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Cultura

Roberto Bolaño y la infamia del nazismo

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Cuando todos se vayan a otros planetas
yo quedaré en la ciudad abandonada
bebiendo un último vaso de cerveza.
Jorge Teilliier

La literatura está plagada de bufones y lacayos, de ególatras y deidades, de vivos y muertos, de escritores, lectores y, sobre todo, buitres. La literatura es un talk show de escritores histéricos que posan con su mejor y estúpida sonrisa cada vez que una cámara los filma, pero también es una terrorífica cueva donde solo los más inteligentes y valerosos deciden entrar. A la literatura, en general, no hay que hacerle mucho caso, claro está, salvo algunas brillantes excepciones.

Pienso en Dostoievski, hipocondriaco, ludópata, nervioso y epiléptico, escribiendo por la mañana y por la tarde Crimen y castigo y El jugador para no perder el derecho de sus propias obras. Porque así son algunos: cobardes e interesados. Y así los hay en cualquier época y en cualquier lugar. Pienso en Truman Capote convertido en una puta de salón mientras todos lo aplauden esperando que se descuide para ir a devorar su blanca y hermosa carne afeminada. Capote que nunca logró escapar del trauma infantil que le ocasionó los largos encierros en tenebrosos cuartos de hotel, mientras esperaba que sus padres regresen de aquellas fiestas a las que siempre asistían. Incluso él, con aquellos ojos suplicantes de amor y de drogas, es más valiente que todos nosotros.

Pienso en Antonin Artaud, quien pasó nueve años de su vida metido en distintos manicomios (como su amado Van Gogh), muriendo un 4 de marzo de 1948, más solo que una rata, en una clínica psiquiátrica. Lo encontraron al borde de su cama, con un zapato en el pie y el otro en la mano ¿A dónde diablos se dirigía por última vez? Pienso en Gamaliel Churata, perseguido durante el mandato de Sánchez Cerro, escribiendo en Bolivia la torrencial, portentosa, inclasificable y heterogénea obra El pez de oro.   Pienso en Jhon Kennedy Toole, suicidándose en 1969 porque ninguna editorial aceptó (el libro “no trataba realmente de nada”) publicar su novela La conjura de los necios. Si hubiera resucitado se habría suicidado de nuevo al enterarse que su libro ganó el premio Pulitzer en 1981.

También pienso en Roberto Bolaño ¿cómo no?, sentado frente a su máquina de escribir, con el cuerpo desecho y casi putrefacto, escribiendo la monumental 2666 mientras espera, ya sin esperanzas, un hígado para seguir escribiendo, leyendo y follando. Y Bolaño, como todo hombre valiente, se atrevió a escribir sobre lo que los demás prefirieron ignorar por miedo y por pánico.  Un ejemplo es La literatura nazi en América.  

Esta novelano pudo tener un inicio más Bolañesco: despreciada en sus inicios por Alfaguara, Destino y Plaza & Janés, para luego, finalmente, ser aceptada y publicada por Seix Barral en 1996. Para ese entonces, Bolaño ya había dejado su etapa de poeta infrarrealista en México, para dedicarse enteramente a la narrativa. Con 4 libros publicados: Los perros románticos (poesía), Consejos de un discípulo de Morrison a un fanático de Joyce (escrita a doble mano junto a A. G. Porta), La senda de los elefantes (reeditada en 1999 como Monsieur Pain) y La pista de hielo, el escritor chileno decide explorar nuevos caminos narrativos que servirán como soporte para las demás obras. 

La crítica Daniuska Gonzáles, autora del libro La escritura Bárbara. La Narrativa de Roberto Bolaño, sostiene que la narrativa de Bolaño gira alrededor de tres ejes: la marginalidad de los sujetos, la poesía como lugar de convergencia y el vínculo en torno a la historia chilena.  Mucho se ha comentado respecto a que los personajes exiliados de las novelas de Bolaño ven el regreso a su país como algo totalmente lejano, incomprensible y pernicioso (“La desesperanza” de José Donoso podría ser un gran antecedente, pese a que a Bolaño le producía náuseas que aquel haya elegido morir leyendo “Altazor” de Huidobro). Quizás por ello toma como gran referencia para su novela el desarraigo y la violencia.

En La literatura nazi en América, Bolaño empieza tejer una red de intertextualidades con gran parte de su producción bibliográfica que se publicará más adelante. No hay que olvidar que esta obra sigue una tradición canónica: la descripción biográfica de una variedad de personajes singulares. Los dos autores que Bolaño toma como paradigmas son: Rodolfo Wilcock (La sinagoga de los iconoclastas) y Jorge Luis Borges (Historia universal de la infamia).

Hay algo contradictorio en Bolaño respecto al concepto de canon. La mayoría de sus personajes que se dedican a la escritura menosprecian a los que forman parte de la llamada “institución literaria”, en cambio él, como lector y crítico, tuvo siempre una constante preocupación por clasificar a qué autores situar dentro del canon de la literatura latinoamericana.  En La literatura nazi en América va a utilizar como herramienta narrativa esta gran paradoja entre lo canónico y lo anticanónico, pues entre la gran variedad de escritores ficticios que abundan en el libro, encontramos a algunos reconocidos en sus países y en el extranjero, pero también a otros despreciados y olvidados por la gran crítica literaria.

Quizás La literatura nazi en América no alcanza la altura de Los detectives salvajes, 2666 o Estrella distante, pero eso importa poco o nada a los lectores de Bolaño. Aquella obra apunta a algo más importante y simbólico que simplemente narrar historias atractivas: la instauración de un estilo que se reforzará más adelante en otras novelas. En algunos pasajes el libro se vuelve tenso y monótono, y no es para menos, ya que se presenta como una guía hacia al fracaso (elemento temático que a Bolaño apasionaba). El nazismo fue una atrocidad, pero logró sobrevivir después de la Segunda Guerra Mundial. Esta premisa, la sobrevivencia del mal, constituye uno de los grandes aciertos de la obra, ya que Bolaño crea mundos seductores desde la vida de diversos personajes que nunca consolidaron sus obras ni sus vidas tal como ellos querían, optando por el esplendor del horror. Entonces se puede afirmar que hay una clara evidencia de paralelismo entre cultura y horror, tal como sostenía George Steiner. Asimismo también se podría citar a Sartre, cuando manifiesta que la intensidad del mal se convierte en operación soberana de la escritura.

Entre las características más sobresalientes de la obra de Bolaño obra tenemos las siguientes:

Inicia un hilo temático que Bolaño seguirá utilizando hasta la escritura de 2666: la unión indisoluble entre la vida y obra del escritor. Es decir, todos los personajes que se dedican a la escritura tienen vidas literarias apasionadas y llenas de victorias y de derrotas, ello servirá como alimento para la creación de historias que están inmersas en la tragedia. Se podría afirmar que los escritores nazis que desfilan en esta novela constituyen un preámbulo para la creación de la gran figura de Benno von Archimboldi.

Elabora un gran sistema de intertextualidades. Esto se desarrolla desde dos formas: la primera es que se cita y, en muchos casos, busca una absurda comparación con una variedad de escritores y obras famosas; la segunda es que aparecen personajes que luego formarán parte de otras obras, como es el caso del infame y sensual Carlos Ramirez Hoffman, quien reaparecerá como Carlos Wieder en Estrella distante. Este último recurso, como lo manifiesta el gran Juan José Saer, proviene de una tradición occidental antiquísima. No olvidemos que la aparición de los mismos personajes en distintas historias, lo encontramos en “La Ilíada” y “La Odisea” de Homero. Según el argentino, quien le da mayor profundidad y rigurosidad a esta técnica literaria es Honoré de Balzac.

Establece la desestructuración del relato lineal en la novelística latinoamericana. Dejando de lado el discurso monologizante, para centrarse en un discurso polifónico. Recurso que alcanzará una maduración en Los detectives salvajes.

Roberto Bolaño es un gran escritor que está pasando ¿desgraciadamente? por una etapa de marketing editorial tremenda. El tiempo y los lectores insobornables ante la moda decidirán el valor de su obra. Es preciso puntualizar que, como ya se ha mencionado anteriormente, su narrativa adquiere grandes dimensiones cuando los lectores logran elaborar un sistema estructural entre los elementos que están esparcidos por toda su obra y que se complementan.  Parece que aún tenemos al escritor chileno para rato, dejémonos de prejuicios y de falsas idolatrías al leerlo, es lo mejor que podemos hacer.

Comentarios

Joe Guzmán Rodríguez. (Trujillo, 1991) Docente. Estudió la carrera de Educación Secundaria, en la mención de Lengua y Literatura, en la Universidad Nacional de Trujillo. Autor de El devenir de lo incierto (Paloma Ajena Editores, 2014). Segundo (2010) y primer (2012) puesto en los Juegos Florales Interuniversitarios de la Universidad Nacional de Trujillo; segundo puesto en el Concurso Nacional de Relato Corto “A toda página” de El Cultural (2012); y menciones honrosas en el Concurso Nacional de Poesía (2016) organizado por la Feria Internacional del Libro de Trujillo, el II Concurso Nacional de Poesía Huauco de Oro (2017) y el XVII Concurso Nacional Juvenil de Cuento “Germán Patrón Candela” (2017)

Cine

Beginning, de Dea Kulumbegashvili (2020)

Lee la crítica de cine de la semana de Mario Castro Cobos.

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El secreto o la magia de esta película (muy a la vista, por lo demás) consiste, en cierto modo, en ‘suspender el tiempo’, para que el tiempo fluya, pero desde otra dimensión (o acaso desde su dimensión total). Hay una profundidad que… o toda profundidad definitivamente necesita tiempo, ‘real’ acumulación de tiempo, una paciente y tranquila y atenta espera, para surgir, y para desplegar todo lo que (se supone) tiene que decir o contiene. Un plano largo que funciona: ‘que se conecta con’ puede aportar —sin duda alguna— una estimulante, una esplendorosa plenitud.

En ese sentido, la cámara, la mayor parte del tiempo, estática (sumamente funcional, ‘radical’ y precisa) puede parecer a algunos poco menos que una maldición, pero si uno es capaz de responder a lo que pide la película, a las reglas de su juego, es más bien una delicia absoluta en razón directa de los efectos que puede llegar a producir, quiero decir, de las revelaciones, siguiendo más a detalle los procesos de los que uno será testigo.

Así que si algo queda claro es que no se trata de una película ‘normal’, blanda y complaciente. El uso a fondo del plano fijo (Memoria, de Weerasethakul, sería otro ejemplo también reciente) hace imposible no pensar en ese cine trascendental o de pretensiones trascendentales, como el cine de Carlos Reygadas, y por supuesto, en el cine de Andrei Tarkovski (plano de la mujer echada con los ojos cerrados, por citar solo un ejemplo).

No es siempre necesario fragmentar el plano e ir rápidamente de una imagen a otra para mostrar la complejidad estructural del mundo, se puede hacer justo lo contrario, mantener el plano para internarse en un clima, en una situación, en una especie de ‘realismo’ y de continuidad tenaz donde para nada se olvida que la máxima cotidianidad es también un misterio y un abismo. Y vivimos ahí todo el tiempo. Por si alguien se olvidó de eso.

La directora no se detiene ante escenas duras (y, contradictoriamente, hermosas) y no tiene porqué, tiene que simplemente mostrar, necesariamente, lo que tiene que mostrar. El estado de la cuestión con respecto a la situación de las mujeres en nuestras sociedades. ¿Y quién puede hacerlo mejor que una mujer con talento?

También, entonces, aparece como inevitable el recuerdo de Jeanne Dielman, de Chantal Akerman, por esa manera aparentemente distanciada, fría y ‘objetiva’ de mostrar una situación insoportable, con esa mezcla de refinamiento y crudeza, que en el caso de ambas, es pura -y lacerante- lucidez.

Película
https://ok.ru/video/2604651383412

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Cultura

Mira aquí los videoclips de “El Camino” y “Al Diablo” de GAIA

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La banda peruana GAIA celebra sus 20 años de trayectoria ininterrumpida con nuevo álbum que verá la luz en el segundo semestre de este 2022. Así mismo, prepara una gira por el interior del país, nuevos videoclips y muchas sorpresas más.

“Nuestras nuevas canciones son enmarcadas por la historia que se cuenta en los videoclips. Videos animados por la casa de animación POLOVERDE. Es la primera vez que abrazamos este formato y la verdad es muy interesante el proceso y resultados”, comenta la banda respecto a sus lyric videos.

Los videos “El Camino” y “Al diablo” fueron dirigidos por el estudio de animación POLOVERDE y es la primera vez que el grupo abraza este formato para contar una historia dividida en dos partes. Las dos canciones fueron grabadas en los primeros meses de este año en Leopold Studios y en los respectivos estudios de los músicos con la ayuda del joven productor Percy Flores.

El úlimo lanzamiento oficial de la banda fue la grabación en vivo de su participación en el festival Cosquín Rock 2020. Tras un año de ausencia de los escenarios, la agrupación realizó su primer concierto presencial el pasado 14 de enero en el Sargento Pimienta de Barranco y posteriormente se presentarán el 4 y 5 de febrero en Cusco y el 19 de marzo en Arequipa.

La banda está celebrando 20 años de trayectoría musical y a lo largo de su carrera han sido soporte de shows de agrupaciones internacionales de la talla de Maroon 5, Guns N’ Roses, Pixies, Placebo, Incubus, Maná y Café Tacuba, además de participar en festivales como Vive Latino de México, SXSW de Austin, Texas y realizar giras internacionales en Chile, Argentina, México, Uruguay y Estados Unidos.

Otros datos:

  • Gaia, según algunas teorías, es el espíritu de la tierra, la pachamama. El proyecto se basa en hacer brotar naturalmente la música que nos hace bien, valga la redundancia: de manera natural.

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Cultura

Maravillarte en mi Perú

Lima Gris visitó la muestra colectiva “Maravillarte” que se viene exponiendo en la sala Kuélap del Ministerio de Cultura. Aquí lo que fue nuestra visita.

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Foto: Frederick Olivera Gonzales.

El hecho de exponer, es de por sí complicado y más  si no se vive en Lima o  cuenta con recursos. Además, como subraya  Sandra Mavila Falcón, hay que tener un récord de estudios en academias, institutos o universidades de prestigio. Y ¿qué hay de los artistas de provincias o autodidactas? Se  pregunta y responde: quedan viviendo en una eterna marginalidad.

Mavila, estudió gestión de exposiciones de arte contemporáneo en el MALI y actualmente es directora de la AFAP (Asociación de Fomento y Apoyo al Arte Peruano), una agrupación civil sin fines de lucro que reúne a profesionales cuyo fin es fomentar la cultura en todas sus áreas y difundirla.

Con ese propósito, decidieron organizar el año pasado, un concurso que abarcara las áreas de escultura, pintura, grabado y pintura. El resultado fue más que auspicioso y decididos a mostrar esas creaciones dado que muchas se salen de los límites de lo artístico y la belleza, proyectaron una exposición de gran alcance que engloba casi todas las regiones del país, intentando unir nuestros pueblos dispersos en un solo pueblo, llamado Perú.

Obra de Manuel Vásquez.

Esta muestra titulada  “Maravillarte”  se presenta en dos grandes espacios ubicados en el MINCUL de San Borja, dentro de las salas Kuélap ( primero y segundo piso) en el horario de martes a domingo desde las 10 de la mañana a 4 de la tarde y cuenta con la Curaduría de Ana Masías de Tola. Se la ha programado hasta el 30 de enero pero podría extenderse esa fecha por la envergadura de la muestra, una de las pocas que concentra a tantos y variados estilos y a una diversidad de disciplinas artísticas.

La exposición ha recibido el apoyo de los ministerios de Cultura y Relaciones Exteriores, como del Proyecto Especial Bicentenario de la Independencia del Perú y de la Municipalidad de San Borja.

Notamos en esta gran muestra, una gran tendencia por recoger y reconocer nuestros símbolos patrios, especialmente los de la Bandera. ¿Será una respuesta o el anhelo supremo de identificarse con la patria?

Variedad creativa

Conmemorando la historia del arte peruano, se han instalado dos grandes salas. La de los MAESTROS : José Sabogal, Venancio Shinky, Gerardo Chávez, José Tola, Ramiro Llona, Fernando Szyszlo y más atrás  la de los artistas contemporáneos. Solo daremos algunos nombres pues no se puede establecer una categorización de mejor a menor. Todos en su estilo original y único, son sorprendentes.

Sin distinciones, nombro a Verónica Penagos, aquella artista de las representaciones de reuniones salseras y que ahora nos trae su Danza infinita, un acrílico lleno de movimiento y elasticidad; Veruca Evanan Vivanco con su acrílico Las Varayuq, las hermosas tablas de Sarhua que retratan los quehaceres de su pueblo y  que fueron estigmatizadas por un prejuicio discriminatorio,a Jorge Manuel Caparó y su Guía. La artista Mavila se hace presente con un óleo sobre lienzo y también con el Tocado Moche, una alegoría del dios Aiapaec.

Obra de Noelia Valdivia.

Mel Maritha Quispe Alpaca, destaca con su bellísima cartulina en carboncillo titulada , Flores de no me olviden, que fácilmente se puede confundir con una foto de gran singularidad.  Otro cuadro que subrayamos es el de Manuel Eduardo Vásquez  y su Custer Perú, un  óleo sobre lienzo que recoge a las figuras históricas de la independencia y de la Guerra del 79.

Siguiendo el colorido recorrido, llegamos a la Muerte de Túpac Amaru, donde la artista Ingrid Yeraldin Arias Garay, ha plasmado una alegoría de los pueblos indígenas que son avasallados con el visto bueno de las autoridades. Un óleo-bodegón muy interesante es también Ritmo y Costumbres Peruanas de Leyla García Odar.

Entre los grabados tenemos Paisaje Accidentado de Irinea Huari, Mi madre en el Perú profundo (grabado en cartulina) de Bonifacio Huamán Fernández, Huaylillas (estilógrafo y tinta sobre cartulina) de Edgard Abraham Huamán

Fotografías: Dansaqcha de Joseph Ladrón de Guevara,  Tarde de Domingo, de María Consuelo Vargas, Zara de Pamela Romero Sivirichi,  Amor Peruano de Ana María Mío Zaldívar. Hacemos un alto para destacar una fotografía que creemos debió obtener una mejor premiación: Viva la Patria de Frederick Alberto Olivera Gonzáles. Retrata a un grupo de escolares rurales que corren a campo abierto llevando globos con los colores patrios, acompañados por su maestra que tiene la Bandera. Por la escena en movimiento y el tema, es sencillamente impactante.

Obra de Mel Marttha Quispe.

Finalmente llegamos a la escultura y nos topamos con Madre Afroperuana de Víctor Guadalupe Tineo, Guerreros antropomórficos, de Hernán Colán Urdinola que nos regresa al mundo moche, otra escultura, es la denominada Antiguo Peruano tocando quena de Manuel Terrones.

Esto, solo como una referencia porque los visitantes podrán descubrir otras expresiones y descifrarlas de acuerdo a su sentir. 

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Cultura

Gonzalo Alegría habla sobre la pésima gestión del Ministerio de Cultura

En una reveladora entrevista, Gonzalo Alegría Varona analiza la pésima gestión del Ministerio de Cultura y la Biblioteca Nacional en esta última década. Además, menciona la importancia de un marco legal para el desarrollo de una verdadera industria cultural.

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El economista y sociólogo Gonzalo Alegría Varona, estuvo en el set de Lima Gris conversando sobre la pésima gestión del Ministerio de Cultura en sus 12 años de creación. Una cartera que hasta el momento no ha generado ningún impacto social en la población y donde el mayor presupuesto se va en pagar a funcionarios que no han logrado una buena gestión.

Por densidad cultural el Perú es el quinto país a nivel mundial, pero lamentablemente ningún gobierno ha logrado un marco legal para la cultura. “El que dice que la cultura no da para comer, no tiene ni idea de la potencialidad de la cultura”, señala Gonzalo Alegría.

“El Ministerio de Cultura no tiene proyecto. El MINCUL está tan mal que está pasando el Bicentenario, y le pregunto a los ciudadanos ¿Qué han hecho en el ministerio? ¿Qué ha habido por el Bicentenario? dos tonterías. Es decir, no habido nada”, agregó Alegría.

Sobre las preguntas irregularidades en la gestión de Ezio Neyra en la Biblioteca Nacional del Perú, Gonzalo Alegría mencionó: “El blindar o obviar problemas es un grave error político. Si en algún momento se ha cometido errores, se debe castigar esos errores. Otra cosa que duele de la BNP, es que se perdieron cosas muy importantes en la sede de Abancay, y ahora la gente de Abancay esta gestión toda la biblioteca. Entonces, claro, suena tan feo, porque dices ¡Dios mío!, pero en Abancay fue donde se perdió muchas de las cartas, documentos antiguos y libros importantes”.

“Lamentablemente la gestión pública en el Perú ha perdido el norte, y son camarillas, grupos de personas enquistadas que se apoyan entre ellos y hacen cosas raras entre ellos, por allí tiene que empezar un gran cambio”, enfatizó Gonzalo Alegría.

Aquí la entrevista completa en Lima Gris por Nacional TV.

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Cultura

La oscura melodía del Ministerio de Cultura de Puno

La Dirección Desconcentrada de Cultura de Puno, designó a José Javier Salas Ávila como presidente del Comité Directivo de la Sociedad de Compositores e Investigadores de la Música Puneña (SOCIMUP), pero dicho personaje fue sancionado por graves actos administrativos.

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El pasado 18 de octubre de 2021, en el local de la Dirección Desconcentrada de Cultura Puno la directora Arqt. Yenny Zapana Manrique, presentó y juramentó al “Comité Directivo” de la Sociedad de Compositores e Investigadores de la Música Puneña –  SOCIMUP, la cual tiene por finalidad el de revalorar, promover, proteger y poner en escena la música de nuestra región de Puno y el país.

Al parecer todo estaría bien, sin embargo, José Javier Salas Ávila (presidente), fue sentenciado por actos administrativos cuando era director de difusión de la Escuela nacional superior de folklore “José María Arguedas”.

La RESOLUCIÓN Nº 044-2018-CG/TSRA-SALA2, EXPEDIENTE Nº 100-2015-CG/INS Escuela Nacional Superior de Folklore “José María Arguedas” – Ministerio de
Educación – Lima. Indica que el Señor Salas Ávila, en su calidad de Director de Difusión de la escuela en mención cometió infracción de los Art 6º Inc i y Art 7º Inc. h considerado como “muy grave”.

La Contraloría General de la Republica – Tribunal Superior de Responsabilidades Administrativas, indica lo siguiente sobre el administrado Salas Ávila:

Respecto a la infracción tipificada en el Inc. h) del Art 7º del Reglamento de la Ley Nº 29622, aprobado por el Decreto Supremo Nº 023-2011-PCM (Muy Grave).

En su condición de Director de difusión de la entidad, actuó parcialmente en contra de los intereses del estado, al haber simulado la prestación del servicio de diseño, diagramación, e impresión de 1000 ejemplares de la revista “Yachasca”, la requerir mediante memorando Nº 617-2013-DD-ENSFJMA la contratación del referido servicio, adjuntando los términos de la referencia, los cuales cuentan con su visto y en os que señala que su finalidad era promover a nivel nacional e internacional la  labor de los docentes de la Entidad, precisando que dichas revistas serian enviadas a diferentes colegio de Lima Metropolitana y provincias, instituciones culturales, entre otros, pese a que no existía necesidad, por tanto , dichos documentos contienen falsa declaración; así mismo, consigno su sello y firma en el rublo “conformidad” de la orden de servicio Nº 1688, con lo que dijo que la proveedora cumplió con entregar los 1000 ejemplares, sin embargo, dicha manifestación constituye falsa declaración, puesto que no se prestó el servicio conforme al contenido del acta de entrevistado del 22 de mayo de 2014.

La conducta funcional del administrado ocasionó grave perjuicio al estado al haber transgredido los principios de probidad, eficiencia, idoneidad y veracidad, actuando parcialmente, beneficiario en forma ilegal a la señora Mary Carmen Prudencio Gamarra, cobrando la aludida señora S/. 9100.00 por un servicio inexistente, conforme se advierte del componente de pago Nº 418 y el giro del cheque Nº 78224725.

La inconducta funcional del administrado señor Ávila ocasionó grave perjuicio al Estado conforme se indicó en el apartado 2.3.3 (ii).

Por la cual, FUE SANCIONADO POR 4 AÑOS DE INHABILITACIÓN PARA EL EJERCICIO DE LA FUNCIÓN PÚBLICA.

Deja mucho que pensar, si a esto sumamos la serie de denuncias hechas a la anterior y actual dirección de la DDC – Puno.

Causa más extrañeza que la misma Dirección Desconcentrada de Cultura– Puno, sea la que ponga el personal y sus instalaciones (del Estado) para que los compositores e investigadores, se sumen e inscriban en sus oficinas para la esta entidad “Sin Fines de Lucro” “SOCIMUP”.

Por último, los Compositores e investigadores de la región Puno,  deben de estar atentos ante lo mencionado, ya que “SOCIMUP” solo logra confundir, lo que legalmente hace la Asociación Peruana de Autores y Compositores -APDAYC.

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Cultura

De “Ministerio de Cultura” a “Ministerio de las Culturas”

La promesa que el presidente Pedro Castillo lanzó el 28 de julio de 2021 desde el Congreso, viene siendo evaluada luego de seis meses por la cuestionada ministra Gisela Ortiz.

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La ineficiente gestión del gobierno de Pedro Castillo.

La ineficiencia del gobierno de Pedro Castillo nos revela que luego de seis meses en el poder ni siquiera han podido cambiar el nombre de un ministerio. La promesa se realizó en el mensaje presidencial del 28 de julio de 2021, cuando Castillo Terrones asumió el cargo de mandatario. Actualmente la cuestionada titular del Ministerio de Cultura, sobre el tema del cambio de nombre, argumentó que el Perú es un país diverso.

La ministra Gisela Ortiz también indicó que el cambio de nombre de la institución que dirige es un tema simbólico, porque representa la diversidad que existe en nuestro país. Además, Sobre ello, la premier Mirtha Vásquez precisó que el nombre Ministerio de Cultura se siente como la imposición de una sola y que se cierra a las diversidades que existen en Perú.

“Ministerio de Cultura se siente como la imposición de una sola cultura y que de alguna manera cierra la mirada a las diversas culturas que existen en nuestro país (…) Si creemos que es simbólico, porque el propio nombre de ‘Ministerio de las Culturas’ ya nos está hablando de esa gran diversidad“, señaló la premier.

La realidad es que el nombre es una copia de países como Bolivia o Chile, tal como se copió otros nombres de viceministerios de países como Colombia y Argentina. La realidad es que en gobiernos anteriores y en el actual, solo copian rótulos de instituciones extranjeras, pero en la práctica, el Ministerio de Cultura continua siendo un holograma en la avenida Javier Prado.

La ineficiencia de los anteriores ministros y especialmente de la actual ministra, ha terminado desconectando a la institución con los ciudadanos de todas las regiones. Un ministerio sin resultados y sin impacto real en la población nacional, solo es un elefante blanco que sirve para pagar sueldos a un grupo de burócratas que se han acostumbrado a cobrar sin trabajar.

El problema no es el nombre, el problema es la corrupción que campea en las instituciones gubernamentales.

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Cultura

Hernán Jiménez: “El artista plástico en nuestra patria no vive del arte”

Una entrevista con el artista puneño Hernán Jiménez Camacho.

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Hernán Jiménez Camacho, natural del distrito de Arapa, Provincia de Azángaro, Licenciado en Educación Primaria, con estudios superiores en la Escuela Superior de Formación Artística de Juliaca (ESFA), con título de “Artista Plástico” y título como profesor de Educación Artística, Participa en diversas exposiciones pictóricas individuales como colectivas, interviene en diversos eventos culturales como miembro activo en la “Casa Nacional del Poeta” (CANAPO), en la Asociación Nacional de Escritores y Artistas (ANEA), en la Asociación Peruana de Literatura Infantil y Juvenil (APLIJ), en la nstitución Cultural “Ama” América Madre, con sede Argentina y Filial Arequipa, colabora en la “Asociación Cajamarca Identidad y Cultura”.

¿Desde niño se vio pintor?

El dibujo y la pintura me intereso desde joven, al observar en un taller artístico realizando prácticas; pasaron los años y ya profesional, ingresé a la Escuela Superior de Formación Artística, ESFA, Juliaca, graduándome como artista plástico y luego culminar con el título de docente de artes plásticas.

¿Qué significa ser pintor en el Perú?

Ser pintor en el Perú, es satisfacer el espíritu con la belleza que ofrece la naturaleza plasmándolo en un lienzo, jugando con colores, formas, espacios, líneas; es dar a conocer los estados de una sociedad, sobre todo, el de los menos beneficiados; porque querer vivir de la pintura es difícil, salvo algunas excepciones, aquellos que alcanzan renombre y el resto queda relegado.

¿Cómo definiría su pintura?

La pintura se observa desde diferentes puntos, tal como social, político humanista, enmarcado en lo artístico; y mis obras son de carácter social, artístico aprovechando las bondades de la naturaleza y vivencias del poblador andino.

¿Son varias las etapas de su pintura?

Para encontrar un punto culminante de una obra pictórica, se tiene que pasar por todas las escuelas o etapas, como el realismo, cubismo, impresionismo, expresionismo, etc. Y con ellos tener lo propio; yo empleo las diversas corrientes.

¿Cuál es su color preferido?

En el cuadro empleo colores existentes en librerías, busco la armonía y equilibrio, personalmente me gusta los colores encendidos que resalten, gusten.

¿Cuándo sabe que un cuadro pictórico está definido?

Un cuadro está definido cuando llena mi expectativa y guste al público que observa. Considero además que una obra está definida o culminada cuando agrada a la visión y cumple a cabalidad con el objetivo planificado y el mensaje propuesto por el autor, también tendrá en cuenta la apreciación del público que concurre a una galería y la apreciación crítica de otros artistas plásticos.

¿Se puede vivir de la pintura?

Siendo artista plástico de la especialidad de dibujo y pintura, personalmente no vivo de la pintura, para vivir de ella tiene que haberse logrado un sitial preponderante tanto en el Perú como en el exterior, y estar comprometido con los problemas socioeconómicos y culturales de las grandes mayorías de nuestra patria. El artista plástico en nuestra patria no vive del arte por falta de apoyo de entidades culturales y gubernamentales.

Las instituciones públicas, ¿promueven el arte?

Deberían promover, y si promueven son escasos y en raras ocasiones.

Por otro lado, ¿Qué haría si fuera Ministro de Cultura?

Soñar no cuesta nada, pensar en que “sería” tampoco, estos puestos son ocupados por personajes políticos poco conocedores del quehacer artístico; pero si de soñar se trata, impulsaría trato digno para los artistas en general, crear instituciones de formación artística, que se abran las puertas de las salas de exposición gratuitamente, que los materiales empleados en las artes plásticas tengan un precio justo, desterrar la discriminación ideo-político racial en el desempeño de las actividades artístico culturales.

Finalmente, ¿en qué proyecto se encuentra trabajando ahora?

Últimamente estoy dedicado a la producción literaria, dándome vacaciones en la actividad pictórica.

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Cultura

En el Callao se versa

Entrevista con el escritor Juan Andrés Gómez sobre la literatura del puerto.

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En el Callao se versa, como se  arman dichos  originales, así estos que copiamos: “Si te preguntan qué fuimos, diles que fuimos las ganas de serlo todo, pero al final no fuimos nada” O este otro: “Todos somos el malo, en el cuento de alguien.” Es que “el Callao es el paraíso, aunque los demás (los) nos envidien”. Y debe ser así, por el espíritu original y cachaciento que lo hace único como Región, junto pero aparte de Lima.

Aún cuando nuestro Primer Puerto, esté estigmatizado por una ola delincuencial que no se ha sabido combatir y que empaña esa imagen de leyenda que se fue creando a través del tiempo, su espíritu creativo no cesa y continúa engrandeciéndolo.

Así se inició

La poesía chalaca, fue recogida y difundida en tertulias amicales como también  folletines y en las páginas del diario “El Callao” , fundado el 2 de noviembre de 1883 por el periodista ecuatoriano M. Darío Arrús, medio que publicó poemas de algunos de sus vates, especialmente en las primeras décadas del siglo XX.

Un hijo adoptivo, Santiago Risso, anota que uno de los antecedentes más saltantes del movimiento literario se dio en 1915 con el surgimiento de “Generación de la Bohemia Chalaca”, creada por Néstor Gambetta y Manuel Raygada, el reconocido “Chato Raygada”, uno de sus compositores más resaltantes y autor de la polca “Noche Chalaca” que Jesús Vásquez inmortalizó.

Otro momento importante que subraya Risso es el de 1963, cuando se formó Línea Eter, con los poetas Gómez Rojas, Gallardo Guido, Alegre Ramos y Sánchez Olivencia.

 Pero esa dinámica no ha cesado y lo relevante es que pese a las limitaciones impuestas por la pandemia, los chalacos han decidido no darle tregua a la movida literaria, como lo demuestra Juan Andrés Gómez(1982) que ha sacado a luz PUERTO DE LETRAS, Poetas del Callao por el Bicentenario, primera edición diciembre del 2021 (Ángeles de Papel). Una compilación que junta a poetas de diversas generaciones en dos secciones:

Poetas fallecidos: Carlos Emilio Siles, Carlos Concha Boy, Alfonso de Silva, Carlos Contreras Espichán, Julia Alicia Mendoza, Juan Gómez Rojas, Aurelio Alberti Berenguel, Pedro Rivarola y otros.

Poetas del Callao.

Entre los poetas contemporáneos citamos a Óscar Aguirre Méndiz, Samuel Soplín Escudero, Zenaida Torreblanca, Pablo Briceño Renfijo, Fidel Chaparro, Betsabé García, Elizabeth Pelaez y más, aunque notamos la ausencia de Santiago Risso.

Pudimos acceder a este libro y a su autor, gracias a la acuciosidad de Samuel Soplín, sociólogo, ex cartero y escritor, quien tuvo la gentileza de hacernos llegar la presente edición. El mismo Soplín, forma parte de la dinámica literaria del Primer Puerto, siendo autor de las novelas “Crónica de la Esquina del Cañón”, “Crónica de una Despedida” “¡Hey, Taxi!, pionera de las novelas sindicalistas.

El novel compilador Juan Andrés Gómez, es  poeta, actor y se inició en los vericuetos del verso con el grupo Poesía en el Puerto, que se reunía por los años de 1999 al 2005 en la Plaza Casanave del Callao, teniendo como adalid al poeta Pedro Rivarola Urdanivia.

Ha participado en diversas muestras de Poesía como Sacra Cofadría. Ramillete de Poesía peruana actual (2011), Muestra de poesía hispanoamericana (2012), El viento entre las Hojas. Poéticas peruanas en el Bicentenario (2021), también ha colaborado en diferentes revistas como Casa Nuestra (Lima, 2005), Alhucema, revista Internacional de Teatro y Literatura (España, 2016). Entre su antología personal están los poemarios, “Diálogos Póstumos” (Ediciones Vicio Perpetuo, 2014) y “Viaje a Ítaca” (Alejo Ediciones 2015).

Juan Andrés Gómez.

La presentación del libro PUERTO DE LETRAS, será este 14 a las 3pm en la Biblioteca Municipal del Callao-Jr Colón & Pedro Ruiz Gallo, como un homenaje a los héroes chalacos, inmolados en la Batalla de Miraflores (15 de enero de 1881).

Lima Gris, conversó con Juan Andrés para profundizar sobre esta inquietante actividad de la recopilación y edición de poemas y algo más

Veo que tu andar por la poesía empezó en esas reuniones poéticas que propiciaba Pedro Rivarola, un poeta de letra elegante. ¿Él descubre tu vocación?

Yo diría que estimuló mi inclinación por la poesía.  Mi primer andar por el camino poético empezó en Poesía en el Puerto, programa semanal que conducía Rivarola en la Plaza Casanave, en el Callao.

Tienes inclinaciones múltiples como el teatro. ¿Existen proyectos de continuar en las tablas, cuál es tu especialidad? ¿Participarías en cortos o en series?

El teatro es otra de mis pasiones; pero el hombre creo es, infinito en sus capacidades pero corto en vida, si se viviera 500 años habría tiempo de algunas vocaciones más. Y sí, participaría, no sólo en cortos y en series, sino también en cine.

Existen muchos nombres de poetas, pero no veo los de ediciones tanto en el pasado como en la actualidad. ¿Qué revistas literarias se crearon, qué medios periodísticos publicaron poemas?

En 1976 Fernando Sánchez Olivencia saca a la luz la revista Creación solamente en su primer número, asimismo el grupo Línea Éter saca su revista que lleva su nombre y el poeta afro Máximo Torres Moreno dirige la revista de poesía La Gaviota. En la actualidad vemos mucha movida literaria en el Perú y diversas revistas digitales.

A excepción de Poesía en el Puerto y Línea Eter, coexistieron otros grupos literarios o quizá de aquellos que propiciaban también la narrativa, música y teatro? ¿Quiénes fueron sus exponentes?

Los grupos literarios en el Callao siempre han existido, nomás que han pasado desapercibidos y olvidados; por ejemplo, funda Eduardo Marisca en 1893 el Centro Literario del Callao y otro en 1965 el grupo poético Amauta encabezado por Ricardo Pérez Torres Llosa y justo Ricardo es parte ahora del Movimiento Callao Puerto de Letras que hace días hemos fundado. Esperemos esta vez con el tiempo tenga el reconocimiento que se merece.

Se habla mucho de la poética chalaca, pero ¿qué hay de su narrativa? Me parece que ya es tiempo de hacer una recopilación de los autores que destacan.

Vamos de a poco. Si bien es cierto no hay mucho registro sobre el trabajo literario del Callao. Sin embargo, acaba de salir la antología Puerto de Letras. Poetas del Callao en el Bicentenario, que recopila la poesía chalaca. Ya pronto habrá noticias sobre narradores porteños.

Las poetas también están presentes en esta recopilación, ¿ellas se reunieron alguna vez en algún grupo conformado solo por mujeres?

Desconozco. Pero mi verdadera intención como compilador es rescatar la voz poética chalaca (hombres o mujeres) al final fue un arduo trabajo de investigación y descubrimiento de voces alguna vez olvidadas.

¿El poeta afrochalaco Máximo Torres, es el único nacido en el Callao en haber sido reconocido como Personalidad Meritoria de Cultura por el MINCUL?

Así es, Máximo Torres Moreno (Majustomo) es un digno representante del Perú; pero a veces no basta, porque de cartones y medallas no se vive. Dada la trayectoria de este poeta afro, creo que hubiese sumado un incentivo económico por ser una Personalidad Meritoria de Cultura y ese título no todos tienen.

¿Eres pariente del poeta Juan Gómez Rojas?

Ya me han preguntado muchas veces, pero no, no soy pariente del fundador de Línea Éter, pero soy chalaco al igual que él.

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