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Cine

Todo sobre Cassavetes

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“Nunca nada es tan claro como se ve en el cine. La mayor parte del tiempo la gente no sabe lo que hace –y me incluyo–. No saben lo que quieren o lo que sienten. Solamente en las películas se sabe bien cuáles son los problemas y cómo resolverlos (…) El cine es una investigación sobre nuestras vidas. Sobre lo que somos. Sobre nuestras responsabilidades –si las hay–. Sobre lo que estamos buscando. ¿Por qué querría yo hacer una película sobre algo que ya conozco y entiendo?”
John Cassavetes.

Cassavetes

Dentro del marco de la segunda edición del Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires, la retrospectiva completa de la obra de John Cassavetes fue un festival aparte. Pionero emblemático del cine independiente, Cassavetes capturó con su cámara audaz e inquisitiva en forma única e irrepetible el frágil universo del deseo y el amor, cambiándole la cara al cine norteamericano para siempre.

Entre los invitados al festival, Al Ruban, productor y director de fotografía de varias películas del realizador, presentó, junto al actor Seymour Cassel, cada uno de esos 11 films que dejaron huellas indelebles en la historia del cine. También, con muy buena disposición, habló incansablemente de la obra de Cassavetes, con tanta pasión como la que emana de las películas mismas.

–¿Cómo comenzaba el proceso creativo de una película de John Cassavetes?

–John trabajaba del mismo modo en todas sus películas. Escribía el guión de un modo muy personal: pensaba en la historia durante meses y la escribía en la cabeza, nunca comenzaba escribiendo directamente. Por ejemplo, supongamos que él no te conocía, entonces, te decía: ¿Quieres escuchar una historia? Y empezaba a contarte la historia, hasta donde la tenía pensada. Supongamos que un repartidor llegaba a su casa, entonces le preguntaba: ¿Tienes unos minutos? Te quiero contar algo…

–Le encantaba hablar…

–Con todo el mundo. Porque quería oírse a sí mismo decir las palabras de su historia. Hablaba y escuchaba, prestando atención a la reacción de la gente. Adoraba contar la historia, que iba cambiando mientras la contaba, por lo que cada persona terminaba escuchando una historia distinta. Cuando se sentaba a escribirla, lo hacía bastante rápido, en 3 semanas terminaba el guión, porque ya tenía todo escrito en la cabeza. Desde el punto de vista de la narrativa clásica, sus películas no tenían ni principios ni finales; podría decirse que filmaba “pedazos de vidas”.

–¿Cuál era el paso siguiente?

–Con el guión en mano, comenzábamos el casting. Le proponíamos un par de buenos actores, y él respondía: “Quiero usar a Fulano”, y Fulano era… ¡su electricista! O alguien que vio en la calle que, según él, era la persona perfecta para el papel. O su propia madre, o la esposa de su padre, o el hermano de su esposa, o sus hijos. Siempre le pedía que sólo me dijera a quién quería tener en la película, y que se reservara todas las explicaciones de por qué tal o cual persona eran indispensables, puesto que John tenía la habilidad de poder justificarlo todo. Me cansaba de escuchar sus largas explicaciones, ya que, al final, siempre quedaban las personas que él siempre quiso desde el principio. En Torrentes de amor, después de resolver el casting, comenzamos con los ensayos.

–Muchos creen que Cassavetes improvisaba todo el tiempo, sin guión…

–La gente dice eso porque no sabe. Generalmente, John invitaba a los actores a su casa, todos se sentaban y leían el guión, unas tres o cuatro veces. Sin actuar, sólo lo leían en voz alta. En el proceso, el elenco podía o no cambiar. Cuando ya quedaba fijo, John convocaba a los actores y comenzaba el ensayo del texto completo, actuando las escenas, sin cámara, a lo largo de 3 o 4 semanas.

–¿Aceptaba cambios en el texto?

–Sí, y muy abiertamente, pero básicamente si venían de los actores. Si alguien tenía problemas con una línea de diálogo, o si no entendía muy bien el texto, John le decía: “Bueno, muéstrame cómo lo harías tú”, ellos le mostraban, y él aceptaba las modificaciones, lo que también le abría la mente a otras posibilidades. Se re-escribía lo que fuera necesario, y al día siguiente teníamos una nueva página, o dos, o cinco, incorporando el texto nuevo. La re-escritura continuaba a lo largo de todo el período de ensayos. Al final, los actores ya eran los personajes, porque los habían construido fusionando el texto original con las modificaciones que ellos introdujeron. Se habían convertido en los personajes o, dicho de otro modo, los personajes eran los actores mismos.

–Entonces, en parte, de ahí surge la naturalidad de las actuaciones.

–Sí, seguro. En Noche de estreno, teníamos a Joan Blondell, una actriz maravillosa. Un día se acercó y me dijo: “Al, no sé cuándo están actuando y cuándo no”. Esto era algo muy inusual para ella, ya que llegaba al set, se metía en el personaje, y cuando decían “Corte”, salía del personaje, contaba chistes y demás. Por eso, me dijo: “No me doy cuenta si están actuando o si están siendo ellos mismos. Acá todo es lo mismo”. ¡Esa era la idea! Nunca conocí a un solo actor que haya estado en nuestras películas y que no haya querido volver a actuar con nosotros. A pesar de que nunca le pagamos a nadie más del salario mínimo impuesto por el sindicato. Teníamos actores que, en otras películas, ganaban miles de dólares por semana, pero cuando trabajaban con nosotros gustosamente aceptaban unos 500 dólares semanales. Y lo hacían por la experiencia, por la posibilidad de crecer. En la mayoría de las películas, los actores sólo hacen aquello para lo que fueron contratados, ni más ni menos. No desarrollan su potencial. Ese es el pacto que uno asume trabajando en el modelo industrial de Hollywood.

–La constante preocupación de Cassavetes por los rostros de las personas y de sus personajes es notoria.

–Porque a él realmente le interesaban las personas, y el descubrimiento lo era todo. Por supuesto, él escribía los guiones, conducía los ensayos, se encargaba de la post-producción, pero lo que más disfrutaba, lo que amaba, era la etapa del rodaje. Si ocurría algo no planeado, alguna emoción espontánea, John inmediatamente quería explorarla, ir a lo más profundo, porque verdaderamente quería conocer a fondo a esa persona. Y cuándo él quería saber, se convertía en un espectador. Realmente le interesaban las personas y, sobre todo, el tema del amor. El amor hace que las personas hagan lo que hacen en la vida, ya fuere intentar conseguirlo o alejarse de él. Es el motor más fuerte en la vida de la gente y él quería explorar todas sus variaciones.

–Eso ya está presente en su ópera prima Shadows, que narra historias de anhelos frustrados, de un amor trunco por la ignorancia y los prejuicios raciales. La crítica la recibió con elogios, pero no funcionó en los Estados Unidos.

–Sí, Shadows tuvo una buena repercusión, pero no en Norteamérica. Una compañía inglesa la compró para su distribución en Europa, estrenándola en Londres, donde fue muy valorada. Y si bien nació a partir de improvisaciones de actores no profesionales en el propio taller de teatro experimental de John, luego se convirtió en una película. Pero, jamás fue pensada para ser exhibida en cine. Originalmente, fue filmada para que los actores pudieran analizar su trabajo. Cuando John fue invitado a un programa radial para promocionar Edge Of The City, de Martin Ritt, en la que él tenía un papel protagónico, dijo que la película no era tan buena, y que él mismo podía hacer una mejor , siempre y cuando cada oyente le enviara uno o dos dólares para hacer una película auténtica, sobre la gente. Y así junto casi U$S 2.000. Ahora estaba obligado a hacer la película –que terminó costando casi U$S 40.000–, pero la hizo y estaba muy contento. Si la gente no le hubiera enviado el dinero, quizá nunca habríamos oído hablar de John Cassavetes.

–Es muy inusual que en vez de hablar de la película de Martin Ritt, eligiera hablar de su deseo de ponerse detrás de las cámaras.

–Sí, pero también estaba promoviendo su carrera como actor, era muy popular en televisión, uno de los nombres más importantes de New York, en ese entonces. Después de una larga lucha, lo buscaban para todo tipo de papeles, y él amaba actuar. De hecho, cuando era director seguía siendo un actor, porque era un director de actores. Les daba total libertad para que pudieran ir más allá de sus ideas preconcebidas sobre su propio potencial. Les daba confianza: nunca los traicionaría poniendo en la película momentos de la actuación que a los actores no les gustaban. Pero tampoco quería actores que mostraran siempre los mismos gestos, las mismas pausas en el discurso, el mismo tono, todos los recursos que el público ya conocía. Claro que jamás les decía esto de forma verbal, como tampoco les decía explícitamente qué tenían qué hacer. En cambio, rodaba hasta 50 tomas o más, hasta conseguir lo que buscaba. Tarde o temprano, hasta el actor más tonto se daba cuenta que a John no le gustaba su actuación. Como respuesta, él simplemente les decía: “Hagámoslo otra vez, otra vez, otra vez.”. Y ellos respondían: “Bueno, está bien. Otra vez”. Entonces, de repente, uno entra en ese ritmo y los actores bucean a fondo, enriqueciendo sus personajes con aspectos que jamás habían imaginado. Esto no significa que siempre todo funcionaba bien, pero lo que no funcionaba se descartaba.

–Shadows fue una película de bajo presupuesto que ganó el Premio de la Crítica en el Festival de Venecia, y también la atención de Hollywood. La Paramount le financió su segundo largometraje, La canción del pecado; luego, Stanley Kramer fue el productor –para United Artists– de Un niño espera. Pero trabajar para estos estudios fue muy poco satisfactorio para Cassavetes…

–Porque John no era una persona que pudiera tolerar los condicionamientos de Hollywood. En el caso de Un niño espera, fue contratado como director, no escribió el guión ni eligió al elenco: Burt Lancaster y Judy Garland en los papeles principales y, en segundo lugar, los niños del asilo, que realmente tenían un retraso mental –exceptuando al protagonista–. Un día, John tenía que filmar una escena importante con los chicos, quienes le interesaron tanto como para tomarse tres días para filmarla. Y también, porque no quería alejarse de ellos. Para él, los chicos eran mucho más interesantes que Burt Lancaster y Judy Garland. John entendió claramente que estos niños tienen un lugar en la vida, no se puede encerrarlos en un edificio, y así hacer de cuenta que no existen. Pero Kramer le dijo que la película era, fundamentalmente, la historia de amor entre Burt Lancaster y Judy Garland. ¡Y ahí ya teníamos un conflicto! Por eso, John fue despedido en la post-producción. Quizás eso fue algo bueno, porque reforzó sus propias convicciones sobre lo que realmente quería hacer.

–Con Faces, Cassavetes brillantemente escudriñó las neurosis e insatisfacciones de un matrimonio de clase media, marcando el gran retorno a su cine de autor. ¿Cómo recuerda este momento de ruptura?

Faces fue mágica. Ni los actores ni el equipo técnico recibieron un salario al comenzar el rodaje. Más adelante, a partir de la repercusión de la película, recibieron los porcentajes respectivos, que si bien no era una fortuna, era bastante dinero. La película se filmó casi completamente en la casa de John –como Torrentes de amor– con pocos recursos y mucho para hacer. Todos estábamos exhaustos, pero de un modo que sólo queríamos descansar unas horas y volver a trabajar. Queríamos más y más, como si fuera una droga. Faces tuvo una excelente recepción en los Estados Unidos, se estrenó en un pequeño cine de New York y estuvo 18 semanas en cartel, generando un rédito comercial muy importante y con un costo de producción muy bajo. Es mi película favorita: no le pagamos a nadie y, sin embargo, todos vinieron a trabajar todos los días. Sólo porque realmente querían hacerlo.

–¿Con cuántas cámaras filmaban?

–Al principio, en Shadows, con una sola. Pero a partir de Faces comenzamos a usar dos cámaras porque John quería que los actores se mantuvieran inmersos en la escena, para así transmitir una sensación más viva, una impresión de realidad y autenticidad más fuerte.

–¿En qué forma fueron delimitando las áreas que John manejaba como director y las que Ud. manejaba como director de fotografía?

–En Faces él intentó ubicar las luces, y yo me enojaba mucho, porque creo que el pintor soy yo. Es su visón, pero soy yo quien maneja el pincel. Y él respetó esa decisión, sobre todo cuando le dije que lo hacíamos así o me retiraba del proyecto.

–Y siguieron trabajando juntos hasta su última película, Torrentes de amor, que el mismo Cassavetes describió como un solitario y aterrador estudio sobre el significado del amor. ¿Cómo había evolucionado la relación entre Uds. dos?

–Cuando filmamos Torrentes de amor, John y yo ya teníamos establecido un modo para poder comunicarnos bien. Pero cuando recién nos conocimos, todo era confuso. Si le hacías una pregunta, jamás obtenías una respuesta: él te hablaba durante 10 minutos, 20 minutos, y no tenías ni idea de qué estaba hablando. ¡Hasta olvidabas la pregunta que le habías hecho! Te decía cosas que te confundían como loco, y si era intencional o no, nunca lo supe. El nunca le decía a nadie cómo hacer algo. Por eso, yo le pedía que me dijera cuál era la emoción fundamental de la escena, eso era lo único que quería saber. Ahora, cómo lograr la emoción buscada era responsabilidad de John. Mi trabajo era construir la iluminación de la escena, y si no le gustaba, la cambiábamos. Para mí, era mucho mejor porque era más libre. Invariablemente, él elegía un espacio muy pequeño –un placard, un baño– para las escenas con mayor carga emotiva. Y siempre me decía: “Lo siento, Al… pero esta escena tiene que ocurrir aquí. Sé que no hay lugar para poner la cámara y las luces. No sé cómo vas a lograrlo… pero yo te dejo solo y en paz”. ¡Y se iba! Yo me las ingeniaba para acomodar las luces, él volvía y decía: “Genial, así es.” Y entonces, seguía: “¿Y si probamos en este cuartito? ¿Puedes lograrlo?¡ Sería magnífico!” ¡Y se volvía a ir! Aun así, para mí, esta libertad era fundamental.

–¿Qué relación establecía con su equipo técnico?

–John amaba a los actores y toleraba al equipo técnico, lo que no deja de ser común en el caso de muchos directores. Y en su mayoría el equipo técnico estaba formado por amigos de John, por eso lo entendían muy bien.

–¿Cómo funcionaba el matrimonio de John Cassavetes y Gena Rowlands en el set?

–Director y actriz, no marido y esposa. Y se peleaban, discutían mucho. Ella era tan fuerte como él. No solamente es talentosa e inteligente, pero también muy independiente.

–¿Por qué cree que Una mujer bajo la influencia fue el éxito comercial más grande de su filmografía?

–Era una película más accesible para los espectadores porque se podían identificar con esta mujer conflictuada que, por su desmedido amor, su deseo de satisfacer a su esposo y a los otros, se olvida de sí misma y se convierte en una carga para su familia. Creo que la gente vio en la pantalla lo que podíaver en sus propias vidas, enespecial las mujeres. Algo muy común en esos tiempos –aunque las cosas no han cambiado tanto–. La película, aunque un tanto desmesurada, no deja de ser una dramatización de una situación real. Hasta los hombres entendieron esto.

–Hablando de hombres, en Maridos, ¿la reacción fue similar?

–Sí y no. Maridos cuenta la historia de cuatro hombres que trabajan en New York, cada uno en diferentes ocupaciones. De repente, uno se muere y esto es traumático para los otros tres. ¿Qué son sus vidas realmente? ¿Cómo enfrentarse a su propia mortalidad? Si esto puede pasar tan súbitamente, quizás entonces ellos aún no han vivido nada. Por eso, quieren volver atrás y vivir lo no vivido, actuando como adolescentes. La película propone una exploración de uno mismo, de nuestras obligaciones. Y eso fue fácilmente entendido por el público, particularmente para los hombres. Supongo que ellos sintieron lo mismo que los personajes de la película.

–El cine de Cassavetes ha sido tan valorado como criticado. ¿Cómo respondía él ante las críticas a sus películas?

–Me parece que bastante bien, porque no les prestaba atención en lo más mínimo. Sólo le interesaba lo que él hacía y lo que quería hacer. Tenía unatremenda habilidad para no perder el foco en su búsqueda. Quizá, su mérito más grande era terminar todos sus proyectos, no abandonarlos nunca, cueste lo que cueste.

Pablo Suárez.

Fuente: www.cineismo.com

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Cine

Hoy se inicia el 34° Festival de Cine Europeo de Lima

Va del 10 al 24 de noviembre en la sala Armando Robles Godoy, del Ministerio de Cultura. Ingreso Libre.

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Imperdible por donde se le mire. La edición 34° del Festival del Cine Europeo en Lima volverá a las salas de cine, esta vez, además de la capital, las películas europeas galardonadas podrán apreciarse también en las ciudades de Trujillo, Cusco Arequipa, Piura y Chiclayo, del 10 al 24 de noviembre del presente.

La nueva edición del Festival del Cine Europeo en Lima propone una amplia y ambiciosa cartelera de más de 30 películas seleccionadas oficialmente y la participación cinematográfica de 15 países europeos. En esta edición, se designó a Ucrania como el país invitado, participación que ha generado gran expectativa por la proyección de películas como “Klondike”, que narra la historia de una familia que vive en la frontera entre Rusia y Ucrania. 

“En un escenario geopolítico crítico, el arte, sobre todo, el cine, nos conecta con la realidad, da voz a los silenciados, nos une e invita a reflexionar, por ello, la participación de Ucrania como país invitado en el 34° Festival de Cine Europeo en Lima toma una especial connotación”, destacó, Gaspar Frontini, Embajador de la Unión Europea en el Perú.

En esta edición, el Festival estará bajo la presidencia de la República Checa, cuya Embajada presentará obras aclamadas como “Charlatán” de la cineasta Agnieszka Holland. Además, considerando el éxito de la edición pasada, este año también se exhibirán películas al aire libre en el Museo de Arte Contemporáneo ubicado en el distrito limeño de Barranco. 

El Festival, organizado por las embajadas de los Estados miembros de la Unión Europea en el Perú, la Delegación de la Unión Europea y la Filmoteca de la Pontificia Universidad Católica del Perú, también presentará una selección de películas peruanas.  

Finalmente, por cuarto año consecutivo, el Festival de Cine Europeo contará con el laboratorio de formación en cinematografía Cinelabs, organizado por el grupo de Institutos Culturales Europeos en Perú (EUNIC) espacio que convocará a expertos internacionales en temas como redacción de guiones, corrección de color, nuevas tecnologías, fotografía, animación, dirección de arte y sonido. 

Una gran oportunidad para ver excelentes películas europeas. Fuente: Ministerio de Cultura.

Programación:

  • Jueves 10 de noviembre
    • 6:00 p. m. | “Cocoon” de Leonie Krippendorff | Alemania | 2020 | 99 min.
    • 8:00 p. m. | “Los amores de Anais” de Charline Bourgeoise-Taquet | Francia | 2021 | 98 min.
  • Viernes 11 de noviembre
    • 6:00 p. m. | “It is not over yet” de Louise Detlefsen | Dinamarca | 2021 | 95 min.
    • 8:00 p. m. | “My thoughts are silent” de Antonio Lukich | Ucrania | 2019 | 104 min.
  • Sábado 12 de noviembre
    • 5:00 p. m. | “Cream” de Nóra Lakos | Hungría | 2020 | 89 min.
    • 7:00 p. m. | “Ennio: The maestro” de Giuseppe Tornatore | Italia | 2021 | 156 min.
  • Domingo 13 de noviembre
    • 5:00 p. m. | “Snu” de Patrícia Sequeira | Portugal | 2019 | 63 min.
    • 7:00 p. m. | “Klondike” de Maryna Er Gorbach | Ucrania, Turquía | 2022 | 100 min.
  • Lunes 14 de noviembre
    • 6:00 p. m. | “Cream” de Nóra Lakos | Hungría | 2020 | 89 min.
    • 8:00 p. m. | “Nightlife” de Simon Verhoeven | Alemania | 2020 | 115 min.
  • Lunes 21 de noviembre
    • 6:00 p. m. | “Mi legionario” de Rachel Lang | Francia | 2021 | 106 min.
    • 8:00 p. m. | “Shadow country” de Bohdan Sláma | República Checa, Eslovaquia | 2020 | 135 min.
  • Martes 22 de noviembre
    • 6:00 p. m. | “Turn your body to the sun” de Aliona van der Horst | Países Bajos | 2021 | 95 min.
    • 8:00 p. m. | “Girl picture” de Alli Haapasalo | Finlandia | 2022 | 101 min.
  • Miércoles 23 de noviembre
    • 6:00 p. m. | “Pause” de Tonia Mishiali | Grecia Chipre | 2018 | 96 min.
    • 8:00 p. m. | “Nightlife” de Simon Verhoeven | Alemania | 2020 | 115 min.
  • Jueves 24 de noviembre
    • 6:00 p. m. | “Cream” de Nóra Lakos | Hungría | 2020 | 89 min.
    • 8:00 p. m. | “The king of laughter” de Mario Martone | Italia | 2021 | 133 min.

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Cine

Estreno presencial de “Ybarra, Cabeza de León”, de Mario Castro y Marco Ramos (2022) [VIDEO]

La cita es este viernes 4 de noviembre a las 7 p.m. en el Hotel Bolívar. La entrada es libre.

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“Ybarra, Cabeza de Léon”, de Mario Castro y Marco Ramos (Perú, 89 min, 2022). Un escritor es una figura pública, y también una figura púdica y una figura impúdica. Un escritor es alguien como cualquier otro, y a la vez se trataría de alguien único, especial. La película no desea agotar ni la persona ni al personaje, sino solo mirar puntuando y jugando con lo que veía, con cómo se veía o cómo quería verse, considerando que son sus propios archivos.     

No son pocas las preguntas y este trabajo no pretende dar las respuestas. ¿Qué fuerzas concurren para que un archivo personal, que debido a circunstancias propias y ajenas está más bien incompleto y roto, disperso, encuentre, tras una suerte de gimnasia anímica, un orden, hecho de continuidades tenues y de contrastes y contrapuntos fuertes; un orden contradictorio y hasta poco recomendable desde el hábito de un cine hecho con dinero pero sin sorpresa ni riesgo, un orden que luego aparece ‘por la magia del montaje’ como lógico y necesario (como portador de otra lógica más sutil)?

De entrada, parecería imponerse un aire decidido a biopic. La figura de un escritor contracultural, para no decir marginal con respecto a los centros de poder, se va matizando y diversificando y se diría que en cierto modo se interrumpe un tanto abruptamente para dar paso al registro casi obsesivo de un evento trágico, el después de un terremoto, que sería una película dentro de la película, o tal vez hasta el verdadero centro de una película que parecía no tenerlo. 

Es ahí, gracias a ese evento, que las imágenes escriben, por decirlo así, su propio libro. Y la música de un tal Leo Bacteria -uno de los músicos más recordables de la movida subte limeña- acompañada de imágenes rudas y elocuentes, da un indicio del descalabro general sobre el que el todo se sostiene”.

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Cine

Película ‘El corazón de la luna’ es seleccionada para los premios Oscar 2023 [VIDEO]

Dirigida por Aldo Salvini, largometraje mudo es protagonizado por la actriz Haydeé Cáceres. Se estrena en los cines locales este 27 de octubre.

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Hablar tan solo con las expresiones es la tarea de todo buen actor o actriz, que le crea el espectador es, de por sí, la finalidad misma de la actuación, y despertar emociones podría decirse que es la misión más compleja del ser humano que vive, come y sueña con un buen papel teatral o cinematográfico.

Fotografía de la película ha recibido elogios por parte de la crítica internacional. Foto: CREA.

Las oportunidades en el Perú para conseguir un rol que no sea de un personaje estereotipado de una serie televisada, articulando los mismos gestos o sobre actuando las escenas y que son vistas por el espectador que no tiene otra chance de tomarlo a regañadientes con cuchara, si de producción nacional se habla, son meramente escazas.

A no ser que uno busque por alguna plataforma de streaming una buena serie o u película que escape del molde establecido por las productoras nacionales, el peruano vive condenado (porque así lo quiere) a sentarse cada noche para ver la teleserie que les brinde la risa fácil, el momento de distracción que no les complique más la vida.

Afortunadamente existen excepciones que cada vez van apareciendo, para bien, dentro del circuito cinematográfico. Apuestas como la película ‘El Corazón de la Luna’ solamente nos indican que la respuesta a todas nuestras suplicas no la vamos a encontrar en las producciones peruanas tradicionales.

El filme, escrito y dirigido por el destacado cineasta Aldo Salvini, ha sido seleccionada en el Perú para participar en los premios Oscar del próximo año. Con un recorrido exitoso por los principales festivales de cine de todo el mundo, la producción acaba de ser confirmada como la precandidata.

Esta película nacional cuenta la historia de “M” (notable la primera actriz Haydeé Cáceres), una anciana que vive sola, totalmente a la deriva y que un día encuentra un compañero con quien empieza a compartir sus recuerdos, sus penas y también sus temores más profundos alentados por una presencia oscura y demoníaca que le impide ser feliz, a pesar de la ayuda de un “ángel mecánico” que tiene la misión de salvarla.

Han pasado cerca de quince años desde que se gestó́ la idea de esta película. Hasta ahora ha tenido un muy buen recorrido por festivales internacionales de cine, hemos ganado ocho premios, tres para Haydeé Cáceres y cinco para la película misma. Y por fin se estrena, a partir del 27 de octubre se podrá ver el hermoso e intenso trabajo de Haydeé, actriz superlativa” señala Aldo Salvini.

Solamente una actriz abocada plenamente a su profesión como Haydeé Cáceres puede hacer sentir al espectador sin una sola palabra. Foto: Ministerio de Cultura.

“El Corazón de la Luna” es la primera película producida por la Universidad de Lima a través de su Centro de Creación Audiovisual, cuyo trabajo encabezado por sus egresados, el escritor y director Aldo Salvini, Macarena Coello (productora general), Julio Wissar (productor ejecutivo), Micaela Cajahuaringa (directora de fotografía), Karin Zielinski (Compositora) y Sandra Rodríguez (Edición) junto a un gran equipo humano acaban de lograr la precandidatura peruana a los premios Oscar.

La precandidatura al Oscar nos agarró́ de sorpresa. El hecho que ‘El Corazón de la Luna’ represente al cine peruano en esta preselección es todo un honor. El camino al Oscar es un camino difícil, ya no solo depende de la película misma, sino de una serie de factores extra-cinematográficos, pero necesarios para lograr ser nominados”, finaliza el director.

“El Corazón de la Luna”, película de Aldo Salvini, tuvo su estreno a nivel mundial el 2021 en el SCI-FI London Festival, donde recibió el premio a Mejor Largometraje. Desde ese momento le siguieron importantes festivales como 47° Boston Science Fiction Film Festival, en el que obtuvo los premios a Mejor Película y Mejor Actriz; el Sydney Science Fiction Film Festival, donde se reconoció a Haydeé Cáceres como Mejor Actriz; y el Festival Internacional de Cine Independiente y de Autor de Canarias, donde recibió una Mención Especial del Jurado y el Premio Music Library and SFX.

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Cine

Falleció el reconocido cineasta Jean-Luc Godard a los 91 años

Director y crítico francés tuvo que recurrir al suicidio asistido pues padecía severas patologías por su avanzada edad.

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Considerado uno de los padres de la Nouvelle Vague, sus películas ya son consideradas de culto para los amantes del sétimo arte. Autor de más de un centenar de películas, muchas de ellas retratando el interior de la mente de los personajes de sus filmes, a la vez que era un crítico mismo de la sociedad, su legado ha quedado marcado en nuevas generaciones de cineastas que no hacen más que marcar nuevamente la huella que ha dejado ese gigante del cine.

Adiós al genio. Sus películas marcaron un antes y un después para los apasionados del cine. Foto: difusión.

Irónico, mordaz, provocador en las fronteras de lo insoportable, Jean-Luc Godard había «anticipado» su necrológica en unas pocas palabras: «¿Cuál es la ambición de mi vida? Llegar a ser inmortal y morirme». Sobre los «honores», vivos y póstumos, el creador había sentenciado: «¿Condecorado en el Elíseo? Vamos, anda. Yo no soy nadie de honorable».

A última hora de la mañana de ayer, su esposa, Anne Marie Miéville y sus productores, confirmaron la noticia con un breve comunicado: «El cineasta Jean-Luc Godard ha muerto, en paz, rodeado de los suyos. No habrá ceremonia oficial. Será incinerado». Horas más tarde, un «consejero» de la familia afirmó que su muerte fue un «suicidio asistido», legal en Suiza.

Como director, crítico e historiador, influyó de manera importante en la evolución de la historia del arte del siglo XX: introdujo nuevas técnicas de rodaje, creó nuevas formas de narrar, contribuyó a revisar el canon cinematográfico universal, hizo una revisión crítica de la historia del cine y la narrativa visual, estimando que el cine «pudo comenzar» con Manet, antes de descubrir a Goya en el Museo del Prado.

Como Chabrol, Truffaut y Rhomer, entre el resto de los maestros de la ‘Nouvelle Vague’, Godard comenzó su carrera como crítico en ‘Cahiers de Cinéma’, referencia canónica. Las críticas y estudios publicados en esa revista contribuyeron a consolidar el puesto del cine en la historia del gran arte del siglo XX, estableciendo criterios que contribuyeron a revisar los conceptos del relato y la narración visual. Alfred Hitchcock comenzó a sustituir a Sergueï Eisenstein como referencia fundacional. Los trabajos de Godard sobre el cine negro norteamericano, las críticas de Truffaut, Rhomer y Chabrol sobre Alfred Hitchcock, transformaron las referencias clásicas, tradicionales. Godard llegó a decir que Hitchcock era, con Pablo Picasso, el mayor creador de formas visuales del siglo XX.

Fue a partir de “À bout de souffle” (“Al final de la escapada” en español) en 1959, con Jean Seberg y Jean-Paul Belmondo como protagonistas, la película que le lanzó a la fama para convertirse en una de las obras fundadoras de este movimiento.

Fotograma de la película “Al final de la escapada” (1959), teniendo como protagonistas a Jean Seberg y Jean-Paul Belmondo.

A partir de entonces alternó éxitos y fracasos de taquilla, aunque siempre fue muy respetado por los críticos y sus actores, y muy frecuente en las candidaturas a premios cinematográficos. Desde mediados de los 60 se adentró en un cine muy político y experimental.

Sus películas lanzaron al estrellato a Jean-Paul Belmondo, y su controvertida obra navideña “Je vous salue, Marie” (“Yo te saludo, María”) acaparó titulares cuando fue criticada por el papa Juan Pablo II en 1985.

Durante unos años también se centró en los documentales hasta que volvió al cine comercial con “Prénom, Carmen”, en 1983.

Entre los premios que recibió destacan un Oscar honorario, una Palma de Oro especial y dos César de honor franceses, galardones que rindieron homenaje a una carrera muy especial.

Godard trabajó con los mejores actores de la época, como Belmondo, Alain Delon, Eddie Constantine, Jean-Pierre Léaud o Anna Karina, su musa durante la primera mitad de los años 60 y con la que estuvo casado durante algunos años.

Con información de ABC, EFE y AFP.

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Cine

Comienza la 10ª edición del Festival de Cine Francés

Películas y cortometrajes para adultos y niños del 4 al 13 de mayo.

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Fotograma de la película Nocturama.

El Festival de Cine Francés inicia su 10ª edición presentando las mejores proyecciones francesas contemporáneas para el público peruano bajo la curaduría del cineasta David Duponchel. Este año, el evento presencial contará con diversas producciones de todos los géneros y para todas las edades desde el 4 al 13 de mayo.

Para esta edición la Alianza Francesa de Lima ha preparado un programa variado de diversas películas que serán proyectadas en su nueva sala de cine. Sin duda, un homenaje al séptimo arte destacando el género francés y presentando a nuevos directores franceses como Quentin Dupieux, Ludovic y Zoran Boukherma, Damien Manivel, Bertrand Mandico y Juliette Ducournau o hasta clásicos como Bertrand Bonello o Georges Franju.

El festival presentará películas categorizadas en cinco secciones de las cuales la institución francesa proyectará 17 proyecciones dentro de dos categorías para adultos y niños.

“Frantástico”: Cine fantástico

Una reivindicación a los monstruos dentro del cine fantástico y es que antes este tipo de personajes nos aterrorizaban sin embargo con el paso de los años y gracias a la domesticación por parte de la ficción postmoderna lo han convertido en parte de nuestra realidad.

Se presentarán clásicos como Los ojos sin rostro de Georges Franju o El planeta salvaje de Réné Laloux hasta Mandíbulas de Quentin Dupieux o Teddy de Ludovic y Zoran Boukherman. Además, En el bosque de Guilles Marchand, Solos de David Moreau y Nocturama de Bertrand Bonello.

Dentro de esta categoría se presentan los cortometrajes “Fantásticos” con ingreso libre de Ácido de Just Philippot, Expira de Magali Magistry, La noche de las bolsas de plástico de Gabriel Harel  y Osa de Nicolas Birkenstock.

¡Niños al cine!

La magia, animación y entretenimiento estarán dentro de la sección “Niños al cine”. Son 4 proyecciones de animación francesa premiadas en todo el mundo. De esta manera, se presentará el ganador del premio Cristal del festival de Annecy, El extraordinario viaje de Marona de Anca Damian (a partir de 7 años) en 2019. Asimismo, Josep de Aurel, elegida mejor película de animación europea en 2020 (a partir de 14 años), Pequeño vampiro de Joann Sfar (a partir de 6 años), también premiada en Annecy, y La famosa invasión de los osos en Sicilia de Lorenzo Mattoti (a partir de 8 años), seleccionada en la prestigiosa sección Un Certain Regard del Festival de Cannes en 2021.

Las películas estarán disponibles desde el 4 al 13 de mayo en la Alianza Francesa de Lima de Miraflores con entradas a la venta en Joinnus (S/12). Programación completa en la página de la institución: https://www.aflima.org.pe/cine.

Fotograma de la película “Mandíbulas”.
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PROGRAMA

Miércoles 4 de mayo

6 p.m. Mandibules

Director: Quentin Dupieux

Duración: 1h 12

Género: Ficción, Comedia

País: Francia

Año: 2020

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

Jean-Gab y Manu, dos jóvenes ingenuos, encuentran una mosca gigante atrapada en el maletero de un coche y se proponen entrenarla para ganar dinero con ella. 

Jueves 5 de mayo

6 p.m. Courts métrages “frantastique” 1
Ingreso Libre

Acide

Director: Just Philippot

Duración: 18 min

Género: Ficción, Fantasía

País: Francia

Año: 2017

Modalidad Presencial

Una nube ominosa se ha formado en algún lugar del oeste. Está subiendo lentamente hacia el centro del país, arrojando a la gente a las carreteras. A medida que la nube avanza, el pánico aumenta. Esta nube es ácida.

Expire

Directora: Magali Magistry

Duración: 13 min

Género: Ficción, Fantasía

País: Francia

Año: 2017

Modalidad Presencial

Una niebla tóxica ha cubierto el planeta y obliga a la gente a vivir encerrada. Pero cuando tienes quince años, como Juliette, la vida real está fuera.

7 p.m. La planète sauvage 

Director: René Laloux

Duración: 1h 12

Género: Animación, Fantasía

País: Francia

Año: 1973

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

En el planeta Ygam, viven unos androides llamados los Draags. Crían pequeños seres humanos a los que llaman Oms. Pero un día, el joven Oms de Tiwa resulta ser más inteligente e iniciará una revuelta… Basado en la novela “Oms en série” de Stefan Wul (1957).

Viernes 6 de mayo

5 p.m. Petit vampire

Director: Joann Sfar

Duración: 1h 25

Género: Animación, Fantasía

País: Francia

Año: 2020

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

El pequeño vampiro vive en una casa encantada con una alegre banda de monstruos, pero él está aburrido… Han pasado 300 años desde que tenía 10 años, así que los barcos piratas y el cineclub no le divierten desde hace mucho tiempo. ¿Su sueño? Ir a la escuela y hacer amigos. Pero sus padres no lo ven así. El mundo exterior es demasiado peligroso. Acompañado por Fantomate, su fiel bulldog, el pequeño vampiro se escapa de la mansión, decidido a conocer a otros niños. 

7 p.m. Teddy

Director: Ludovic Boukherma, Zoran Boukherma

Duración: 1h 29

Género: Ficción

País: Francia

Año: 2020

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

En los Pirineos, un lobo despierta la ira de los aldeanos. Teddy, de 19 años, vive con su tío adoptivo y trabaja en un salón de masajes. Su novia Rebecca está a punto de graduarse en el instituto y tiene un brillante futuro por delante. Para ellos, es un verano cualquiera. Pero una noche de luna llena, Teddy es arañado por una bestia desconocida. En las semanas siguientes, se deja llevar por extraños impulsos animales… 

Sábado 7 de mayo

4 p.m. Josep

Director: Aurel

Duración: 1h 14

Género: Animación

País: Francia

Año: 2017

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

Febrero de 1939. Abrumado por la avalancha de republicanos que huyen de la dictadura de Franco, el gobierno francés opta por confinar a los españoles en campos de concentración.

Dos hombres separados por la alambrada se convertirán en amistad. Uno es policía, el otro dibujante. De Barcelona a Nueva York, la verdadera historia de Josep Bartolí, un luchador antifranquista y un artista excepcional.

6 p.m. Mandibules

Director: Quentin Dupieux

Duración: 1h 12

Género: Ficción, Comedia

País: Francia

Año: 2020

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

Jean-Gab y Manu, dos jóvenes ingenuos, encuentran una mosca gigante atrapada en el maletero de un coche y se proponen entrenarla para ganar dinero con ella. 

Martes 10 de mayo

5 p.m. Dans la forêt

Director: Guilles Marchand

Duración: 1h 43

Género: Ficción

País: Francia

Año: 2016

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

Tom y su hermano mayor, Benjamin, van a Suecia para reunirse con su padre durante las vacaciones de verano. Tom está preocupado por el reencuentro con este hombre extraño y solitario. El padre, en cambio, parece convencido de que Tom tiene el don de ver cosas que los demás no pueden. Cuando sugiere que vayan al norte a pasar unos días en una cabaña junto a un lago, los niños están encantados. Pero el lugar está muy aislado, en medio de un enorme bosque que exacerba los temores de Tom. Y cuanto más pasan los días, menos parece que el padre considere su regreso…

7 p.m. Seuls 

Director: David Moreau

Duración: 1h 30

Género: Ficción

País: Francia

Año: 2016

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

Leila, de 16 años, se levanta tarde como cualquier otra mañana. Excepto que hoy no hay nadie que la apure. ¿Dónde están sus padres? Se sube a su bicicleta y recorre su barrio vacío. Todos han desaparecido. Pensando que es la única superviviente de una catástrofe inexplicable, acaba conociendo a cuatro jóvenes: Dodji, Yvan, Camille y Terry. Juntos, intentan comprender lo que ha sucedido, aprender a sobrevivir en su mundo ahora hostil… ¿Pero están realmente solos? Adaptación del exitoso cómic de Fabien Vehlmann y Bruno Gazzotti.

Miércoles 11 de mayo 

5 p.m. L’extraordinaire voyage de Marona

Director: Anca Damian 

Duración: 1h 33

Género: Ficción, Animación

País: Francia

Año: 2019

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

Tras un accidente, Marona, una pequeña perra blanca y negra, recuerda a los diferentes amos que ha conocido y amado a lo largo de su vida. A través de su infalible empatía, su vida se convierte en una lección de amor. Una magnífica fábula llena de color e invenciones gráficas.

7 p.m. Nocturama

Director: Bertrand Bonello

Duración: 2h 10

Género: Ficción

País: Francia

Año: 2016

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

París, una mañana. Un puñado de jóvenes de distintas procedencias. Cada uno por su lado, comienzan un extraño ballet en el laberinto del metro y las calles de la capital. Parece que siguen un plan. Sus movimientos

son precisos, casi peligrosos. Convergen en el mismo punto, un departamento grandes almacenes”, justo cuando cierra sus puertas. La noche comienza.

Fotograma de la película “Las noches de las bolsas de plástico”.

Jueves 12 de mayo

5 p.m. La fameuse invasion des ours

Director: Lorenzo Mattoti

Duración: 1h 22

Género: Animación

País: Francia, Italia

Año: 2019

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

Todo comienza el día en que Tonio, el hijo del rey de los osos, es secuestrado por cazadores en las montañas de Sicilia… Aprovechando un duro invierno que amenaza a su pueblo con la hambruna, el rey Leonce decide invadir la llanura donde viven los hombres. Con la ayuda de su ejército y de un mago, consigue derrotarlos y finalmente encuentra a Tonio. Pero pronto se da cuenta de que los osos no están hechos para vivir en la tierra de los hombres… Basada en “La famosa invasión de los osos en Sicilia”, una novela infantil escrita por Dino Buzzati y publicada en 1945.

7 p.m. Les yeux sans visage

Director: Georges Franju

Duración: 1h 28

Género: Ficción

País: Francia

Año: 1959

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

El profesor Genessier, un reputado cirujano, quiere remodelar el rostro de su hija Christiane después de que ésta quede irreconocible tras un accidente de coche, pero para ello tiene que trasplantar piel de otras chicas que se parezcan a ella.

Viernes 13 de mayo

6 p.m. Courts métrages “frantastique” 2

Ingreso Libre

La nuit des sacs plastiques

Director: Gabriel Harel

Duración: 18 min

Género: Animación

País: Francia

Año: 2018

Modalidad Presencial

Agathe, de treinta y nueve años, sólo tiene una obsesión: tener un hijo. Va a reunirse con su ex, Marc-Antoine. Mientras intenta convencerle de que vuelvan a estar juntos, las bolsas de plástico cobran vida y atacan la ciudad.

Ourse

Director: Nicolas Birkenstock

Duración: 27 min

Género: Ficción

País: Francia

Año: 2021

Modalidad Presencial

Ourse se convierte en un sonámbulo y huye por la noche. Su madre intenta curarla de esta enfermedad. Pero no quiere curarse, decidido a entender a dónde la lleva su sueño. ¿Quiere escapar del curso de su propia vida?

7 p.m. Teddy

Director: Ludovic Boukherma, Zoran Boukherma

Duración: 1h 29

Género: Ficción

País: Francia

Año: 2020

Modalidad Presencial

Entradas en Joinnus

En los Pirineos, un lobo despierta la ira de los aldeanos. Teddy, de 19 años, vive con su tío adoptivo y trabaja en un salón de masajes. Su novia Rebecca está a punto de graduarse en el instituto y tiene un brillante futuro por delante. Para ellos, es un verano cualquiera. Pero una noche de luna llena, Teddy es arañado por una bestia desconocida. En las semanas siguientes, se deja llevar por extraños impulsos animales… 

ENLACES JOINNUS

◉ Mandíbulas: https://bit.ly/3K78K1p

◉ Cortos Fantásticos 1: https://bit.ly/3L7IOUH

◉ El Planeta Salvaje: https://bit.ly/3rKIGCY

◉ Pequeño Vampiro: https://bit.ly/3rKTf8U

◉ Teddy: https://bit.ly/3Mowxv9

◉ Josep: https://bit.ly/3k4fORP

◉ En el bosque: https://bit.ly/3K6fvjR

◉ Solos: https://bit.ly/3L8RQRb

◉ El Extraordinario Viaje De Marona: https://bit.ly/3EEb4M5

◉ Nocturama: https://bit.ly/36EhcaP

◉ La Famosa Invasión De Osos: https://bit.ly/3k5zp4c

◉ Los Ojos Sin Rostro: https://bit.ly/3xMAEwZ

◉ Cortometrajes Fantásticos 2: https://bit.ly/3ECKt2a

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Cine

Una dura crítica a la película peruana “Hasta que nos volvamos a encontrar” de Tondero

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Edwin Cavello y Luis Alfonso Morey conversaron sobre el cine peruano y la reciente película peruana “Hasta que nos volvamos a encontrar”, dirigido por Bruno Ascenzo y protagonizado por Maxi Iglesias y Stephanie Cayo.

“La película fue producida por Tondero, y como en todas sus producciones lo que más resalta es la mediocridad. El filme parece más una larga publicidad de cerveza cusqueña”, mencionó Edwin Cavello.

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Actualidad

“Sin descanso”, una película de terror que te mantendrá al borde del infarto

Este 24 de marzo llega a la cartelera peruana la película de terror más esperada del año.

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Una de cada tres personas sufre algún tipo de desórdenes del sueño, 95% de las personas que experimentan insomnio  por más de 18 días seguidos probablemente no sobrevivirán. Los que logran sobrevivir no necesitan doctores, necesitan sacerdotes.

Karla está desesperada por encontrar una cura  para una enfermedad llamada Insomnio Fatal  que afecta a su hermano Blake el cual  lleva más de 18 días sin dormir.  Ella acepta que Blake participe en un tratamiento experimental.  Ahora Blake esta poseído por Iddimu, un  demonio que en un momento de debilidad,  posee a  personas que están al borde de estar dormidas y despiertas por mucho tiempo y que sufren de Insomnio Fatal. Después de una serie de eventos aterradores que apuntan a lo sobrenatural, Karla llega a la conclusión que la única cura para salvar a Blake es realizar un exorcismo.

Sin descanso está basada en el caso más aterrador de Insomnio Fatal. Que se trata de una enfermedad hereditaria muy rara cuando  una persona se mantiene despierta, sin dormir, por más de 2 semanas seguidas. Esta enfermedad evoluciona de forma progresiva entre los 6 y 48 meses hasta dejar al paciente en estado de coma.

Estos pacientes sufren pérdida de peso, presentan dificultad para hablar, desarrollan fiebre, alteraciones de la visión, movimientos involuntarios, alucinaciones, ansiedad y procesos depresivos. Son en estos momentos de debilidad que algunos pacientes manifiestan  ser poseídos por un ente maligno.

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Cine

“Madres paralelas”, un fracaso panfletario de Almodóvar

Lee la columna de Gabriel Rimachi Sialer.

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“Madres paralelas” debe ser una de esas cintas que necesita de toda una campaña mediática para justificar sus tremendos errores. Un guion pobrísimo que termina desarmándose tan solo a mitad de película, tres historias que no terminan de despegar, un forzado arqueólogo cuyo papel casi ni se entiende de lo puro impostado en la historia, una Penélope Cruz envuelta en el absurdo más absurdo de los guiones, entregada a las manos de algún guionista activista que terminó por convertir esta cinta en el mamarracho de la temporada, cosa muy extraña, siendo Almodóvar un director con la suficiente experiencia como para entregar un bodrio de este calibre.

Cuando te gana el activismo y la corrección política, cuando te ciega la moda de querer satisfacer a todos perjudicando tu propio trabajo, entregas “Mujeres paralelas” al público. Una película panfletaria que busca quedar bien con todo el mundo y de la que solo se salva la paleta de colores.

El papel de Milena Smit, que empieza bien, termina desarmándose luego de que se entera de que su bebé muerto era en realidad el bebé de Penélope, y el bebé que esta tiene pues… sí, ya se imaginan lo delirante de la situación (y eso sucede apenas en la primera media hora). Y luego la completamente innecesaria relación lésbica entre ambas, innecesaria y absurda porque no resulta importante para la historia, porque no aporta absolutamente nada a ella, porque si la quitan pues no pasa nada y todo sigue igual: una cuota más para cumplir.

Y ya la escena final es un performance de esas donde solo faltaron las batucadas. Tan malo es el final que han tenido que escribirse artículos periodísticos para “explicarlos”. En fin, una cinta muy mala, una decepción esta entrega de Almodóvar, y una muestra de que cuando el arte se somete a las voluntades de las minorías, termina traicionándose a sí misma. Y eso es una pena que afecta tanto al arte como a quienes solemos apreciarlo en cualquiera de sus manifestaciones.

Ojalá vuelva pronto el gran Almodóvar que todos conocemos y disfrutamos. Ojalá sea pronto.

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