Cultura
Una mirada al poemario «Mosaico» de Julio Barco
Por Ana Abregú
El poeta Julio Barco, en Mosaico, como sus otras obras, monta un trazo derridiano sobre las huellas de otros poetas; plantea un saber abarcativo, no hay borradura del logos, sino traza en la andadura cotidiana del poeta, reapropiación de la voz poética en la realización de un sentido personal, lo que se denomina metafísica de lo propio.
Hay un componente fonético que avanza con el respiro bajo la deriva por la ciudad, nombre que configura un punto de vista entre denominación y reverberación como objetos que dan cuenta del vivir:
Para siempre será
mi amor,
y los cigarros de mora y ese diálogo
chupando chicha de jora
en Plaza 2 de Mayo.
No somos griegos ni alemanes solo dos
exquisitos pájaros sudamericanos dibujando el día.
Y canta el panadero, las aves y los teléfonos celulares,
canta la luz de Omar Kayan y el rock de
Coldplay/
Y no me canso de oír la música del mundo.
Seguimos documentando la lluvia,
las señoras que venden salchipapa
carecen del conocimiento del afecto de Spinoza.
Spinoza acaba de proclamar no tener Dios.
Este incesante balbuceo del yo,
en un rabioso cielo rojizo
El cotidiano del cuerpo, la deriva urbana, los nombres y la tecnología da a leer las pistas de un texto que se exhibe como en curso, como un productor de signos. El poeta crea, a la manera de Deleuze, “un devenir siempre inacabado”, la materia de incursión es sinuosa y manifiesta la marca de otras voces sobre su escritura, orificios en el presente inacabable del poeta.
No hay espacio al que se llega, sino un estar en vías del transcurso y otros textos que se involucran en la sintaxis a un ritmo indeterminado, su música personal; como si los nombres y cosas tuvieran el mismo nivel de resonancia.
Las propuestas de Julio Barco no pretenden alcanzar un modelo de identificación, como formas de apropiación de palabras, o mímesis o imitación, sino que transita en los bordes, incorporando objetos urbanos y acciones que remiten a la configuración de una ciudad en la que circula su imaginación, mientras acontece el cuerpo, el exterior, las actividades cotidianas, alimentarse, moverse, reflexionar sobre su país, y su estar en el mundo.
La fragmentación y penetración del entorno, entramados con sus pensamientos configuran instancias de sentido apegadas a una mundaneidad que la palabra poética evoca: la letra está en tránsito, y su voz poética que la porta y la disemnina genera ese artificio; el escenario de la escritura es el escenario de un reflexión de un momento a priori, a veces prefigurado en el verbo pretérito, aunque se inscribe como simultáneo.
Cada horizonte del poema se articula en una radiación de puntos de vista; el destaque del yo, que es siempre un presente; las palabras se producen en un círculo alrededor de un espacio, orbitado por una dinámica intertextual enriquecida por la intervención que conlleva la impronta de dispositivos tecnológicos, donde la imaginería literaria forma parte de la existencia de un “poeta en la era de la Internet”, como el mismo escritor suele denominarse con ajustada definición.
Hay un yo que no encuentra límite para definirse y elige el descarte: “No somos griegos, ni alemanes”, refiere a cosmogonías en los campos del arte, la poética en uno, la música en el otro; aunque del mismo modo y con la misma intensidad a asuntos de otras vertientes, como el arte y la guerra.
La poética de Julio Barco se despliega en consonancia con una épica del amor, palabra que funciona con múltiples reenvíos, la poesía, una mujer; el amor, es un estar poético puesta en la letra:
Yo llevo
en la yema de
los dedos tu piel recién amada.
Existía una forma, me repetiste,
la que tu verso trace
será la tuya.
La conjugación verbal, como mi inversión en la mención del poema –este fragmento es anterior al primero–, da cuenta del artificio en la presunción del presente ocurriendo; al momento de la escritura: hay un momento de escritura, y el poema es la instancia de concreción; la “recién amada”, una mujer o el poema que se está escribiendo, que en aquel momento “existía” en la forma de un verso.
La mujer, el poema, zona heterotópica, al decir de Michel Foucault, tipo de espacio con ideas, discontinuidades, una lógica propia, un texto que respira por sí mismo, una operación de escritura que se demarca de los principios que conforman los referentes poéticos que, como peldaños, manifiestan las efervescencias a que remiten su escritura.
Los poemas inquietan porque miran una realidad por momentos evidente, por momentos secreta, enmarañan modelos preexistentes de poéticas canónicas y se demarcan de la sintaxis y la estilística dominantes, se construye con un entorno cuya entidad desafía la gramática y el lirismo, con frases como: “b.4. La soledad de las salchipapas”, y la intervención de complejas redes de remisiones semióticas.
Será difícil establecer una única cuestión en relación a sus textos; la potencia de una pulsión del decir, los desvíos temáticos, la inclusión de connotaciones del registro urbano y sus personajes, la tecnología, dan cuenta de una libertad sin más sujeciones que la aplicación y el medio: computadora, Word, Internet:
Dos o cuatro calles / días
Y
Una hoja de Word repleta de versos de italianos
Y
Todos los gritos del verano hoy incendian el cuerpo
Y
Deseo olvidarme de todo lo que se destruye
La autonomía en espacios, el uso de mayúsculas, por momentos como un tajo o estacada (Y) sobre líneas de escritura, un proceso como en fuga; caracteriza un tono de desasosiego, que exhibe la travesía desde y hacia distintas referencias a la coexistencia de un sentir del mundo físico e intelectual.
Ya señalé en comentarios sobre otros textos de Julio Barco, principalmente en Arder, gramática de los dientes de león, respecto al recurso de signos no convencionales, como & (ampersand) y otros, que son en el sentido mallermiano, un sistema de convergencias y divergencias, el signo pesos como representación de lo económico, que parece ser un contrato moral que sostiene con la épica del poeta Enrique Verástegui, la lucha contra el sistema que niega el arte como modo de comprender e instaurar el mundo:
($$)
Por favor, apoye el arte
El mito es la nada que lo es todo.
Pessoa
27 años
& heme aquí huyendo
diluido usando el yo incesante que soy
clavé aquí la contraseña de la realidad
seleccionada,
y furiosamente atravesé
la simetría de algoritmos del vacío
no fui seleccionado para representar
la decadencia de un país
Hay un gesto de tomar la posta de poetas que han tenido que superar las resistencias de una cultura que deshabilita los procesos del arte sometiéndolo a modelos económicos que les son ajenos. La poesía, en especial, como una revolución, no sólo del lenguaje, sino también de la realidad que la repele.
Los poemas de Barco dan a leer un transcurso irreductible, los procesos de producción de sentido coexisten entre referentes plurales, diversas perspectivas: un lenguaje en movimiento que arma un tejido ecléctico que se relaciona con las escenas de lectura a las que celebra citándolas, privilegiando el fragmento visible, antes que legible, la materialidad del significante antes que el trasporte del significado.
La conmoción poética de Barco se pliega y despliega bajo el fragmento y la ausencia de acabamiento, a la manera de Nietzsche, pasión por el decir sin sujeciones.
Una provocación permanente con que neutraliza los intentos de asimilarlo a otros lenguajes poéticos, instaurados por procesos de decantación histórica, como lo son sus precedentes, César Vallejo, Enrique Verástegui, antecedentes obligados con que se suele pensar que es reflejo de esta obra y que el mismo autor revela en diferentes instancias de su poética; y sin embargo se mueve. Se mueve de ese cosmos y crea el propio.
También es común el juego de artificios con el glifo, las posibilidades que ofrece la aplicación donde escribe:
No andar por esta avenida silenciosa
Idéntica a una piscina. Miedo al vacío
Pero escucho:
(3:00 P.M. y la poesía es hueviar ahora sin otra poética que este desaforado sistema neuronal)
El señalamiento de horas, ofrece indicios respecto a lo que enuncia, poner en relieve el tiempo, el uso de la aplicación, la tachadura como instancia de retroceder ante la inclusión, exponiendo el gesto, el señalamiento particular de la negrita; una dimensión lúdica con significado intrínseco con la época. Gesto de individualización que compone una declaración de deslinde de la corrección como sistema de desaparición.
No es posible dar cuenta de esta escritura interminable de Julio Barco; más que sujetarse fuertemente y dejarse caer en el vértigo:
Lucidezestormento
(lucidez es tormento: una quimera de sal sobre tu sed frenética / y todo disuelto en una calle de Lima/ lo atroz de un verso explicándose a sí mismo/ la velocidad de las uñas/ húngaros y dioses/ una mancha de chibolos jugando en las cabinas de internet / sandalias explicando lo real de estos versos/ llevando figuras mitológicas con una red creada por el click/ y hablando y gimiendo/ y en las calles acaba de aparecer el gordito que vende zambitos/ los reparte en papeles/ esas feas aves que pilotean frente al colegio particular-feos: aburridos: pelados: como electrocutados: aves punks: aves rancias: aves quinquenales/ intelectuales explicando los efectos de la mente y el internet/ vuelan como este agolpado día/ como aquellos dos hombres que hacen reír a todos vestidos de mujer/ con esos globos bajo la ropa/ mientras caminas imaginando que la voz de lo Incognoscible /es también permanecer abierto al campo concéntrico de tu dimensión. Y lo real, como un epitafio refulgiendo en la lengua/:
Julio Barco ha producido una obra extensa ya, no es una estela fugaz o una improvisación de su época, su poética es sólida y lo suficientemente profusa como para sentar sus raíces en la poética peruana, en un espacio de trascendencia; lo que queda establecido por textos que se han publicado en otros países, Colombia, Argentina, España, México; al momento de este comentario, cuenta con alrededor de una docena libros publicados y varios en curso; además ha recibido premios, el más reciente Mención honrosa 2020 en el concurso El poeta Joven de Perú organizado por UDEP y la universidad de Piura.
Mosaico, inclasificable, inabarcable como el título en sus variaciones de sentido, ley mosaica o mosaico semántico que abren dos derivas de interpretaciones que se conforman como puntos de fuga múltiples.
Una obra que consume y devora al lector, introduciéndonos en una vorágine que no se deja interferir con el intento de limitarlo.
Publicado por la editorial Astronómica, Chile, en coedición con Metaliteratura, Argentina, se consigue en papel y ebook, en librerías físicas también.
Cultura
“Cenizas culturales”, exposición de Carlos Atoche
Carlos Atoche es un pintor, grabador y street artist .
Carlos Atoche (Lima, 1984) realizó sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Roma (2003-2008) y reside en Italia hace más de 20 años. El artista ofrecerá la exposición “Cenizas Culturales” en la galería Martín Yépez (Av. Nicolás de Piérola 938, Plaza San Martín, Centro de Lima) en el mes de febrero.
En esta muestra se reúne 90 obras de su producción, con una serie de pinturas en blanco y negro con figuras expresionistas que se funden con fondos abstractos. También se presentará la serie de Monocromos con composiciones surrealistas, la serie de grabados Soñadores de Noche y Retratos Renacentistas, así como una selección de ilustraciones realizadas para libros de la editorial El Gato Descalzo (Lima). Además, el artista presentará una serie reciente de esculturas realizadas en hierro y papel maché.
La sala principal de la exposición alberga Cenizas Culturales, una serie inspirada en la iconografía del antiguo Perú. Atoche, quien es conocido en Roma (ciudad donde reside desde 2003) por sus murales de acuarios y fondos marinos habitados por peces tropicales y vestigios del pasado, explica que ahora siente la necesidad de reencontrarse con sus raíces y desde 2018 ha vertido su experimentación artística en el estudio de la iconografía ancestral, reinventando y combinando imágenes de huacos, máscaras, cabezas clava, animales y guerreros con colores fluorescentes y fuertes pinceladas expresionistas, que nos muestran un lado más maduro de su producción pictórica.
“Cenizas Culturales” es el redescubrimiento de una cultura a partir de sus vestigios: una cultura tan profunda como desarticulada, que hoy resurge de sus cenizas para mostrar su grandeza: maravillas de sociedades que practicaron sapientemente la astronomía, el arte, la arquitectura y la ingeniería y de las que todavía tenemos mucho que descubrir y aprender, para convertirlas en fuente constante de inspiración para la actual y las futuras generaciones” explica el artista.
Por su parte, Juan Peralta, curador de la exposición añade: “En sus composiciones, Atoche recurre a iconografía prehispánica, especialmente norteña, como el felino, el tumi o el mono, y las inserta en lenguajes visuales europeos que oscilan entre el expresionismo, el simbolismo y la abstracción sintética. La exposición se complementa con grabados, ilustraciones y pinturas anteriores que, más allá de su base académica, revelan una maestría en el manejo de la línea, el cuerpo y, sobre todo, la expresividad de la mancha”.
La exposición se inaugurará el 1 de febrero a las 7 p.m., en la galería Martín Yépez (Plaza San Martín) y podrá ser visitada hasta el 28 de febrero, de lunes a sábado, de 10 a.m. a 6 p.m. El ingreso es libre.
Cultura
«El Silencio de la Hierba», el primer cortometraje animado que retrata la masacre de Putis
En el marco de la masacre de Uchuraccay, recordado cada 26 de enero, estudiantes de Toulouse Lautrec anuncian cortometraje que retrata la pérdida de inocencia durante la época del terrorismo.
Cultura
Miguel Ángel Velit expone «Urbano» en la galería de la librería Vallejo en San Isidro
Puedes visitar la muestra hasta el 12 de febrero. Ingreso libre.
El artista peruano Miguel Ángel Velit, egresado de la Facultad de Bellas Artes de la Plata Argentina 1990, inauguró el 10 de enero pasado la individual titulada “URBANO VELIT 2025” en la Librería Café Vallejo.
La sala de exposición se encuentra ubicada en Av. Camino Real 1119, San Isidro junto al Centro Cultural de la Católica. En esta nueva exposición Velit presenta pintura urbana y seis dibujos de pequeño formato.
Las obras del artista están inspiradas en las grandes urbes de Miraflores, Lima, San isidro, distritos en los cuales Velit ha vivido. En sus obras representa sus grandes historias urbanas y la transformación del barrio con el paso del tiempo. En su pintura y dibujos, Velit representa grandes Edificios Voladores que se construyen alrededor de la gran ciudad limeña.
En su exposición se refleja el tren, el Metropolitano, el bus repleto de pasajeros que viaja por el mundo, las Combis Asesinas, Paola en Bicicleta, los Tablistas de la Playa la Herradura, cuadro inspirado en el gran ‘chino’ Malpartida y ‘chato’ Rojas.
Entre otros espacios resalta La Huaca Pucllana, la Chica del Embassy, el orate de parque Kennedy, personaje callejero que esperaba a su novia todos los días a las 5 de la tarde en la Av. Diagonal, donde le escribía cartas de amor a su novia que había muerto. También podemos apreciar el Mototaxi, el Inka Navegante, Un Inka Viaja a la Bienal en Bicicleta, obra que ha participado en la Bienal de Costa Rica 2024.
En resumen, la exposición de Miguel Ángel Velit es una fascinante síntesis vivencial que captura la evolución de las ciudades y sus paisajes humanos a través del tiempo. Con una mirada única y profunda, Velit nos invita a recorrer Miraflores, San Isidro y Lima, desde los años 70 hasta la actualidad, reflejando no solo los cambios urbanos, sino también las anécdotas y personajes que marcaron su historia.
Sus cuadros, mapas e historias urbanas funcionan como un baúl de recuerdos, donde cada trazo, cada rincón, y cada detalle nos transporta a esos momentos vibrantes y transformadores de la ciudad. A través de su obra, Velit logra encerrar en cada imagen un pedazo de vida, un testimonio de las huellas que dejaron los que vivieron y caminaron por estos lugares.
Lo que hace particularmente interesante esta exposición es el enfoque histórico que Velit incorpora en sus obras, trayendo a la luz las huellas de las antiguas culturas Lima, Huari e Ychma, que en el pasado adoraban al mar y al planeta en el santuario de la Huaca Pucllana. A través de este contraste, el artista nos invita a reflexionar sobre cómo la ciudad moderna ha crecido sobre estos vestigios de un pasado sagrado, transformando un espacio de contemplación y reverencia en una urbe bulliciosa, rodeada de autopistas y edificios. La tensión entre lo ancestral y lo contemporáneo se convierte en un hilo conductor que no solo narra la historia de Lima, sino también la de sus habitantes, quienes, a pesar de las transformaciones, siguen anclados a sus orígenes.
URBANO es, por lo tanto, una exposición de mirada crítica y sensibilidad profunda. Velit no solo retrata la ciudad, sino que la siente, la cuestiona, y la celebra, reconociendo tanto lo perdido como lo ganado. El arte se convierte en un puente entre el pasado y el presente, un espacio donde las historias de antaño se preservan y se transforman en una nueva narrativa que, al mismo tiempo, honra las raíces de Lima y cuestiona su futuro.
El dato
Velit invita a apreciar su exposición hasta el 12 de febrero del 2025 de lunes a domingo de 8am a 10 pm Camino Real 1119 en San Isidro.
Cultura
Hamlet, el clásico de William Shakespeare en el Teatro Municipal de Lima
Protagonizado por Fernando Luque en el papel del trágico Príncipe Danés.
Cultura
“Mostros”, el nuevo libro de cuentos de José Vadillo Vila
El libro se presentará el martes 21 de enero, a las 7:00 p.m. en La Cuina de Bonilla, en Miraflores.
¿Qué es lo monstruoso? Es la pregunta que motiva Mostros (Lima, Maquinaciones Narrativa, 2024) el nuevo libro de cuentos del escritor y periodista José Vadillo Vila.
“El término ‘mostro’ es una palabra con sus propias contradicciones. Por un lado, se trata de un término desusado (lo señala el Diccionario de la lengua española). Pero como peruanismo adquiere una mayor riqueza; complejizamos sus acepciones. En el Perú, ‘mostro’ no solo señala lo espantoso. Lo usamos como adjetivo que significa ‘bueno, excelente’, e interjección de admiración o de complacencia”, explica el autor.
Espectros de caminos y hoteles; un general atormentado en el Real Felipe del Callao; detectives decrépitos en busca de una última gloria; y, colonos en una selva deshumanizada, entre otros personajes, son los “mostros” que habitan en el nuevo libro de Vadillo Vila.
Se trata de siete cuentos que el escritor limeño había publicado en distintas antologías y colecciones temáticas y que, por primera vez, edita y reúne en un único volumen.
Presentación
Mostros se presentará el martes 21, a las 7:00 p.m. en La Cuina de Bonilla (calle Manuel Bonilla n.° 124, Miraflores). Los comentarios estarán a cargo de la escritora Kristina Ramos, el investigador literario Giancarlo Stagnaro y el editor José Donayre Hoefken.
José Vadillo Vila es periodista, escritor y cantautor. Ha publicado los libros de cuentos Historias a babor (2003), Hábitos insanos (2013), El largo aliento de las historias apócrifas (2022) y Mostros (2024); y el libro de perfiles periodísticos Apus musicales. Héroes de la canción andina peruana Vol. 1 (2019).
Como cantautor, ha publicado en solitario los álbumes Elemental (2001) y Primera parada (1997-2016) (2016). Ha sido periodista cultural en el Diario Oficial El Peruano y coordinador y programador del Gran Teatro Nacional.
Cultura
Las confesiones de Nicolás Yerovi sobre los presidentes del Perú y el Ministerio de Cultura
En una entrevista, el periodista y humorista, reveló su experiencia con el Ministerio de Cultura y sus anécdotas con algunos presidentes del Perú.
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