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Cultura

Un instante de silencio en el cosmos poético peruano: algunas anotaciones críticas sobre la antología (2009-2019) Tiro al blanco escrito con negro de Albert Estrella por Julio Barco

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Diez años es el lapso de tiempo creativo que recopila el último libro antológico de Albert Estrella (Cerro de Pasco, 1985) titulada Tiro al blanco escrito con negro, proyecto que pone a nuestro alcance una de las poesías más híbridas y atrevidas del ande peruano; trabajo lírico que se aleja de lo retórico, sabe beber de las aguas de la tecnología, no para sumergirse en los acueductos banales del nombre o el hechizo del canto dirigido por un cultivado poder, sino para criticar las formas más íntimas del lenguaje poético; asunto que Estrella, formado e informado, recupera y agudiza, circunspecto como cirujano desde una observación desencantada como intensa, crítica como violenta.

Desde el prólogo, se observa la intensión del autor; curioso descontento y profunda mirada sobre el trabajo del tiempo frente a los versos “Un Autor como Borges, a los setenta años, con toda su erudición, esperaba la decantación del tiempo como si los textos fueran formaciones geológicas y donde el rio es el tiempo.” como también un ritmo  e intensión no concretada, lo que genera una sed de movimiento, un tenaz ejercicio de la palabra, de seguir el tan anhelo ya : Esta edición por tanto tratará de no perpetuarse, al ser una mera percepción mía, una opinión superficial de lo que yo considero mis mejores textos. Es por tal motivo que evadirá el “depósito legal” y sólo habitará en la biblioteca de algún lector conocido por mi persona y que sienta un verdadero interés por este arte de la prestidigitación, de querer darle al blanco, pero no acertar, de querer escribir una cosa , cuando en realidad escribías otra cosa .

En ese arte de prestidigitador, el artista es un mago, es el diseñador que clava su sentido frente al caos y la nada; elevando la subjetividad, crítica y mirada plena que tiene quién desea comunicarse desde lo interno, expectorar y entender lo real, y explicarse a través del lenguaje; lo que termina también constituyendo un ejercicio de taumaturgo.

Sin embargo, la poesía de Estrella es también consecuencia del rico trabajo poético que realizó la poesía peruana a inicios de siglo XX, es decir, todo es riquísimo detritus poético infecta su arte escrito, como purulenta música ingresa y sacude las raíces y brota entonces la libertad y originalidad de la vanguardia; como también el trabajo de poetas latinoamericanos, -sea la Literatura de la Onda mexicana, Los Infrarrealistas, Hora Zero, Nadaísmo colombiano, etcétera- así como de la irrupción de internet en el espacio poético. En ese sentido, lo interesante de Albert es su afán de lograr un auténtico modo de ser en el uso de la palabra, de manifestar su un cosmos propio, donde la tecnología, la ciencia, la desesperanza, lo irónico, el propio sentir los sonidos mentales de lo poético sirven de axiales para la creación de su propio cuaderno lírico.

Distanciémonos de las emociones que nos brotan al escribir sobre su verso y sus vigorosas posibilidades, miremos con lupa quisquillosa, de animales curiosos, la composición de uno de ellos. Elegí Mi generación Markada, por contener bastantes guiños del arte de Estrella: trabajo con los soportes del lenguaje poético, uso de la tradición, lenguaje coloquial e inteligente, creatividad desbordante:

(2)

Así, de modo súbito, con esa ventanita con cita azul y un equis dentro de un cuadrado rojo y tres opciones como rótulo de una interrogante, que debajo prosigue el hilo del poema; hilo donde Estrella una realidad cuántica donde lo observado dentro de la mente del autor, en este caso el balance personal de su generación con la propia simultaneidad de internet se alimentan y funcionan en la misma escena donde se da lo poético; Albert es como un pintor que uso la mancha de tinta de vino como parte de su arte, cociendo en él –como Joyce con los pentagramas musicales, Ezra Pound con los ideogramas, Juan Ramírez Ruiz con el lenguaje pallareiforme, o Haroldo de Campos siguiendo a Pound con otros ideogramas, por no citar a Verástegui, o a Zurita, entre muchos otros- pedazos de otros lenguajes, espacios que sirven para amplificar, hacer dudar del punto de escritura, romper los hilos de lo lógico (1), deshacerse de la mirada cosificada del poema como párrafos regulados de forma métrica y abrir otros soportes/ ejes mentales/ espacios de copiar & pegar/ cortar & cargar contenido como mecanismo soporte-funcionalidad poética; no es casualidad el uso de Xavier Abril para abrir el poema de Estrella; es Abril un vanguardista, obstinado, trotamundos, disímil, loco artista que trabaja de forma tenaz el verso y es parte también de una época dorada, aquella vanguardia con Moro, Eguren o Vallejo o Churata; Estrella, que los ha leído y releído, es también parte del contexto de otras poéticas que afectan más su tono, tanto Verástegui como la desbordante y

(y 3)

Como vemos, el tono de poema se mantiene, logrando un efecto tanto desenfadado como sincero, trasgresor e ingenioso; se-trata de un artista que comprende el ser vivo, es decir, el ser de lenguaje que es un poema, y trabaja organizando esquemas de vitalidad que nutren la auto-conciencia del texto; es también destacable el uso de cursiva y mayúscula para abrir más movimientos rítmicos dentro del verso, que ya no se sabe si es poema, rap, o prosa cortada, rápidamente repetida como salmo o como motor de energía interna. Pienso –extrapolando la idea de Estrella- sobre la generación marcada (con C de César Vallejo) por Daddy Yankke como Zuckerberg, 2 personajes tan esenciales para entender nuestro entorno, que, afectaron a su modo en nuestras percepciones y recuerdos, y como ello, dentro de un ámbito que puede ser sacro o lúdico, que es el ejercicio poético logra canalizar y tornarse forma; esa generación marcada, no tiene solo a Estrella como un faro del re-mixeado de la realidad global sino a varios tenaces programadores de poesía como J Stiven Medina, en Andahuaylas, o Moisés Jiménez Carbajal en Arequipa; o incluso proyectos como los de Sub 25, o los de los hermanos Vera que incluyen diagramas o ejes virtuales, e incluso trabajamos más recientes como el libro Hospital del viento del crítico y poeta Paúl Guillén; en fin, toda una generación marcada por iniciar sesión en una red social, por las redes que fomentan los hipervínculos, por algoritmos que acendran nuestro pensar, por chats y emoticones, por memes y formas digitales de interactuar; creada por un norteamericano, que usa, como todos saben, los datos e información de los usuarios como objeto de comercialización; en fin, tampoco son épocas oscuras para el poema y sus usuarios, al contrario, estos espacios, con sesión iniciada, sirven como plataforma de entendimiento de muchas formas de crear arte, culturas y miradas; de colocar ideas, de compartir libros y antologías que servirán para alimentar el movimiento poético; si uno conserva alegre los ojos puede observar el infinito paisaje que también añaden la tecnología dentro de su escritura; frente a ese entorno, su trabajo destaca como una apuesta lubricada desde el estudio y entendimiento, como una relectura de muchos otros soportes/ejes de comunicar un poco el logos donde la mente contemporánea gira –como trompo- al moverse dentro de la nueva realidad. Este interés de colocar imágenes continúa en otros versos como:

(4)

Donde observamos un juego literal de sentido del signo, una continuidad de discurso entre verso e imagen, o

(5)

Este último recuerda la poética de Alberto Hidalgo en Química del espíritu, especialmente aquel poema tan plástico llamado Jaqueca, que es así:

(6)

En ambos poemas, tanto el poema artefacto sintítulo de Albert Estrella como Jaqueca de Alberto Hidalgo tienen un espíritu lúdico de romper las formas del verso e idear una forma seguir el espíritu que se propone decir; espíritu que refleja claramente el carácter iconoclasta de los dos bardos, es decir, su rebeldía, la subversión contra los sentidos planteados y la posibilidad de resemantizarlos; no deja de ser también influencia el universo del Nintendo o los videojuegos que dan la idea de un disparo, de dos círculos que se mueven, ejes, pupilas que suavemente tiemblan: la semántica poética muta, parpadea hacia otro sentido que nos recupera como forma irónica, como forma incompleta, como unidad dentro de un cosmos plural donde inquietantemente observamos la destrucción del Poema y entramos a un espacio de juego; de un extremo a otro extremo del siglo dos poemas se observan, sus discursos y miradas nos abren nuevas formas de reflexionar el arte moderno; que es sin duda exploración e intensidad en los que manejan los códigos sobre los que se sostienen.

En esta antología Estrella tiene claro sus referentes: Héctor Hernández Montesinos, Antonio Cisneros, Eliseo Diego, Gonzalo Rojas, Xavier Abril, Rimbaud, Allan Mills, Fito Páez, Rodrigo Fresán, Heidegger, Nelly Sachs, Neruda, Van Gogh, César Vallejo, Zymborska, Zurita; u otros con los que ironiza como Coelho o Hitler. Es natural que su poética sea un diálogo como un entender nuevamente los ejes discursivos de esta gama de autores, como también recuperar sus propias poéticas para nutrir la suya, lo que me parece un acto destacable dado que la poesía es un sumo diálogo de voces y miradas, que tejen y crear el bosque simbólico; esta antología no solo tiene poemas de sus Cuchillos afuera (2009), Cielo de Pasco (2018), Po-Ética O la construcción del cielo (2011), Las Súper-Cuerdas (2013) también presenta dos ensayos sobre poesía; uno de ellos, nos arroja el trabajo que hace Albert Estrella con otros referentes:

(7)

En ese sentido,  recupera la misma energía dada y guardada en los versos, tornando su arte un espacio alquímico de ecos y latidos nuevos, un magma sustancioso de colores, como una suerte de nueva rapsodia modernista, que como sabemos, con Rubén Darío a la cabeza, creo un arte de muchas texturas y diálogos culturales; aquí, observamos:

La poesía –para él (tal vez para algunos Quantos más, incluido H.H.) –sería una autobiografía del lector, quien escribe lo que el poeta deja como figura”

Curioso fragmento: nos permite ver la camada de autores que transfiguran las voces poéticas buscando un camino de identidad propia, como Allan Mills o H.H., que es el chileno Héctor Hernández,gran motivador de las nuevas formas de modelar-barajear-subyugar-concatenar el art poetic; tornando la actividad de escribir poemas  como una senda personal, de aprendizaje perpetuo, de tonalidad del uno mismo, de búsqueda sobre nuestras propia realidad, esquema, voz y universo como flor abierta ante nuestros ojos. Este poema también sirve de espacio teorizante sobre la propia naturaleza poética,:

 el lenguaje tiene agujeros de gusano que te transportan en el espacio, tiempo y sentido del texto porque la hoja en blanco es el UNI – VERSO y donde si uno escribe inicio al final de un texto, no corresponde como sugiere la física Quántica, que uno en las antípodas del texto cuando ya ni nos acordamos de él, (y8) que sitúan el timbre lírico del autor en una suerte de exploración bajo la piel de lo dicho, bajo formas y tonadas, en lo más erizado del signo,:

 Nuestra poesía cuenta “la nueva novela” de la lírica (a manera de Juan Luis Martínez) y empieza con el clásico había una vez, un yo que retornaba a sí mismo que ahora eres tú el que está leyendo y retornando hacía ti. (y9)

Este manifiesto nos arroja a pensar la poesía en su estado más biológico, ampliando incluso una parte sobre la vida de los gorilas, que serían los poetas canónicos y su inevitable nivel de supervivencia de generación en generación; los poetas, como gorilas, viven en constante intercambio de adjetivos aunque también de posturas y miradas, de artes y críticas que solifidican el canon de un siglo a otro; esos desajustes y violencias son como los gorilas, aunque más atrevido me resulta el siguiente simil, donde Estrella argumenta de la posibilidad de entender el lenguaje en la dimensión del ARN & ADN, donde, según Vallejo:

(y10)

…todo poema es un ser vivo y el arte poético, en realidad, tiene una gran importancia para el ser humano, ya que termina rigiendo como un certificado de vida, totalmente profunda y esencial; entonces el ADN sirve para sostener la idea de poema como biología y el acto poético como una investigación desde y dentro de lo más vivo que poseemos:

(y11)

Hay todo esto en el arte poético de Albert Estrella, una poética elaborada con la energía de los viejos maestros, pero bien plantada en la ironía, juicio, angustia de nuestro tiempo virtualizado, segundo a segundo, con clicks modernos, sonidos de teclados, ventanitas abriéndose mientras uno teclea su mente en sí misma abierta como lánguida flor, o en un Paint donde copiar, pegar, cortar, cargar la mitad de tu vida, mientras las cabinas de internet siguen ululando de la soledad del artista que, cargando de sensaciones, oyendo a Spinetta o Charly García como a Li Po o Panero, pueda resetear el viejo cassette (donde chirría la voz de Antonio Machado cuidadosamente formal, de Eguren asustado, de Juan Ramón Jiménez iluminado por la luz) de la lírica y comprenda el infinito poder de electrizarla; mezclara y construirla desde orilla disímiles, donde yo y tú sean una hoja de word perfectamente trabajada en la soledad, con ejes y campos, con fuerza y vida, y recuperar en el gozo a tantos astros; ese resetear que planteaba gente como Reynaldo Jiménez, en obras como Ello inseguro, cito:

Como del juego manos
Hacinando de amores
Así andando por mor
Como bestias de carga (12)

con la nueva rueca de la pospoeticidad y la reinvención lírica. Aquí está Albert Estrella con su nueva antología que son 10 años de trabajo y rebeldía desde el software del signo.

NOTAS:

(1) La continuidad de absurdísimo que ya César Vallejo planteaba en Trilce.

(2) y (3) Del poema Mi generación markada

(4) Del poema Abisnauta.

(5) Que no posee un título pero, por su singularidad, funciona como artefacto dentro del poema.

(6)Poema Jaqueca de Alberto Hidalgo

(7) y (8) y (9) y (10) y (11) Poema la Re-Evolución de la literatura

(12) Ello inseguro pág. 74

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Julio Barco Ávalos (1991) poeta peruano, nacido en el distrito de El Agustino, Lima-Perú. Fundador del grupo Tajo. Redactor de las revistas Literalgia, Asia Sur, The fucking Times. Sus poemas aparecen en diferentes revistas online de Latinoamerica. Autor de los poemarios Me da pena que la gente crezca (2012) , Respirar (2018), Arder (gramática de los dientes de león), La música de mi cabeza volumen 7 (lenguajeperueditores), Arquitectura Vastísima (2019) (Primer puesto Huauco de oro, 2019). Novela: Semen (música para jóvenes enamorados), Des(c)iertos (2020) (editorial Metaliteratura). Participó y participa activamente en ferias, eventos, talleres, recitales a lo largo de todo el Perú. Actualmente trabaja los espacios Poético Río Hablador y dirige la web lenguajeperu.pe. A su vez activa la editorial Higuerilla, colecciones de poesía y prosa.

Cultura

El outsider del arte peruano: José Carlos Vargas

Conoce el trabajo de uno de los artistas peruanos que nos deslumbra con su obra escultórica.

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Y por siglos de siglos, los escultores cogieron materia blanda como la arcilla o dura, así el mármol y la piedra, para crear las mejores obras de arte que atravesando los siglos han llegado hasta nosotros, a excepción de aquellas destruidas por catástrofes o el fanatismo de grupos extremistas.

Perú, de grandes obras escultóricas, tiene creadores de esta disciplina como Juan Thomas Tuyro Túpac Inga, Baltazar Gracián, Daniel Lozano, Carmen Saco, Artemio Ocaña, Benjamín Mendizábal Vizcarra, Aldo Chaparro, Jorge Piqueras, Tilsa Tchuyida, Carmen Saco y otros nombres más.

“Las manos y el pensamiento son todo”. Así se enuncia en su página web, José Carlos Martín Vargas Mendoza (Lima,1976), escultor a casi tiempo completo, como también  disciplinado dibujante y narrador. Lo descubrimos en la exposición Los Camélidos del Tahuantinsuyu que se viene realizando en la Galería de Arte del Centro Cultural Mansión Eiffel (Jr. Ucayali N0 170, Cercado de Lima). El artista se hizo presente con un conjunto de  de alpacas de excelente talla.

Pero no es este el único trabajo, pues como fuimos descubriendo a través de una conversación por WhatsApp, su trayectoria es muy amplia y en su página web resume parte de esta a partir de su egreso de la Escuela Superior Autónoma de Bellas Artes en 1999, en la especialidad de Dibujo. El artista, obtuvo el Primer Puesto de su promoción, egresando con Medalla de Oro. Algunas obras escultóricas suyas se exhiben en parques del Perú y del extranjero.

Su trabajo personal se caracteriza por la combinación de materiales y técnicas, partiendo de los cómics. Este amigo de la Historia y de los mundos oníricos, obtuvo valiosos reconocimientos, habiendo sido finalista en los concursos metropolitanos de historieta juvenil (Calandria) 1992/94 y obtuvo el Primer Puesto de Creatividad de Arboles Navideños, que adornaron el Jockey Plaza en el 2005.

Entre otros logros tiene el segundo puesto en el Salón de Artistas por la Paz, en Buenos Aires (2011), participó dos veces sucesivas en la Bienal Internacional INTERBIFEP XVI y forma parte del museo Vírgenes del Mundo (Paraguay). Tiene exposiciones a nivel nacional e internacional.

Le preguntamos qué planes tiene para el 2022 y nos responde que desea  terminar su galería “Esculturas Vargas”, una retrospectiva de los 20 años que lleva como empresa con obras ejecutadas por encargo y dar por concluidos proyectos que comenzó durante la pandemia, entre estos, los dibujos eróticos basados en personajes de Disney e inspirados en Manara y Frazzeta, aunque menciona “sé que hay que ser consciente que realizar algo así en estos tiempos es muy osado, pero creo que el arte debe buscar un poco eso de moverte de tu asiento. Se tiene que ser un tanto atrevido con tu arte, pero tener buena factura a la vez”.

¿Y cuál es la diferencia para ti, entre erotismo y pornografía?: “Erotismo, es algo sugerente y pornografía, es algo explícito, grotesco”.

En esta multiplicidad de actividades, no pudo faltar el rock y Juan Carlos, formó parte el 2002 de un grupo bautizado con el título Maupassiano de “Horla, nombre que recogió de uno de los cuentos de este inquietante escritor francés.

Esta es la entrevista que sostuvimos con el artista.

La escultura, por la elaboración de los trabajos, es una de las disciplinas menos asumidas en general, pues se prefiere la pintura o el muralismo. ¿Qué te inclinó hacia esta especialidad?

Muchas gracias por esta entrevista.

Llegué a Bellas Artes de manera casual, recuerdo que estaba con mi madre, pensamos que era una iglesia al verla  de afuera y una vez adentro, descubrimos que se trataba de la escuela de Bellas Artes. Tenía la intención de ir a la especialidad de pintura, pero  cuando conocí el taller de escultura, descubrí que esta especialidad  iba con mi temperamento. Me es difícil estar quieto o sentado sin hacer nada a no ser  que este dibujando, y esto de crear volúmenes, tocar, crear formas siempre me pareció  algo mágico como jugar a ser Dios, eso de crear vida de la nada, me resulta fascinante,  aunque tampoco el color me es indiferente.

Por lo visto, eres uno de los pocos que ha tenido la fortuna de vivir con su trabajo artístico en el Perú, pues según leo y por lo que me contaste, has sido solicitado incluso en el extranjero. ¿A qué atribuyes esa particularidad?

Tuve la oportunidad de realizar varios proyectos,  y esto de ser buscado,  me parece que es una mezcla de suerte y el estar preparado para asumir cada reto. Verás, siempre estoy dibujando o modelando me encuentro practicando, entonces desarrollas cierta habilidad cuando sientes verdadera pasión.

Hace unos años, me escribió un tipo a mi correo, me preguntó  si era el autor de una imagen de Juan Pablo II que había encontrado en redes, le dije que sí, y quiso saber más: ¿qué tamaño tenia? Le respondí que 70cm. me dijo si podría realizar una similar para Medellín (Colombia) de 2.50. al principio pensé que se trataba de una broma, pero cuando se comunicó conmigo por teléfono, y posteriormente me envió el 50% del costo por mi trabajo me di cuenta que todo iba en serio, anécdotas similares tengo varias, entonces hay que trabajar siempre y utilizar las redes para promocionar tus trabajos.

Noto que transitas entre un existencialismo vivificante y otro derrotista, en tu concepción personal sobre el mundo, ¿qué lecturas te sustentaron esos criterios?

Bueno desde muy pequeño la tuve clara con esto del  arte, es una suerte temeraria, no es fácil dedicarse de lleno a tu pasión,  hay momento gratificantes donde la perseverancia y un poco de locura trae buenos resultados. Trabajar muchas horas  en soledad y a veces en silencio te ayudan a conocerte, un estado de introspección necesaria. El secreto es saber convivir con tus luces y tus sombras, ambas deben permanecer en equilibrio, pues los extremos no ayudan a la creatividad, soy consciente que estamos de paso ,entonces  escogí  el existencialismo  pues hoy en día con tanta tecnología , no tenemos tiempo de pensar, nos volvemos  consumidores de lo que vemos, o nos venden. Por otro lado, derrotista no creo que sea el termino, digamos un realista nato,  está claro que los tiempos  en que vivimos son  muy difíciles, pero un mar  calmo no te ayudara a desarrollarte. Me interesan diversas disciplinas como la Filosofía, Psicología, además  los cuentos breves y la música. Entre los personajes históricos nombro a  Marco Aurelio, Platón, Nietzsche, Carl Jung, Freud, Mauppasant, Poe, Camus, Sabato, Ribeyro y otros.  Un libro que  encierre el pensamiento de todos ellos, posiblemente sea, “El principito” mi libro de cabecera.

El conjunto de alpacas que muestras en la exposición sobre los camélidos, me da una idea de que tienes un conocimiento bastante cercano respecto a estos animales andinos. ¿Estuviste en alguna localidad de la sierra?

La escultura que presenté en la expo de camélidos “Las alpacas Suri”(2021), se trata de un proyecto que iba a realizarse para el bicentenario en Milán (Italia) el 2020 y que ya había sido  aprobado por el embajador, pero por cosas de la pandemia no se pudo concretar, entonces  teniendo esta maqueta de base, que inicialmente fueron alpacas de la raza “huacaya” la llevé a la exposición “Camélidos del Tahuantinsuyo”, sin embargo como para el proyecto debían ser de mayor tamaño, me dediqué a investigar un poco más sobre las alpacas Suri, apoyado solamente  de imágenes y algunos videos.

Me dices que si bien eres escultor, te atrae más el dibujo y la narrativa ¿Alguna vez has editado tus trabajos tanto escritos como el de los grafos?

Sí, me atrae mucho la narrativa junto con los dibujos y ambos pude presentarlos en algunas publicaciones; la primera fue a través de una revista del concurso de historieta juvenil por el año 1994 y posteriormente en publicaciones de libros de dibujo contemporáneo. Realicé también colaboraciones en revistas de comics. Tengo proyectos pendientes en ese formato que espero concretarlos pronto.

Tienes una serie de dibujos eróticos, de muy buena factura, y me parece que es como una especie de rebelión contra este sistema que denominas trashumano, porque nos ha confinado a un mundo de miedo y negaciones: ¿Es así? ¿alguna vez los expondrás?

Cuando empezó la pandemia, en mi taller se quemaron algunos fluorescentes y literalmente quedo en tinieblas, quizás mimetizándose con la realidad que se empezaba a vivir, las tiendas cerradas, no se podía salir y  el mundo se había convertido en un pueblo fantasma, en esas circunstancias empecé a  pensar como muchos, ¿Y si este es el final de todo?  Y en respuesta al caos, realicé algunos proyectos pendientes que los tenía  guardados en el baúl de la procastinación. Como tenía material para dibujar y lidiar con la oscuridad empecé  la serie de dibujos eróticos basados en personajes de cuentos infantiles de Disney y un libro ilustrado que lo  he dejado a medias y tiene el nombre de “TRANSHUMANISMO o el poder oscuro,” En cuanto a los dibujos eróticos, sí he pensado en  exponerlos, esa es la idea, no quiero realizar cosas para postearlas solamente en redes, espero encontrar una galería valiente.

Pero por otro lado, tienes un aspecto religioso bastante soterrado. ¿Cómo combinas esos  sentimientos tan opuestos?

El realizar imaginería religiosa, es  parte de este oficio y le guardo profundo respeto, pero no creo tener un lado religioso soterrado ,mi tendencia  va por lo espiritual, realizar imágenes religiosas, dibujos eróticos o juguetes, parte del  uso pleno del oficio y la imaginación, no los veo  opuestos  es una misma unidad, algunas mentes buscan etiquetar estilos, en lo personal  me gusta estar en constante auto-descubrimiento, el buen arte no tiene límites.

 Te has valido de muchos recursos como el rock para mostrar tu disconformidad, con el sistema, la narrativa que guardas por ahí, ¿también tiene ese contexto?

La música te ofrece otras posibilidades, pero ambas coinciden en transmitir un mensaje, una sensación si es cierto también  una disconformidad. Como experiencia te cuento que  formé parte de una banda post punk  hace muchos años, cuando mi cabello estaba más largo y mis ideas eran más cortas. Disfruté esa etapa de mi vida pero ya fue,  la mayoría de temas relacionados al desamor, el suicidio y la realidad social eran de mi autoría, pero  seguir sobre esa línea, no sé, no me veo, hay más cosas por hacer, aunque siempre seré un crítico de la realidad en que vivimos, pues no podemos meternos dentro  de una burbuja.  Uno no es la misma persona de hace 10 años, ni siquiera de hace un año, vamos evolucionando o involucionando depende de cada uno.

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Arte

Entrevista con el artista peruano Miguel Ángel Velit

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Las obras del artista Miguel Ángel Velit se encuentran en el espacio urbano de la ciudad de Lima, su trabajo en base a metal lo podemos apreciar en parques y calles de nuestra capital, pero también en países como Estados Unidos o China.

En esta entrevista Velit nos detalla su reciente incursión al Estado de Búfalo en Estados Unidos, donde el 30 de agosto creó e inauguró una de sus esculturas gracias a una beca norteamericana.

Velit también se desarrolla en la pintura, actualmente sus obras se encuentras en diferentes colecciones privadas y museos alrededor del mundo.

En la entrevista también se habló de Carlos Regazzoni, uno de los más excéntricos artistas argentinos que conoció Miguel Ángel Velit en su estadía en Argentina.

Aquí la entrevista completo.

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Cultura

De gustibus non est disputandum ¿Spinetta vs Dylan?

Seres humanos como Luis Alberto Spinetta y Bob Dylan, sólo pasan una vez por este mundo. La influencia de ambos es incalculable, pero ¿es posible comparar a ambos artistas? ¿Implica un mayor crecimiento cultural, goce o refinamiento del gusto musical, preferir a uno sobre el otro? Demos una vuelta a su fanaticada.

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Por Gerónimo Stoll

Todo empezó cuando un amigo me dijo “Si te parece que Spinetta es más que Dylan, estas equivocado. Dylan es el Dios. Cualquier persona que niegue eso, aún no ha sido alcanzada por la verdad” así que me pregunté si era posible compararlos como artistas. La voz de Spinetta es casi imposible de igualar dentro de la misma impresión de emociones, dejaba el alma en todo lo que hacía; Dylan, genio, poeta, multifacético, queda en la monotonía para algunos, en cuanto al tema vocal. Ese fue mi primer argumento, mas la insistencia de escuchar y leer con detenimiento las composiciones del artista estadounidense, iniciaron en mí un proceso de exploración musical con una laboriosidad cuasi obrera.

Siempre me pregunté por qué toda su fanaticada se siente elevada a comparación del resto, mientras escuchan la ininteligible voz de un artista (cuya voz poética y lírica) puede plasmarse por escrito como para llevar nobeles a la casa todos los fines de semana. Es como ir a protestar en contra del McDonald’s, acompañado por ritmos de folk, country, rock, blues, gospel y mucho rock, and roll mientras se atiende la comida en el McDonald’s. Fusion Food en su máxima expresión desgastada por el alcohol, es lo que diría yo acerca de Robert Allen Zimmerman.

Bob Dylan.

Mientras que resulta casi blasfemo observar covers de spinetta, ya que malogran horrible la versión original con ese ánimo de beatitud por alcanzarlo, los covers que realiza Dylan de otros artistas son geniales, como “All Along The Watchtower” de Hendrix, del mismo modo, temas que luego han sido un cover exitoso como “Can’t help falling in love” (UB40 realiza el cover) resultan abrasadoramente emotivas y conmovedoras hasta el tuétano en la versión de Dylan. Por favor, no me traigas a los Guns and Roses con “Knockin on heaven´s doors” luego de escuchar al genio sui generis de la canción anglosajona, te los regalo.

Por otro lado, las composiciones y temas de Luis Alberto Spinetta dicen tanto, que superan la voluntad Nietzcheana y del estilo Schopenhauer, trasciende en todo sentido con una naturalidad que hasta el mismo Leibniz se preguntaría si todo pasa por algo, y en este caso ¿qué razón llevó a Latinoamérica a parir esta genialidad de ser? Temas como “Desatormentándonos” y el “Blues de Cris” deja todo en la cancha acerca de las raíces blueseras de las cual bebe este poeta que experimentó con el eclecticismo surreal. Dylan también, dice mucho, protesta siempre y su voz, merece ser cancelada, al poder no le gusta lo que dice.

Luis Alberto Spinetta.

Sin embargo, frente a todo se halla el corolario de los fans. Los fans de Dylan son arrogantes, al menos aquellos que me han rodeado socializando ¿Por qué? Hasta ahora me lo sigo preguntando y preguntando. Creo que es una pregunta sin responder. Es cierto, te sientes más elevado y emocionalmente sosegado al escuchar a este artista, pero ¿a tal punto de querer enarbolar una bandera de sofisticación impuesta en tu ser? Usas la bufanda, los lentes oscuros, las chompas de lana, la casaca morada, la actitud de fumador culto, de lector exhibicionista, músico sólo de ropa para afuera en la católica… No gracias, no voy con ello, me da ganas de vomitar.

Acerca de Luis Alberto Spinetta, no he observado dicha actitud en su fanaticada, mas bien, no tiene fanaticada, es alguien a quién uno llega sólo, Luis Alberto no te busca, tu llegas a él, mientras que Dylan te rodea como un imperativo KFC Starbucks, Chilli’s y otras fusiones extrañas pero deliciosas en cuanto a sabor, sin embargo, Dylan no te genera una indigestión, al igual que Spinetta, de modo que ambos nos transportarían a lo más alto de la gastronomía mundial, al igual que musical, bueno, realmente en el plano musical deja sorprendido encontrase con una comunidad que disfruta del sosiego y emociones desatadas que ambos transmiten y en ello, sus seguidores tienen un común denominador: el refinamiento del oído y el gusto aceptando al otro.

Esta fusión de análisis no tiene respuesta, realmente no la tiene. Musicalmente uno puede perderse, pero basta con ver al grueso de seguidores —así como fans— para ver la influencia del artista. No hablamos de los seguidores que enarbolan la pose de saber todo sobre el artista, sino de aquellos que viven en su interior el arte del mismo, aquellos que guardan un perfil bajo, aquellos que aceptan al otro, aquellos que te hablan más sobre sí mismos y lo que dejaron ambas estatuas de nuestra música, de la humanidad, de aquello que une a culturas tan disímiles como la anglosajona y latinoamericana, que viene a ser la música y la fiesta como protesta estética sujeta de goce cultural.

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Cine

Titane, de Julia Ducournau (Francia, 2021)

Lee la crítica de cine de Mario Castro Cobos.

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¿Qué es Titane? ¿Se trata de una película visionaria? ¿Sus escenas chocantes y revulsivas deben entonces abrir la mente del espectador a nuevas realidades, mutaciones que son inminentes o que se están produciendo ahora mismo? ¿Y si la operación puede ser incómoda, esto se debe básicamente a nuestra pereza?

Crudo (2016), su película anterior, es por comparación casi un juego de niños que se van de campamento el fin de semana. Crudo (amarás a la caníbal) es un adorable divertimento erótico… al lado de Titane.

Con Titane, me siento en lugares que ya he visitado. Los ecos de Cronenberg o Tarantino son transparentes, imitaciones inferiores a los originales y que no añaden nada a sus modelos.

No niego -y es un buen punto- a Ducournau habilidad para provocar, con generosidad abundante, sensaciones de repulsión y de extrañeza. De hecho sacude estereotipos. Pero, reconociendo eso sin problemas ¿más allá de evidentes agitaciones, qué de nuevo trae esta película?

Nadie medianamente informado ignora que nos estamos fusionando activa y pasivamente con las máquinas, que estamos entrando en el transhumanismo, que como han dicho desde hace tiempo varios estudiosos somos ni más ni menos que los primitivos de una nueva civilización. Que el machismo-patriarcado-capitalismo es tóxico y está acabando con todo. Que hay una paradoja de revolución tecnológica e involución mental y social..

¿Y cómo será esta nueva civilización? Nadie puede estar seguro de lo que nos espera exactamente. ¿El renacimiento o el fin? En ese bonito contexto aparece una película cyborg, mitológica, irrreal y tanática, o realista en extremo por todo lo anterior, y que acumula o compendia muchos malestares contemporáneos en la desdicha incesante de un personaje.

Para el público al que habla y con cuya utopía dialoga la sexualidad se está volviendo cada vez más fluida, los estereotipos de género continúan descomponiéndose, la institución de la familia tal como la conocemos podría ser reemplazada, transformada en algo menos cerrado y autoritario…

Titane, aunque repasa todo esto, me parece un electroshock que se queda en la superficie. Tras su malditismo hay un drama llorón convencional; estamos con una suerte de virgen con incrustaciones metálicas, fecundada por un automóvil y por fin experimentando un padre con amor…

Resulta risible que nos quieran hacer creer que una mujer que adquiere un loook masculino evidencie que estamos ante una película vanguardista… como si no hubiésemos visto nunca nada así. O que debamos sorprendernos ante mujeres que no quieren la maternidad. O que debamos estremecernos ante el nuevo especimen de la nueva carne en una película Ducournau, que no aporta fundamentalmente nada a tesis ya conocidas…

O que sea una cumbre del ingenio y el horror que la protagonista desprenda no sangre sino más bien bencina… ¿Titane no será más bien un ejemplo de una película que envejecerá rápidamente en vez de constituirse en una obra adelantada a su época?

Película
https://ok.ru/video/2972469561995

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Cultura

Exministro Ciro Gálvez: “Pedro Castillo no representa un cambio histórico”

El exministro Ciro Gálvez revela la crisis del actual gobierno. Próximo a presentar la nueva edición de su libro, nos cuenta que también viajará a la FIL Guadalajara, pero viajará con su plata.

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En medio de una crisis política, el gobierno del presidente Pedro Castillo continúa siendo cuestionado por las irregularidades que se vienen revelando en los diferentes ministerios. Uno de ellos es el Ministerio de Cultura, donde siguen apareciendo más denuncias.

El exministro Ciro Gálvez conversó con Lima Gris sobre lo que viene pasando en el Ejecutivo, pero además, sobre los recientes hechos sucedidos en Palacio de Gobierno y en el Ministerio de Cultura, una cartera que por más de una década se ha convertido en un holograma en plena avenida Javier Prado.

Otros de los temas que se habló, fue sobre el descontento social a nivel nacional y las protestas que se vienen desarrollándose en distintas regiones del Perú. También señaló que el presidente Evo Morales copió el nombre de su partido al crear Runa Sur, un movimiento político que el expresidente boliviano pretende proyectar en Sudamérica.

“Cualquiera que esta usando este nombre, se esta copiando. La palabra Runa están mal utilizando, eso lo tenemos patentado, registrado y tenemos la reserva del nombre. Evo Morales racialmente tiene raíces indígenas, pero es de formación marxista, y eso hizo que sea rechazado en Bolivia”, mencionó Ciro Gálvez.

Además, señaló que no tiene ninguna relación con el actual gobierno de Pedro Castillo. Próximamente el exministro presentará la nueva edición de su libro Teoría del Renacimiento Andino, que podrá ser adquirida en todas las librerías.

Aquí la entrevista completa.

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Cultura

Un encuentro con Gary Nader en Miami

Art Basel es el evento más importante de arte en el mundo. Nuestro corresponsal Ricardo Terrones, llegó hasta Miami para la inauguración de la gran feria. Además, conversó con el gran coleccionista de arte Gary Nader.

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Gary Nader y Ricardo Terrones.

Lima Gris llegó hasta Miami para conocer al coleccionista más importante de arte latinoamericano en el mundo. Su nombre es Gary Nader, nació en República Dominicana en 1961 y actualmente maneja la galería de arte que lleva su nombre. La galería cuenta con una gran colección privada de arte latinoamericano y se encuentra ubicado en el corazón de Wynwood, el nuevo distrito artístico de Miami.


En nuestro encuentro previo a la entrevista, Gary Nader nos abrió las puertas de su galería en pleno montaje de la muestra de su colección de arte. Entre las adquisidores del afamado coleccionista aparecen obras del artista colombiano Fernando Botero, Pablo Picasso, Marc Chagall, Damien Hirt, Albert Oehle, etc. Según especialistas, Gary Nader tiene la colección más grande de Botero.

Nader acababa de llegar de Nueva York donde presentó una muestra de su colección privada del artista cubano Wilfredo Lam, y donde se cerró una venta de una obra por el valor de 5 millones de dólares. A pesar de su agitada agenda, el coleccionista nos recibió para conocer más de su trabajo alrededor del arte latinoamericano.

La muestra que será inaugurada el 01 de diciembre y donde Lima Gris estará presente, se expondrán obras de los artistas Roberto Matta, Julio Larraz, Claudio Bravo, Wilfredo Lam, Rufino Tamayo, Rafael Soto, Tomás Sánchez, Mario Carreño, Joaquín Torres García, entre otros artistas latinoamericanos.


Nuestro enviado especial Ricardo Terrones, llegó hasta Miami para entrevistar a Gary Naider y también realizar una cobertura especial de la nueva edición de Art Basel, el evento de arte más importante del mundo, que se inaugura el 30 de noviembre.

La Feria de arte abrirá a invitados VIP desde el martes 30 de noviembre y durará hasta el 04 de diciembre. En la entrevista que publicaremos pronto en Lima Gris, Gary Nader habló sobre sus inicios en el arte, su primera galería en Miami, el arte peruano, la tecnología y la relación con el arte. Además, reflexionó sobre la situación de los jóvenes artistas que tienen el compromiso de construir un lenguaje propio.

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Cine

De todas las cosas que se han de saber, de Sofía Velázquez (2021)

Lee la crítica de cine de Mario Castro Cobos.

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El detrás de cámaras es la película. El ensayo es la obra. O en buena parte en ambos casos. No escondas el dispositivo; muéstralo, así es mejor, porque esto es una película, y, a la vez, o por eso: se trata de captar lo que está vivo. Tanto si te lo inventas como si lo descubres (sutil o invisible diferencia, pero existe).

Y qué es lo que importa: pequeños momentos de energía y gracia. (Esto es: no al guión de fierro y no a la maniática ilusión ‘realista’. Vieja desgracia del cine peruano más retrógrado.)

El error, la imperfección, el accidente son aprovechables, son parte integrante del proceso (de la vida y de la obra). O por qué llamarlo error, imperfección, accidente… si es la vida misma. Así que todo esto (o parte de esto) lo verás también en la obra misma. Evidenciarlo es (literalmente) constructivo, además de divertido -y en realidad bastante instructivo; debería hacerse más-.

Se trata, como se dice, de ‘la gente del lugar’ donde nació César Vallejo; gente que, muy animadamente, se presta al juego. Sé que es o que termina siendo un retrato de la gente más que un retrato de Vallejo pero me pregunto quién es Vallejo para ellos (aunque está claro que a algunos sí les importa algo más). ¿Y qué hacen ellos con sus palabras?

“Todo acto o voz genial viene del pueblo y va hacia él” son palabras del poeta que no se citan ni se declaman en la película pero algo de eso está… Con todo, las palabras de Vallejo siguen traspasando el tiempo (ese es su poder) y siguen describiendo vivencias humanas. Rompiendo el lenguaje. Y el pueblo juega con el juguete.

Así, lo que me atrae más es el registro (casi siempre fresco) de las intersecciones de un puñado de habitantes de Santiago de Chuco con algunas palabras —sigo con la duda, qué tan importante será Vallejo para cada uno de ellos, pero también puedo pensar en qué tan importantes fueron para Vallejo personas sencillas como las personas filmadas— de uno de los poetas más extraordinarios del siglo XX. Las palabras habitan estos cuerpos tan distintos, como habitaron el cuerpo del poeta.

Encuentro empatía, naturalidad, un sentido del tacto y la discreción -así como de la fabulación- y aprovechamiento del cine de, entre otros, Eduardo Coutinho y Nicolás Prividera. Y más allá, el cine-encuesta (‘cine-verdad’) practicado por Rouch y Morin en Crónica de un verano (1961).

Y si la película no bucea (digamos, a lo Vallejo), navega de manera ingeniosa y apreciable por su galería de personajes más acá y más allá de Vallejo. ¿Y si el texto era un pretexto? Pero sin pretexto no hay película.

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Cine

“Pisahueco” se fue a Portugal

El cortometraje peruano que sigue ganando premios internacionales.

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“PISAHUECO”  (HOLESTEPPER) Es la ópera prima de Sergio Fernández Muñoz (Lima, 1991), que después de haber obtenido 188 premios y nominaciones a nivel internacional, desde su estreno el 2018, un récord absoluto no logrado jamás por ninguna otra producción peruana- se va al Portugal, pero convertido en una serie inicial  de seis capítulos y bautizado con el curioso nombre de “Noob”. Las transmisiones se iniciaron este 15 de noviembre, con un elenco totalmente extranjero.

¿Quién es PISAHUECO?, el productor y bachiller en comunicación Audiovisual de la Universidad de Lima Sergio Fernández, ideó este argumento movido por el enorme atractivo y popularidad que han alcanzado  las plataformas digitales, medios completamente inéditos en décadas pasadas, que nos abrió posibilidades impensadas pero que también puede servir para ser utilizado de manera equívoca.

El famoso bullying, ese acoso que enfrentan los chicos en el colegio por parte de sus compañeros y alguna vez, también de los mismos profesores  porque “se le prendieron,” a un alumno, ha sido revertido y ahora son los docentes quienes lo sufren, pero a través del internet. Este es el caso del profesor “ANGEL”, interpretado de manera magistral por el primer actor Oswaldo Salas.

El argumento, es sencillo: el profesor Angel, que padece de cojera-no se sabe si congénita o producto de un accidente- un día descubre que sus alumnos hacen burla de este defecto y por las redes, lo bautizaron con el término peyorativo de PISAHUECO. Decidido a descubrir a los culpables y darles una lección, se interna por los vericuetos del internet adoptando una actitud que sorprende a sus discípulos, pues de agredido termina en agresor.

Este es el nudo gordiano del cortometraje, porque nos descubre el lado oscuro de la personalidad del personaje que sale a luz a través de la agresión que está sufriendo y nos deja preguntando si quizá sin ese disparador, Angel hubiera seguido siendo el personaje tímido y acomplejado de siempre o bastó accionarlo  para lanzar la bala? Especulaciones que serán resueltas por los cinéfilos.

El elenco está conformado por Oswaldo Salas como el profesor Angel, los adolescentes Paulina Bazán (Francisca), Adrián du Bois (Lorenzo) y Naara Amoretti es María José. Este cortometraje ha sido  nominado con 188 galardones. El actor Salas acumula 57 premios y su retrato convertido en una singular caricatura, sirvió como presentación del corto en un afiche publicitario.

Escogimos solo cinco de estos importantes reconocimientos, para descubrir su enorme gran capacidad actoral:

1.    Ganador del Premio a la Excelencia al Mejor Actor Principal en el Accolade Global Film Competition, USA.

2.    Ganador del Premio al Mejor Actor en el V.i.Z. Film Fest, Bulgaria.

3.    Ganador del Premio Gold al Mejor Actor en Drama en el Best Actor & Directors Award – New York, USA.

4.    Ganador del Premio al Mejor Actor en el Halicarnassus Film Festival, Turquía.

5.    Ganador del Premio al Mejor Actor Principal en Cortometraje en el Lonely Wolf – London International Film Festival, Inglaterra.

¿Cuál es el secreto del éxito de PISAHUECO? La simbiosis entre el guión, la dirección y la actuación impecable del elenco  pues ni siquiera los jóvenes actores pierden el papel, por así decirlo y en la que destaca la de Oswaldo Salas.. Agregado a estos elementos, se suman la escenografía y la música incidental

El PISAHUECO portugués, se ha convertido en el primer cortometraje peruano que tiene una versión extranjera como serie con el nombre de “noob”. Su nuevo director es Carlos Melim y el guión ha sido escrito por el director de PISAHUECO, Sergio Fernández junto con el director y guionista Mateo Krystek, quien fuera asistente de dirección del PISAHUECO peruano, interviniendo también, Carlos Melim. Este nuevo profesor se llama Filisberto y ha sido encarnado por el actor Alexandre Martins.

Noob.

El director Fernández, además de ocuparse de los cortometrajes, trabaja también en Señor Z, una casa productora de comerciales siendo uno de sus directores. Esta diversidad de ocupaciones y los viajes a provincias, no le permitieron dar respuesta a nuestro cuestionario, privándonos de conocer aspectos inéditos de la filmación, los cambios habidos en la serie, como de su carrera y su percepción personal sobre el bullying.

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