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Cine

Pilar Roca: “Otra más del Ministerio de la Incultura contra el maestro Federico ‘Fico’ García”

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Esta semana falleció el cineasta peruano Federico ‘Fico’ García, un referente de la cinematografía nacional, con 13 películas dirigidas, entre las que están Kuntur Wachana (1977), que ganó el premio de la Federación Internacional de Crítica de Cine en el décimo Festival Internacional de Cine de Moscú de 1977, El Caso Huayanay (1981), El Socio de Dios (1986) y Laulico (1979). Además destacan: La manzanita del diablo (1990), La yunta brava (2000) y El forastero (2001).

La muerte de ‘Fico’ García también revela duros cuestionamientos contra el Ministerio de Cultura, institución que en sus 10 años de creación solo ha servido como caja chica para un grupito de amigos que tiene capturada una institución tan importante como el MINCUL.

Sobre DAFO y el Premio Personalidad Meritoria de la Cultura, que el Ministerio de Cultura le otorgó al cineasta italiano Gianfranco Annichini, se pronunció la escritora y cineasta Pilar Roca, quien solicita la intervención de la Contraloría y del Congreso de la República para investigar a La Dirección del Audiovisual, la Fonografía y los Nuevos Medios (DAFO), dirigida por el cuestionado Pierre Emile Vandoorne.

Aquí el texto de Pilar Roca:

Otra más del Ministerio de la Incultura contra el maestro Federico ‘Fico’ García

“Mientras Fico agonizaba rodeado del amor de los hijos y nietos, el Ministro de la Incultura declaraba a un cineasta de origen Italiano, radicado en Perú, “Premio Personalidad Meritoria de la Cultura”. Claro que a este cineasta en en el 2011 ya le habían regalado S/. 150,000 soles para que hiciera su primer y único largometraje Llamado “La Curiosa Vida de Eustaquio Rengifo”.

¿Ud. lo vio ? Yo no ¿Cuánto tiempo estuvo en los cines? No lo sé. Que no se use los dineros del Estado Peruano (pago de contribuyentes) para que la argolla se premie entre sí. Pido al Congreso y a la Controlaría de la República que Intervenga a DAFO – Ministerio de Cultura.

Próximamente sacaré “Misterdafo” y todos ustedes podrán conocer a quienes premian. Aunque claro, están algunos muy merecidos como el maestro Armando Robles Godoy, con quien a pesar de discrepar políticamente, admiramos como cineasta y ser humano.

Todos los años se reparten más de 24 millones de soles. Fico fue un hombre amplio de militancia política Comunista-Socialista-Andino. Una pregunta ¿Para el Ministerio de Cultura cuenta en la decisión del otorgamiento de Premios/Estímulos/Subsidios la opción política? Por favor, que se aclare ¿Ministerio de Cultura o de la incultura? Ud. decide”.

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Viernes Literario: Aya Taki por el qosqoruna Federico García

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El “aya taki”, es aquella canción fúnebre que se blande en la despedida del Mundo Andino donde la muerte es apenas otro paso, otro mundo. Se rememora al ser querido en la familia y también se le “canta” en público, como ahora amerita hacerlo con Federico García Hurtado de Mendoza (1937 -2020). Qosqoruna, artista en toda la dimensión de la palabra. El pasado 23 de octubre se nos adelantó y entre otros grandes amautas del Qosqo, ha dejado un gran vacío y a la par un gran legado. Nos acercó al Ande vivo con poesía impresa en su trabajo cinematográfico, y ahí perdura Kuntur Wachana (1977).

Inmortalizó en el séptimo arte a los personajes más manoseados pero menos estudiados de nuestra historia libertaria. “La leyenda de Melgar” (1981) y “Túpac Amaru” (1984) son dos retratos de ello. La veta de su sensibilidad radica en la cosmovisión andina que nos permite conocer en más de 10 películas como “El caso Huayanay”, “El socio de Dios” y “Laulico”. Destacan también las cintas “La manzanita del diablo”, “La yunta brava” y “El forastero”, estas dos últimas realizadas a principios del nuevo milenio. Indesmayable junto a su compañera María del Pilar Roca, ha desarrollado una intensa vida creativa e intelectual donde podemos apuntar los libros, “El paraíso del diablo” (2003), “Pachakuteq: Una aproximación a la cosmovisión Andina” (2004) y “Piel de fuego” (2007).

“Fico amaba el Cusco, amaba su pasado y quería la identidad de su gente, quería a Túpac Amaru, quería que la gente se identificara con él porque era un ser honesto, alguien que teniéndolo todo lo dio todo por cambiar nuestra historia. Fico creía en la independencia del Perú porque consideraba que seguimos siendo una colonia donde se maltrata a nuestros pueblos y el centralismo concentra y decide por el Perú. Fico amaba la libertad, era un libre pensador difícil de encasillar, rompía esquemas y ese es también su aporte a la peruanidad”, nos dice Pilar Roca quien sigue defendiendo su obra, tristemente invisibilizada por el actual Ministerio de Cultura. Al Estado peruano, como él mismo dijera “sólo le debe encierros y persecución”.

Demostrando que nadie es profeta en su tierra, “Kuntur Wachana” se hizo ganadora del Premio de la Federación Internacional de Críticos de Cine en la 10ma edición del Festival Internacional de Cine de Moscú. “Tupac Amaru” fue un éxito de taquilla en 1984 y es considerada en el Festival de Tokio de 1986, como uno de los films más representativos del cine latinoamericano de todos los tiempos. Sus cintas se han exhibido en América, Europa y Asia, donde al presente se les estudia como corresponde en diferentes universidades a las que también fue invitado en calidad de conferencista. Entre los numerosos premios que recibió señalaremos el Premio de la Prensa Internacional en el Festival de Cine de Biarritz y el Premio Saúl Yelín del Comité de Cineastas de América Latina.

Federico García vuelve al Qosqo y vivirá para siempre en su amada Calca, al clamor del Valle Sagrado. El Cusco es la tea donde más fuerte arderá su memoria. Los distintos reconocimientos alrededor del mundo hacen de su obra patrimonio de nuestra cultura que debe ser custodiada como se hace con el patrimonio material e inmaterial. Hablamos de la herencia espiritual de nuestro pueblo. Si un homenaje le debemos, el único camino es asumir nuestra andinidad. Pensar en andino y reconocernos como tal, al lograrlo acogeremos el legado de Fico García. Es necesario también, iniciar una cruzada por el rescate de sus cintas cinematográficas, que entre otras joyas nacionales, deben incluirse en el proceso de aprendizaje de los estudiantes peruanos. 

El Cusco llora a un hijo querido y a poco más de un mes de su partida, le cantaremos como se debe, hoy viernes desde las 4:00 pm, en la Sala Machupicchu del Centro de Convenciones de la Municipalidad Provincial del Cusco.  Todos los que desean ser parte están invitados junto a sus amigos, familia y nuevas generaciones de cusqueños y cusqueñistas.

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Cine

Grupo Chaski sumergido en un conflicto de interés en las Líneas de Apoyo del Ministerio de Cultura

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La Asociación Microcine Chaski Macari fue declarado beneficiario en la Línea 2 de los Apoyos Económicos para la Cultura con el monto de S/ 60 mil soles. Y resulta que uno de los miembros del Comité Independiente de Evaluación que deliberó el fallo de los beneficiarios y/o ganadores, es la señora María Elena Benites Aguirre. Y ¿Quién es la señora Benites Aguirre? es nada menos que responsable y coordinadora de la Red Nacional de Microcines y además es miembro del Consejo Directivo del Grupo Chaski. El detalle es que existe un conflicto de interés, ya que aquella Red de Microcines, también es parte del Proyecto del Grupo Chaski. Aquí el informe.

El 20 de mayo se promulgó el Decreto de Urgencia Nº 058-2020 que “Aprobó mecanismos de amortiguamiento para mitigar los efectos económicos en el sector cultura producidos en el contexto de la emergencia sanitaria por el Covid-19”. En suma, el MEF destinó 50 millones de soles para las áreas de Desarrollo y Promoción de las Artes e Industrias Culturales y Puesta en Valor y uso de patrimonio cultural en el ministerio de Cultura. Para destinar esos 50 millones, el Ministerio de Cultura creó diferentes Línea de Apoyo Económico.

Revisando el portal institucional y observando la Línea 2 de Industrias Culturales correspondiente a Sostenimiento de organizaciones y espacios culturales, encontramos que entre sus beneficiarios está la Asociación Microcine Chaski Macari, con código de solicitud L2-IA-014-20 correspondiente a la región Puno con un monto otorgado de S/ 60,000 soles, y que cuyas actividades son el: Audiovisual y Cinematografía, Cultura Comunitaria. Tal como lo señala la Resolución Ministerial N° 000352-2020-DGIA/MC.

Microcine Chaski Macari beneficiado.

Sin embargo, resulta que esta asociación también es parte del Grupo Chaski Comunicación Audiovisual, ya que éste tiene una Red de Microcines en ocho regiones del Perú, además de Lima. Justamente, en la región Puno la Asociación Microcine Chaski Macarí tiene su sede en el distrito de Ayavirí provincia de Melgar con su centro Cultural llamado Microcine Chaskimac. Es decir, esta asociación es parte del Proyecto del Grupo Chaski, tal como ellos mismos lo detallan en la información de su página web en Facebook.

En la web de Microcine Chaskimac figura en la sección de contacto adicional el enlace www.grupochaski.org que es la página web oficial del Grupo Chaski. Además, en la sección de información adicional, se menciona: “Nos constituimos como un grupo de comunicadores audiovisuales y gestores culturales comprometidos con la promoción del cine como una herramienta para el desarrollo cultural y educativo del país y la región, en el marco del Proyecto: El Grupo Chaski y la Red de Microcines”.

El detalle, es que uno de los cinco jurados que eligieron a los beneficiarios fue la señora María Elena Benites Aguirre, miembro del Consejo Directivo y Responsable de la Red Nacional de Microcines Chaski. En otras palabras, ella ha sido jurado donde uno de los beneficiarios (Asociación Microcine Shaski Macari) forma parte del proyecto donde ella es directiva.  Aquí la Resolución Directorial N°000287-2020-DGIA/MC

Resolución Directorial N°000287-2020-DGIA/MC

En la página web oficial del Grupo Chaski se puede leer: “En noviembre del 2013 es nombrada Presidenta del Consejo directivo y Directora Ejecutiva de Grupo Chaski, siendo parte del Consejo Directivo desde el 2004. Es responsable y coordinadora nacional de la Red Nacional de Microcines”. Es decir, la señora María Elena Benites Aguirre fue juez y parte en la Línea 2 de las Ayudas Covid del Ministerio de Cultura.

Conocemos del importante trabajo del Grupo Chaski, pero este conflicto de interés no debe ocurrir. La transparencia es el elemento principal que se tiene que tener en cuenta cuando está en juego el dinero de todos los peruanos. ¿Por qué el Ministerio de Cultura permite que ocurran estas situaciones?

Dentro de las bases, en el punto seis de las restricciones de participación se lee: “El Ministerio de Cultura podrá verificar que el solicitante no se encuentra inmerso en algún tipo de incompatibilidad que genere conflictos de interés”.

Tal como lo mencionamos en una anterior publicación, es importante que la Contraloría General de la República continúe investigando, no solo el Proceso de Adquisición de Libros, sino, también las diferentes Líneas de Apoyo Económico del Ministerio de Cultura. De la misma forma, sabemos que la Comisión de Cultura y Patrimonio Cultural del Congreso viene revisando varios casos relacionado al MINCUL.

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Cine

Estreno de “Adentro hay un loro” (2020), de Mario Castro Cobos

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Mario Castro, realizador y crítico de cine, estrena en Lima Gris (y de manera gratuita) su sexto largo independiente en 3 años, que es, además, el segundo largo que estrena este año.

Adentro hay un loro: 21 cortes a partir del auto-registro audiovisual de Estado de Encuentro 2014-2020, de Mario Castro Cobos (Perú, 2020, 75 min). Tomando 10 videos de youtube de un total de 206 del canal de Estado de Encuentro se busca una re-creación de la esencia de sus particulares prácticas, o al menos una tentativa de interpretación de las mismas, si no una mutación de su sentido original. 

Aquí puedes ver Adentro hay un loro (2020):

Aquí puedes ver Cuaderno de notas (2018), Gracias por la donación (2019), Descartes (2019) y Agujero (2019), del mismo director.

Aquí puedes ver Animales perdidos (2020):

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HOTEL MONTEREY (1972) de Chantal Akerman

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Una de las primeras obras de Chantal Akerman (Bruselas, 1950 – París, 2015), Hotel Monterey (1972), es un trabajo de exploración y observación meticulosa, que prescinde del sonido, sobre el establecimiento del título, una modesta residencia neoyorquina, refugio de artistas marginales, desheredados, de gente pobre que aún no ha sido arrojada a la calle.

La cámara fija –predominante en la película -, principia la inspección en el vestíbulo del hotel,  mostrando personas registrándose en la recepción, otras esperando, sentadas o de pie, conversando o sólo mirando lo que sucede. Las imágenes propuestas casi son introductorias: prevalece el espacio abarrotado, el tránsito de grupos, el bullicio –que fácilmente se intuye-, todo nos habla de la vivacidad de esos primeros pisos, incluso cuando los planos se hacen desde el ascensor y los rostros de los que viajan se ven incómodos por ir apretados o se fastidian cuando se abren las puertas y tienen que evaluar si caben o no en el cubículo. Luego sobreviene el cambio, desaparecerán las aglomeraciones. La cámara estática filma pasillos solitarios, columnas, la geometría de la arquitectura; la oscuridad de esos corredores, o su penumbra, y los colores de los botones del sube-baja que apenas parecen destellos en la negrura de esos pisos. De esa oscuridad surgen las habitaciones y sus personajes. Un cuarto, una cama ordenada, un durmiente; un hombre mayor sentado en su pieza desordenada, mira tranquilamente; una mujer embarazada vista desde el pasillo; otros cuartos, un baño -¿común?-, extrañamente luminoso. La aparición de estos individuos -y objetos-, enmarcados en sus habitaciones, compuestos como escenas pictóricas, son imágenes investidas de una familiaridad ajena o distante, una quietud, un retraimiento, que podríamos decir teñido también de cierta tristeza y aire de abandono.

Desde el inicio, la composición del encuadre utiliza elementos del ambiente hotelero, diversos bordes como muros, rejas, vigas, marcos de puertas, intervienen en la conformación del plano, lo definen o recortan, enfatizando así su proceso exploratorio, lo reflexiva de su apuesta, su atención a cada objeto frente a la lente, detallista en cada segmento. La posición fija de la cámara postula un tiempo de espera, de observación atenta frente a lo que acontece o pudiera ocurrir. (Aunque de hecho no ocurra demasiado y sea más bien el tiempo transcurrido el que llena todo el plano, el que parece habitar esos espacios largos y profundos o el que inviste a los sujetos compartimentados).

Más adelante la cámara empezará a desplazarse de manera lenta, con movimientos reiterativos. Ya no será sólo la visión de lo que se presenta enfrente –contemplación-, o los personajes en sus pequeños recuadros, sino los explícitos recorridos del espacio. De noche, la cámara avanza hacia el fondo de otro corredor oscuro hasta dar con una ventana. Al llegar, retrocederá hasta cierto punto del corredor y repetirá el acercamiento. De nuevo en la ventana, se enfocará en la calle y en el tránsito que se ve pequeño, distante, aunque sólo será un vistazo. Volverá de día, rehaciendo los pasos hechos, acaso verificando los efectos de la luz natural. A pleno sol, el paisaje ha perdido su misterio. La cámara irá al encuentro, tanteará el terreno e intentará experimentar la mirada de los habitantes de ese inmueble –o quizás del inmueble mismo-, como en esas vistas a través de las ventanas, pero también desde los techos, observando el cielo, otros edificios, las corrientes de agua, la ciudad toda.

La exploración que del edificio y sus habitantes hace la directora produce el significado de unas vidas centradas en la soledad y el desamparo, a pesar del movimiento y alboroto que se ve al inicio, en la recepción del hotel. A medida que el registro se interna por corredores, escaleras, techos, habitaciones, el silencio cobra más sentido –aunque no oigamos nada durante toda la película-; aquellos espacios remarcarán su calidad de tránsito, de refugio, lugar de reposo se diría, en donde sin embargo sus habitantes parecen estar varados y entonces se muestran como aquellos fantasmas perfectamente enmarcados en sus cuartos o como figuras de un pasado que no reconocemos, pero que están allí, abandonados en esos pisos por los que nadie parece circular.  Así, un sentido conexo recorre los planos que se hacen del exterior, cuando se filma lo que ocurre fuera del edificio, paseando una mirada curiosa y al mismo tiempo insegura, resguardada, siempre con la presencia de algún fragmento (de una reja, de un muro, de una esquina) del hotel, apareciendo en su campo visual, como contextualizando la visión, y estableciendo ese contraste entre los que se encuentran adentro y la calle, o el exterior, ese espacio que cambia con la luz, que inspira tranquilidad y confianza una mañana cualquiera o sugiere aventura y peligros en el ajetreo nocturno.

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Cine

Joker, un año después

Estrenada el 2 de octubre del 2019, Joker de Todd Phillips prefigura el escenario de incertidumbre que vivimos en este 2020.

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Con cierto tipo de cine es inevitable hacerse la pregunta ¿Las películas anticipan la realidad o simplemente la describen? Esta variante del huevo y la gallina —en versión cinéfila— perdura como signo de interrogación después de ver Joker. Para la policía de Los Angeles, que resguardó el estreno en distintos puntos, sucede lo primero; para el documentalista Michael Moore lo segundo: “Tu jubilación ya se acabó hace tiempo. Estás endeudado por los próximos treinta años porque cometiste el crimen de educarte. Has llegado a pensar en no tener hijos porque no tienes suficiente corazón como para traerlos a un planeta que está muriendo y en el que 20 años después de nacer tendrán una sentencia de muerte. ¿La violencia en Joker? ¡Alto, deténganse! La mayoría de la violencia en la película es la que se comete contra el mismo Joker, una persona que necesita ayuda, alguien que trata de sobrevivir en una sociedad codiciosa”.  Y para dar cuenta de temas tan álgidos venía bien un director de comedia como Todd Phillips, conocido mundialmente por la hilarante, The Hangover ¿O no?

Apenas se ha reparado en el hecho que Todd Philliphs no ha sido, siempre, un director de comedia. Basta ver su primer trabajo: el documental Hated, para demostrarlo. Intentar encuadrarlo como director cómico es relegar a “pecado de juventud” su ópera prima; sería como definir la existencia del poeta Rimbaud por sus últimos años como traficante y dejar a un lado su temprana  poesía.

Un buen número de claves para comprender a este peculiar Joker, se muestran condensadas en el documental que grabó Phillips cuando tenía 24 años. Hated narra en un breve espacio de tiempo la existencia vital, los devaneos y la particular filosofía del malogrado cantante de punk GG Allin frente a la sociedad. La genealogía de Arthur Fleck, el Joker,  interpetado por Joaquin Phoenix  comienza ahí, antes que en Taxi Driver o The King of Comedy.  

La cita que sirve de epígrafe a Hated: “GG Allin es un cantante con un mensaje que comunicar a una sociedad enferma. El nos hace ver lo que en realidad somos. El ser humano es sólo un animal más, capaz de hablar libremente para expresarse. No se equivoquen, detrás de lo que GG hace hay un cerebro” dicha por John Wayne Gacy, anticipa con creces la personalidad del futuro Joker.

Las señales en torno a John Wayne Gacy o Pogo  (el payaso asesino que aterrorizó Estados Unidos en la década del 70, condenado a la pena de muerte por abuso sexual infantil) permanecen latentes durante toda la película: desde el nombre del local donde Arthur Fleck actúa: Pogo’s , hasta la máscara que usa el Joker y será replicada por sus seguidores: una variante del rostro maquillado de Gacy, cuando fungía ser el  payaso Pogo.

El baile en las escaleras de Arthur Fleck, con la música de fondo de Gary Glitter, le otorga una atmósfera oscura a la película, si se recuerda que Glitter actualmente purga cadena perpetua por abuso sexual infantil.

Todo esto se comprende nítidamente cuando se nos revela que Arthur Fleck ha sufrido abusos de niño; se explica así la película como una crítica hacia una sociedad enferma —que ha minado el desarrollo de Arthur Fleck y lo ha convertido en un adulto descompuesto— del que no puede hacerse cargo: el hospital psiquiátrico le ha retirado las pastillas, que equilibraban su mente, por falta de presupuesto.

“Cuando tienes una enfermedad mental, las personas esperan que actúes como si no la tuvieras” dirá Fleck, interpretado por Phoenix.

De ese modo el desvarío mental en Joker se revelará constitutivo y tiende sus lazos genealógicos con el Travis Bickle de Taxi Driver y el Rupert Pupkin de El rey de la comedia. Así como ellos Arthur Fleck es un marginado social, un desarraigado. Fleck es un aspirante a cómico que no es gracioso, un payaso triste con un deterioro mental que lo hace objeto constante de burlas. Sólo en las primeras escenas aparece la característica flor roja bordada en la solapa de su saco. Luego, el contacto con la realidad lo hace mudar de prendas. Mientras la boca de Fleck ríe, los ojos lloran. De ahí a su marginación social, por parte de quienes sí están adaptados al sistema hay un solo paso. En la búsqueda por comprender sus orígenes descubrirá el lazo filial que lo une con Thomas Wayne, el millonario de Gotham, que candidatea para alcalde, con miras a reprimir las protestas en la ciudad. Wayne es símbolo de la maquinaria de poder que avasalla sin miramientos. Un entramado en el cual los individuos son un número prescindible en el sistema económico.

En esta Ciudad Gótica donde el individualismo campea, apenas si hay espacio para los afectos; desde las primeras escenas el personaje interpretado por Phoenix imagina una relación parental con Murray Franklin, el presentador de televisión. Su verdadero padre, Thomas Wayne lo rechazará, no sin antes infundirle dudas sobre sus orígenes.  Sin otro tipo de relaciones sociales —aparte del gremio de payasos, donde Fleck es también un marginado— no es difícil imaginar las veleidades del futuro Joker frente a su único refugio y descanso espiritual: el televisor.

El amor es también ilusorio: la vecina Sophie, que parece ser el soporte espiritual de Fleck, es una ilusión, un devaneo de su mente. El futuro Joker ha recreando afectos románticos que no tienen asidero en la realidad. Su soledad lo ha engañado y el breve contacto que mantiene con los hechos nos revela la carencia de vínculos afectivos. El Joker es un demente solitario en una ciudad individualista, la progresión de escenas nos revelará que no es el único que comparte ese sentimiento.

La otra variable del sistema es Murray Franklin, el presentador de televisión, que sintetiza de modo preciso la fantasía de las relaciones sociales y su levedad: la vida como espectáculo lista para el consumo.

El programa de Murray se emparenta con los late nights, especialmente con el show de Letterman: hace gala de una sofisticada ironía que le permite relativizar el dolor y volverlo ligero. Este modo irónico de ser – en- sociedad, es una actitud ante la vida y una defensa. La ironía, que fue movilizada en los 60s como un arma contracultural ha degenerado hasta formar parte de la estructura elemental del sistema; ya no es una herramienta de la contracultura, forma parte de la normalidad: es lo mainstream. Y la normalidad es un entramado de sospechas, donde los sentimientos se ocultan con un halo de ironía: quien expresa de modo sincero sus sentimientos es un tonto. O un loco. Sólo un loco como Fleck llora, se conduele o siente.

Visto desde otro ángulo la escena en el plató de televisión, donde Murray Franklin entrevista a Fleck, es un ejemplo paradigmático de “La Nueva Sinceridad” en televisión, algo a lo que el cómico Stephen Colbert apeló cuando relevó a David Letterman de su espacio televisivo. La nueva sinceridad es el fin de la ironía y de sus trucos, que invisibilizan y denostan cualquier asomo de sentimiento. En el caso de Fleck esta nueva sinceridad o este despojo de la ironía ocasionará que revele su participación en los sucesos que sacuden la ciudad y que invierta los valores irónicos que sustentaban el programa de Murray Franklin, convirtiéndose así en el antihéroe y líder de Gotham. Un líder, que encuadra muy bien con la descripción que hace Eric Fromm, de Lutero en su obra El miedo a la libertad: un  hombre que no sabe a dónde va, pero que es capaz de movilizar masas a donde se dirige.

Con Fleck aupado como líder por las masas, que se revelarán profundamente  identificadas con su performance, recrudece el período de  incertidumbre en Gotham, lo que tiene un correlato verídico en los movimientos suscitados durante este año en los Estados Unidos y en algunas regiones de América Latina. La ficción bebe de la realidad y retorna a ella de buena gana.

Joker es una película, despojada de ironía, sobre el individuo y su sociedad; donde en modos mayores y menores se refleja el modo de vida contemporáneo. La frase “Todos somos payasos” se actualiza constantemente, pues es reflejo del divorcio entre expectativas y realidades en nuestra sociedad. Los organizadores de TED deberían invitar al Joker a dictar una conferencia.  

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Cine: Mar negro, de Omar Alarcón (2018)*

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¿Cuál es el secreto de la sencillez? Una sencillez que, sin dejar de serlo, te afecte, te atraviese. Que te haga sentir que los medios expresivos mínimos son suficientes. Que son lo mejor. Un hombre, un poeta, lleva atrapado más de 60 años de su vida en un hospital psiquiátrico, según parece, injustamente. Uno se pregunta entonces dónde está en realidad la locura. ¿La locura no será la inhumanidad? El asunto ahora es cómo dar cuenta de algo así.

Con esta película casi sientes que no hay intermediación, que podría ser la vida misma lo que estás mirando. Que se te ofrece con pasmosa naturalidad. Una cercanía atenta, respetuosa y sin pose alguna. Que no hubiera sido posible sin una fusión entre quien mira y filma y quien se encuentra atrapado en su encierro que es su infierno, y que sobrevive como puede, creándose y recreándose su mundo, un mundo para sí, que incluye una protesta, una crítica contra el sistema que lo excluye y lo aplasta minuciosamente. Sobrevive así el poeta en su débil y fuerte fortaleza de palabras.

La situación de este hombre es terrible, aunque esté amortiguada por el día a día del lugar, y lo notable, tanto estética como éticamente hablando, es que el director no haga uso de los consabidos recursos baratos para provocarnos una pena, efímera y epidérmica, que olvidaremos con seguridad al día siguiente. La cámara es apacible e invisible y discreta y sensible. Lo más simple era lo más difícil: atreverse a mirar, de frente, sin falsificar. Por esa distancia justa permanece en la memoria.

Mar negro es una película que limpia el alma y alegra el corazón. Si lo que cuenta es trágico, indignante, horrible, devastador, lo hace para mostrar la verdad de una vida. Al constante borde de un abismo. Y claro, lo que llamamos un manicomio me parece que es la imagen visible y sensible de cómo en realidad se ve mucha gente por dentro, o de cómo se verían si se atrevieran a mirarse. El manicomio sería la capacidad de los seres humanos de destruirse a sí mismos o de destruirse unos a otros. Y no tanto el lugar donde abandonan a seres indefensos.

*Película vista en el Festival Internacional del Cine de las alturas

Entrevista con Omar Alarcón.

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Cine: Detenerte en el pulso, de Nicole Remy (2018)*

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Detenerte en el pulso es una película que palpita bajo el imperio del rojo (y del naranja, y del amarillo). Los recuerdos -las imágenes del recuerdo- son flujos de sangre que nos recorren, que nos mantienen con vida; latidos y pulsos, en verdad menos predecibles, los del corazón en tanto metáfora; y se diría que los sonidos guturales o viscerales o metálicos-maquinales señalan inestabilidad, precariedad, peligro, pues la armonía funcional o la operatividad de dicho sistema no puede durar para siempre…

Las imágenes son una mirada furtiva y obsesiva al corazón. La metáfora de ‘abrir el corazón’, para repararlo o (re)conocerlo, se realiza literalmente con las imágenes de las intervenciones quirúrgicas. También hay recuerdos sangrientos. Y el montaje de bellas imágenes se siente como una sabia y sensual cirugía reconstitutiva, reconstructora, reformadora, evocadora, creadora.

Conviene recordar que recordar viene de re (de nuevo) y cordis (corazón): es vital el volver a pasar por el corazón… Las imágenes se experimentan como sabores visuales saboreados por la misteriosa lengua del montaje, vienen y van, saltan, corren, se detienen, se repiten, irrumpen, se superponen, se desvanecen. Me gusta el bebé como saliendo, o surgiendo del corazón ensangrentado (el sexo es como un corazón; el corazón, como un sexo, y siempre es un misterio).  

Las imágenes que podrían leerse como pequeños momentos sencillos de dicha cotidiana, como pasajes calmados y seguros (más bien lejos de oscuridades y laberintos) son contrastados y confrontados con sonidos que se van percibiendo como más desapacibles y evidentes o probables signos de la presencia de una innominada fisura… La experiencia estética se hace presente, en efecto, como la inminencia de una revelación.

-Por último, el corto evoca a quien es uno de los cineastas más increíbles que habitó sobre la superficie de la Tierra: Stan Brakhage-.

*Película vista en Frontera Sur 3° Festival Internacional de Cine de No_Ficción.

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Cine: La sola palabra – José Ruiz Rosas, de Karina Cáceres (2020)

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El poema de Ruiz Rosas me recuerda algo que dijo el escritor holandés Harry Mulisch: “Escribo porque mis libros constituyen mi segundo cuerpo, que me sobrevivirá, y todas las otras consideraciones son secundarias”. Así, el poema es el objeto o el cuerpo mágico, el magnífico superviviente, que es también comparable con una casa (ya que el lenguaje es la casa del ser), y por eso las imágenes de los diferentes ambientes de la casa son tan sensibles.  

Ahora me pregunto qué clase de cuerpo, enmarañado o sutil, es una voz… Hablo de una voz, de una voz que me habla, ya sin cuerpo, ocupando, cierta e invisible, una casa… vacía… La voz llena la casa, pero no desaparece el vacío. La sola palabra de la sola voz se apodera casi ella sola de la casa toda, tan sola. El acompañamiento de la música es una punta sutil, entre la interrogación y el suspenso. 

La voz del poeta brota de la radio, y aún más; aunque cercana, viene desde otro lado, del-otro-lado, para unir los dos lados, separados o rotos, que resulta tan difícil (o simplemente imposible) unir. Es un hilo, un puente, un salto. Un corte. Un corte en el aire. -Y los planos son rectángulos de casa y aire-.

Las palabras están solas, en la casa, como la casa, y no lo están; necesitan de nosotros, y nosotros necesitamos de ellas; pero para que un poeta sea un poeta, y para que un poema sea un poema, las palabras deben estar solas… (como diría Martín Adán: escuchando su propia voz). Las imágenes son la casa, y la caja, para que la voz (con voz o sin voz) suene, suene y resuene.

La radio, las palabras del poeta, la casa, las palabras del poeta en una radio, de regreso en su casa, en la emisión radiofónica, el poeta cuerpo-ausente y voz-presente en la grabación, leyendo sus versos, y las imágenes de la casa, de la casa donde vivió el poeta y donde quizá nació el poema, construido, a su vez, como una casa. Las imágenes de la casa: la ausencia del poeta a la vez que su huella. La ausencia del poeta: la presencia de sus palabras, el triunfo pálido o rotundo del poema.

El corto no deja a las palabras solas, los ojos necesitan una casa. El oído lleno de la voz salta al ojo que busca la imagen que no está. Los planos son como fotos, es un espacio aplanado, son tajadas de espacio, el corto es una suerte de foto-poema. Los planos, cerrados, cercanos, como hojas sobre la que la voz imprime y traza sus signos sonoros.

Aquí la película:

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