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Arte

Un Ministerio de Cultura en piloto automático contra el arqueólogo Pieter van Dalen

Redacción Lima Gris

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Escribe: Edwin Cavello Limas

Ex vicedecano del Colegio de Arqueólogos del Perú, Pieter Van Dalen, fue detenido en el sitio arqueológico «Cementerio Macaton», ubicado en Huaral, al norte de Lima, junto a nueve personas en un operativo contra el patrimonio cultural de la nación, dirigido por el Mayor PNP Abel Cruz. La ministra de cultura, Sonia Guillén, explicó que no se trata de una afectación al patrimonio cultural, pero sí una violación a los decretos 044 y 057 de inmovilización nacional. ¿Qué pasó exactamente?

Arqueólogo Pieter Van Dalen y su equipo.

El arqueólogo Pieter Van Dalen, contaba con la resolución directorial N° 000067-2020-DGPAlMC emitida por el ministerio de cultura, que le autoriza “la ejecución del «Proyecto de investigaciones arqueológicas con escuela de campo sobre las prácticas mortuorias del Cementerio de Macatón, Huaral, Temporada 2020”. Es así que en cumplimiento de dicha resolución el arqueólogo Van Dalen inicia las excavaciones científicas en el Cementerio de Macatón en Huaral, con la participación de un equipo de 30 arqueólogos que ponen al descubierto valiosos contextos funerarios los que estaban siendo retirados minuciosamente o exhumados con la aplicación de los rigurosos métodos y técnicas de la arqueología.

En el trascurso del desarrollo de la importante investigación se dio el estado de emergencia nacional declarado por el Gobierno, el cual dispuso el aislamiento social obligatorio en todo el territorio del Perú para evitar el incremento de casos COVID-19, es así que en vista de los valiosos hallazgos de incalculable valor cultural, según la carta emitida por el arqueólogo Pieter Van Dalen a la Ministra de Cultura, en la que manifiesta que el día 16 de abril coordina con el funcionario del Ministerio de Cultura Miguel Falconi, supervisor del proyecto arqueológico en referencia:

“En horas de la mañana (aprox. 9:00 am) el supervisor me llamó telefónicamente para indicarme que en el marco de la cuarentena y el Decreto Supremo 044-2020-PCM, se suspendían las supervisiones hasta que finalice la cuarentena, que por su salud e integridad no podía venir el día 19 de marzo, dando prioridad a la misma ni bien se termine la cuarentena. En ese momento informé que muchas tumbas se encontraban abiertas y con los materiales arqueológicos expuestos, por lo que se requería retirar estos materiales para salvaguardar la integridad de los mismos, remitiendo fotografías vía WhatsApp”.

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Lima Gris tuvo acceso a una comunicación mediante WhatsApp del tres de abril del presente año, a 19 días del estado de emergencia por el COVID-19, la conversación se realizó entre el arqueólogo Pieter Van Dalen y el funcionario del Ministerio de Cultura Miguel Falconi, quien es supervisor del proyecto arqueológico en cuestión. Es así que Van Dalen le escribe comunicándole “te voy mandando fotos de las unidades que ya se acabaron de excavar”. El supervisor Miguel Falconi respondió “lo ideal sería que tomes todas las medidas necesarias para evitar afectación al sitio Pieter”.

Es claro el compromiso de estos dos profesionales en la protección del patrimonio cultural de la nación y que el ministerio de Cultura tenía conocimiento de la prosecución del proyecto dirigido por Van Dalen.

A lo antes ya señalado se suma que el Ministerio de Cultura a través de sus instancias correspondientes, no han elaborado y mucho menos ha dado a conocer una directiva que contenga protocolos o planes de contingencia para la protección del Patrimonio Cultural, mueble e inmueble expuesto en procesos de excavaciones arqueológicas, menos han emitió un documento que especifique qué hacer con el Patrimonio Cultural que se encuentra en peligro mientras dure la cuarentena.

Algunos de los restos arqueológicos encontrados.


Nos preguntamos ¿cuál es la función del Ministerio de Cultura? una de sus funciones es proteger y salvaguardar el patrimonio cultural de todos los peruanos.  El hecho concreto es que dicho organismo no viene cumpliendo con sus funciones. Esta es una muestra más que el ministerio de Cultura se encuentra en piloto automático.

En las circunstancias ya expuestas ¿qué debió hacer el arqueólogo Pieter Van Dale? Aquí las dos opciones.

1.- Dejar los valiosos hallazgos funerarios conformados por fardos, vasijas y otros objetos arqueológicos a su suerte, y que en un 99% hubieran sido robados por estar el sitio surcado por trochas usadas por mototaxis.

2.- Continuar las excavaciones arqueológicas poniendo en buen recaudo el valioso material arqueológico consistente en fardos funerarios y sus objetos asociados.

Policía interviniendo el sitio arqueológico en Huaral.

Según el reglamento de intervenciones arqueológicas, todo arqueólogo que desarrolla un proyecto aprobado por el Ministerio de Cultura firma una carta de no afectación al Patrimonio Cultural de la Nación, es así que si el arqueólogo Pieter Van Dale dejaba dicho valioso material arqueológico abandonado, dicho arqueólogo sería objeto de una denuncia penal en su contra. Por lo ocurrido y ante la ausencia de una directiva y/o protocolo de parte del ente rector del patrimonio Cultural, solo le quedó poner en salvaguarda el material cultural que había evidenciado antes del inicio del estado de emergencia nacional por el COVID-19.

Ministra de Cultura Sonia Guillén.

 ¿EL MINISTERIO DE CULTURA MIENTE?

Sin tener en consideración el estado del material cultural mueble evidenciado por arqueólogo Pieter Van Dalen  en grave peligro de perderse, el día 04-ABRIL-2020 el Ministerio de Cultura mediante comunicado de prensa en relación al operativo realizado por la Policía Fiscal PNP – DIRPOFIS el día cuatro de abril en el sitio arqueológico cementerio Macatón en Huaral, que concluyó con la retención del arqueólogo Pieter Van Dalen y un grupo de 09 personas, el Ministerio de Cultura, informó a la opinión pública lo siguiente:

• Que el Ministerio de Cultura, lamenta los hechos ocurridos y deslinda responsabilidad en el accionar de este grupo de personas quienes realizaban labores de excavación arqueológica durante el estado de emergencia nacional declarado por el Gobierno, el cual dispone el aislamiento social obligatorio en todo el territorio del Perú para evitar el incremento de casos COVID-19.

 • El citado arqueólogo (Pieter Van Dalen) cuenta con autorización para ejecutar un proyecto de investigación en este sitio arqueológico; sin embargo, esta quedó suspendida por la actual situación que atraviesa el país, habiéndosele también comunicado por vía telefónica el pasado 16 de marzo.

 • El Ministerio de Cultura rechaza el irresponsable e injustificado accionar que puso en riesgo la integridad de las personas.

En dicho comunicado parece más del Ministerio de Salud, ya que no hace referencia a la disposición de resguardo inmediato del sitio arqueológico Cementerio Macatón en Chancay   y las excavaciones y contextos funerarios evidenciados por Van Dalen. Esa información del Ministerio de Cultura constituye una evidencia más de que esa institución se encuentra en piloto automático. Lamentablemente no existe un liderazgo.

En el comunicado del Ministerio de Cultura hay un error. Hay que aclarar que el sitio arqueológico Cementerio Macatón se encuentra en Huaral, y no en Chancay como señala el comunicado del MINCUL. Además, el arqueólogo Pieter Van Dalen señala en la siguiente entrevista que el Ministerio de Cultura nunca le comunicó por ninguna vía la cancelación de la excavación.

Conversamos con el arqueólogo Pieter Van Dalen y le preguntamos sobre las diferentes declaraciones vertidas por la Ministra de Cultura, Sonia Guillén, referente a su accionar en el sitio arqueológico Cementerio Macatón en Huaral, Van Dalen respondió en exclusiva para Lima Gris.

“Son lamentables las declaraciones de la Ministra de Cultura Sonia Guillén, porque el Ministerio de Cultura tenía conocimiento de las acciones que estábamos realizando en estos días en el cementerio de Macaton, en salvaguarda y por la protección de la integridad de los materiales arqueológicos que se encontraban expuestos al momento del inicio de la cuarentena. Es paradójico, porque el Ministerio de Cultura no ha desarrollado ningún protocolo para salvaguardar estos materiales, si alguna de las personas que todos los días transitan por medio de la zona arqueológica se lleva alguno de estos materiales o los destruyen, el Ministerio de Cultura me denuncia por destrucción del patrimonio cultural, porque me han hecho firmar una carta de compromiso de responsabilidad penal ante cualquier afectación en el sitio, entre febrero y octubre de 2020; pero al tomar las acciones de defensa, dice que no tienen conocimiento y piden que me denuncien.

Estoy contra la espada y la pared. Al iniciar la cuarentena el Ministerio de Cultura no ha desarrollado ninguna acción para revocar esa responsabilidad, no han tenido ninguna comunicación formal conmigo. En ningún momento he actuado de mala fe, todas mis acciones han sido por la protección del patrimonio cultural. Así como los médicos su objetivo es salvar vidas y el abogado busca la justicia, los arqueólogos buscamos la protección del patrimonio cultural, el cual es de todos los peruanos”.

El arqueólogo Pieter Van Dalen, con un rostro que expresaba su extrañeza e impotencia ante lo difundido por diferentes medios de prensa, nos respondió la siguiente pregunta ¿Usted a qué atribuye que la ministra este tomando los hechos ocurridos en el sitio arqueológico en Huaral para brindar diversas entrevistas en su contra?

“La ministra de cultura está lavándose las manos, porque la protección del patrimonio cultural peruano es entera responsabilidad del Ministerio de Cultura; sin embargo, promueve en los medios una “cacería de brujas” contra un arqueólogo al que el mismo ministerio ha dado la responsabilidad de proteger el sitio de Macatón (sin revocar esta responsabilidad en la cuarentena), por el solo hecho de autorizarlo a realizar una investigación científica, exponiéndome luego al linchamiento mediático en redes sociales. Es lamentable que ningún medio de comunicación me haya dado la oportunidad de defenderme de estas acusaciones”.

El dos de abril dentro de las acostumbradas conferencias de prensa diarias que brinda el presidente Martín Vizcarra con motivo de la cuarentena a causa de la pandemia del COVID-19, Lima Gris, preguntó al mandatario ¿Cuáles son las medidas económicas propuestas por el Ministerio de Cultura, dentro del ámbito de su competencia? ya que Colombia, por ejemplo, viene apoyando a los artistas y gestores culturales más vulnerables. El presidente Vizcarra respondió a nuestra interrogante refiriendo que había encargado a la Ministra de Cultura para que realice una evaluación de esta parte de la población. Tenemos que resaltar que la Ministra de Cultura no estaba presente en la conferencia de prensa ese día.

Esa ausencia de alguna forma fue el reflejo de la actual gestión del Ministerio de Cultura. Una ausencia que se extiende a nivel nacional ante la falta de liderazgo y ante la inacción de un ministerio que debería trabajar realizando lo que le corresponde dentro de sus funciones como institución.

Que alguien le avise a la ministra Sonia Guillén, que esto es una cuarentena y no unas vacaciones.

ACTUALIZACIÓN

En el supuesto que una persona tramite un salvoconducto atribuyéndose una actividad que no se condice con la realidad, podría cometer el ilícito penal de falsedad genérica, ello en aplicación del Articulo 438 del Código Penal, que prescribe lo siguiente: “cuando una persona altera la verdad intencionalmente y con perjuicio a terceros, será́ reprimido con pena privativa de libertad no menor de dos ni mayor de cuatro años.”

Si una persona realiza una excavación arqueológica sin el permiso respectivo o con el permiso suspendido, podrían cometerse las siguientes infracciones:

  • De naturaleza administrativa: En aplicación del literal e) del articulo 49 de la Ley 28296- Ley General del Patrimonio Cultural de la Nación, corresponde aplicar una multa a la persona que realice excavaciones en sitios arqueológicos o cementerios, sin tener la autorización correspondiente del Ministerio de Cultura.
  • De naturaleza penal: En aplicación del Articulo 226° del Código Penal, la persona que sin autorización excava o remueve monumentos arqueológicos prehispánicos, siempre que conozca el carácter de patrimonio cultural del bien, será́ reprimido con pena privativa de libertad no menor de tres ni mayor de seis años

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Cine

Cine: Waking life, de Richard Linklater (2001)

Mario Castro Cobos

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Lo central es la aventura de tu mente. No importa tanto el escenario. Qué tan lejos puedes llegar. El arte y el sueño, en realidad, no tan diferentes entre sí, van por una ‘segunda vida’, o más aún, por el mito de la vida originaria, una dimensión alterna donde todo sea más puro, sensible y verdadero. Entretanto la vida es sueño, y los sueños, ¿qué serán? Si hay algo claro es que solo podrás despertar dentro del sueño y no fuera de él.

La ingravidez y relajación que esta obra produce contrasta con la angustia que crece dentro del protagonista, que no puede cesar de soñar y de experimentar con inquietud su nueva consistencia fantasmal. Despertares sucesivos encadenados a sueños nuevos que son interacciones u observaciones de conversaciones filosóficas que te despiertan a fuerza de originalidad, energía y lucidez… así sean soñadas.

Expulsada o rota la fuerza de gravedad del realismo, las palabras tienen ahora más peso que nada. La técnica de animación empleada permite aligerar notoriamente la apariencia humana estilizándola, esquematizándola, minimizándola e irrealizándola. Hay una palpitación o parpadeo en la imagen, que le procura un grado de inestabilidad, equilibrado por la concentración abstracta de los pensamientos expresados por los diferentes personajes o apariciones en los pasadizos, al mismo tiempo, acogedores y resbaladizos de la rueda-laberinto de los sueños.    

Podría decir que Waking life es un semi documental filosófico de fantástico vuelo que trastoca lo cotidiano en mágico y que es una promesa de expansión de la conciencia, envuelta en la forma amablemente onírica de una película de animación y que tiene además el clima y el tejido únicos de un sueño lúcido que se queda locamente atrapado en sí mismo, en sus espejos-especulaciones. Como esos viejos comics con personajes que se ejercitaban para separar lo que llamaban alma de lo que llamaban cuerpo, y una vez que lo lograban, el camino de retorno simplemente ya no era posible.   

Película

https://ok.ru/video/407556655663

Boyhood (2014)

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Cine

Reglamento de la Ley de cine: El juego del trono

Redacción Lima Gris

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Pierre Emile Vandoorne director de DAFO.

Por Francisco Adrianzén Merino

El día viernes 7 en una reunión virtual convocados por la Dirección del Audiovisual, la Fonografía y Nuevos Medios, DAFO, del ministerio de Cultura, representantes de 12 gremios cinematográficos (¿?) «aprobaron» el Reglamento del Decreto de Urgencia, DU 022-2019, Ley de Cine, pendiente aún de ratificación por el Congreso. El Reglamento sería presentado públicamente el próximo jueves, según el acuerdo de los virtualmente presentes en la reunión. No sabemos para qué: si para someterlo a consulta pública o bien cómo información de un texto inamovible que a todas luces representaría «la eficiente voluntad del ministerio de un debate democrático»

Varios temas llaman la atención en esta carrera de mérito burocrático, que aparenta mas bien un verdadero ejercicio de maniobras o manipulación de la voluntad de los cineastas:

1.- ¿Cómo se puede aprobar un Reglamento que no se conoce, o que tan sólo se ha conocido de manera muy parcial mediante un powerpoint? La DAFO, nunca llegó a entregar una propuesta escrita de Reglamento y las observaciones se hicieron en base a lecturas (virtuales) del director del ente burocrático del ministerio de Cultura. ¿Es ésta la mejor manera de elaborar un Reglamento?

2.- El Reglamento nunca ha sido consultado detalladamente, no sólo con «los representantes de los gremios presentes», sino que mucho menos con las bases de estos gremios. Evidentemente no puede serlo, pues al haberse mantenido su texto completo en total secreto no hay mucho que debatir y aportar mediante un PowerPoint.

3.- Una vez mas llama la atención la actitud de los gremios (¿12?), que son incapaces de demandar un trato digno por la burocracia del ministerio, claudicando a sus mas elementales principios, evidenciando que son esencialmente cúpulas burocráticas que se sostienen en base a la anomia que impera entre los cineastas, donde al desinterés y convenido silencio cómplice, se suma la falta de democracia, y que la DAFO conoce, explota y alienta muy bien. ¿Qué promesas o presiones hacen que se sometan tan fácilmente?

4.- ¿Qué niveles de confianza se pueden tener respecto a un texto debatido y aprobado a escondidas? ¿Qué garantiza que no se cambiará a último momento? Y sobre todo ¿Qué o quien garantiza que se atenderán las sugerencias u observaciones que se le puedan hacer?

Recordemos que cuando se aprobó, en primera votación, en mayo del 2019 la ley de cine en el Congreso, aparecieron un artículo abiertamente censor y represivo, así como también varios artículos que le confieren poder omnímodo a un solo funcionario del ministerio de Cultura (¿adivinen quien?). Se «colaron» a último momento y nunca se dieron explicaciones convincentes de su inclusión tan sólo contradictorias versiones en el caso del artículo censor. (los de los poderes omnímodos se mantienen hasta ahora, sin explicación alguna, en el DU)¿Quien puede garantizar que no ocurrirá lo mismo con el Reglamento?

5.- La DAFO aparece una vez más mostrando un peligroso juego de maniobras burocráticas, que evidencian la debilidad estructural del ministerio de Cultura y que a lo único que conducen es a profundizar lo que ya viene ocurriendo: el debilitamiento de la institucionalidad en el cine peruano. Pero esto ¿le importa mucho? Según parece no, con tal de mantener un sistema y un cargo que ya va por los ocho años ininterrumpidos, un verdadero récord de «eficiencia y supervivencia» en un ministerio donde son tan frecuentes los cambios de ministros.

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Cultura

Entre el microcuento y la Primera Feria Virtual del Libro en Cajamarca

María Luz Crevoisier

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William Guillén Padilla.

El minicuento o microcuento, semeja a una naranja exprimida cuyo jugo se puede beber a sorbos cortos. Este género viene a ser una condensación de la palabra escrita reducida a veces a solo tres o cuatro líneas como aquellos escritos de César Vallejo o Luis Loayza. Una elaboración por demás sutil y bellamente compuesta si así lo decide su constructor.

Excepcionalmente son los microrelatos o minificciones de  Jorge Luis Borges, Augusto Monterroso o Ernesto Sábato, sin dejar de nombrar los de Fernando Iwasaki y Alejandro Jodorowsky entre nosotros.

Cajamarca sede de los Kashamarkas, la antigua San Antonio de Cajamarca, ubicada en la zona norandina del Perú, tiene el privilegio de contar con  grandes poetas y narradores. Ahí tenemos los nombres de los hermanos Corcuera ( Marco Antonio, Arturo y Oscar, este último también artista plástico), Amalia Puga, Mario Florían, Demetrio Quiroz Malca, Oscar Ymaña, Jorge Díaz Herrera y tantos más.

Descubrí  el minirelato cajamarquino gracias a la poeta y difusora cultural Isabel Barrantes que tuvo la generosidad de entregarme el libro “nidal de colibríes”, una selección hecha por José López Coronado que condensa creaciones exquisitas y con sabor a terruño de cuarenta autores.

Uno de ellos es el poeta William Guillén Padilla ( Hualgayoc, 1963) que reúne el mayor número de libros de minificción (como prefiere denominar a este singular género) muchos de los cuales han sido reeditados y conseguido traspasar fronteras.

Junto a sus creaciones,  se suma el  haber sido uno de los propulsores y el director de la Primera Feria Virtual del Libro en Cajamarca, que se desarrolló entre el 18 y 19 de julio, actividad que no  deja de estar latente, pues gracias al internet se la puede visitar a través de este link: https://bit.ly/FeriaVirtualLibroCajamarca2020

William Guillén, nos concedió amablemente esta entrevista que permite conocer parte de su trayectoria y los alcances de la Primera Feria Virtual del Libro.

Aquí la entrevista con William Guillén Padilla.

1.- ¿Desde cuándo cultiva el género de minificción?

WGP. Formalmente, desde el año 2006, cuando publico mi libro “Los escritos del oidor”. Luego, en el mismo género, he publicado, entre otros libros, “Lo que yo barman oí”, “Cuaderno de Almanaquero”, “Microcuentos”, “De los elementos: 118 relatos químicamente desconocidos”, “Zoomínimos”, “Inkacuentos”, y siete más de este género literario. Mantengo varios libros inéditos.

2.- Su experiencia lo ha llevado a ser reconocido como un sobresaliente narrador de este género. ¿Le resulta más fácil escribir estas minificciones que una novela larga?

WGP. Condensar es tarea más complicada pero más atractiva y retadora. En mi caso, la gran mayoría de mis libros son de minificción, que me han dado grandes satisfacciones y críticas muy loables y alentadoras. Pero nada que sea bueno en literatura y en la vida es fácil. Tarea de retos es escribir minificción como poesía o novela, o investigación histórica. Para referirme a su pregunta de novela, he escrito cinco, he publicado dos: “Venus brilla cuatro veces” que fue premiada en el VII Concurso Literario Internacional de Novela “José Eufemio Lora y Lora & Juan Carlos Onetti” donde fue presidente del jurado el escritor Eduardo González Viaña; y “Fatum Inca” que fue obra ganadora del IV Concurso Internacional de Novela Contacto Latino en Estados Unidos en 2016. Ambas se distribuyen en Amazon, igual que mis libros de minificción y poesía. 

3.- ¿Cómo influye la cosmovisión de su tierra natal en la elaboración de estas ficciones? Fuera de la hermosa selección de “Nidal de colibríes”, ¿existen otras ediciones que reúnan las minificciones de Cajamarca?

WGP. Es una influencia permanente, pues lo que a cualquier humano marca de por vida es la infancia. Viví en el asiento minero de Hualgayoc hasta los nueve años y, como entenderá, eso ha formado en mí una especie de depositario de fuentes literarias para muchas historias que he plasmado en varios de mis libros. Respecto a antologías de minificción en Cajamarca: usted ha mencionado bien a “Nidal de colibríes” (Ed. Mavi, 2014) del escritor José López Coronado, quien fue el artífice de encuentros de minificción con este mismo nombre en la región Cajamarca; a esta publicación hay que sumarle “En pocas palabras, antología del microcuento cajamarquino” (Ed. Orem, 2013) de Rony Vásquez Guevara quien es, sin lugar a dudas, el mayor investigador de este género en el Perú.

William Guillén Padilla, Jorge Diaz Herrera y Roger Santiváñez.

4.-Su trayectoria ha traspasado fronteras y le hizo merecedor de premios y reconocimientos. ¿Cómo recepcionan en el extranjero este tipo de escritos?

WGP. He salido del país con mis libros desde 2004 cuando publiqué mi primer libro de poesía: “Soliloquios de homo sapiens”; lo presenté aquel año en la Maison de l’Amerique latine de París por invitación del Centre Culturel Péruvien de la capital francesa. Desde entonces he ido por varios lugares. Sorprende que, en todo lugar donde me he presentado, las historias y lo que he escrito, han tenido bastante acogida. Así, algunos trabajos míos, han sido incluidos en antologías y estudios. Hay un interés por la literatura nuestra que presenta historias muchas veces aparentemente cotidianas, pero para lectores de fuera extraordinarias, no creíble. Seguimos siendo un país real maravilloso, y eso es algo que lo llevamos en forma natural todos los días y a donde vamos.

5.-Con la pandemia se han suspendido y cambiado diversos programas. En vista de ellos se está recurriendo al sistema virtual.  Ud. ha sido el creador de la Primera Feria Virtual del Libro “Cajamarca, contigo leo”, ¿me puede decir cómo fue organizada y cómo se desarrolló?

WGP. Nació luego de una grata experiencia realizando microprogramas que publiqué en Facebook: “Literatura en Casa”, “Instantes”, “Cajamarca, lee y canta”, “Y me llamo Perú”, que tuvieron gran aceptación en el público; sobre todo “Cajamarca, lee y canta” que incluso de difunde en un canal de TV local en Cajamarca. Respecto a la feria, había la necesidad, y un compromiso, de mostrar a los escritores cajamarquinos que viven en la región y el país, y en diversos países del mundo, y a otros escritores que normalmente no son apreciados en ferias por sus lectores. La única manera era convocarlos virtualmente. Así, desarrollé la idea, el nombre y un plan de trabajo. Convoqué a mis hijos, y a mis amigos Homero Alcalde y Carlos Cabrera, y todos emprendimos la tarea de hacer realidad la feria virtual del libro. La hicimos con “All Art-arte total” que es un emprendimiento familiar y personal que inicié en enero de este año en Marigot; KN editores de Carlos Cabrera y Petroglifo que es también una editorial familiar. Apoyó en la difusión la liberaría virtual cajamarquina Ágape. Y la feria se hizo en los tiempos propuestos y con los invitados que fueron el centro de todos. Exactamente participaron 95 escritores, 9 lectores, 3 editores, 1 cuenta cuentos, 1 grupo de teatro, 12 músicos (1 grupo con 5 integrantes), 7 pintores. En total, más de 130 personas en el escenario. Hubo participantes de 13 países, incluido el Perú. Fueron dos días con participantes distribuidos en 30 salas. El resultado fue muy exitoso. Ha propósito de la minificción que estamos hablando, tuvimos en la feria al Dr. Lauro Zavala, de México, uno de los mayores investigadores del género en el mundo.

6.- Esta Primera Feria Virtual del Libro, convocó a autores nacionales y extranjeros, ¿cómo recepcionó el público la diferente programación?

WGP. Rebasó toda expectativa, no se había hecho, hasta donde sé, una similar en el Perú. En el quinto día, sin más publicidad que la difusión que la misma feria en mi Facebook, teníamos más de 34,000 reproducciones y más de 1,000 personas la habían compartido. Todos los comentarios fueron y son positivos y llegan felicitaciones de todo lado. Eso fue alentador considerando que, básicamente, fue un proyecto y una realización familiar y amical; no hemos tenido financiamiento de ninguna institución pública o privada, porque con toda razón, ahora se prioriza temas coyunturales. Tampoco hemos solicitado apoyo a ninguna institución, porque podíamos realizarlo; tenemos el equipo humano esencial y el equipo técnico básico para hacerla. El mayor trabajo consistía en la edición, animación y el lanzamiento virtual de la feria; para ello conté con mis hijos y con mi sobrino César quienes manejan muy bien estos temas. Por la diversidad de la programación y la importancia de los participantes, el público tuvo una recepción muy positiva que siempre lo manifiesta.

William Guillén Padilla firmando libros en la FIL de Guadalajara.

7.- ¿Se pudieron vender libros? ¿Fue de pérdidas o cumplió el reto impuesto?

WGP. Hicimos algo más que vender libros: acercamos el público a sus escritores, a quienes les han consultado directamente cómo pueden adquirir sus libros. En la presentación de los escritores se dio a conocer sus direcciones virtuales; eso ha permitido que interactúen y sigan interactuando autores, lectores y editores, pues se sigue visitando la feria. Por lo mismo, los lectores acceden hasta ahora a la compra de libros, o lectura de los mismos, de voz y orientación de sus creadores. No se temporalizó la venta exclusiva para los días de la feria, sino se dio la posibilidad de comprar cuando se establezca un vínculo con los creadores en el tiempo que el lector considere. No hubo, como soporte de la feria, el negocio del libro como columna principal, sino la humanización del escritor en el acercamiento a su público. El escritor no fue visto como un producto, sino como ente solidario.

8.- ¿Qué elementos podrán ser rescatados y qué otros cambiados?

WGP. Recataría todo. Sobre todo, el desprendimiento de los escritores y artistas participantes, que entendieron que se trataba de un trabajo por amor al arte; sin más pago que unirnos y presentar lo que sabemos hacer. Asunto difícil a veces entender eso, pero si la literatura no es solidaria, si no es capaz de hermanar, no es literatura. No podemos hacer poemas al amor si no amamos; menos a la solidaridad humano, si no somos capaces de unirnos en proyectos como esta feria. Me pregunta, ¿qué cambiar? Podría decirle, en esa misma perspectiva, ¿qué mejorar? De hecho, la respuesta sería: involucrar a mayores personas en la organización y ejecución, invitar a narradores orales, a representantes de otras artes, contar con más editores visuales y animadores; también implementar un espacio de venta de libros de entrega virtual directa, mejorar la presentación técnica de algunos participantes, buscar plataformas paralelas para la difusión virtual de la feria; en fin, hay mucho que mejorar. Estoy seguro que la segunda edición de la feria virtual, desde donde sea que se realice y Dios mediante, sea de mayor impacto.

9.- ¿Qué autores atrajeron la atención del público? 

WGP. En realidad, todos. Especialmente quien abrió la feria: Antonio Cillóniz, los poetas ganadores del Premio Copé de poesía y narrativa, los ganadores del Premio Poeta Joven del Perú; los autores radicados en Francia, Estados Unidos, Alemania, Finlandia, México, Colombia, Argentina, y de todos los países invitados. Y, es lógico, los escritores cajamarquinos, que nunca habían sido invitados ni participado en una feria. Todos fueron agrupados en diversas salas, como le comenté; las salas llevan el nombre de escritores clásicos cajamarquinos, muy importantes para la literatura peruana, pero desconocidos para la mayoría. Los momentos de teatro y la música fueron muy valorados. Mereció elogios la conferencia del Dr. Lauro Zavala sobre minificcion que era algo que, personalmente, me interesaba darlo a conocer. En resumen, como lo señalan los asistentes y participante, una feria exitosa y trascendente, capaz de ser valorada en cualquier país del mundo donde se hacen eventos de calidad.

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Cultura

Alejandra Pizarnik, la cantora nocturna de los abismos

Eterna viajera de espejos rotos, niña de los ojos de fuego que corre alrededor de un jardín, cenizas aladas en el vientre de la noche. Alejandra, Alejandra, mantra de amores huérfanos, tu poesía es un cementerio luminoso en medio de una herida.

Joe Guzmán

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Hay escritores a los que se les debe leer antes de cumplir cierta edad, ya que el tiempo funciona como elemento polisémico respecto a la recepción de una obra. Hay libros de juventud y libros de madurez. Las primeras te hacen estallar en irreverencias, rebeldías y locuras. Las segundas te exigen calma, reflexión y sosiego. Leer la poesía de Alejandra Pizarnik entre los quince y veinte años, hablo desde mi experiencia, debe ser uno de los momentos más fructíferos y perturbadores de la vida. Entrar a ese mundo gótico, hiriente, desamparado y frenético resulta muy atractivo para alguien que recién está empezando a sentir los estragos del tiempo y de la realidad. Ya no hay más burbujas, ahora toca enfrentarse al mundo.

En 1956 publicó su segundo poemario titulado “La última inocencia”. Un año antes lo había hecho con “La tierra más ajena”. Tenía tan solo dieciocho años y una vida solitaria plagada de cicatrices, fármacos y angustias. Haber hecho todo ello a tan corta edad puede ser una aberración o una genialidad. Ninguno es el caso de Alejandra, ya que ambos libros son un tránsito necesario para llegar a algo mucho más significativo, y no hablo de literatura, sino de la vida, de lo que verdaderamente importa.

La poesía de Alejandra está dividida en etapas, los dos libros mencionados junto a “Las aventuras perdidas”, publicado en 1958, formaría parte de lo que se ha denominado “etapa nacional”, ya que todos esos poemarios iniciales fueron escritos en Argentina, antes de emprender un viaje a París en 1960. Allí se quedaría hasta 1964, trabajando como traductora de grandes escritores franceses.

Estos tres primeros libros resultan fascinantes, ya que su poesía se encuentra en una incipiente efervescencia plagada de mucho dolor juvenil. Encontramos errores, pero mucha candidez. No es para menos de alguien que en su juventud adolecía de distintos males (en ocasiones tartamudeaba, era asmática, sufría problemas de acné, era propensa a subir de peso con facilidad y una posible represión de sus gustos sexuales) que deterioraban su personalidad y que fueron formando a la Pizarnik madura de “Árbol de Diana” (1962), “Los trabajos y las noches” (1965), “Extracción de la piedra locura” (1968).

Seis libros publicados a los treinta y seis años reflejan muchos aspectos de su psicología. Existe la sensación de que hay una entrega total a la luminosa dualidad de vida-poesía, se percibe un gran apuro en escribir, un prematuro afán por lograrlo todo antes de que sea muy tarde, como si la vida se acortara rápidamente y tuviera que expulsar todo lo que lleva adentro, angustias, soledades, frustraciones y dolores, con el objetivo de que la muerte la encuentre pura y vacía, y de esta forma pueda ser correspondida. Estamos hablando entonces de una poesía que sirve como terapia ante su creador, una concepción artística donde hay una apuesta total por el desenfreno que linda entre la belleza y el horror. Pizarnik hereda esta postura de otros escritores malditos que prefirieron caminar entre los bordes del abismo, antes que en la infértil seguridad de una vida sin riesgos.

¿De dónde aparecen todos estos elementos que se van entrecruzando hasta formar un laberinto poético? De muchos aspectos, claro está, todo autobiográficos. Los padres de Alejandra fueron inmigrantes judíos de origen ruso y eslovaco que huyeron del horror del holocausto, dando origen al tema del exilio y el extrañamiento. En sus diarios, la poeta menciona un pasaje curioso de su vida en el que canta de forma inconsciente una pequeña canción trágica respecto al destino de los judíos, que le habían cantado en sus primeros años de vida.  Estas penosas circunstancias marcaron su personalidad de Alejandra, ya que es constante el desarraigo y la no pertenencia en su poética. Otro aspecto serían las enormes depresiones que siente en su adolescencia, lo cual le incita a recurrir al consumo de una fuerte medicación y a una terapia psicoanalítica. Este sentimiento de inferioridad lo llevaría por el resto de su vida, desembocando en un irremediable suicidio.  Y por último, hay que mencionar a los grandes autores que influenciaron en su concepción de vida y en su escritura, entre ellos podemos nombrar a Rimbaud, Verlaine, Mallarmé, Leautreamónt, Artaud, Bretón, Michaux, entro otros.

Para poder tener un conocimiento más amplio de la poética de Alejandra hay que mencionar que su poesía se nutre de dos vertientes: el romanticismo y el surrealismo.

Sobre la primera vertiente es inevitable no darse cuenta de que hay ciertas figuras románticas y oscuras que son utilizadas con frecuencia: silencio, muerte, cenizas, cementerio, noche. A estas se les suma otras como jardín, cuerpo, pájaros, espejos, viento, noche, luz, niña, etc. Además de esto, habría que añadir ciertas características que son compatibles entre los autores románticos del siglo XIX y Alejandra: la exaltación de los sentimientos y de la subjetividad – el culto al yo y al individualismo – nostalgia por el pasado.  No hay que olvidar la entrega total al furor de la creación que tuvieron algunos autores románticos, y que se adapta muy bien a la biografía de la argentina.  

Sobre la segunda vertiente, se puede decir que la poética de Pizarnik se alimenta del surrealismo, tanto en la técnica como en su doctrina, ya que se tiene como credo que la concepción poética va más allá de la escritura concreta del poema. La vida y la poesía forman un solo corpus. Respecto a la técnica, la poeta argentina utiliza el automatismo psíquico, esto consiste en “intentar expresar el funcionamiento real del pensamiento en ausencia de cualquier control ejercido por la razón, al margen de cualquier preocupación estética o moral”. El producto de esa técnica se refleja en la yuxtaposición de imágenes poéticas, entrelazadas a las concepciones freudianas del subconsciente. Estas características de la poesía de Alejandra permiten visualizar la carencia de una trama o historia, ya que lo que más sobresale es lo onírico y lo irracional.

De los tres primeros poemarios de su primera etapa, el que me conmueve y emociona más es “La última inocencia”, ya que Alejandra lo escribe en pleno tratamiento psicoanalítico con León Ostrov, a quien dedicaría el libro. Recurre a aquel para tratar de ordenar sus emociones y frustraciones, lástima que todo fue interrumpido. El afán por llegar hasta los límites y extremos de la vida pudo más que la prudencia y la sensatez. Va construyendo su figura de autora maldita en medio de una sociedad de clase media recatada y pudorosa, donde la feminidad significa inocencia. Por ello el nombre del poemario representa un sentido adiós. No hay nada más hermoso que una joven desamparada en medio de una tormenta.

De este libro se pueden explayar muchas ideas, pero resulta clave para nuestro análisis el saber que el proceso de su escritura de desarrolló en una de las etapas más fuertes y problemáticas de su vida (ya se ha mencionado lo del tratamiento con Ostrov). Los desequilibrios mentales son cada vez más constantes y la desesperación crece inconmensurablemente.

El libro está formado por dieciséis poemas, en su mayoría muy cortos y en verso libre. El centro poético es la noche, este elemento tiene significados opuestos, ya que se representa de forma positiva y negativa en uno o varios discursos. Con respecto a lo primero, es una representación de la muerte. Encontramos cierto afán de los distintos locutores a entregarse libremente a ese espacio poético, con el objetivo de encontrar el equilibrio emocional y espiritual. Pero ese trance ese doloroso, y en algunos casos incierto, mientras más se está próximo a llegar, mayor desgarro se siente. Por ello el otro elemento central es la figura del viajero, cuya génesis biográfica se ha mencionado anteriormente en la travesía de sus orígenes judíos. Otra acepción que se le puede dar al tópico de la noche es la figura de la madre, ya que este espacio representa la protección del yo lírico. Con respecto a lo segundo, se puede mencionar que la noche posee una gran carga negativa de represión y de sufrimiento, llegando a representar el infierno mismo.

Esta contraposición de significados respecto a un mismo tópico deja muy claro que uno de los recursos líricos que ha utilizado Alejandra Pizarnik en la escritura de sus poemas es el de la simultaneidad de voces en un mismo discurso. Este nos va a servir para poder explicar de forma más clara y precisa el desequilibrio emocional de la poeta argentina.

En la mayoría de sus poemas se percibe una lucha y una confrontación entre dos voces, donde una quiere subordinar a la otra, imposibilitando la armonía. Hay una fragmentación psicológica en la exaltación del yo lírico.

Para que el análisis sea mucho más claro, voy a tomar como punto de referencia la teoría de la polifonía de la enunciación que elabora Ducrot, apartir de lo propuesto por Bajtin. Esta concepción se caracteriza por la confrontación de diversas perspectivas en el mismo enunciado, estas se yuxtaponen y se oponen, según el sentido que van adquiriendo. Todo el proceso de la enunciación es concebido como una representación teatral, como una polifonía en la que hay una presentación de diferentes voces abstractas, de varios puntos de vista y cuya pluralidad no puede ser reducida a la unicidad del sujeto hablante. En este análisis polifónico se hablará de tres figuras esenciales vinculadas con el sujeto hablante: se trata del sujeto empírico, el locutor y los enunciadores. La estructura es la siguiente:

Sujeto empírico à Locutor à Enunciador 1, Enunciador 2 …..

El sujeto empírico es el autor efectivo que produce el enunciado o el texto. En este caso se trataría de Alejandra Pizarnik. 

El locutor, pertenece al ámbito netamente lingüístico, ya que se trata del presunto dueño del enunciado, a él se le atribuye la responsabilidad de la enunciación. Comúnmente es designado en primera persona, y en el campo literario es ficcional. En todo discurso hay un solo locutor que es el responsable del sentido polifónico. Como el autor de una puesta en escena o acto teatral en miniatura, organiza los puntos de vista – enunciadores- identificándose con uno de ellos, y oponiéndose a otros.

Los enunciadores son los distintos puntos de vista o perspectivas que yacen inmersos en el enunciado. Estas voces confrontan y luchan respecto a lo que se propone alcanzar en el discurso.

Esta teoría nos va a servir para desentrañar el carácter dialógico y confrontacional en los yo líricos utilizados en el libro de Alejandra Pizarnik. Ya se ha mencionado anteriormente la fragmentación psicológica que estaba sufriendo la escritora en esa época de su vida y que se verá reflejada en su discurso poético. Para que no sea tan extenso, voy a considerar solo dos poemas del libro. El primero se titula “Noche” y está compuesto por 26 versos. En este poema aparecen al menos dos enunciadores, uno que transmite una visión positiva y esperanzadora respecto a la aparición de lo nocturno, y otro que la confronta y critica toda la romantización que se ha hecho respecto a la imagen de la noche.

En el primer verso se puede percibir esa lucha entre dos concepciones distintas respecto a una misma realidad.

Tal vez esta noche(E1) no es noche (E2) el primero trata de afirmar algo, el segundo lo niega rotundamente y se apodera del discurso poético desde una perspectiva dolorosa:

Debe ser un sol horrendo, o/ lo otro, o cualquier cosa …/ ¡Qué se yo! ¡Faltan palabras, falta candor, falta poesía/ cuando la sangre llora y llora! (E2).

Se percibe un total dominio del discurso por parte del segundo enunciador, manifestando un sentido trágico de la vida. Recurre a la incertidumbre y a la afirmación de las carencias de la existencia donde solo hay espacio para el sufrimiento y la falta de libertad (falta poesía).

Esta visión negativa del discurso poético se ve contrastada con la reaparición del primer enunciador, ya que intenta añadir una cuota de esperanza:

¡Pudiera ser tan feliz esta noche!/ Si sólo me fuera dado palpar/ las sombras, oír pasos,/ decir “buenas noches” a cualquiera/  que pasease a su perro,/  miraría la luna, dijera su/ extraña lactescencia tropezaría/ con piedras al azar, como se hace. (E1)

Este enunciador da una posibilidad de subsanar todo lo negativo, utilizando enunciados desiderativos con el objetivo de alcanzar una plena felicidad.

Nuevamente en el discurso poético aparece el segundo enunciador para tratar de apagar todo buen deseo:

Pero hay algo que rompe la piel,/ una ciega furia/ que corre por mis venas./ ¡Quiero salir! Cancerbero del alma./ ¡Deja, déjame traspasar tu sonrisa! (E2)

El uso del conector lógico de oposición refleja toda confrontación hacia el primer enunciador. Para el segundo es imposible alcanzar el equilibrio emocional, por ello utiliza referencias a lo corporal con el objetivo de unirlo con lo psicológico. El cuerpo es un espacio de dolor y desencuentros. En los últimos versos se percibe al espacio nocturno como una cárcel o hasta el infierno mismo.

Por último aparece el primer enunciador para querer luchar contra todo lo expuesto por el segundo enunciador, para ello recurre a una visión positiva de la noche:

Pudiera ser tan feliz esta noche!/ Aún quedan ensueños rezagados./ ¡Y tantos libros! ¡Y tantas luces/ ¡Y mis pocos años! ¿Por qué no?/ La muerte está lejana. No me mira./ ¡Tanta vida, Señor!/ ¿Para qué tanta vida?/ (E1)

Aún existe una pequeña posibilidad de la armonía: recurrir a los ensueños, a los libros, a las luces, incluso se menciona que la muerte está lejana, y que no se percata de su presencia. Por lo tanto aún queda mucho tiempo para alcanzar la felicidad; sin embargo, en el último verso se refleja el total condicionamiento del locutor ante la visión pesimista del segundo enunciador. ¿Para qué tanta vida? ¿Para seguir sufriendo?

El poema refleja la doble concepción de la noche en el yo lírico, es una voz luchando contra otra, lo curioso es que ambos nacen del mismo personaje. Gran referencia a los problemas psicológicos que estaba pasando la poeta argentina en esos años.

En el siguiente poema titulado “Cenizas” también se percibe la confrontación entre dos enunciadores que tienen concepciones distintas respecto a una misma realidad.

El primer enunciador refleja lo doloroso y lo negativo. El segundo, lo candoroso, bello y esperanzador.

Cabe mencionar que este poema utiliza como la imagen del viaje como elemento de redención. Posiblemente influenciado por sus raíces judías. El título del poema puede ser una gran referencia al holocausto.

 La noche se astilló de estrellas / mirándome alucinada/ el aire arroja odio (E1)

Embellecido su rostro con música/ Pronto nos iremos/ Arcano sueño / antepasado de mi sonrisa

 (E2)

El viaje aparece como contraste al horror del aire y de la noche. Es la única forma de salvación y de felicidad.

El mundo está demacrado/ y hay candado pero no llaves/ y hay pavor pero no lágrimas. (E1)

Este último verso es interesante porque propone una posible deshumanización del enunciador, además de que no hay alternativa de solución para los grandes problemas que se presentan.

¿Qué haré conmigo? Porque a Ti te debo lo que soy (E2)

El segundo enunciador se resiste a ser vencido por el pesimismo y la desesperanza. El siguiente cruce de voces es totalmente conmovedor

Pero no tengo mañana (E1)

 Porque a Ti te… (E2) Este enunciado entrecortado da a entrever un problema entre lo físico y lo mental, dando la sensación de que toda forma de salvación es imposible.

La noche sufre. (E1) El locutor se identifica con el primer enunciador, ya que en todo el poema hay un predominio por la angustia y la frustración.

“La última inocencia” es uno de los libros más dolorosos, autobiográficos y pesimistas de la poeta argentina. Que lo haya escrito antes de los dieciocho años y en medio de una terapia psicoanalítica da entrever un mundo juvenil lleno de dolor y desesperanza.

Alejandra siempre será aquella adolescente introvertida, triste y solitaria de la que estamos enamorados, pero que preferimos mirar desde la lejanía, ya que si decidimos dar el primar paso hacia su encuentro, el fuego terminaría por consumirnos (y pensar que la adolescente suicida de “Sobre héroes y tumbas” lleva su nombre).

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Cine

Cine: «Maudie, una vida en colores», por Angello Alcázar

Walsh acertó al elaborar una historia de amor que no esconde los trapos sucios ni fuerza los finales felices.

Angello Alcázar

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Aunque su nombre no sea tan reconocible como los de pintores canadienses de la talla de Lawren Harris, Guido Molinari o Emily Carr, Maud Lewis (1903-1970) es considerada una de las artistas plásticas más entrañables de su país. En el 2017 se estrenó Maudie, un largometraje dirigido por la irlandesa Aisling Walsh que recrea su accidentada y singular biografía, y que ha cosechado importantes premios, incluyendo siete Canadian Screen Awards. Para nuestra suerte, la cinta ahora se encuentra disponible en Netflix.

Nacida en el seno de una familia humilde de Nueva Escocia, Maud conoció el dolor desde la cuna. Y no, no me refiero a las penurias económicas —que de seguro fueron muchas—, sino a una serie de problemas articulares que desembocaron en una terrible enfermedad llamada artritis reumatoide. A partir de su adolescencia, sus brazos y piernas se empezaron a deformar al extremo de que parecían ramas a punto de quebrarse. Y, sin embargo, la fragilidad física de Maud (agravada en buena parte por los pesares que le infligieron sus seres queridos) se vio opacada por la resiliencia que desplegó a lo largo de sus 67 años.

Desde que su madre le enseñó a pintar estampas de Navidad, afloró en ella la pasión por el arte folclórico. Colmadas de colores vistosos, sus obras casi siempre muestran escenas típicas de la región en la que vivió, como niños esquiando o cabañitas regadas entre lagos y bosques. Ya casada y sumida en la pobreza, Maud empezó a vender sus tarjetas y se fue labrando un nombre en el medio artístico. (De hecho, el mismísimo Richard Nixon compró un par de sus pinturas a inicios de los setenta). Hoy la Galería de arte de Nueva Escocia en Halifax alberga la casita de una pieza en la que vivió hasta su muerte. Tal y como se ve en la película, Maud rellenó casi todas las superficies que encontró con sus pinturas, de modo que su hogar parece haber salido de un cuento de hadas.

Junto a la gestación de su arte, la relación de Maud con su esposo Everett Lewis —a quien da vida un huraño Ethan Hawke— vertebra la trama, e incluso se diría que adquiere mayor relieve. Everett es un vendedor de pescado bastante malhumorado que contrata a Maud para que le ayude con las labores domésticas. Sin duda, el abuso psicológico y físico de Everett hacia su esposa, especialmente en la etapa inicial de su relación, es uno de los elementos más palmarios del filme de Walsh. Por ejemplo, poco después de la llegada de Maud, él le aclara que está por debajo de los perros y las gallinas en la jerarquía del hogar. A ratos, uno no puede evitar preguntarse si a lo mejor Walsh optó por exacerbar ciertos rasgos de Everett, en pos de un dramatismo tan persuasivo como sobrecogedor.  

La verdadera Maudie fotografiada en su casa de Marshalltown, Nueva Escocia, Canadá.

La crítica de The Guardian Wendy Ide reclama que hay una suerte de “abuso romantizado” que representa a Everett como víctima en lugar de victimario. En ese sentido, Ide señala que su caracterización choca con lo que llama “las sensibilidades contemporáneas” (es decir, lo políticamente correcto). Si bien no discrepo del todo, creo que Walsh acertó al elaborar una historia de amor que no esconde los trapos sucios ni fuerza los finales felices, como ocurre con más frecuencia de lo que se cree.

De otro lado, no cabe duda de que la contundencia de la interpretación de Sally Hawkins es la principal razón por la que el grueso de la crítica ha alabado la cinta. Las modulaciones de la voz, los movimientos siempre precisos y la manera extraña pero sincera de relacionarse con los demás le imprimen a la protagonista una complejidad inusitada y la hacen trascender el provincialismo en el que está inmersa. Una de las escenas más logradas es aquella en que Maud le explica a una vecina qué es lo que significa pintar para ella.

Quizá se pudo trabajar más el acompañamiento musical, el cual, aunque por momentos llega a conmover, tiene un papel fundamentalmente accesorio. En cambio, la escenografía nos traslada de inmediato a ese pintoresco y al mismo tiempo brutal paisaje que habitaron Maud y Everett. Pienso, sobre todo, en los crudos inviernos que pasaron juntos y de pronto los veo dentro de la cabaña: él prendiendo el fuego y ella pintando con las manos cada vez más torcidas, entre los dos tratando de darle algo de color al mundo.

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Cine

Cine: De la vida de las marionetas, de Ingmar Bergman (1980)

Mario Castro Cobos

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No hay dios que buscar, tampoco hay alma, y el amor parece un tormento enviado por algún dios maléfico, un problema sin solución a la vista. La prosperidad material tiene poco que hacer para conjurar la miseria moral y psicológica de seres bloqueados, rotos y mecanizados. La auténtica desesperación y angustia apenas si puede ser expresada. La explosión era solo cuestión de tiempo. 

De la vida de las marionetas nos muestra a todo color el momento de la explosión. La estructura que la sucede, que juega magistralmente con puntos de vista y cronología, con los personajes involucrados, con el antes y el después del crimen, trabaja un retrato apasionante pero incompleto. Igual, imaginas que lo visto es más o menos un caso aislado, o que representa muy bien a una sociedad.

En la equívoca superficie (el personaje del psiquiatra) el mal puede ser explicado con el uso de una jerga profesional, de una burocracia de la normalización. La circulación del rompecabezas social de verdades oficiales, por parte de los diferentes personajes, nos es suministrada con frialdad clínica, todos son casos de estudio, el juego de lo que muestran y de lo que esconden no termina jamás.

Las verdades particulares, o más bien, las versiones interesadas, exponen la mentira común, la farsa compartida, el autoengaño cínico o ingenuo, que un crimen hace estallar, o por lo menos entrar en crisis, aunque sea solo de manera relativa y temporal. Esta película no parece una propaganda propicia, interesada en estimular la admiración para con las sociedades del bienestar (así se hacen llamar).   

Bergman, a través de su obra, recurre a la inexplicabilidad del mal. Se diría que a la vez cree en una bondad innata. En una sencillez e integridad conmovedoras como pasaporte hacia algún tipo de salvación. Sin el pequeño gran dios castigador, con dudas radicales sobre un amor de pareja viable o una comunidad mínimamente armónica sin engaños de horror, De la vida de las marionetas usa una forma muy clara y racional para evidenciar el fondo de irracionalidades que late en muchas vidas. Es decir, en todo un sistema social.       

Película

Más sobre Bergman:

El rostro de Karin (1984)

ESPECIAL 100 años de Bergman

Persona (1966)

El rito (1968)

http://lacinefilianoespatriota.blogspot.com/2008/05/elrito-1968-de-ingmar-bergman.html

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Cultura

La acuarela como lenguaje

María Luz Crevoisier

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Pudo haber sido en el Pleistoceno o quizá en la etapa Neardenthal, lo cierto es que se hicieron esos  dibujos y han  perdurado como una muestra del arte primigenio de los primeros habitantes de la cordillera central y occidental.

Los sitios de Marcajuca, Gargawaín, Iglesiamachay, evidencian la presencia de aquellos pueblos que se asentaron en el valle que hoy conocemos como Ancash.

Ya establecida como cultura, recibe la influencia de Caral, Supe y Chavín y a su vez influencia a los Recuay y Wari dando como resultado diversas manifestaciones artísticas, especialmente en cerámica. Por su riqueza minera principalmente en oro y plata, sus minas fueron explotadas por 300 años.

En Huaraz no se desarrolló el arte pictórico como en Cusco o Quito, pero sus iglesias recibieron hermosos lienzos de estas escuelas y quizá también de la de Chuquisaca.

Cumplida la etapa independista, en donde debió ejecutarse obras pictóricas y frescos de manera anónima, se arribó a la época republicana con un rico caudal de antecedentes históricos y culturales. Son muchos los artistas que han surgido a partir de la Independencia. En la escultura tenemos a Artemio Ocaña Bejarano (1893/1980) que recibió  formación del arte clásico durante su estadía en Italia a principios del siglo XX. Obras suyas son la estatua de Francisco Bolognesi, las hermosas placas escultóricas en la antigua sede del ministerio de Hacienda de la avenida Abancay y entre otras más, el monumento a la Patria.

La acuarela, que permite combinar pigmentos o pinturas diluidas en agua y aplicarlas a la superficie de dibujos hechos en cartulina o papel, ha tenido gran desarrollo en Ancash. Universalmente grandes cultores de esta técnica fueron Alberto Durero,  J.M.W Turner, William Blake.

Los artistas ancashinos se podrían dividir en dos grandes etapas: los de antes del aluvión de 1970 y la actual, con jóvenes talentos que recogen el paisaje mutado de ese bello paraíso de nuestras serranías. Entrevistamos a uno de sus representantes, el artista  Aquiles Rondán, quién nos dio una información profesional sobre la historia del arte en su tierra natal.

Aquiles, ha sido valorado por diferentes instituciones y obtuvo premios y distinciones diversas. Entre estas anotamos el primer premio en el IV Salón de rte “Todos los trazos” el 2003. (Banco Wiese Sudameris de Huaraz) y la Medalla Cívica por la Municipalidad Distrital de la Independencia de Huaraz, en reconocimiento de su trayectoria artística el 2017.

Aquí la entrevista con el artista Aquiles Rondán.

1.- La Región Wari tiene el privilegio de ser sede de varias culturas entre ellas los chavines, cómo ha influido su arte en las producciones artísticas de sus artistas?

Los Waris tuvieron expansión  en los territorios de Ancash debido a la necesidad de construir ciudades que representaban el poder y fueron centros de administración ubicados a distancias muy lejanas de la zona de Ayacucho, lugares como, Huariwillca, Honqo Pampa, Willcahuain entre otros,  en el Callejón de Huaylas, son ejemplos de la extensión y diversidad de centros Wari.

En cuanto al arte Chavín que se caracterizó por el esculpido en piedra donde representaron dioses con figuras antropomorfas y zoomorfas como: las “cabezas clavas” y el mítico “Lanzón Monolítico”, entre otros. Además de la cerámica y la arquitectura como el  “Castillo Chavín” o “Templo Chavín.

Ahora bien, si todo este legado artístico ha influenciado en las producciones artísticas de los artistas de la región, se podría decir que en el campo de la artesanía y la textileria con el empleo de la iconografía chavín en sus diseños.

En el campo de las artes plásticas se observa muy poco, aunque el artista Chimbotano Miguel Meztanza quien radica muchos años en Huaraz  ha logrado desarrollar una propuesta de abstraccionismo mítico donde emplea algunas iconografías del arte Chavín.

2.- De la alfarería pre inca, y luego colonial se pasó al arte del retablismo, siendo muchos pero anónimos sus cultores, existe algún estudio que rescatara sus nombres?

Como bien sabemos  que el arte del retablismo tiene en el centro andino del Perú su mayor legado artístico, hay poca evidencia que se haya desarrollado en la región Ancash, sin embargo se puede observar en los retablos o fondo principal de algunas iglesias, uno de ellos por ejemplo es el altar o retablo mayor del Santuario de Nuestra Señora de la Asunción, popularmente llamado Santuario de Mama Ashu en Chacas, provincia de Asunción,  de estilo barroco, construido entre 1750 y 1760 sus características estilísticas y arquitectónicas tienen un  parecido con algunos retablos coloniales de la región Cuzco.

3.- Me parece que en la independencia, hubo una especie de búsqueda de una nueva expresión pictórica que sustituyera al arte colonial y a la vez mostrara el sentimiento de independencia que se iba gestando en los pueblos. ¿De qué manera Ancash respondió a esta etapa? ¿Quiénes son sus principales representantes?

La independencia no solo significo las batallas por la gesta libertadora, sino también fueron las batallas de imágenes que buscaron sustituir los símbolos del pasado colonial por la creación de nuevas imágenes que enarbolen la nueva república, los símbolos patrios empezaron a ocupar un lugar dominante en objetos de uso cotidiano y en espacios públicos, se impusieron también la elaboración de la imagen pública de los próceres. De hecho, el principal retratista de la era de la independencia fue el pintor mulato José Gil de Castro, por su capacidad para transformar a los héroes de la Independencia en iconos republicanos.

En el caso concreto de Ancash, lo que existe son pinturas, posesión de algunas familias, que retratan a personas, pero sobre todo a imágenes religiosas,  no se podría autenticar si son realmente del siglo XIX, o más tempranas, los relatos de su procedencia son por parte de las personas que poseen esas obras como parte de esa herencia historica.

En relación a la pregunta, si hubo alguna pintura o representantes de la pintura de la  Independencia  en Huaraz, no se sabe,  eso no quiere decir que no exista quizás pueda haber algo en posesión de alguna familia como normalmente sucede.

Además debemos considerar que muchas expresiones artísticas o registros pictóricos  de la historia huaracina se perdieron y desaparecieron con el aluvión de 1941 y posteriormente el terremoto de 1970

4.- El maravilloso mundo de la acuarela, tiene un origen europeo con grandes cultores. ¿Cuándo llegó a Ancash y porque lo adoptaron sus artistas plásticos? ¿Quiénes son los precursores?

Las primeras acuarelas ornamentales aparecen en Egipto y Mesopotamia, como una disolución de pigmentos en agua con una base de gomas o resinas naturales, aparecen decorando tanto muros como sarcófagos,

Sin embargo es en China del siglo I a.C. las que podríamos clasificar como verdaderas acuarelas al incorporar como soporte el papel.

Pero  el verdadero auge y esplendor a esta técnica se lo dio el primer gran artista de talla universal reconocida: el alemán Alberto Durero. A quien se le considera como padre de la acuarela occidental,

Posteriormente la acuarela británica se destaca porque fueron ellos quienes se esforzaron por hacer obras únicas y dignas explorando diferentes técnicas de iluminación y métodos para mejorar la técnica.

Desde esas épocas hasta la actualidad la acuarela se ha expandido a lo largo de todo el mundo, y en el Perú tenemos a los más grandes acuarelistas que han logrado  un alto grado de dominio y expresión.

En el caso concreto de Ancash, se tiene como referente al artista plástico Humberto Chavez Bayona de  formación académica en la Escuela Nacio­nal de Bellas Artes de Lima quien con las lecciones aprendidas de José Sabogal Dieguez, Camilo Blas o de Julia Codesido captó  los paisajes del Callejón de Huaylas y los plasmo en sus acuarelas y lienzos de tinte social realista. 

Don Humberto Chávez Bayona fue el gestor para la creación de la Escuela Regional de Bellas Artes «Teofilo Castillo” de Huaraz, En 1967, fue nombrado  Director, es en esa gestión que se podría decir que se empieza a conocer la acuarela en Huaraz, y por su complejidad en la ejecución es que pocos estudiantes la acogen.

Ahora bien, particularmente mis primeros acercamientos con la acuarela fueron en la etapa de estudiante en la  Escuela Superior de Formación Artística de Ancash, entre los años 90 al 96, en aquellos años tuve la oportunidad de conocer y apreciar las acuarelas de Don Humberto y me quede muy impresionado por la limpieza de color, la luminosidad y la transparencia, es entonces que a partir de esos años tuve mis inicios con la acuarela y mis primeros resultados no fueron satisfactorios debido a que los materiales con los que me inicie fueron de muy baja calidad tanto en pigmento como en los papeles y pinceles, pero aun así tuve la persistencia durante muchos años para lograr dominar esta maravillosa técnica.

Hoy en día son pocos los artistas ancashinos que han elegido la acuarela como medio de expresión, puedo mencionar a Rogger Oncoy La Rosa, quien ha llevado la acuarela a un nivel destacado y por supuesto hay muchos jóvenes que están iniciándose en la práctica de esta técnica y estoy seguro serán quienes tomaran la posta de la acuarela ancashina.

5.-La acuarela es una técnica bastante complicada y no son muchos los que la practican, en Perú uno de los que destaca es el arequipeño Luis Palao habiendo trascendido fuera de las fronteras. ¿Existen en Ancash representantes que hayan logrado repercusión en el extranjero? Nombres de los principales y de las mujeres acuarelistas.

En el Perú, La acuarela arequipeña tiene un espacio privilegiado, artistas plásticos como Carlos Baca Flor, Jorge Vinatea Reynoso, Teodoro y Alejandro Núñez Ureta, son referentes de la acuarela peruana.

Los registros de la llegada de la acuarela a nuestro país, son por los artistas viajeros, venidos de Europa, resalta entre todos ellos, el alemán Johann Moritz Rugendas (1802 – 1858) quien describió mediante dibujos y magistrales acuarelas, la imagen de Lima y el Sur del Perú entre 1842 y 1845. También tenemos a  Pancho Fierro (1809 – 1879), primer acuarelista del Perú Republicano, por el valor documental de sus testimonios plásticos sobre la  convivencia e integración de las diversas clases sociales de Lima desde las primeras décadas de la República.

Luis Palao es uno de los referentes de la acuarela actual, junto a otros grandes maestros del sur, siendo Puno y Arequipa las regiones donde hay mayores representantes, sin embargo también podemos mencionar que la acuarela tiene maestros en diversas regiones del país, uno de los más destacados en Lima es el artista José Coronado Pizarro.

Actualmente  los acuarelistas ancashinos estamos intentando lograr repercusión y esforzándonos para  consolidarnos como dignos representantes de la acuarela peruana, lamentablemente somos muy pocos, puedo nombrar a Rogger Oncoy y mi persona, sin embargo hay jóvenes que ya están en ese camino, en cuanto a alguna representante de la acuarela del género femenino en Ancash no se tiene registro, tal vez ello se convierta en un reto para las mujeres de la región.

6.- Tenemos dos etapas en la pintura ancashina en general. Un antes y después, del terremoto del 31 de mayo de 1970. ¿Qué expresiones se cultivan con más fuerza? y ¿Qué clase de motivaciones les sirven de referencia? ¿Hacia dónde se proyecta el arte actual? ¿Siguen apuntando por el paisajismo o derivarán en una nueva temática, como por ejemplo el arte abstracto?

Asi es, el terremoto de 1970 fue un episodio fatídico, cataclismo que significó no solamente la destrucción física de la ciudad sino, también significo la recesión cultural. Receso que se ha prolongado inclusive hasta estos años.

Marcos Yauri Montero, reconocido escritor huaracino manifiesta acerca del fenómeno social después del terremoto: “Huaraz se convirtió en una ciudad abierta, como Berlín después de la guerra del 45. En una ciudad donde todo el  mundo podía entrar, y de hecho vinieron de todas partes  del Perú, del centro, del sur, del norte, de la selva, de la costa,  y Huaraz se convirtió en una “Babilonia”, no hay una palabra específica para calificar este proceso, Huaraz se “babilonizo” porque desembocaron muchas identidades culturales,, muchas lenguas, costumbres, diversos hábitos, maneras de ser, vicios, virtudes, ósea vino de todo, porque cada uno trajo lo que tenía”… “Hoy se habla de culturas híbridas, es decir muy mezcladas, que han roto o están a punto de romper las viejas identidades. Huaraz es una ciudad semirural, semiurbana, híbrida, con múltiples problemas”.

No se podría precisar que expresiones se cultivan con más fuerza en la actualidad debido a esa hibridez cultural, lamentablemente no se observa una cantera, un derrotero, por el cual encaminar una proyección o referencia que identifique al arte actual huaracino.

Se apunta al paisajismo debido a la maravilla natural que tenemos, eso nos inspira a retratarla tal vez porque forma parte de nuestras existencias y como la esencia del arte debe ser  la autenticidad de lo que sentimos, amamos y admiramos se observa que muchos pintores optan por la representación del paisaje, particularmente opto por la representación del paisaje andino-urbano desde una mirada crítica y reflexiva sobre la transformación del imaginario bucólico  del  paisaje andino, en actuales imágenes urbanas inquietantes, con los problemas sociales del mundo contemporáneo-hibrido en los andes.

Sin embrago también se observa algunos artistas que prefieren expresarse a través de estilos, o algunos lenguajes artísticos contemporáneos, pero al parecer solo como una forma de exploración  y experimentación.

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Cultura

Destruyen friso de Huaca La Centinela

Luis Huertas

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Mientras estábamos confinados en plena pandemia, personas inescrupulosas atentaron contra lo poco que quedaba del friso en alto relieve del edificio principal de Huaca La Centinela. Lamentablemente, no todos tenemos respeto por nuestro patrimonio.

En el anterior artículo fuimos muy enfáticos en señalar el total abandono que está sufriendo Huaca La Centinela por parte del Ministerio de Cultura desde que lo administra (2005). Ninguna medida preventiva antes o después del terremoto del 2007, han dejado pasar muchos años, sin gestionar un proyecto de envergadura. Un proyecto que, se merece Centinela por toda la importancia que tuvo en la costa sur entre los años 1000 a 1450 D.C. aproximadamente. Además, el sitio fue declarado Patrimonio Cultural de la Nación un 20 de mayo del 2003, bajo Resolución Directoral N°309-INC.

Foto: Bennett Greig, 1938.

Dentro de La Centinela, se localiza hacia el lado oeste el “Templo principal Chincha” o Sector XIII denominado así por el arqueólogo Wallace, con una altura aproximada de 20 metros. Debido a este edificio el sitio arqueológico recibió el nombre de Centinela ya que, desde su cima se puede divisar un amplio horizonte con vista al litoral marino y los campos de cultivos de los alrededores. Esa enorme estructura piramidal construida con tapial (adobón) que, data de la época en la que el Señorío de Chincha mantenía su autonomía política y; con la llegada de los incas se hicieron varias modificaciones, sobre todo en el lado sur, a fin de construir su Templo del sol y demás estructuras administrativas.

Desde un gran forado en las paredes del lado sur, hecho posiblemente en época colonial por buscadores de tesoros, se puede apreciar el interior de la pirámide, compuesta por recintos de regular tamaño aun cubiertos por escombros. Este edificio albergó posiblemente al oráculo e ídolo de Chinchaycamac que, fue ampliamente conocido y respetado en la costa sur del Perú, siendo la mayor divinidad en este valle.

En los últimos niveles de la plataforma superior, se apreciaba hasta hace algunas décadas una pared de aproximadamente 2 metros de altura por 10 metros de largo, decorada con un extraordinario friso en plano relieve, donde se podía apreciar motivos escalonados y concatenados en los que se entrelazan olas marinas, peces y aves estilizadas; en la parte inferior de dicho friso se puede ver la representación de un ave marina en vuelo de picada en clara acción de pescar. Hoy en día solo queda un pequeño bloque de aquel friso con las siguientes dimensiones: 2 metros de largo por 1 metro de alto aproximadamente.

Lamentable estado del friso antes de ser dañado.

El lunes visitamos el lugar en compañía de algunos integrantes del Instituto de Investigación del Patrimonio Cultural de Chincha (INIPACCH), y nos dimos con una ingrata sorpresa. Lo que quedaba del famoso friso ha sido destruido. Como recordaremos, una de las figuras del friso como es el pez estilizado (actualmente ya no existe), lo podemos ubicar en: el campo superior izquierdo del escudo de Chincha que, simboliza riqueza, prosperidad, un legado milenario de los antiguos pescadores chinchanos y, en la moneda de 20 céntimos.

Si bien es cierto, el friso desde su descubrimiento –primera fotografía que data aproximadamente de 1924– estuvo al descubierto y durante muchas décadas fue vapuleado, destruido por los visitantes. Añadimos que, la práctica de buscar tesoros por los “huaqueros” también haya sido uno de los factores de deterioro, además de los factores antrópicos.

Foto: 1924.

Sin embargo, en los últimos años tanto en Huaca La Centinela, Huaca La Cumbe y Huaca Tambo de Mora, se han encontrado huellas de pago a la huaca y amarres amorosos por brujos o curanderos de zonas adyacentes al sitio. Esta práctica es repetitiva desde tiempos inmemorables. Presumimos que, esta actividad de destrucción haya sido producto por parte de ellos, ya que se ha encontrado huellas de ceniza, hojas de coca, cigarros, botellas de vinos y pisco; no descartamos que hayan sido grupos de visitantes nocturnos que, querían pasar una noche desenfrenada en la cima de la huaca mirando la luna y estrellas, al son de buena música, fogata y licor.

Da tanto coraje que, cualquiera que fuese el caso, no han tenido un respeto hacia su Patrimonio. Nos llama mucho la atención ya que, antes de la pandemia esta práctica era casi normal en las huacas, en lugares específicos, incluso en la misma cima del edificio principal, pero sin dañar lo que quedaba del friso. Mucho por repensar y analizar hasta donde podemos llegar con actos así.

Se va borrando lentamente parte de nuestro friso, por la desidia y falta de voluntad política de algunos gobernantes, la inacción del Ministerio de Cultura y la falta de educación patrimonial de parte de los ciudadanos que acuden al lugar. Se siente una gran impotencia y coraje por lo acontecido, nosotros que estamos muy identificado con nuestro Patrimonio nos duele en el alma. Pero queda en nosotros seguir preservando lo que queda, ojalá que se pueda cumplir el sueño de tener al menos un día la réplica de todo el friso en alto relieve para el deleite del visitante. Mientras tanto, hoy no es un día para alegrarse. Hoy lo que queremos y amamos nuestra cultura milenaria estamos de duelo.

Dios Chinchaycamac, perdónalos, porque no saben lo que hacen.

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