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Cine

Kandahar, de Mohsen Makhmalbaf (Irán, 2001)

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Hay una textura algo ruda y abrupta —’documental’— en las imágenes de Kandahar. Lo que la hace perfecta para la realidad que retrata. Si ves algo tan áspero como gente corriendo en muletas para conseguir piernas ortopédicas lanzadas en paracaídas desde un avión —a Buñuel le hubiera encantado esta imagen— no puedes dejar de divertirte y a la vez estremecerte, y eso es lo que busca el director. ¿Pero busca algo más? El humor negro es parte del juego, y de lucidez en medio del absurdo, y, siendo acaso lo mejor de la película, no será un juego que se juegue a fondo.

Se trata de lograr una distancia que te permita ver. La decisión de hacer que la protagonista sea afgana, periodista, refugiada viviendo en Canadá, que grabe una especie de diario o carta para animar a su hermana, a quien busca con desesperación para intentar evitar su muerte. Decisión útil para un cierto equilibrio, mezclando intimidad y objetividad, cosa que elude el simplón y manipulador drama barato. Esto no es Hollywood. Esto no es cine imperialista de los colonizadores. Nada de final feliz o redondo. El personaje que comento pertenece a dos mundos, y nos sirve de puente de ida y vuelta entre ambos. Es una suerte de traductora de un universo ‘diferente y extraño’ que nos fascina, nos choca y nos cuestiona.

La situación expuesta, la odisea desorientada, seca y tortuosa, dentro de la burka, es expuesta bastante linealmente; la protagonista como puede va cruzando puntos, entre accidentes, peligro constante, personajes que son descansos, alivios, desviaciones u obstáculos, y hasta en ocasiones todo junto. Está el romántico idealista que busca a Dios y acaba ayudando a la gente haciendo de médico en contraste con la gente del lugar que tiene que ingeniárselas para exprimirle unos dólares más a quienes tengan la suerte de tenerlos en medio de ese desértico infierno.

Otra imagen que se queda clavada es la de las niñas advertidas sobre las muñecas-bomba que pueden matarlas o mutilarlas. O los niños, recitando, cantando y repitiendo pasajes del Corán. Y en medio de eso un niño saca un arma. Han pasado 20 años desde el estreno de esta película. Los talibanes han vuelto a tomar el poder. ¿Cuánto cambió la situación? La politóloga Nazanín Armanian: “El geógrafo inglés Halford Mackinder llamó Heartland ‘la región cardial’ a Asia Central, y advirtió: quien la domine dominará el mundo. Y ahora que EEUU no ha podido apoderarse de ella, planea hundirla en un estado de conflicto permanente”.

Otro texto sobre Kandahar
http://lacinefilianoespatriota.blogspot.com/2008/04/kndahar-2001-de-mohsen-makhmalbaf.html

Película
https://zoowoman.website/wp/movies/kandahar/

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Mario César Castro Cobos es cineasta y crítico de cine. Fundó y dirigió el Festival de Cine Lima Independiente así como las revistas Voyeur, Abre los ojos y el blog La cinefilia no es patriota, y condujo el programa de radio del mismo nombre en Radio Lima Gris. Además, escribió para Cronopia, Las sumas voces, Butaca, Mabuse, Godard!, Diario 16 y Buensalvaje. Formó parte de los cineclubs del BCR, Biblioteca Nacional, Centro Cultural Arcais, Universidad Científica del Sur, Universidad Cayetano Heredia y Universidad de Ciencias y Humanidades. Acaba de estrenar su cuarto largometraje.

Cine

“Contactado” una película que nos muestra el rostro del arribismo y la necesidad de creer

La cinta se estrenará de manera gratuita y al aire libre a partir del 15 de octubre, hasta el 12 de noviembre, en diversos puntos de Lima.

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La nueva película de la experimentada y ganadora de varios festivales, la cineasta peruana Marité Ugás, Contactado está a punto de estrenarse en Perú. Esta producción que ganó el premio de Estímulos Económicos del Ministerio de Cultura, es un trabajo conjunto con la directora venezolana Mariana Rondón (ganadora en el Festival de San Sebastián en 2013, por Pelo Malo).

Aldo, interpretado por Baldomero Cáceres es un surfista y guía turístico que en su pasado con el apelativo de “Aldemar”, predicaba en un culto extraterrestre. Sin embargo, esa faceta la desterró en su vida actual y él por ahora, solo alterna con sus inquilinas, su madre, que está internada en un albergue para ancianos y algunos turistas que acuden a la huaca Mateo Salado para que les cuente sobre la energía que albergaba hace siglos aquel santuario Ichma.

Sin embargo, todo ese “sosiego” de Aldo fue interrumpido por un joven que sabía de su pasado y que se presentó como un discípulo, con el objetivo de inducirlo a volver a las predicas sensoriales, que serían aguardadas por varios cultores que presuntamente se mantenían en espera.

Aunque, el tema abordado por la directora es interesante, porque precisamente, en nuestro país existió y siguen extiendo varios grupos religiosos y parapsicológicos asociados a la causa de avistamientos de naves extraterrestres; y a pesar de la actuación de Baldomero, que cumple con el cometido del personaje confuso y enigmático, el guion por momentos baja su ritmo y deja en ascuas al espectador, porque prácticamente le ordena a éste que tenga un bagaje previo en temas paranormales y de misticismo; en lugar de proveerle ciertos indicios que servirían como “hilos de la madeja”.

En este sentido, se hace complicado conectar con el público; sin embargo, hay otros tópicos que funcionan: como el enfoque urbano de la historia, provistas de ferias artesanales con peculiares personajes, la imponencia del mar a través de sus olas, el estruendoso ruido de las construcciones que obedecen al boom inmobiliario y el hecho de ver portentosas huacas que son patrimonios culturales en medio de toda la ciudad.

Asimismo, la fotografía cumple con sus planos acertados, generalmente abiertos y en algunos momentos cenitales, para fisgonear a los personajes. Por su parte, el sonido al ritmo del violín de Pauchi Sasaki, le da una atmosfera de suspenso, a pesar que éste no logre decodificarse del todo.

Ahora bien, hay escenas que le ponen destellos a la cinta, como los testimonios de los pobladores de Chilca que contaban sus experiencias con los extraterrestres y con las antiguas predicas del líder Aldemar, aquella parte le da a la película una temática del tipo documental.  O la escena de amor que resulta sublime… cuando Aldo comparte un cigarrillo con su anciana madre. Así, como el encuentro con una antigua discípula Aura (interpretada por Elsa Olivero) que, por instantes, baja la tensión psicológica de la trama; no obstante, la pérdida de su perro Orión nos mostró a un Aldo casi derrotado que sin proponérselo cayó en un juego de manipulación que ya no tenía retorno.

El protagonista es un caminante… todo el tiempo camina, en las playas, en las lomas, en la ciudad y en las huacas y a pesar que su “discípulo” Gabriel le dice que es un profeta, él ya no lo cree, porque le aterra recordar que, en el pasado, su culto estuvo ligado al tráfico de tierras.

La película nos muestra el rostro del arribismo, y la pasión que tienen algunas personas cuando creen en algo, que a pesar de no “verlo”, se muestran incondicionales.   

Contactado está protagonizada por el actor peruano Baldomero Cáceres, que comparte roles con Miguel Dávalos, Lita Sousa, Samantha Castillo, Solange Tavares y Beto Benites, entre otros. 

La cinta se estrenará de manera gratuita y al aire libre a partir del 15 de octubre, hasta el 12 de noviembre, en diversos puntos de Lima.

El dato:

Película: Contactado

93 minutos – 2.39 – DCP 5.1

Escrita y dirigida por Marité Ugás

Producida por Mariana Rondón

Perú | Brasil |Venezuela | Noruega

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Cine

La aventura, de Michelangelo Antonioni (1960)

Lee la crítica de cine de la semana de Mario Castro Cobos.

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Pudo ser Wilde (también Warhol) pero fue Baudelaire quien lo dijo. No hay nada más aburrido que divertirse. Antonioni, sin prisa y sin interrupción, describe por inmersión, sabia, salvaje, y, sin ahogarse jamás, un zeitgeist (el espíritu de un tiempo, de un época). Como ecuación: Vacío = materia sensible. Verán: estamos llenos de vacíos.

El cine (cierto cine) creó su bestia negra, los —así llamados— tiempos muertos. El cine comercial, tan Pavlov, en verdad, tan poco democrático, los evita porque van en contra de su negocio: que el aburrimiento muerda, que sea iluminador. Estamos bastante vivos, también en los tiempos muertos, que al fin y al cabo no iban tan muertos, se gesta mucho ‘cuando parece que no pasa nada’ y podría ser, al contrario de lo que piensan muchos, el gran momento, si las máscaras por fin caen, dejando a la vista… lo que se evita ver. ¿Soportas la visión?
Alguna conciencia nueva podría nacer de ahí.

La aventura cognoscitiva se abre paso por acumulación de banalidades sembradas como haces de luz. Observaciones tan sutiles como implacables… Nada tan divertido como percibir en el vacío, la angustia, la desesperación, la desnudez del ser. Espacios desnudos del exterior son también espacios desnudos de lo interior. —Fascinante—. Dicho de otra forma: el espacio, abierto, vacío, libre, NUEVO, habla justamente de enormes posibilidades… que los personajes no ven. Lo que no ven —o ven insuficientemente o ven casi solo como espectadores— es la parodia de ellos mismos, la falsedad de sus relaciones.
‘El progreso’ devora los paisajes naturales -y de paso a ellos.

La película se instala como un aparato óptico (muy paciente) que te deja ver con gran lucidez. Si soportas la visión.

Nada extraño que al estrenarse en Cannes los que la vieron se enfadaran con el espejo al devolverles el horror de su propia cara.

Personajes ‘atrapados para siempre’ (pese a algún gesto final de comprensión) despiertan sin duda compasión, en el mismo sentido en que todos los seres humanos despertamos -bien mirados- compasión.

Falso contacto entre los seres, confuso contacto con el propio yo, con ‘lo real’… Espacio para otra vida = espacio para un nuevo cine.

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Cine

Los comulgantes, de Ingmar Bergman (1962)

Lee la crítica de cine de la semana de Mario Castro Cobos.

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La falta de sentido: el sentido no está en un dios que practica contigo el silencio o que simplemente no existe, en una mujer a la que amaste pero que ya está muerta, o en unos padres por los que hiciste algo que no querías hacer; y tampoco por unos feligreses y prójimos que en realidad no significan después de todo mucho para ti…

Y tampoco lo está en una mujer, una mujer que a veces dominas y que a veces te domina, una mujer que haría todo por ti, o casi todo, menos soltarte y no insistir en que la ames precisamente porque no la amas y se lo demuestres cada día.

Es notable, al principio, el show, la austera y de algún modo majestuosa puesta en escena, la danza de robots o de sonámbulos, el aparataje ritual de la misa, la coreografía mínima de los actores de la obra, tan peligrosamente mecánica… Amar esta película, una película sobre el desamor, parecería francamente una contradicción.

Una helada prueba de fuego ¡qué ironía! se da con el hombre desesperado por la, según él y las noticias, inminente aparición o incursión fatal de los chinos, educados en el odio, con una bomba atómica para acabar con el mundo. Curiosamente, en vez de confortarlo o darle argumentos para seguir vivo, en realidad el pastor parece casi empujar a la oveja al matadero por mano propia…

La ‘ayudante’, la mujer enamorada del pastor, pese a no tener sentimientos religiosos, ha hecho, oh miseria, un dios de él. Un dios ante el que se arrastra y al que también trata de sojuzgar, seducir, manipular. En cuanto a él, está consciente de que aquello que llamaba dios era él mismo, una proyección suya o, mejor dicho, de su egoísmo.

La verdad sobre los sentimientos humanos. ¿La sabemos? Podría ser tal vez la que señala la película -al menos si uno va por el camino de estos personajes y lo que hacen con sus vidas. ¿La vida es entonces un horror que tratamos de disimular y esta película nos lo recuerda con exacta brillantez? ¿Dios o lo que podríamos llamar dios es algo más sencillo, tan sencillo como un poco más de bondad y de humanidad para con nosotros mismos así como para con los demás, sin esperar de los seres humanos cosas tan extraordinarias como irreales?

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https://www.youtube.com/watch?v=AIBKz6RfkgI

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Cine

Un perro andaluz, de Luis Buñuel (1929)

Lee la crítica de cine de Mario Castro Cobos.

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Imágenes inconexas. No podemos soportarlas, estamos obligados a conectarlas. Sería aburrido repetir interpretaciones conocidas. Intentaré otra cosa. Haré como si en cierto modo hubiera olvidado los detalles concretos, muy concretos, tal como puede pasar cuando uno despierta y sabe que ha soñado pero está solo con una pura o vaga o plena e inquietante sensación. A lo más algunas imágenes borrosas, imágenes inconexas, y nada más, bastan.

No quiero explicarlo pero tendría que explicarlo. Por qué me parece lo mejor que hizo Buñuel. Por lo pronto no es su película más risueña. Creo que el efecto principal de esta película es hacer sentir a quien la ve literalmente dentro de un sueño. Pero muchas películas lo hacen. No es tan difícil. Qué es lo que entonces se hace distinto en Un perro andaluz. Porque lo que estoy insinuando ya es que la película es una explicación de cómo funciona lo que no la tiene.

Es hasta cierto punto o así lo es para cierta mentalidad, escandaloso decir o insinuar que lo que no tiene explicación explica mejor el mundo que aquello que la tiene. Suena incluso oscurantista o indecorosamente místico. Entro en el problema de explicarles por qué lo que no tiene explicación sería mejor que lo explicable, descifrable, revelable, deducible, interpretable. Tal vez estoy tratando de decir que lo esencial del sueño no es que sea explicable, sino lo contrario, que sea inexplicable.

Me parece que Un perro andaluz tiene que ver con el funcionamiento de nuestro cerebro y su hambre por las conexiones nuevas, por inventar relaciones. Digo a propósito inventar y no solo descubrir. En respuesta ante eso que no puede explicarse, eso que no puede conectarse, ante qué-se-hace-con-eso. Y por otra parte… ¿Al entender no hemos matado al objeto, no lo hemos reducido acaso a una explicación? ¿No reemplazamos entonces al objeto por su explicación? Y nos quedamos tan contentos. Misterio resuelto. Pero qué marxista me parece Buñuel, la frase “los filósofos no han hecho más que interpretar de diversos modos el mundo, pero de lo que se trata es de transformarlo”. Le viene perfecta a Un perro andaluz.

El sueño como deseo de transformación, como investigador del misterio en el misterio, y cuando digo deseo la cosa es tan Buñuel como Marx para no decir Freud, pero la frase es de nuevo de Marx: “no es la conciencia de los hombres la que determina su existencia, sino su existencia social la que determina su conciencia”. La furia contra el sistema contra los deseos es la conexión crucial. El cine necesita más de esa furia y menos de idiotas calculadores que omitan ‘lo inexplicable como parte de la explicación’.

Película

Más sobre Buñuel
https://limagris.com/ese-oscuro-objeto-del-deseo-luis-bunuel-1977/
https://limagris.com/un-documental-de-luis-bunuel-las-hurdes-tierra-sin-pan/

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Cine

No home movie, de Chantal Akerman (Bélgica, 2015)

La crítica de cine de la semana de Mario Castro Cobos.

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Pareciera que el hogar, para un cineasta, es la imagen, un lugar justo, más equidistante, que no se deja, en los mejores casos, arrastrar por el sentimentalismo, que busca algún tipo de verdad más perdurable que eso.

La casa de la madre, y la madre como casa, como origen, como principio y fin de todo, y junto con esto la necesidad de partir, de salir, de dar vueltas por el ancho mundo, tal vez para tratar de reconectarse con esa otra madre, la naturaleza, si existe algo así.

Las cosas, la casa, hablan. Chantal Akerman las ve, las escucha, las toca con su cámara. La compartimentación de los espacios, las formas de los objetos que la componen, las presencias de los cuerpos humanos, también vistos como cosas, como casas dentro de casas, más frágiles y evanescentes que los objetos.

La madre es objeto de adoración y de tenaz observación. Y sin miedo a lo cotidiano. Es curioso: las imágenes más cálidas, y esto es típico de Akerman, son las que, en otro sentido, son las más distantes, me refiero a las imágenes de la madre por skype. La imagen en un sentido menos definida parece atravesar el interior, hace más visible y sensible el vínculo amoroso.

El tema de Aushcwitz se menciona pero el documental lo muestra más a las claras en la propia figura de la cineasta, cuya vida, cuya obra, cuyas imágenes concretas, también aquí, de alguna manera dialogan con la vieja figura del judío errante. Dado el estado del mundo, no solo la casa, sino que el mundo mismo, es también una trampa.

La libertad y estremecimiento en los espacios ‘vacíos’. El viento sobre un árboel, el desietro, las inmensidades. Que igual se ‘llenan’ de alguna cosa o de varias. La presencia de lo no-humano, que no es necesariamente un enemigo nuestro, que además nos envuelve y completa el sentido.

El espacio de la casa, donde la cámara-cuerpo, la cámara en mano, la cámara que reacciona acaso de manera espontánea e impredecible se combina o alterna con planos fijos, que atestiguan la geometría de esta construcción humana, que nos protege y que también nos encarcela y ahoga.

Chantal Akerman se distancia conforme la madre desmejora y nos niega imágenes dramáticas. El plano final es elocuente acerca de esa decisión. Es un plano compuesto, perfecto y frío, cruel, o simplemente revela un orden que rebasa nuestra condición.

Película
https://zoowoman.website/wp/movies/no-home-movie/

Otros textos sobre Chantal Akerman
https://limagris.com/jeanne-dielman-chantal-akerman-1975/
https://limagris.com/experiencias-de-una-joven-belga-je-tu-il-elle-de-chantal-akerman/
https://limagris.com/hotel-monterey-1972-de-chantal-akerman/
https://limagris.com/del-este-de-chantal-akerman-1993/
https://limagris.com/sur-de-chantal-akerman-1999/
https://limagris.com/del-otro-lado-de-chantal-akerman-2002/

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Cine

Ministerio de Cultura premió con más de S/ 1.3 millones de soles a Proyectos de Gestión Cultural para el Audiovisual

El 13 de setiembre se dio a conocer a los 20 ganadores del Concurso Nacional de Proyectos de Gestión Cultural para el Audiovisual 2021. Cada ganador se llevó entre S/ 50 mil y S/ 120 mil soles. ¿Los premios aportan al desarrollo de una industria cultural? Conversamos con Jorge Delgado, experimentado cineasta y productor.

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En la Resolución Ministerial N° 000425-2021-DGIA/MC del Ministerio de Cultura se señala que los premios son parte de los Estímulos Económicos y que los ganadores se llevan entre S/ 50 mil y S/ 120 mil soles cada uno.

En el documento de los ganadores se menciona: “De conformidad con lo dispuesto en la Ley N° 29565, Ley de creación del Ministerio de Cultura, el Decreto de Urgencia N° 022-2019, Decreto de Urgencia que promueve la actividad cinematográfica y audiovisual, y su reglamento, aprobado por Decreto Supremo N° 017-2020-MC, así́ como, el Decreto Supremo N° 005-2013-MC, que aprueba el Reglamento de Organización y Funciones del Ministerio de Cultura”.

Desde Lima Gris, siempre hemos señalado que los Estímulos Económicos que entrega el MINCUL ha funcionado para disuadir la crítica del sector cultural; es decir, las personas, agrupaciones y/o asociaciones o empresas que permanentemente ganan los premios del Ministerio de Cultura, jamás han denunciado algo, ni levantado la voz por los actos de corrupción eventualmente evidenciados, o por la mediocre gestión de la cartera.

Su silencio es recompensado con dinero; pero, además, varios de los ganadores son los eternos “caseritos” que año a año se meten a los bolsillos miles de soles. También hay que aclarar que algunos de estos ganadores en realidad se merecen el premio obtenido; uno de ellos es la empresa Cinco minutos Cinco, que organiza el Festival de Cine de Villa María del Triunfo, dirigido por Efraín Agüero, quien durante ocho años viene llevando una selección de calidad de cortometrajes y largometrajes a los barrios más vulnerables de Lima Sur.

Festival de cine de Villa María del Triunfo.

Pero, de esos ejemplos en una mano me sobran dedos. En la lista de las 20 empresas beneficiarias aparecen festivales paupérrimos, sin relevancia ni impacto en la población, que en realidad son empresas que pululan año a año en busca del dinero del Estado.

Uno de los problemas de estas organizaciones es que la mayoría de los responsables no conoce de cine ni de festivales; y mucho menos, saben organizar un evento, ni tienen un plan para llegar al público. Y eso claramente ha sido palpable al encontrarnos con proyecciones donde los asistentes en las proyecciones no superan las dos cifras.

Una pregunta pertinente es ¿Ha servido entregar dinero para los Proyectos de Gestión Cultural para el Audiovisual o para la realización de películas? Los antecedentes nos dicen que no. Seguimos siendo un país sin una industria cinematográfica, sin una ley de cine respetable y sin una cuota de pantalla firme frente a la artillería hollywoodense. ¿Saben que pasa cuando una película peruana la programan en una sala de cine de los famosos centros comerciales? Les dan los peores horarios y no duran ni una semana. 

Lo que existe en Perú es casi una movida amateur de gente que intenta crear un mercado; es decir, estamos a años luz de tener una industria cinematográfica. Y los responsables que deberían trabajar para que esto cambie, son precisamente los funcionarios del Ministerio de Cultura, en las direcciones como DAFO, o el Viceministerio de Patrimonio Cultural e “Industrias Culturales”, —por cierto, un nombre pretencioso para un país sin industria— ellos han debido consolidar en estos 11 años de existencia, el camino de la producción cinematográfica nacional. Pero nada de esto se ha cumplido, porque, ni siquiera tenemos una cinemateca nacional. Sinvergüenzas.

Entre los recientes beneficiaros del ‘Concurso Nacional de Proyectos de Gestión Cultural para el Audiovisual – 2021’, aparecen las siguientes personas jurídicas:

Para conocer más de la realidad de estos premios y la situación del cine en el Perú, conversamos con Jorge Delgado, comunicador, cineasta y productor cultural.

Sobre la relación de los ganadores el experimentado cineasta menciona: “Estoy viendo algunos nombres que se repiten y que cada año le dan su premio; o sea, ya son caseritos. Los premios no pueden ser simplemente una ocurrencia, los premios creo que tienen que obedecer a una estrategia del MINCUL, porque está buscando supuestamente desarrollar una industria”.

Jorge Delgado.

“Yo no veo que en cuarenta años se haya desarrollado una industria a partir de premios. Acá la gran parte de películas que se hacen es para presentarlas en los festivales, porque saben que esas películas no van a entrar al mercado; o sea, el Ministerio de Cultura financia películas que simplemente van a ir a festivales, porque esas películas no llegan ni al mercado nacional, ni mucho menos al mercado internacional”, agregó el cineasta Delgado.

¿Qué entendemos en Perú por el “audiovisual”? Jorge Delgado lo define así: “El audiovisual lo es todo, el cine es parte del audiovisual. El audiovisual también son producciones para la televisión, producción de publicidad, animación, videojuegos, los videoclips. Por ejemplo, no hay una promoción del desarrollo de la industria de la música vinculada a la industria audiovisual, eso no existe”.

Sobre el trabajo del Ministerio de Cultura y la gestión del ministro Ciro Gálvez, el productor y cineasta señaló: “Creo que todo esto es una continuación del gobierno anterior, e incluso viene de lo que fue el CONACINE. Sigue el piloto automático y este gobierno todavía no ha tomado el auto por el timón; simplemente se ha subido al auto y como lo encuentra funcionando así está marchando, porque Santiago Alfaro ya ha renunciado a la Dirección de Industrias Culturales y es el primero que ha firmado, pero ha puesto su cargo a disposición y todavía no hay remplazo. Creo que el ministro tendría que responder y responsabilizarse de esto”.

Otro de los temas que preocupa sobre los premios, es que no se sabe si ese dinero entregado a los ganadores, en realidad es destinado para realizar dichas realizaciones; es decir, no existe un control real del gasto de los premios que entrega el Ministerio de Cultura.

Sobre el tema, Delgado comentó: “Que yo sepa, no existe un control del dinero de los premios. Hay un caso antiguo de CONACINE: José Carlos Huayhuaca recibió un premio para hacer una película sobre Huamán Poma, pero la plata la usó para comprarse un departamento. En CONACINE se sabía y nunca se dijo nada. El amiguismo es terrible”.

Para finalizar, el comunicador y cineasta señaló que: “Los premios están financiando la vida de algunas personas, porque veo que se repiten. Además, estos premios son entregados sin condicionar nada; es decir, tú puedes hacer la película que quieras. El Estado peruano puede decir: estamos en el año del bicentenario, por lo tanto, las películas que se van a presentar a los premios, la temática tiene que ser de conmemoración del bicentenario de la república. Si por lo menos hicieran eso, tendríamos un bagaje de películas que se podrían pasar en la televisión, por ejemplo; por qué no pensar que la televisión es el mejor medio de presentación y difusión de películas. Pero los cineastas no piensan en la televisión, para ellos eso no existe. Ellos prefieren los festivales, la alfombra roja, los Óscar, Cannes, Venecia, o sino, el festival de Ayacucho, pero siempre que sea un festival”.

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Cine

Festival de Cine de Áncash viene presentando más de 30 películas en competencia

Conoce las diversas películas que se presenta en el festival, dirigidas y presentadas por invitados nacionales e internacionales del rubro audiovisual, artístico y cultural.

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El cine se viste de gala en Áncash y de manera semipresencial. Con la finalidad de incentivar, reconocer y difundir las obras audiovisuales creadas en nuestro país, la primera edición del Festival de Cine de Áncash viene proyectando filmes nacionales y extranjeros hasta el 18 de septiembre.

“Es momento de mostrar el cine de Áncash al mundo, será un festival hecho por jóvenes de distintas disciplinas con temas de interés para la audiencia nacional. Tendremos muchas actividades virtuales y presenciales, entre ellas un concurso de cortometrajes, conversatorios, talleres y mucho más porque vivimos orgullosos de la cultura ancashina”, señaló Cynthia Ramírez, directora del Festival de Cine de Áncash.

La convocatoria tuvo mucha aceptación entre jóvenes realizadores y cineastas independientes de Áncash y del resto del país. A continuación, presentamos los detalles del concurso de cortometrajes:

  • Los cortometrajes seleccionados, serán exhibidos del 8 al 18 de septiembre a través de la plataforma de Cinestesia      (www.cinestesia.pe)
  • Son 34 cortometrajes en competencia, 24 nacionales y 10 de la región.
  • El jurado que tendrá a cargo la elección de los ganadores en competencia será conformado por cuatro personalidades representativas del medio audiovisual, artístico y cultural, escogidos por la organización del festival.
  • Los cortometrajes ganadores se exhibirán en las salas de CineStar – Chimbote.
  • El proyecto ganador de la competencia de la región Áncash se hará acreedor de un plan de distribución y exhibición gracias a Chullpi – Cine Sur.

A lo largo del festival, se viene realizando diversas actividades dirigidas y presentadas por invitados nacionales e internacionales del rubro audiovisual, artístico y cultural. Estas actividades son:

  • Talleres formativos virtuales:
  • TALLER DE GUION PARA CORTOMETRAJES a cargo de Paola Molina.
  • TALLER DE CORTOMETRAJE COLECTIVO a cargo de Jaisia Figueroa Idrogo y Ralp León Arias
  • Conversatorios virtuales:
  • GUION Y DIRECCIÓN a cargo de Miguel Ángel Moulet
  • Conversatorio presencial:
  • CONVERSATORIO SOBRE LA DIRECCIÓN EN “EL FUGITIVO DE LOS ANDES” en el hotel Selinacon de Luis Tarazona
  • Paneles virtuales:
  • PRODUCCIÓN DE CINE con Tania Medina Caro, Miguel Barreda y Dalia Carranza.

Cabe mencionar que el festival cuenta con el apoyo de la Universidad Nacional Santiago Antúnez de Mayolo, de la Dirección Desconcentrada de Cultura de Ancash y del hotel Selina de la ciudad de Huaraz y es producido por Ari Crew en alianza con Pop Corn – Cineclub.

Este se viene presentando desde las redes oficiales del Festival de Cine y, como se ha mencionado, en la plataforma de Cinestesia (www.cinestesia.pe).

Para mayor información ingrese a www.festivalcinedeancash.com , puedes encontrarnos en redes sociales como @festivaldecinedeancash en Facebook e Instagram y comunicarte con nosotros en prensa@festivalcinedeancash.com

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Cine

Una carta desde Hiroshima, de Nobuhiro Suwa (Japón, 2002)

Lee la crítica de cine de la semana de Mario Castro Cobos.

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Habría que pensar en una carta como en la cristalización de una ausencia. La ausencia siempre es grande. Expansiva. Lo que hay que hacer. Aunque sea imposible. Sortear la ausencia. Saltar la distancia. El dispositivo carta, en tanto lo que sucede en el interior, es una materialización esforzada y delirante de lo estrictamente invisible. Se busca. La fisonomía de un sentimiento, de un alma.

Una tragedia colectiva. Pero olvidarse no es recuperarse. El más terrible estrago de la guerra. Hiroshima. Hay una humildad bonita en que la representación de lo irrepresentable sea representado precisamente por la antigua y renovada magia de las palabras. ¿Cuánto pueden las palabras?

La escena entre la emisaria del director que acude en lugar suyo a la cita -director jugando al fantasma, y disimulando (o no tanto) que lo hace- y la actriz convocada para que escriban juntos el guión de la película, es un modelo fascinante de los poderes sutiles de la actuación. La cuidadosa y atenta secuencia estáhecha por una delicada construcción de gestos de la actriz al recibir noticias de parte del director ausente, una filigrana, como si la actuación fuese un autoesculpirse en vivo, detalle por detalle.

La invitación a la actriz para el proyecto, el encuentro que casi no se produce (un clímax al borde de la nada), el claro cálculo tras de esto, tal vez todo sea para que brote una relación más pura con los hechos, desde el recogimiento de la soledad, que puede inducir la aparición de las fuerzas más elementales.

Robert Kramer ya está muerto, le dejó a Suwa una carta. La ausencia del amigo. La presencia de su carta. La lectura de su carta. La ausencia de la película que ambos… La carta cuenta entre otras cosas la experiencia del padre de Kramer, médico en Hiroshima. Su conmoción. Su incapacidad de verbalizar tal experiencia. Lo que no se puede decir, lo que es difícil decir, lo que no sabes cómo decir, haz una película.

La actriz es coreana, Kramer y su padre norteamericanos, Suwa nació en Hiroshima, su hijo también. Nadie va a sentir lo mismo, es imposible, pero cada quien podría hablar desde sí, todos podrían escucharse, respetando la diferencia, será lo mejor y más humano que se puede hacer. Contra el terrorismo de las -supuestas- verdades únicas.

Aquí la película.


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