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Cine

LANZAMIENTO DEL PÓSTER AFTER: EN MIL PEDAZOS

Redacción Lima Gris

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Se dio a conocer el primer póster de la segunda película de la saga de libros escrita por Anna Todd – After: En mil pedazos. En el póster aparecen  Josephine Langford (Tessa) y Hero Fiennes Tiffin (Hardin) acostados, durmiendo (¿quizás?) de una manera angelical. Una insinuación que puede tener muchas lecturas.

Con la dirección de Roger Kumble, veremos a estos jóvenes adolescentes vivir un romance de alto voltaje –la cinta promete ser mucho más caliente que la primera- con las idas y vueltas que tanto los caracterizan. Además, se suma al elenco Dylan Sprouse, quien interpretará a un nuevo compañero de trabajo (Trevor Matthews) y será el encargado de irritar de celos a Hardin. ¿Podrán superar las nuevas pruebas que el destino les tiene preparados?

SINOPSIS

Con más de mil millones de visualizaciones, «After» se ha convertido en el mayor fenómeno de la historia de la plataforma Wattpad. Basado en la novela fan fiction de One Direction y fenómeno mundial escrito por Anna Todd, “After” cuenta la historia de Tessa Young (Josephine Langford) quien cursa su primer año en la universidad. Acostumbrada a una vida estable y ordenada, su mundo cambia cuando conoce a Hardin Scott (Hero Fiennes Tiffin), un misterioso joven de oscuro pasado. Desde el primer momento se odian, porque pertenecen a dos mundos distintos y son completamente opuestos. Sin embargo, estos dos polos opuestos pronto se unirán y nada volverá a ser igual. Tessa y Hardin deberán enfrentarse a difíciles pruebas para estar juntos. La inocencia, el despertar a la vida, el descubrimiento sexual y las huellas de un amor tan poderoso como la fuerza del destino.

PERSONAJES

  • Josephine Langford: Tessa Young
  • Hero Fiennes Tiffin: Hardin Scott
  • Samuel Larsen: Zed Evans
  • Peter Gallagher: Ken Scott
  • Selma Blair: Carol Young
  • Jennifer Beals: Karen Gibson
  • Khadijha Red Thunder: Steph Jones
  • Dylan Arnold: Noah
  • Inanna Sarkis: Molly Samuels
  • Pia Mia: Tristan
  • Shane Paul McGhie: Landon Gibson
  • Swen Temmel: Jace

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Cine

Cine: Waking life, de Richard Linklater (2001)

Mario Castro Cobos

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Lo central es la aventura de tu mente. No importa tanto el escenario. Qué tan lejos puedes llegar. El arte y el sueño, en realidad, no tan diferentes entre sí, van por una ‘segunda vida’, o más aún, por el mito de la vida originaria, una dimensión alterna donde todo sea más puro, sensible y verdadero. Entretanto la vida es sueño, y los sueños, ¿qué serán? Si hay algo claro es que solo podrás despertar dentro del sueño y no fuera de él.

La ingravidez y relajación que esta obra produce contrasta con la angustia que crece dentro del protagonista, que no puede cesar de soñar y de experimentar con inquietud su nueva consistencia fantasmal. Despertares sucesivos encadenados a sueños nuevos que son interacciones u observaciones de conversaciones filosóficas que te despiertan a fuerza de originalidad, energía y lucidez… así sean soñadas.

Expulsada o rota la fuerza de gravedad del realismo, las palabras tienen ahora más peso que nada. La técnica de animación empleada permite aligerar notoriamente la apariencia humana estilizándola, esquematizándola, minimizándola e irrealizándola. Hay una palpitación o parpadeo en la imagen, que le procura un grado de inestabilidad, equilibrado por la concentración abstracta de los pensamientos expresados por los diferentes personajes o apariciones en los pasadizos, al mismo tiempo, acogedores y resbaladizos de la rueda-laberinto de los sueños.    

Podría decir que Waking life es un semi documental filosófico de fantástico vuelo que trastoca lo cotidiano en mágico y que es una promesa de expansión de la conciencia, envuelta en la forma amablemente onírica de una película de animación y que tiene además el clima y el tejido únicos de un sueño lúcido que se queda locamente atrapado en sí mismo, en sus espejos-especulaciones. Como esos viejos comics con personajes que se ejercitaban para separar lo que llamaban alma de lo que llamaban cuerpo, y una vez que lo lograban, el camino de retorno simplemente ya no era posible.   

Película

https://ok.ru/video/407556655663

Boyhood (2014)

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Cine

Reglamento de la Ley de cine: El juego del trono

Redacción Lima Gris

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Pierre Emile Vandoorne director de DAFO.

Por Francisco Adrianzén Merino

El día viernes 7 en una reunión virtual convocados por la Dirección del Audiovisual, la Fonografía y Nuevos Medios, DAFO, del ministerio de Cultura, representantes de 12 gremios cinematográficos (¿?) «aprobaron» el Reglamento del Decreto de Urgencia, DU 022-2019, Ley de Cine, pendiente aún de ratificación por el Congreso. El Reglamento sería presentado públicamente el próximo jueves, según el acuerdo de los virtualmente presentes en la reunión. No sabemos para qué: si para someterlo a consulta pública o bien cómo información de un texto inamovible que a todas luces representaría «la eficiente voluntad del ministerio de un debate democrático»

Varios temas llaman la atención en esta carrera de mérito burocrático, que aparenta mas bien un verdadero ejercicio de maniobras o manipulación de la voluntad de los cineastas:

1.- ¿Cómo se puede aprobar un Reglamento que no se conoce, o que tan sólo se ha conocido de manera muy parcial mediante un powerpoint? La DAFO, nunca llegó a entregar una propuesta escrita de Reglamento y las observaciones se hicieron en base a lecturas (virtuales) del director del ente burocrático del ministerio de Cultura. ¿Es ésta la mejor manera de elaborar un Reglamento?

2.- El Reglamento nunca ha sido consultado detalladamente, no sólo con «los representantes de los gremios presentes», sino que mucho menos con las bases de estos gremios. Evidentemente no puede serlo, pues al haberse mantenido su texto completo en total secreto no hay mucho que debatir y aportar mediante un PowerPoint.

3.- Una vez mas llama la atención la actitud de los gremios (¿12?), que son incapaces de demandar un trato digno por la burocracia del ministerio, claudicando a sus mas elementales principios, evidenciando que son esencialmente cúpulas burocráticas que se sostienen en base a la anomia que impera entre los cineastas, donde al desinterés y convenido silencio cómplice, se suma la falta de democracia, y que la DAFO conoce, explota y alienta muy bien. ¿Qué promesas o presiones hacen que se sometan tan fácilmente?

4.- ¿Qué niveles de confianza se pueden tener respecto a un texto debatido y aprobado a escondidas? ¿Qué garantiza que no se cambiará a último momento? Y sobre todo ¿Qué o quien garantiza que se atenderán las sugerencias u observaciones que se le puedan hacer?

Recordemos que cuando se aprobó, en primera votación, en mayo del 2019 la ley de cine en el Congreso, aparecieron un artículo abiertamente censor y represivo, así como también varios artículos que le confieren poder omnímodo a un solo funcionario del ministerio de Cultura (¿adivinen quien?). Se «colaron» a último momento y nunca se dieron explicaciones convincentes de su inclusión tan sólo contradictorias versiones en el caso del artículo censor. (los de los poderes omnímodos se mantienen hasta ahora, sin explicación alguna, en el DU)¿Quien puede garantizar que no ocurrirá lo mismo con el Reglamento?

5.- La DAFO aparece una vez más mostrando un peligroso juego de maniobras burocráticas, que evidencian la debilidad estructural del ministerio de Cultura y que a lo único que conducen es a profundizar lo que ya viene ocurriendo: el debilitamiento de la institucionalidad en el cine peruano. Pero esto ¿le importa mucho? Según parece no, con tal de mantener un sistema y un cargo que ya va por los ocho años ininterrumpidos, un verdadero récord de «eficiencia y supervivencia» en un ministerio donde son tan frecuentes los cambios de ministros.

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Cine

Cine: «Maudie, una vida en colores», por Angello Alcázar

Walsh acertó al elaborar una historia de amor que no esconde los trapos sucios ni fuerza los finales felices.

Angello Alcázar

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Aunque su nombre no sea tan reconocible como los de pintores canadienses de la talla de Lawren Harris, Guido Molinari o Emily Carr, Maud Lewis (1903-1970) es considerada una de las artistas plásticas más entrañables de su país. En el 2017 se estrenó Maudie, un largometraje dirigido por la irlandesa Aisling Walsh que recrea su accidentada y singular biografía, y que ha cosechado importantes premios, incluyendo siete Canadian Screen Awards. Para nuestra suerte, la cinta ahora se encuentra disponible en Netflix.

Nacida en el seno de una familia humilde de Nueva Escocia, Maud conoció el dolor desde la cuna. Y no, no me refiero a las penurias económicas —que de seguro fueron muchas—, sino a una serie de problemas articulares que desembocaron en una terrible enfermedad llamada artritis reumatoide. A partir de su adolescencia, sus brazos y piernas se empezaron a deformar al extremo de que parecían ramas a punto de quebrarse. Y, sin embargo, la fragilidad física de Maud (agravada en buena parte por los pesares que le infligieron sus seres queridos) se vio opacada por la resiliencia que desplegó a lo largo de sus 67 años.

Desde que su madre le enseñó a pintar estampas de Navidad, afloró en ella la pasión por el arte folclórico. Colmadas de colores vistosos, sus obras casi siempre muestran escenas típicas de la región en la que vivió, como niños esquiando o cabañitas regadas entre lagos y bosques. Ya casada y sumida en la pobreza, Maud empezó a vender sus tarjetas y se fue labrando un nombre en el medio artístico. (De hecho, el mismísimo Richard Nixon compró un par de sus pinturas a inicios de los setenta). Hoy la Galería de arte de Nueva Escocia en Halifax alberga la casita de una pieza en la que vivió hasta su muerte. Tal y como se ve en la película, Maud rellenó casi todas las superficies que encontró con sus pinturas, de modo que su hogar parece haber salido de un cuento de hadas.

Junto a la gestación de su arte, la relación de Maud con su esposo Everett Lewis —a quien da vida un huraño Ethan Hawke— vertebra la trama, e incluso se diría que adquiere mayor relieve. Everett es un vendedor de pescado bastante malhumorado que contrata a Maud para que le ayude con las labores domésticas. Sin duda, el abuso psicológico y físico de Everett hacia su esposa, especialmente en la etapa inicial de su relación, es uno de los elementos más palmarios del filme de Walsh. Por ejemplo, poco después de la llegada de Maud, él le aclara que está por debajo de los perros y las gallinas en la jerarquía del hogar. A ratos, uno no puede evitar preguntarse si a lo mejor Walsh optó por exacerbar ciertos rasgos de Everett, en pos de un dramatismo tan persuasivo como sobrecogedor.  

La verdadera Maudie fotografiada en su casa de Marshalltown, Nueva Escocia, Canadá.

La crítica de The Guardian Wendy Ide reclama que hay una suerte de “abuso romantizado” que representa a Everett como víctima en lugar de victimario. En ese sentido, Ide señala que su caracterización choca con lo que llama “las sensibilidades contemporáneas” (es decir, lo políticamente correcto). Si bien no discrepo del todo, creo que Walsh acertó al elaborar una historia de amor que no esconde los trapos sucios ni fuerza los finales felices, como ocurre con más frecuencia de lo que se cree.

De otro lado, no cabe duda de que la contundencia de la interpretación de Sally Hawkins es la principal razón por la que el grueso de la crítica ha alabado la cinta. Las modulaciones de la voz, los movimientos siempre precisos y la manera extraña pero sincera de relacionarse con los demás le imprimen a la protagonista una complejidad inusitada y la hacen trascender el provincialismo en el que está inmersa. Una de las escenas más logradas es aquella en que Maud le explica a una vecina qué es lo que significa pintar para ella.

Quizá se pudo trabajar más el acompañamiento musical, el cual, aunque por momentos llega a conmover, tiene un papel fundamentalmente accesorio. En cambio, la escenografía nos traslada de inmediato a ese pintoresco y al mismo tiempo brutal paisaje que habitaron Maud y Everett. Pienso, sobre todo, en los crudos inviernos que pasaron juntos y de pronto los veo dentro de la cabaña: él prendiendo el fuego y ella pintando con las manos cada vez más torcidas, entre los dos tratando de darle algo de color al mundo.

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Cine

Cine: De la vida de las marionetas, de Ingmar Bergman (1980)

Mario Castro Cobos

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No hay dios que buscar, tampoco hay alma, y el amor parece un tormento enviado por algún dios maléfico, un problema sin solución a la vista. La prosperidad material tiene poco que hacer para conjurar la miseria moral y psicológica de seres bloqueados, rotos y mecanizados. La auténtica desesperación y angustia apenas si puede ser expresada. La explosión era solo cuestión de tiempo. 

De la vida de las marionetas nos muestra a todo color el momento de la explosión. La estructura que la sucede, que juega magistralmente con puntos de vista y cronología, con los personajes involucrados, con el antes y el después del crimen, trabaja un retrato apasionante pero incompleto. Igual, imaginas que lo visto es más o menos un caso aislado, o que representa muy bien a una sociedad.

En la equívoca superficie (el personaje del psiquiatra) el mal puede ser explicado con el uso de una jerga profesional, de una burocracia de la normalización. La circulación del rompecabezas social de verdades oficiales, por parte de los diferentes personajes, nos es suministrada con frialdad clínica, todos son casos de estudio, el juego de lo que muestran y de lo que esconden no termina jamás.

Las verdades particulares, o más bien, las versiones interesadas, exponen la mentira común, la farsa compartida, el autoengaño cínico o ingenuo, que un crimen hace estallar, o por lo menos entrar en crisis, aunque sea solo de manera relativa y temporal. Esta película no parece una propaganda propicia, interesada en estimular la admiración para con las sociedades del bienestar (así se hacen llamar).   

Bergman, a través de su obra, recurre a la inexplicabilidad del mal. Se diría que a la vez cree en una bondad innata. En una sencillez e integridad conmovedoras como pasaporte hacia algún tipo de salvación. Sin el pequeño gran dios castigador, con dudas radicales sobre un amor de pareja viable o una comunidad mínimamente armónica sin engaños de horror, De la vida de las marionetas usa una forma muy clara y racional para evidenciar el fondo de irracionalidades que late en muchas vidas. Es decir, en todo un sistema social.       

Película

Más sobre Bergman:

El rostro de Karin (1984)

ESPECIAL 100 años de Bergman

Persona (1966)

El rito (1968)

http://lacinefilianoespatriota.blogspot.com/2008/05/elrito-1968-de-ingmar-bergman.html

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Cine

Cineastas peruanos darán charlas gratuitas para jóvenes de Perú y Latinoamérica

Del 5 al 12 de agosto se llevará a cabo el ciclo de charlas ‘Diálogos RenderLAB: Detrás de la pantalla’.

Redacción Lima Gris

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Para incentivar a que más jóvenes del Perú y Latinoamérica puedan acceder a una formación audiovisual gratuita y online #RenderLAB, el primer laboratorio virtual de formación de cine para universitarios, reunirá a reconocidos cineastas del país a través de un ciclo de cinco charlas gratuitas llamado Diálogos RenderLAB: Detrás de la pantalla, del 5 al 12 de agosto.

En este ciclo participarán prestigiosos directores y productores como Enid Campos (la Pinki), productora de la película Retablo; Melina León y Carlos Ormeño, de la película Canción sin nombre; Gonzalo Benavente y Carolina Denegri, del documental La revolución y la tierra; Ani Alva,  guionista y directora de la película No me digas Solterona, y Jimy Carhuas, director y productor de animación del proyecto Nuna. Todos compartirán su experiencia cinematográfica desde el guion, producción y dirección de películas independientes, comerciales y de animación.

Quienes deseen asistir pueden inscribirse rellenando este formulario, el cual les permitirá recibir mayor información, materiales de cada una de las charlas y la posibilidad de salir ganadores de sorteos y premios que otorgará RenderLAB.

Al finalizar cada diálogo, los cineastas presentarán un reto a los asistentes, y quienes mejor lo hagan o destaquen ganarán becas de cursos y talleres de la Escuela de Cine y Artes visuales de Lima (EPIC)Crehana, SchoolingFilms Ajayu Festival Internacional de Animación, quienes se han sumado a esta iniciativa impulsada por el Festival de Cine Universitario Render.

Todos los encuentros son gratuitos e inician a las 6 pm (hora de Perú) en cinco fechas que serán transmitidas en vivo a través de la web y el fanpage del Festival de Cine Universitario Render y de la Dirección de Cine y Producción Audiovisual.

El ciclo lo inauguran Melina León y Carlos Ormeño el 5 de agosto con la charla La complicidad creativa, en la que compartirán su experiencia desde el rol de la dirección y asistencia de dirección, respectivamente, en la premiada película Canción sin nombre.

El segundo diálogo, 7 de agosto, lo dará una de las productoras de cine con más experiencia en el Perú, Enid ‘Pinki’ Campos, quien a través de la charla Los caminos para producir ficción compartirá su experiencia produciendo la galardonada película peruana Retablo, la cual ya está disponible en Netflix.

Desde la experiencia de la animación en el Perú, Jimy Carhuas director del proyecto NUNA dará el tercer diálogo, La dirección en la preproducción de animación, el domingo 09 de agosto. El cine documental, también se hace presente a través del cuarto diálogo Dirección y producción documental a cargo de Gonzalo Benavente y Carolina Denegri, cineastas de uno de los documentales más taquilleros del Perú, La revolución y la tierra, el día martes 11 de agosto.

Para cerrar este importante compartir de saberes cinematográficos, Ani Alva Helfer, una de las directoras de cine más joven del y más taquillera en el 2018, por su largometraje, No Me Digas Solterona, será quien nos brindará, el quinto diálogo Del guion a la dirección, el miércoles 12 de agosto.

“Es una alegría, saber que muchos de los jóvenes que postularon a la beca de asesorías personalizadas en junio son provenientes de más de 20 instituciones educativas de diferentes regiones del país y del extranjero. Ahora, quienes no lograron obtener una beca, también podrán tener la oportunidad de aprender, pues cineastas muy reconocidos compartirán sus experiencias con nosotros en #RenderLAB” señaló Miguel Huamán, director del Festival de Cine Universitario Render.

Cabe señalar que estos diálogos se desarrollan en paralelo al laboratorio virtual de formación y asesoría de proyectos de cortometraje universitarios, RenderLAB. 

Este laboratorio realizó una convocatoria en junio, donde postularon más de 50 proyectos a nivel nacional. Solo 5 lograron ser seleccionados y ahora cada proyecto ganador recibirá asesorías personalizadas por Melina León, primera cineasta peruana seleccionada en el Festival de Cannes, Tania Medina, productora general de la película Mapacho y Gonzalo Ladines, director y guionista de la película Como en el Cine (2015).

El RenderLAB es coproducido por Cicuta Audiovisual y Cometa Audiovisual y en colaboración con la Dirección de Cine y Producción Audiovisual UNMSM, asimismo es uno de los proyectos ganadores del Concurso de Proyectos de Gestión Cultural para el Audiovisual 2019, de la DAFO – Ministerio de Cultura, impulsado por jóvenes egresados en la Especialidad de Audiovisuales de la Escuela Profesional de Comunicación Social de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos. 

DESCARGA MATERIALES GRÁFICOS (FOTOS, VIDEOS, ARCHIVO) AQUÍ:

https://drive.google.com/drive/folders/1OZ9Kt5IsWZ7u0F9G1NxVdn-6EUmVIXWb?usp=sharing

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Cine

Ley de cine con trampa (una vez más)

Redacción Lima Gris

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ley de cine trampa

Escribe: Francisco Adrianzén Merino

Ni la pandemia, ni los muertos, ni la vergüenza de ser una burocracia ineficiente, una vez más la del Ministerio de Cultura, ha iniciado de espaldas a cualquier respeto a las más elementales normas democráticas, la «consulta» del Reglamento de la «Nueva Ley» de cine.

A través de una reunión (virtual) semi-clandestina, amparándose en el estado de emergencia nacional y mundial que vivimos, la DAFO (Dirección del Audiovisual, la Fonografía y los Nuevos medios) convocó a una sesión de los gremios cinematográficos, los mismos que se dejan manipular a su antojo, para presentarles su propuesta trabajada por los cerebros burocráticos.

Como nos tiene acostumbrado el Ministerio de Cultura cuando se trata de Normas que pretenden justificar una consulta pública cuando no hay mayor voluntad, no hubo debate, tan solo el monólogo del funcionario, aburriendo a la virtual concurrencia con el intrincado y farragoso texto pleno de formalismos y legalidades. Ante el requerimiento de porque no se comparte el texto, para una paciente y generalizada lectura, apareció la excusa perfecta, increíble pero cierta: «(el proyecto de reglamento) puede caer en manos de personas o políticos que estén en contra de la ley y quieran perjudicar la posibilidad de que sea aprobada a la brevedad».

Aunque pueda parecer una broma, todo el mundo (o casi todo el mundo del otro lado de la computadora) mordió el anzuelo. Después de todo es mejor callar. Hay más de veinte millones de poderosas razones para inclinar la cabeza y extender la mano, mucho más en estos tiempos.

Si bien es cierto que muchos sectores retrógrados están en contra de la ley de cine por diversos motivos, que van desde la sumisión a las transnacionales hasta la cavernaria voluntad censora, la reciente ofensiva reaccionaria a propósito del documental “Hugo Blanco, Río profundo”, es la mejor muestra de ello. La ley es una imperiosa necesidad por muchas razones, que fuera de las conocidas, de apoyar el desarrollo de nuestra producción audiovisual, se suman la necesidad de una Cinemateca nacional, Escuela pública de cine y Film Comission, por citar tres importantes necesidades entre muchas otras dejadas de lado por el actual Decreto de Urgencia todavía pendiente de ratificación en el Congreso.

No es este el momento, ni motivo, de detenernos en los alcances de la ley y de la manera espuria como ha sido promulgada, por la puerta falsa de la legalidad mediante un Decreto de Urgencia de un ministro de salida. Sin embargo, hay que decirlo con todas sus letras: se insiste en un camino erróneo, carente de toda discusión democrática que debería de ser el sustento de toda política cultural, y de espaldas a las reales necesidades del cine peruano, pretendiendo promulgar una Ley (y su Reglamento) plagada de carencias, con muy limitados alcances, elaborada y aprobada en un juego no exento de manipulaciones y finos y soterrados chantajes.

La «nueva ley» beneficia a un reducido grupo de cineastas que no tiene ninguna vergüenza en doblegarse y dejarse convencer por un funcionario ávido de poder que está próximo a cumplir ocho años en el mismo cargo y que, tal como lo hemos venido sosteniendo desde hace un buen tiempo, no ha tenido ninguna vergüenza en incluir varios artículos que le permitirían tener el absoluto control sobre todo el apoyo del estado al cine peruano.

¿Quién nos dice que el Reglamento que la DAFO del Ministerio de Cultura se niega a compartir para un real y profundo debate, no significará más de lo mismo o tal vez algo peor?

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Cine

Cine: Revisitando “La casa es negra”, de Forugh Farrokhzad (1962)

Mario Castro Cobos

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No es Dante, pero sí es una cierta visión de un infierno. Dante no tenía una cámara a su disposición, pero Forugh Farrokhzad sí. Una voz nos advierte sobre la fealdad que hay en el mundo. La voz nos exhorta a hacer algo contra esta fealdad y declara que esa es la razón de la película.

Se plantea la situación de cómo reaccionar ante lo que vemos. La sucesión de rostros y cuerpos afectados por la enfermedad es asombrosa y apabullante, son seres humanos como nosotros y de todas las edades, afectados por la lepra. La imagen es cruda y es directa, golpe tras golpe.

La respuesta es contradictoria y compleja. Queremos ver y no ver imágenes como estas. Queremos ignorar u olvidar esta fealdad que se ha abierto ante nosotros y que la cineasta nos restriega sin cesar. Sentimos mezcladas, atracción, rechazo, fascinación, horror, piedad, tristeza.          

Pero no olvidemos que estamos viviendo una experiencia estética. Está en los versos recitados, donde ellos agradecen la existencia y la belleza del mundo. Que gozan a través de los sentidos. Es casi una ironía. Está en unas imágenes que se atreven a mostrar la verdad, que no la disimulan. 

El blanco y negro es perfecto, uno olvida el color en un universo degradado. Se puede inferir, pese a la fragmentación de los planos, que el leprosario es como una pequeña ciudad habitada casi exclusivamente por leprosos. Vemos desde el tratamiento que reciben hasta sus juegos y sus fiestas.

Y está el salón de clases con una galería de rostros ‘sin efectos especiales’ de una realidad inmaquillable, entre la inocencia y la pesadilla. Cine espiritual, alegato moral, documental poético, meditación sobre la condición humana, crítica de nuestro modo de mirar, La casa es negra nos hace pensar no solo en la miseria humana sino también en la miseria de la mayor parte de lo que llamamos cine.

Otro texto sobre la película

Película 

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Cine

Cine para adultos y otros pecados en Lima

Me embargó la nostalgia y me vino a la memoria toda esa parafernalia pornófila que se hallaba hace algunas décadas en los cines de barrio de nuestra capital.

Luis Felipe Alpaca

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En principio y antes de recorrer en el tiempo, es menester señalar algunos datos contemporáneos. Desde el año 2019 las ciudades que han consumidos más porno en el portal pornhub fueron Londres en Reino Unido, Seúl en Corea del Sur, Toronto en Canadá, Brisbane en Australia, Nueva York, Washington DC, Atlanta, Dallas, Houston, Los Ángeles, y Chicago en Estados Unidos, Varsovia en Polonia, Bangkok en Tailandia, Roma y Milán en Italia, Yokohama y Osaka en Japón, Sidney y Melbourne en Australia, y París en Francia.

Asimismo, entre las preferencias escogidas por la gente, encontramos que el 82% del tráfico del portal pornhub es través de los celulares, y que el 37% de visitantes fluctúa entre 18-24 años. Además, de un cien por ciento de visitantes, el 78% han sido hombres, y el 22% mujeres. Por otro lado, Brasil y Filipinas han sido los países con más búsquedas realizadas por mujeres. Y si creen que la curiosidad mató al gato, pues no lo mató; porque entre el 2009 y 2018 la búsqueda de la categoría anal llegó a un 80% en todo el mundo. Y como dato adicional, las mujeres en el mundo en promedio, pasan 1 minuto 40 segundos más que los hombres en una página porno.

hoy Estreno. Memorable afiche del cine Colmena.

Ahora bien, trasladémonos a la cuarentena de nuestro país. Felizmente todos los confinados han hecho uso de múltiples soportes y plataformas audiovisuales para saciar sus apetitos de espectadores; es decir, si hablamos de todos los géneros cinematográficos y televisivos, ahí tenemos a Netflix, Amazon Prime Video, YouTube, Vimeo, y todo el resto de links para poder enganchar con todas las preferencias audiovisuales existentes. Por su parte, otros cofrades más ortodoxos han recurrido a sus discos DVD y Blu-Ray. Pero, con respecto al porno, no necesariamente se necesitaron esos discos convencionales. Bastó con otros links, como el youporn, xhamster, redtube, pornhub, xxxvideos, y keezmovies, para ingresar al mundo del hardcore a través de una portátil o del smartphone, desde la intimidad de la habitación, o la oficina.

Vayamos al porno vintage

En aquellos tiempos, starlets renombradas como Seka, Ángel Cash, Cicciolina, Nina Hartley, Veronica Hart y milfs como: Juliette Anderson, Kay Parker y Georgina Spelvin, daban la hora en las pantallas con sus performances carnales. Todo ese auge en los listines del triple x en nuestro país, apareció con fuerza en el año ochenta. Y luego de dos arrolladores estrenos: El Imperio de los Sentidos y Calígula, ambos en el cine Roma, surgieron otros de corte más extremo que mandaron al exilio a musas como Laura Antonelli, Sylvia Kristel y a actores picarescos como Lando Buzzanca.

Los nuevos estrenos que calentaron las funciones del sexo duro en nuestra capital fueron: Garganta Profunda, El Diablo en miss Jones, La Gobernante del placer, El Ángel erótico, Masajes a la Carta, Las Atletas eróticas, y El crucero del Placer. Sin embargo, títulos como Seka la Erótica y Fiona Ultra Erótica, fueron tan exitosos que se erigieron como los clásicos del porno mundial y local, porque permanecieron durante prolongadas temporadas en el cine Colmena, gracias a la muchedumbre que copaba sus dos salas desde prematuras horas del día; ya que los horarios se democratizaron. Porque a inicios de los ochenta, el cine porno se exhibía solo en trasnoche. Así se le denominaba a esa función especial, que iba desde la una de la mañana hasta las tres de la madrugada y lo más curioso, era observar a lo largo de las interminables colas a decenas de parejas de esposos esperando acurrucados que las boleterías abrieran para adquirir sus tickets de ingreso.

El recordado cine Tauro en pleno centro de Lima.

Pero esa modalidad lechucera no duró por mucho tiempo, porque luego surgieron las funciones continuadas, que empezaban incluso desde las 11 de la mañana hasta las 11 de la noche, con tripletes cinematográficos inacabables, en los cines que terminaron por convertirse en recovecos, llámese: El Alameda, Colmena, Super Hall, Alfa, Omnia, Ritz, Beverly, Sucre, Perricholi, Cristal, Broadway, Bolívar, Imperio, Maximil, Odeón, Balta, Olimpo, Grau, Brasil, Conde de Lemos, Venecia, Central y Excélsior. Eso sin mencionar, que algunos de esos recovecos en su expresión más sórdida se convirtieron en lupanares al paso, donde extraños espectros transgéneros ofrecían sus servicios carnales entre la bruma de las proyecciones.

Aquella tendencia de exhibiciones lascivas fue inevitable y alcanzó incluso a importantes salas de estreno que estuvieron a un paso de la quiebra. Me refiero a cines como el República, Le París, Lido, Country, Orrantia, Tauro y Colón (cada vez que recuerdo ese cuento titulado Un responso por el cine Colón, me convenzo de que el autor y ahijado del marqués, no conoce ni la boletería de aquel extinto cine).

Cine Roma.

Aquella lamentable caída de los cines de estreno en la postrera década ochentera, se debió a la aparición de las modernas cintas en formato Beta y posteriormente, en VHS a inicios de los noventa. Tanto así, que el público se dejó seducir por la novedad y empezó a acudir a las tiendas de video-rent para alquilar sus pelas de preferencia. Pero lo que significó un ataque letal contra todos aquellos cines que apenas pudieron supervivir al fenómeno del video, fue la llegada de las grandes multi-salas que fueron instauradas por internacionales cadenas como Cineplex y Cinemark. Por cierto, aquellos grandes emporios, continúan acaparando hasta nuestros días el mercado de las exhibiciones, con los denominados blockbusters hollywoodenses.

En suma, la actual cuarentena ha coadyuvado a que la gente, desde sus confinamientos disfrute de lo que más le gusta. Así las cosas, los consumos virtuales de: lectura, musica, teatro, cine, y pornografía, han sido como placebos que por instantes nos han mantenido vivos y alentados.

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