jóvenes y ha participado en la VIII Bienal Internacional Print & Drawing, Taipei Fine Arts Museums en Taiwán. De 1993 a 1995 fue directora de la Galería Signos en Lima. Ha participado en ferias internacionales entre las que destaca: Art Miami; ARCO en Madrid, PARC y Art-Lima. Forma parte de la Plataforma O’Artproject, proyecto de arte sin fines de lucro. Su obra forma parte de colecciones privadas como la de Manuel Santa Cruz y la Colección Hochschild en Lima, entre otras.
Michelle Prazak (Lima, 1977) es Licenciada en la Escuela de Bellas Artes “Corriente Alterna” y el Diplomado en Artes Plásticas en el Instituto Lorenzo di Medici en Florencia, Italia. Posteriormente culminó una Maestría en Artes Plásticas en Byan Shaw School of Art, Londres, Inglaterra. Ha sido profesora de pintura y dibujo en varias instituciones europeas, como la Universidad de las Artes de Florencia y el Centro Shadwell de Londres. Ha inaugurado cinco exhibiciones individuales hasta la actualidad en galerías del Perú y los Estados Unidos.
Melissa Dupont (Lima, 1983) es artista visual con formación en arquitectura y diseño. Magíster por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM), con una especialización en fotografía de la Escuela de Fotografía y Centro de la Imagen (EFTI), España. Melissa inició su carrera durante sus años en España, donde se dedicó a desarrollar proyectos en artes visuales e intervenciones urbanas. Ha participado en distintas exhibiciones en Perú, Venezuela y Uruguay entre las que destacan “Supra”, Centro Cultural España en Lima (2019) e “Interludio”, Gbg Arts, Caracas, Venezuela (2021).
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