Arte
CINE: Falleció Luis Ospina, el fundador del Grupo de Cali
Escribe: Edwin Cavello Limas
Luis Ospina fue uno de los cineastas colombianos más importantes de Sudamérica, llevó más de 40 años dedicados al cine. Junto a Carlos Mayolo y Andrés Caicedo fundaron en los años setenta el Cine Club de Cali y la revista Ojo al cine.
Hoy me enteré de su muerte y no quise creerlo, pero la triste realidad es que uno de los pilares del cine colombiano dejó de existir a los setenta años en Bogotá.
Ramiro Arbeláez, quien fue integrante del llamado ‘Grupo de Cali’, reveló que Luis Ospina había pedido que no se realizarán ceremonias fúnebres a su nombre, por lo que al parecer su cuerpo será cremado.
En una de sus visitas a Lima en el año 2017, me reuní con Luis Opina en el auditorio del MALI. Yo lo admiraba por su cine, y fue la primera y única vez que estuvimos frente a frente. Acompañados entre más de cien butacas vacías comenzamos a conversar de la vida y del cine. Luego de nuestra conversación off record, prendí la grabadora.
Curiosamente, en una parte de la entrevista le pregunté ¿cómo se imagina su muerte? luego de una sonrisa me respondió: «Ojalá dormido».
Duerme en paz, estimado Luis Ospina.
(Aquí la entrevista publicada en la revista impresa Lima Gris N° 11)
Tu padre era un apasionado del cine ¿Hay algún personaje que acercó a tu padre al cine?
Bueno, yo no diría que mi padre fue un cinéfilo. Él, como mucha gente en los años 50, descubrió el cine por un aparato para registrar las escenas familiares, muy popular en esa época (home movies). Pero, a su vez, él alquilaba y compraba películas en sus viajes. Compraba películas animadas, de vaqueros, seriales y las veíamos en casa para disfrute de la familia y de los vecinos. No era un cinéfilo pero si tenía afinidad por los actores. Le gustaba Gary Cooper y siempre nos llevaba a ver las películas de Cantinflas. El hecho de haber tenido proyector, una pantalla, una cámara y aparato para editar, hizo que naciera mi pasión por el cine desde muy niño. Hasta el punto que no sé cuál fue la primera película que vi, como digo en la película Todo Comenzó Por El Fin. Mi segundo gran aliado de mi cinefilia fue el servicio doméstico porque mi familia nos mandaba al cine con las empleadas. Muchas veces ellas escogían las películas que íbamos a ver. Así conocí películas muy interesantes, por ejemplo, los grandes melodramas de esa época, directores como Douglas Sirk, Ross Hunter y desde luego las películas con las grandes estrellas del momento como Rock Hudson, Gary Cooper, Marilyn Monroe, Marlon Brando, y así se volvió una pasión para mí que luego se acrecentó porque mi hermano Sebastián también era cinéfilo. Íbamos juntos al cine.
Mencionaste que ibas con el servicio doméstico al cine, ¿de alguna forma le reprochas la falta de tiempo a tu padre?
Mi padre era un hombre muy ocupado. Lamentablemente murió cuando era muy joven, tenía 22 años. Él trabajaba muchísimo. Puso un negocio muy exitoso de planta de purificación para piscina. Su lema era “si quiere hacer piscina, acuérdese de Ospina”. Todas las piscinas de ese país eran de Pedro Ospina, su compañía. Entonces, él dejó de ir al cine. Mi mamá sí seguía yendo y me llevaba al cine. Sobre todo, porque en los años cincuenta Colombia tenía una censura muy estricta para entrar al cine. Estaba clasificado para público 12, 18 y 21 años. Cuando la película era para mayores de 21, ella me llevaba. Le agradezco mucho. Mi cinefilia se acrecentó en Boston donde hice los últimos años de bachillerato. Allí conocí el fenómeno de las salas de arte y ensayo como dirían en Colombia. El cine hindú, las películas japonesas, de la nueva ola, cine checo, Polonia, Polanski, Antonioni. Me volví un cinéfilo obsesivo hasta el punto que decidí estudiar cine y me fui a California en mayo del 68.
Luis, sin duda, tuviste cosas a tu favor. Una posición económica para acceder al cine de esa época, además de estudiar en Boston. Una ventaja en tu generación. Ahora con este grupo que formaron en Cali se generó todo un movimiento.
Tanto Andrés Caicedo como Carlos Mayolo eran unos chicos como yo del norte, con familias acomodadas. Quizá yo pertenecía a una familia con más dinero que ellos. Es por eso que tuve la oportunidad de estudiar en el exterior. Pero también hay que tener en cuenta que la época en que nosotros comenzamos todo fue muy agitada. Somos hijos de lo que pasó en mayo del 68. Sufrimos también y decidimos desplazarnos y buscar otras alternativas a lo tradicional, nuestra familia y clase social. Entonces, optamos por soluciones como pertenecer a una especie de comuna, de centro cultural que fue la Ciudad Solar y creer mucho en el trabajo comunitario.
A pesar de ser ajeno a esa gente.
Sí, y también de descubrir lo popular. En el medio donde vivíamos había poco contacto con las clases populares y para nosotros fue todo un descubrimiento que se nota en la novela de Andrés Caicedo. Hay que tener en cuenta que era una época muy politizada, se estaban dando las teorías en el cine latinoamericano, cine cubano. Había esta efervescencia que surgía de las dictaduras del cono sur.
Ya que mencionas a Caicedo. Él dijo que vivir más de 25 de años es una vergüenza, ¿crees que se equivocó?
A veces yo creo que no se equivocó porque su lema era morir joven y dejar obra. Él realmente lo hizo. Dejó un gran legado. Cuando abrimos los baúles encontramos muchas obras de teatro, adaptaciones, cuentos, versiones de esos cuentos, fragmentos de diarios, poemas, guiones cinematográficos, varios intentos de novelas y varias versiones de música. En su caso, como la gente que muere joven y bella, no necesitaba vivir más. Así como Kurt Cobain, James Dean. Es una tontería ponerse a pensar sobre lo que hubiera pasado con Marilyn Monroe si hubiera sobrevivido, lo mismo con Janis Joplin o Jimmy Hendrix. Además, yo no lo veía como una persona que me lo puedo imaginar viva. No me lo imagino vivir el mundo que nos ha tocado a nosotros. Pienso que ha sido, a excepción de esta etapa de los 70 y 80, un mundo horrible. La humanidad se descarriló y todas las ideas que surgieron a finales de los 60 no tienen cabida.
Entonces, ¿ya no sigues pensando que se puede cambiar el mundo?
No. Viví esa ilusión, esa utopía, pero después la historia ha sido implacable. Creo que el último momento en que la juventud podía cambiar el mundo fue en esos años que mencioné. Vino un desencanto y luego llegó una juventud autista que es la que tenemos ahora, dominada por los teléfonos, computadoras, donde no hay esperanzas políticas. Lo que hay son causas, no para cambiar el mundo sino para salvar el planeta. Temas ecológicas y animalistas. Pequeñas causas con las que no creo que se cambie la humanidad. La humanidad ya está jodida. Si bien el capitalismo triunfó y los milenios del capitalismo ya están contados.
Sobre este fenómeno que se creó en Cali, esta ciudad tiene mucha importancia en la historia del cine colombiano, ¿Te gustó que lo llamaran Caliwood?
Nos acusan a nosotros de haber creado un mito. No solo sobre Andrés Caicedo, diciendo que él era un escritor coyuntural que delimitaba una región llamada Cali y que fue un mito que lo creamos sus amigos. Pero si el mito ha perdurado más de 30 años y sus novelas están traducidas y reconocidas en otros países, yo creo que teníamos razón en crear ese mito. Tan pronto lo conocí y leí sus textos, me di cuenta que estaba ante un genio. Era una persona con un talento excepcional y precoz desde luego. Sus obras están traducidas al francés, inglés, finlandés, portugués. Reconocimiento tardío por decisión de las editoriales que creían que era un fenómeno local.
¿Era una especie de Bolaño colombiano?
Sí, en cierta medida. Respecto al grupo de Cali, ellos decían que estábamos creando otro mito pero de un tiempo para acá hubo festivales, museos, muestras, concentrados en el plano cinematográfico de nosotros y tenemos una filmografía muy extensa para probarlo.
Dentro de esa filmografía acuñaron el término “pornomiseria”.
Cuando hicimos esa película Agarrando Pueblo tuvimos la premier mundial en una pequeña sala en París, lanzamos un manifiesto sobre la pornomiseria, que también es un término que en estos años se han venido usando y agarraron más vigencia ahora porque sigue existiendo. Este término no solo se limita a ese cine que se hacía en los años 60, 70 sino en general a las artes plásticas y audiovisuales. Sigue siendo un problema ético de filmar al otro, de cómo enfocar el tema de la miseria y la pobreza. Lo de Caliwood fue un chiste que salió en una fiesta, nosotros borrachos dijimos que si existe Bollywood ¿por qué no Caliwood?, lo cual permaneció. Y se extendió mucho. Mientras iba en el taxi vi un letrero que decía “Venta de arepas y empanadas Caliwood”. Incluso hay un museo que se llama Caliwood y una canción de salsa choque que se llama igual, entonces, el chiste ha perdurado.
Sobre este personaje que has creado Pedro Manrique Figueroa, ¿Perdurará?
Mi narración perdurará dice al final de la película. Yo no inventé este personaje sino mi sobrino Lucas Ospina, cuando estudiaba arte en 1996. A él y a sus amigos les pidieron que escribieran sobre su artista favorito. Ellos decidieron crear uno. Yo terminé la película en el año 2007 entonces pasó mucho tiempo. Lo que pasó con Pedro Manrique es que se ha vuelto un referente, y hasta en Facebook tiene su página.
¿Hay gente que te llama diciendo que lo conoce?
Me ha pasado que una vez terminada una proyección en la costa colombiana y se me acercó un señor diciendo que era historiador y que había conocido a Pedro Manrique en la cafetería de la universidad. Se me hizo halagador que ese personaje se había vuelto real.
Hay una especie de bisagra en tu obra, en un inicio visibilizas la otra Colombia y luego viene el trabajo de reivindicar algunos personajes como el caso de Manrique o Fernando Vallejo, ¿Has cambiado tu discurso?
Mi discurso ha cambiado porque al principio había una preocupación, que nuestra ciudad y provincia del Valle del Cauca no tenía una tradición audiovisual. La tuvo en la época del cine mudo porque Cali fue pionero de ese cine. No fueron muchas pero aparentemente todas desaparecieron. Prácticamente fue la ciudad donde nació el cine. Se hizo la primera película muda colombiana que fue María en 1921. Por cierto, yo hice un documental sobre esa película que se llama En Busca de María. Entonces nos preocupó que no hubiera una cultura audiovisual y que a partir del año 1971 vimos que la ciudad estaba cambiando. No solo los cineastas sino también los artistas plásticos. Se dieron que los Juegos Panamericanos iban a cambiar la ciudad para siempre. Por ejemplo, se destruyó gran parte del patrimonio arquitectónico de la ciudad y se trató de convertir una pequeña ciudad de provincia en una gran ciudad. El lema de esos juegos era “Cali, ciudad de América”. Nos preocupó registrar ese cambio sobre todo porque los documentalistas trabajábamos con el tema de la memoria, siempre filmando cosas que están en tránsito de morir. Si este momento es filmado, se volverá pasado en un instante y tendremos un segundo más de vida, un segundo más viejos.
¿Qué es el cine para ti?
El cine para mí es memoria. El cine documental es el medio ideal para hacer biografías y lo otro que te digo es que al principio mi obra se dedicó mucho a guardar memorias sobre la ciudad y la cultura popular de la ciudad. Mi obra cambió cuando me fui de Cali, se volvió más intimista, más enfocada hacia personajes de la vida cultural, personajes que quería rescatar de la vida cultural colombiana. Se volvió intimista también por las condiciones técnicas que se dieron en los años 80 con equipos livianos digitales de filmación y porque Bogotá no es una ciudad agradable para filmar la calle. Trabajo de puertas para adentro. Antes, el cine para mí era como una ventana hacia el exterior, ahora es hacia el interior, hacia la luz.
Este tema de la tecnología tuvo un impacto en el cine. Veo que lo que haces es filmar solo, tú y tu cámara.
Sí, me he ido reduciendo a mi más mínima expresión porque los medios digitales lo permiten. Trabajo solo, pero en edición necesito a alguien que se sepa operar las máquinas. La última película la hice con un grupo reducido de personas. Me gusta mucho que el cine sea hecho por un pequeño grupo de amigos que por una empresa militar como lo es el cine de ficción. Abandoné ese cine porque no me sentía a gusto manejando presupuestos tan grandes. Con tanto personal uno se ve en la obligación de ser un mariscal de campo.
¿Vives del cine?
Afortunadamente he podido vivir del cine, porque si bien tuve una fortuna, yo la perdí toda en algún momento de desgracia que me tocó vivir. Inicialmente, viví de la docencia y después del cine.
Herzog dice que imagina su muerte en una montaña, ¿tú la imaginas en algún lugar?
Ojalá dormido. Quizá la mejor manera sea morir en un hotel porque llegan los ‘room service’ y ellos se ocupan de llamar a la ambulancia y llevar a uno a la morgue. No le toca a alguien cercano ocuparse de esas cosas. Una muerte anónima. Respeto mucho a la gente que se suicida en los hoteles.
Para finalizar, ¿qué conoces del cine peruano?
Lamentablemente conozco muy poco del cine peruano. En una época comencé a ver las películas de Lombardi pero te hablo de hace años. Del nuevo cine peruano he visto La Teta Asustada, una película de Gálvez, una de los hermanos Vega. Veo que hay como un resurgir del cine peruano que también veo que pasa en otros países de Latinoamérica. En Chile se hace muy buen cine, en Colombia también. Estamos en un buen momento y muy creativo.
Cine
A los 78 años de edad fallece el destacado cineasta David Lynch [VIDEO]
Director realizó películas de culto como “Mulholland Drive” o “Blue Velvet”, o la surrealista serie para televisión “Twin Peaks”.
Cuando tenemos que hablar de leyendas del cine, aquellos directores que pueden plasmar en una filmación de aproximadamente dos horas toda su magnífica imaginación, es imposible dejar de mencionar al cineasta norteamericano David Lynch, quien lamentablemente falleciera producto de una severa enfermedad que lo tuvo varios meses postrado.
“Nosotros, su familia, anunciamos con tristeza honda el fallecimiento del hombre y artista David Lynch», compartieron sus familiares por la tarde en un mensaje en Facebook. «Hay un gran agujero en el mundo ahora, cuando ya no está entre nosotros. Pero como él decía: ‘Mantén la mirada en el donut, no en el agujero’”.
Sus familiares más cercanos no brindaron mayores detalles sobre su partida, sin embargo, en agosto del año pasado, el propio director anunciaba que padecía de un enfisema pulmonar producto de décadas de consumo de tabaco.
“He disfrutado mucho del cigarrillo”, escribió el director de vanguardia, “pero tengo que pagar un precio por eso que disfruté. Y el precio es un enfisema”. “Apenas puedo cruzar la habitación”, reconoció en noviembre del año pasado”, agregando “es como si caminara con una bolsa de plástico atada a la cabeza”, confesó para la revista People.
Lynch comenzó su carrera como pintor antes de incursionar en el cine, con cortometrajes animados y de acción real. Su primer largometraje, Eraserhead (1977), se convirtió en un clásico de culto en el circuito de proyecciones de medianoche. Esta obra, realizada durante cinco años, llamó la atención de Mel Brooks, quien contrató a Lynch para dirigir The Elephant Man (1980). Este drama sobre John Merrick, un hombre deformado que vivió en la Inglaterra victoriana, recibió ocho nominaciones a los Premios Óscar, incluyendo mejor director para Lynch.
A pesar de este éxito, su carrera tuvo altibajos. En 1984 dirigió Dune, una adaptación del clásico de ciencia ficción de Frank Herbert que fue un fracaso comercial y crítico. Sin embargo, Lynch se recuperó con Blue Velvet (1986), un relato inquietante sobre el lado oscuro de una pequeña ciudad estadounidense, y con Wild at Heart (1990), que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes.
En televisión, Lynch revolucionó la narrativa con Twin Peaks (1990), creada junto a Mark Frost. La serie, que seguía la investigación del asesinato de la estudiante Laura Palmer, introdujo temas tabúes y elementos sobrenaturales en la televisión de horario estelar, obteniendo 14 nominaciones a los Premios Emmy en su primera temporada. Aunque perdió audiencia en su segundo año, Twin Peaks mantuvo un culto de seguidores que impulsó una película precuela (Twin Peaks: Fire Walk With Me, 1992) y un renacimiento en 2017 con una tercera temporada en Showtime.
Entre sus otras obras destacadas se encuentran Lost Highway (1997), The Straight Story (1999) y Mulholland Drive (2001), esta última considerada una de sus películas más aclamadas y por la que recibió una nominación al Óscar como mejor director.
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Leopoldo Dante Tévez nació el 22 de marzo de 1942 y falleció este miércoles 1 de enero en Miami. El inmortal cantante y compositor compuso más de 1500 canciones traducidas al italiano, portugués y alemán. Él será recordado por sus éxitos: ‘Te he prometido’, ‘Esa pared’, ‘Cómo te extraño mi amor’, entre otros.
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Hoy se inaugura la exposición colectiva que obtuvo una mención honrosa en los Premio Llama 2021. La exposición busca que el espectador conozca aún más el legado de la Amazonía peruana y se identifique con las imágenes más reconocidas sobre ella.
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Los Mirlos compartirán escenario con Lady Gaga en el Coachella Fest 2025 [VIDEO]
Legendario grupo de cumbia amazónica, originaria de Moyobamba, se presentará los días 11 y 18 de abril en uno de los eventos musicales más importantes del mundo.
De la Selva su cumbia psicodélica para todo el mundo. Qué grupo en la actualidad no daría todo para presentarse en uno de los eventos musicales más importantes del planeta al menos cinco minutos y ofrecer a miles de espectadores su arte. El Coachella Fest, desde 1999, es, para muchos artistas, el pináculo musical, pues ese evento representa la consagración para muchas agrupaciones y cantantes, y tocar en California, lugar original del evento, no tiene comparación alguna con otro escenario, sin faltarle el respeto.
La legendaria agrupación de cumbia amazónica ‘Los Mirlos’ tendrá el honor de representar al Perú en el próximo Coachella 2025, compartiendo escenario con luminarias como Lady Gaga, Prodigy o Missy Elliott, nada menos que en California, el epicentro musical del festival.
Su presencia en el festival marca un hito para la música peruana, llevando el inconfundible ritmo de la cumbia amazónica a un público global. La agrupación musical de cumbia se presentará los días 11 y 18 de abril del año próximo.
El Festival Coachella se realizará, como es costumbre, en el Empire Polo Club, ubicado en Indio, California, Estados Unidos. Este lugar icónico ha sido sede del evento durante más de dos décadas, convirtiéndose en un epicentro cultural y musical global. Coachella 2025 tendrá lugar en dos fines de semana consecutivos, del 11 al 13 de abril y del 18 al 20 de abril, atrayendo a miles de asistentes de todo el mundo.
El festival Coachella, conocido por su diversidad musical, ofrece una plataforma invaluable para que Los Mirlos conecten con audiencias de todo el mundo, demostrando que la música peruana tiene un lugar en los escenarios más prestigiosos.
“Tocar al lado de estos artistas será una gran motivación para llevar nuestra cumbia amazónica psicodélica a un público que está esperando a Los Mirlos. Por lo general, es un público extranjero que estará dispuesto a disfrutar y conectar con nosotros en los festivales”, manifestó Jorge Rodríguez Grández, líder y fundador de Los Mirlos en sus 50 años de trayectoria musical.
Música
Murió a los 91 años leyenda de la música Quincy Jones
Su agente Arnold Robinson confirmó el fallecimiento del jazzista y legendario productor que llevó a la cima a Frank Sinatra, Ray Charles, Michael Jackson, y muchos otros artistas.
La industria musical en las últimas cinco décadas contó con una de sus figuras más influyentes; sin embargo, hoy se viste de luto porque acaba de reportarse la muerte de Quincy Jones, el productor estadounidense que se convirtió en el rey Midas de la música popular, y quien fue el responsable de la grabación del exitoso disco benéfico de 1985 ‘We Are The World’.
Arnold Robinson informó a los medios que el músico y productor estadounidense «falleció en paz» el domingo 3 de noviembre por la noche en su casa de Bel Air, a los 91 años de edad. La noticia la confirmaron a través de un comunicado los parientes cercanos del recordado artista.
«Esta noche, con el corazón lleno pero destrozado, debemos compartir la noticia del fallecimiento de nuestro padre y hermano Quincy Jones. Y aunque es una pérdida increíble para nuestra familia, celebramos la gran vida que vivió y sabemos que nunca habrá otro como él», dijo la familia en un comunicado, aunque no se revelaron las causas de su deceso.
«Quincy ha hecho todo. Ha sido capaz de plasmar su genialidad en cualquier tipo de sonido», declaró el pianista de jazz Herbie Hancock a PBS en 2001. También se reveló que este hijo de Chicago produjo piezas desde Aretha Franklin, hasta Céline Dion.
Como se sabe, Quincy Delight Jones, fue conocido en la industria de la música simplemente como Quincy Jones. Este músico de jazz, que luego se convirtió en productor y arreglista, nació en Chicago, el 14 de marzo de 1933 y se inició como trompetista y pianista, hasta evolucionar como compositor, instrumentista y director de orquesta. Luego se desempeñó como directivo de una importante empresa discográfica norteamericana, hasta convertirse en un prominente productor discográfico y cinematográfico muy famoso y sobre todo premiado durante una prolongada carrera que duró más de 75 años, ganando 28 premios Grammy. Asimismo, fue denominado como uno de los músicos de jazz más influyentes del siglo XX por la revista ‘Time’.
Para la película ‘The Wiz’, Quincy Jones trabajó junto a Michael Jackson, de 19 años. Luego produjo el álbum de Jackson ‘Off the Wall’ y los siguientes álbumes del rey del pop, ‘Thriller’ (que vendió 34 millones de copias solo en los EE. UU.) y ‘Bad’. En 1985, reunió a 46 de los cantantes estadounidenses más famosos de la época, incluidos Jackson, Bruce Springsteen, Tina Turner, Ray Carles y Cyndi Lauper, para grabar ‘We Are the World’.
Quincy dejó un importante legado de producciones musicales que dieron la vuelta al mundo y recibieron todos los premios existentes en el mundo de la música. Entre ellos, los cinco mayores éxitos musicales producidos por él, están ‘Thriller’, ‘Billie Jean’, ‘We are the World’, ‘Off the Wall’ de Michael Jackson y ‘It’s My Party’ de Lesley Gore.
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