El Instituto Cultural Peruano Norteamericano viene presentando por primera vez en Lima y Latinoamérica, Museo de la ficción I. Imperio, obra del artista interdisciplinar Matías Umpierrez. Se trata de un extraordinario vídeo instalación performático, que recrea el clásico Macbeth, en una versión contemporánea que asegura una experiencia sensorial única. Protagonizada por grandes de la escena internacional, como Ángela Molina y Robert Lepage, cuenta también con la participación de otros destacados artistas como Elena Anaya, Chema Tena, Ana Torrent, Adolfo Fernández, Javier Pereira, Tessa Andonegui, Javier Tolosa y Bore Buika.

Museo de la ficción I. Imperio se presenta hasta 31 de agosto en el ICPNA de Miraflores, de jueves a domingo en doble sesión diaria, a las 6 y 8 p. m. Las entradas pueden adquirirse a través de JOINNUS. La obra se estrena en Lima tras su paso exitoso por ciudades como Madrid, Berlín, Bologna, Moscú y San Sebastián, entre otras.

Para vivir esta experiencia inmersiva, los asistentes ingresan al escenario del Auditorio ICPNA de Miraflores, donde un cuadrilátero de pantallas de gran formato, muestra cuatro perspectivas diferentes de Museo de la ficción I Imperio. El público se acerca así a la historia de Macbeth desde una perspectiva transdisciplinar que transita entre las artes escénicas, el vídeo arte y las instalaciones site-specific, con las que Umpierrez desafía los límites espacio temporales de la ficción, buscando su museificación para la presente y posterior memoria colectiva.

El público adquiere un rol fundamental al sumergirse en esta experiencia; cada espectador construye su propio montaje creando su propia dramaturgia a partir de aquello que desea ver u omitir. Así, Umpierrez aborda una de sus principales líneas artísticas: propiciar que la ficción ingrese en los museos para generar en el espectador experiencias distintas. El proyecto de este artista hispano-argentino, propone una nueva mirada sobre la memoria, la ficción y el papel del espectador. Asimismo, libera al espectador de su pasividad para reconducirlo hacia un rol participativo en la acción dramática.

En esta versión del clásico de Shakespeare, Macbeth es interpretado por Ángela Molina, en uno de los papeles más rompedores de su carrera, mientras que el director de escena y actor canadiense, Robert Lepage, da vida a Lady Macbeth. En palabras del director: “los géneros no condicionan los comportamientos de los personajes, solamente valen los impunes deseos de poder que a lo largo de la historia permanecen tan intactos como la codicia que empuja a gran parte de los sistemas económicos y políticos que gobiernan el mundo”.

Esta adaptación de Macbeth se ambienta en la España postdictadura de la década de los noventa. Pone en evidencia la ficción como herramienta de mediación social y política produciendo un mix entre la industria del entretenimiento, los mecanismos de poder en la actualidad y la furia que despierta el enfrentamiento entre tradición y globalización.

El trabajo de Matías Umpierrez, quien llegará a Lima para el estreno, indaga sobre las modalidades contemporáneas de los vínculos entre el espectador y la ficción. Sus trabajos han sido presentados en espacios no convencionales como edificios abandonados, estaciones de tren, fábricas de alimentos, iglesias, bosques o teatros, cines y museos, que incluyen instituciones como Theater der Welt (Alemania), Naves del Teatro Español, Museo de Arte Moderno de Moscú (Rusia), Centro Dramático Nacional de España, Museo Reina Sofía de Madrid, Cultural San Martín de Buenos Aires, Museo San Telmo de San Sebastián, Lincoln Center Film Society (Nueva York), Emilia Romagna Teatro Fundazione (Italia), FIBA (Buenos Aires) entre otros.

Por Zenón Auris

Conocí a Julio, una fría noche de Agosto a bordo de un bus destartalado de la empresa Ormeño S.A. Él se dirigía a recibir el “Huauco de oro” 2019. Había ganado un premio de Poesía, creo que fue por “Arquitectura vastísima”. Y yo iba a una reunión política. Era un pibe flaquito y antes que poeta, tenía pinta de sparring de boxeador. Sin embargo por su conversación sobre literatura y poesía quedamos enganchados.

     Barco ha vuelto a las andadas, ha escrito una breve novelita, para algunos de poquita importancia. Para mí, una obra de peso.

     ¿De peso, por qué?. Porque en las pocas páginas de “Chaufa” ha tenido el valor de denunciar, de explotar su bronca de muchacho, de joven escritor del barrio de Seremsa que lucha a patadas, codazos, a puñete limpio y  sin camisa, por hacerse escuchar en el mundillo literario nacional. “Chaufa” Chaufita o como queráis leerlo, digerirlo o cagarlo. Texto inclasificable, ágil, ameno, audaz, atrevido, al que no puede negársele que te toca el alma, los huesos, las narices y hasta los huevos. Si, MVLl, se despacha desde una lujosa Catedral donde viven los curas, Obispos y Cardenales que violan niños, para indagar desde ¿en qué momento se jodió el Perú?.  Julio Barco Ávalos, lo hace desde un puestito mal oliente y callejero, en cuya esquina de la carreta donde come muy campante su arroz chaufa junto a su hembrita y lo bajan con una Inka cola, un emoliente o una chicha morada; se mean los perros o se cagan los gatos. Julio escribe, desde algún lugar clandestino de Lima la horrible, de La parada o del Cerro San Cosme y lo hace siempre para preguntarse: ¿Vale la pena ser poeta en un Perú de 30 millones de indígenas que siguen zapateando para que caiga la lluvia y el mana del cielo? Y yo le respondo desde la comodidad de mi penhouse en París, lugar donde he disfrutado de “Chaufa”: Sí, Julio, vale la pena escribir poemas, cuentos, novelas, ensayos. Todo aquello que sirva para despertar a los indios que aún duermen en ese letargo y ociosidad política. Vale la pena porque ahora ya no estás solo, ahora tenés una hija, en ese país de caníbales y trogloditas, del que yo me fui hace tres décadas. Y me largué, no embroncado con la geografía de lo que fue mi país (Hoy tengo otras nacionalidades, por cuestión de efectos legales. Perdóname hermano Julio, por haberte conocido en Agosto) sino, enojado con los “poetas y escritores oficiales”  del sistema. Aquellos que nunca denuncian y si lo hacen, lo hacen entre dientes, porque siempre están pensando en las condecoraciones, en las medallas, en los diplomas, en los premios, etc. Nunca les importaron los asesinatos del sistema, los muertos de las dictaduras asesinas. En el Perú,  la literatura, la poesía, los centros culturales, también son corruptos. Y “Chaufa” en la voz de Moi, de Gertrudis, de Gladis, de Federico, son solo síntomas de denunciar las injusticias de este sistema cruel, perverso, injusto. Barco, con “Chaufa” su novelita, ni siquiera se imagina que navega al interior de una  tormenta asesina. Es que Julio Barco es un escritor que se lanza al ruedo, sin medir las consecuencias. Si supiera que en esas aguas turbulentas, asedian horcas asesinas que quieren destripar su audacia, su valor, su desprendimiento de llamar al vino, vino y al pan, pan.

     “Chaufa” cuando oigo este título literario, solo siento en mi interior, hambre de justicia, hambre de colocar cada cosa en su lugar. Julio B, nunca supo que papá Chacalón, daba conferencias y un curso sobre “Realidad Nacional” en el cerro donde vivía.

      “Chaufa” es uno de esos textos que es necesario leer, entender, experimentar, sufrir, vivir… La pituquería limeña tiene sus propios dioses literarios. Ni siquiera vale la pena mencionarlos porque los conocemos. Julio Barco, escritor popular,  ha tomado el toro por las astas. Sacude el ambiente y la literatura burguesa oficial. Aquellos que siempre fueron los eternos enemigos del Perú. Yo lo sigo en las redes sociales, yo lo leo, yo leo “Chaufa” y aplaudo a su autor, yo lo apoyo; porque para mí, él es el Perú de a pie, el que va dejando folletos de literatura bajo tu puerta, casi en secreto, clandestinamente. Julio Barco, es el  escritor que tanto necesitamos.

Por Julio Barco

Jardín de uñas (2024) es el regreso de uno de nuestros poetas nacionales clásicos y también un épico viaje a las entrañas del tríptico: poema, poética y poeta. Como dato previo, el prólogo nos informa que se redactó en una temporada de sanación, en un centro de Chosica, como consecuencia de un espiral de excesos etílicos. De antemano, se siente la presencia de dos libros previos —En el hocico de la niebla (2007) o Palomino (1983)— por los poemas breves, en tono reflexivo, donde la voz interna se desdobla entre lo que observa, lo que siente, lo que vaticina y, así, vuelve metáfora su realidad: Estoy rodeado de un jardín de uñas/ y de mis pasos./Temo estar sin ti./ Temo a la vez porque me temo./ Temo no estar./ Habló la carne. (pág.37) Por otro lado, aparecen aquellos poemas testimoniales, en la onda de Kenacort y Valium 10 (1970) y Ave Soul (1973), que presentan retratos vivos-hablados de una fauna diversa —Augusto Martínez Yábar, Juan Munive, Manuel García, Juan Bullita (poeta cineasta) — y que sirven para expandir el tríptico anterior. En ese sentido, pese a la bifurcación temática, el poema es el escenario donde convive lo íntimo y lo público, la sociedad y el solitario corazón. ¿Qué es el jardín de uñas? En uno de los epígrafes, Pimentel nos da una pista: “Cada jardín nuestro es un templo misterioso/ y no solo nos sentamos en él para reponer fuerzas, sino para rezar” (Rózanov) En ese sentido, es un espacio de intimidad y florecimiento. Más adelante, el poema El jardín, corrobora esta impresión: “Este es el poema. / Sus frases tienen fragancias./Y la humedad fija un torbellino./ Internarse en un jardín de uñas/ da respiros, hunde la palabra,/ nos convida inmerecidamente un gesto./ Abrir el verde océano que encierra / gesta la membrana de usarlo. (pág. 25) El poeta sintetiza la condición humana en la nimiedad de las uñas, es decir, vuelve metonimia aquel fragmento de láminas córneas, semitransparentes y elásticas, en el hablar borgiano. Siendo uñas, ¿qué somos los humanos? Discursos fragmentados, ramalazos de angustia, afirmaciones suicidas, nísperos, luminosa poesía.

(Columna publicada en Diario UNO)

Por Raúl Villavicencio

Para los desentendidos, se trata de una alegoría elaborada por el filósofo griego Platón, donde se describe a unos individuos, presos desde su nacimiento, dentro de una caverna que tiene como única luminaria una hoguera dispuesta al lado opuesto de los prisioneros. Aquellos cautivos, encadenados de pies y cuellos, solo pueden ver en dirección hacia la hoguera, la cual les muestra sombras provenientes del exterior de la cueva. Los sujetos creen ciegamente que esas sombras en realidad son personas y dan tal conclusión como irrefutable.

Un día de esos, uno de los prisioneros consigue liberarse de sus ataduras, encaminándose hacia la salida. Al traspasar el umbral, puede apreciar por primera vez aquellas figuras que originaban las sombras. Perplejo de esa nueva verdad, aquel ser liberado no asimila toda la información que se le es revelada, pues aprecia, con sus propios ojos, que esas sombras eran solo el reflejo de las personas, los árboles, animales y demás invenciones de la humanidad que transitaban en las afueras de la caverna.

Atónito y emocionado, aquel sujeto decide regresar a la caverna para contarle sobre los nuevos descubrimientos a los que aún seguían prisioneros, pero solo es recibido con burlas y amenazas, pues sus anteriores compañeros creían que el “liberado” había perdido la razón.

Aquella metáfora es considerada como la más importante de la filosofía, ya que describe de manera didáctica cómo el ser humano prefiere mantenerse en su lugar seguro, aceptando su destino sin hacer el menor esfuerzo, durante gran parte de su vida, en tener nuevos conocimientos sobre las cosas; dando por ciertas muchas de ellas solo porque lo vio en un video de treinta segundos, o lo escuchó de alguien, y ese alguien también lo escuchó de otro.

En pleno Siglo XXI puede que muchos aún continúen dentro de sus “cavernas”, manteniéndose pegados durante horas mirando la pantalla de un celular, deslizando su dedo índice hacia abajo, mientras van caminando despreocupados por las calles. O entornillados en un trabajo que solo les ofrece una paga que les permite llegar a fin de mes, sin atreverse siquiera a mirar a los costados, encerrados en un ambiente de grises. Así como la luz potente, la verdad también en un principio termina encegueciendo a aquellos que permanecieron metidos debajo de un hoyo.

(Columna publicada en Diario UNO)

El octavo Foro Ketagalan concluyó el 21 de agosto en la ciudad de Taipéi, tras reunir a expertos, funcionarios y figuras políticas de la nación y del extranjero para intercambiar puntos de vista sobre los retos y las oportunidades en el Indo-Pacífico.

En su discurso de apertura, el presidente Lai Ching-te afirmó que Taiwán está decidido a ser un motor clave para el desarrollo de la democracia, la paz y la prosperidad mundiales. El mandatario instó a los socios de ideas afines a trabajar unidos para apoyar el paraguas democrático de los países y defender sus valores compartidos.

Frente al creciente autoritarismo, Lai expresó que su Administración implementará el plan de acción de los Cuatro Pilares de la Paz para mantener la paz y la estabilidad a través del Estrecho de Taiwán, incluyendo el fortalecimiento de las capacidades de defensa nacional, la mejora de la seguridad económica, la ampliación de las asociaciones con miembros del mundo libre y el desarrollo de un liderazgo estable y de principios para abordar los asuntos a través del Estrecho.

Según el Ministerio de Relaciones Exteriores, el evento contó con tres discursos principales y tres sesiones plenarias, con la asistencia presencial de unos 200 participantes de 11 países y otros 3.000 por Internet.

Durante su discurso, Yoshihiko Noda, ex primer ministro de Japón y actual miembro de la Cámara de Representantes, afirmó que la paz y la estabilidad en el Estrecho de Taiwán cuentan con el consenso mundial y se opuso a cualquier cambio unilateral del statu quo mediante la fuerza o la coerción. Noda también apoyó la participación de Taiwán en la Organización Mundial de la Salud en calidad de observador, así como su candidatura para unirse al Tratado Integral y Progresista de Asociación Transpacífico.

El ex primer ministro de Eslovaquia Eduard Heger destacó los amistosos y sólidos lazos con Taiwán e instó a las democracias de todo el mundo a enfrentarse con valentía a los regímenes autoritarios y a reforzar las alianzas frente a los desafíos transfronterizos.

La ex embajadora de EE. UU. ante la Organización de las Naciones Unidas, Nikki Haley, manifestó que, en su anterior cargo, había presenciado personalmente cómo China abusaba de la Resolución 2758 para suprimir la participación global de Taiwán. Haley instó a Estados Unidos y a otras democracias a apoyar firmemente a Taiwán.

Por Márlet Ríos

Sabiendo que la poesía es una de las bellas artes y para Kant, se trata del arte más sublime, no me imagino a los grandes maestros referirse al quehacer poético como un mero hobby. Hay muchos que están convencidos de que la poesía es una cuestión simplemente de libertad, inspiración y dejarse llevar. Por consiguiente, solo harían falta, aparte del ocio creativo, la inspiración de los dioses y una total libertad. Intuyo que jamás podrán escribir un soneto o una silva, si siguen pensando así. Un ejercicio notable –se lo escuché decir una vez a un poeta y profesor universitario– es precisamente que los poetas noveles se dediquen, eventualmente, a pergeñar un soneto. Paciencia, destreza matemática, rigor, etc., son requeridos.

La poesía, para nosotros, es una forma de conocimiento antiquísima, vinculada en la Antigüedad con el pensamiento mítico-religioso. Se desarrolla cuando el nivel de acumulación y el grado de participación social se conjugan, de tal medida que se dan las condiciones materiales y espirituales (excedentes de producción, nivel cultural óptimo, etc.). “Poet is Priest”, como señala Allen Ginsberg. Es menester mencionar a los grandes poetas místicos como san Juan de la Cruz, santa Teresa de Jesús, etc. “Aspira a lo celeste, / Que siempre dura”, escribió santa Teresa. Incluso, en plena modernidad líquida, poetas como Antonio Cisneros vincularon la experiencia mística con la labor poética (v. gr. en “Domingo en Santa Cristina de Budapest y frutería al lado”): Porque fui muerto y soy resucitado, /
loado sea el nombre del Señor, /
sea el nombre que sea bajo esta lluvia buena.

Free as a bird

Desde nuestra visión secular, sin embargo, hemos intentado vincular –no sabemos si con éxito– el quehacer poético con el pensamiento crítico y la parresía (la de los antiguos cínicos, de la secta del Perro). Tenemos muy en claro que en una sociedad como la nuestra, con fuerte tradición autoritaria y otros lastres, los poetas no deberían dejar de lado, en lo posible, una visión sociohistórica crítica. Y es que en una sociedad que no es libre (aquí seguimos a Theodor Adorno y a la Escuela de Frankfurt), el artista –poeta, músico, etc.– se tiene que ver afectado por las condiciones (factores) socioculturales predominantes, para crear libremente. Por más que se quiera, no es posible vivir en una torre de marfil o en un compartimento estanco. En nuestra tradición literaria, grupos como Liberación y Primero de Mayo, fundados en 1956, apostaron por una poesía que reivindica las luchas concretas de los trabajadores. Durante las primeras décadas del siglo XX, algunos trabajadores e intelectuales escribieron una poesía contestataria, asociada con el ideal ácrata: Ven, bella hermana, / al pueblo de Acracia, / ven, libre y ufana, / al país de mis sueños (“El perseguido”, Delfín Lévano). Asimismo, descollaban los versos libertarios de Manuel González Prada: En mi Olimpo, ya sin Dioses, / Solo perdura tu altar, / Solo no muere tu culto, / Oh divina Libertad (“Harto vivo yo de siervos”).

Los más jóvenes no deberían reparar mucho en la parafernalia del ambiente poético de Lima y otras ciudades. La pose gratuita y sin sentido –a lo Bukowski, pero sin el enorme talento de este– produce escozor. En homenaje a extraordinarios poetas como César Vallejo y Federico García Lorca, asesinado en agosto de 1936 por los fascistas, tal vez debamos alejarnos, definitivamente, de lo pretencioso y lo deleznable. Solo deberían importar la hoja en blanco (o pantalla), el rigor y la perseverancia (y algo de pensamiento crítico, claro está). Si uno quiere un hobby, hay tantos para elegir. El mío es cazar moscas en el aire.

Es un puro o impuro placer estético, el que te hace mirar. Eso importa más que nada, todo se ordena a partir de ahí. El acercamiento a lo armónico, atractivo y sensual (aunque en el fondo reine el caos). Hay belleza y no hay belleza en este par de amantes, tontos y destructivos, y también, inteligentes, sensibles y encantadores, arrastrados a la bendita historia de siempre, machismo para nada excluido, con caras y cuerpos y movimientos y gestos exhibidos con gran generosidad (momentos con ella más que con él) que no desagrada en lo absoluto. Hasta casi, y sin el casi, el abuso.

Con Roeg uno espera las múltiples virtudes del demonio del montaje. Roeg se hace del tono y del ritmo para su estimulante, y hasta desafiante, laberinto temporal, gracias al flashback, recurrente, delicioso, maniático, descubridor y encubridor, y de manera muy práctica, juega con planos detalles y su carga asociativa, se acerca y se sumerge y entonces ya estamos en otra parte, esto sucede una y otra vez, para luego retornar a las obsesiones centrales, ‘y porque así es la vida’, la estructura saltarina (que no busca ‘la paz del alma’) resulta completamente justificada: vivimos de a raptos continuos sin solución de continuidad en diferentes tiempos, copresentes, paralelos o simultáneos y virtuales. O el tiempo es uno solo, y solo tiene mil caras. Las interconexiones entonces son como los músculos. Se mueven en conjunto. Se activan y se relajan.

No se precisa en este caso acudir al horror o a la ciencia ficción para obtener efectos perdurables, y al mencionarlo pienso en el Zulawski de Posesión (1981), película superior y claramente más metafísica… Pero Roeg da con exquisitez en el punto en que la carne es mente y la mente es carne (lamento no ser conceptualmente del todo claro pero creo que la expresión intuitivamente se entiende).

La película es sexy, y chic, y culta, ¿y qué tapa con eso?, La musa fetiche (menuda y muy blanca y ojiverde y tan llena de vida y de muerte) complace el deseo masculino aunque también lo critica, pero me temo que más bien tibiamente. Ella lucha por una vida más libre y auténtica… como puede. Bad timing, hay que decirlo todo, es un tanto ambigua, o más que eso, con la mente manipuladora del profe psicoanalista con ‘el caso’ que lo toca tan profundamente…  

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Este viernes se realizará una nueva edición de la “Noche MALI”, un evento organizado por el Museo de Arte de Lima que reúne arte, exposiciones, talleres, música y baile para pequeños, grandes, amigos y familia. Este encuentro iniciará a las 6:00 p.m y se ofrecerá a los visitantes una experiencia cultural única.

Los asistentes podrán explorar la exposición “Mundo expandido. Entre lo físico y lo virtual”, que presenta más de 50 piezas e instalaciones inmersivas, permitiendo a los participantes indagar en los antecedentes de nuestra fascinación por los mundos simulados y cómo la realidad física y virtual se entrelazan en la actualidad. Además, tendrán la oportunidad de participar en talleres creativos, como “Mi máscara trifacial: expresando emociones”, y en el taller de acuarela “Colores y cultura: pintando retablos con acuarelas”, donde podrán explorar su creatividad a través de la expresión artística.

A las 7:00 p.m. El elenco de Street Dance de UPC ofrecerá una vibrante presentación, bajo la dirección de Shinichi Tokumori, profesor de baile y maestro nacional de Peruvian Style. La coreografía fusionará diversos estilos de danza urbana, incluyendo breaking, hip hop dance, y house dance, entre otros.

Tras esta presentación, los asistentes tendrán la oportunidad de sumarse a “Baila MALI Baila”, el cual contará con la participación del Elenco de Street Dance de UPC Cultural. En este espacio se enseñará a los asistentes secuencias de baile que abarcan varios géneros contemporáneos, como pop, locking y hip hop, entre otros.

Finalmente, para cerrar la gran noche, se tendrá el concierto de Sandy Pérez, también conocida como “La Chinoise”, quien es directora de arte gráfico, selectora y apasionada coleccionista de vinilos. Ella traerá consigo una ecléctica selección de géneros desde rock & roll hasta ritmos latinos asiáticos poco explorados.

Puedes adquirir tus entradas por sólo S/ 9.90 a través de la página de Joinnus o en la boletería del museo.