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Cine

Estreno de “Adentro hay un loro” (2020), de Mario Castro Cobos

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Mario Castro, realizador y crítico de cine, estrena en Lima Gris (y de manera gratuita) su sexto largo independiente en 3 años, que es, además, el segundo largo que estrena este año.

Adentro hay un loro: 21 cortes a partir del auto-registro audiovisual de Estado de Encuentro 2014-2020, de Mario Castro Cobos (Perú, 2020, 75 min). Tomando 10 videos de youtube de un total de 206 del canal de Estado de Encuentro se busca una re-creación de la esencia de sus particulares prácticas, o al menos una tentativa de interpretación de las mismas, si no una mutación de su sentido original. 

Aquí puedes ver Adentro hay un loro (2020):

Aquí puedes ver Cuaderno de notas (2018), Gracias por la donación (2019), Descartes (2019) y Agujero (2019), del mismo director.

Aquí puedes ver Animales perdidos (2020):

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Cine

33° Festival de Cine Europeo: al aire libre y en salas virtuales

La edición de este año contará con 36 películas de libre acceso. Como parte del festival, se llevarán a cabo diversas actividades virtuales como conferencias, conversatorios, clases magistrales, talleres, entre otras. Todas las actividades serán gratuitas.

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Las embajadas de los Estados miembros de la Unión Europea en el Perú, la Delegación de la Unión Europea y la Filmoteca de la Pontificia Universidad Católica del Perú presentan la 33º edición del Festival de Cine Europeo de Lima, que se realizará de forma virtual y al aire libre del 22 al 30 de junio.

“Esta edición del Festival tiene una connotación especial para nosotros porque se realiza en el marco de las celebraciones del Bicentenario del Perú, un país al que nos une fuertes lazos culturales y que estamos seguros se afianzarán con las diversas actividades que desarrollaremos como talleres, conversatorios, mesas redondas y, sobre todo, exposición de lo más reciente del cine europeo”, destacó Diego Mellado, embajador de la Unión Europea en el Perú.   

Este año, el festival europeo contará con 36 películas nunca antes estrenadas en Perú que se exhibirán gratuitamente en dos formatos: digital y presencial al aire libre, en este último formato se contará con cuatro sedes ubicados en los distritos de Barranco (Museo de Arte Contemporáneo – MAC y Plazuela de la Ermita, Miraflores (Santuario Patriótico Reducto Nº2 ) y San Miguel (Autocinema Cineviajeros de Open Plaza La Marina)

Esta edición, el Festival estará bajo la presidencia de Portugal, cuya embajada presentará seis películas del reconocido director Pedro Antonio Vasconcellos. Dentro de este ciclo especial se llevarán a cabo también dos conversatorios entre el mencionado director portugués y dos reconocidos directores peruanos: Eduardo Mendoza y Gonzalo Benavente.

Así mismo, se confirmó la participación de 15 países invitados: Austria, Bélgica, España, Finlandia, Francia, Grecia, Hungría, Italia, Países Bajos, Polonia, Alemania, República Checa, Portugal, Rumanía y Suecia.

Encuentro con directores

Por tercer año consecutivo, el Festiva de Cine Europeo contará con el laboratorio de formación en cinematografía CINELABS, actividad que estará amadrinado por Melina León, directora de la película peruana “Canción Sin Nombre”.

Un espacio donde futuros cineastas peruanos tendrán la oportunidad de ser capacitados en dirección, producción, dirección de sonidos, dirección de fotografía a cargo de profesionales de reconocida trayectoria a nivel internacional como Manuel Monteagudo y Juan Limo Giribaldi de Francia, Antxon Gómez y Sandra Hermida de España, Sofia Exharhou de Grecia, Antonio-Pedro de Portugal, Jirí Mádl de República Checa), entre otros profesionales. 

Al aire libre y on line

Hoy, en este contexto social, es más que oportuno celebrar el cine, un arte que nos alivia y al mismo tiempo nos conecta con la realidad, es por ese motivo que en esta edición decidimos adaptarnos a formatos que nos permitan llegar a más personas, estaremos en una plataforma virtual, pero también contaremos con proyecciones al aire libre en parques públicos en coordinación con las municipalidades de Barranco y Miraflores y San Miguel, un paso seguro al reencuentro con el cine”, señaló Diego Mellado.    

Datos:

  • Las más de 35 películas que se exhibirán en la edición 33 del Festival de Cine Europeo en Lima serán de acceso gratuito, para acceder a toda la programación del festival pueden visitar la página web. www.festivalcineeuropeo.pe.

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Cine

Cine: “Nunca más señora K”, de Fernando Vílchez (2021)

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Por Rosa del Trueno

“La voz y el cuerpo hablan cuando reconstruyen la escena, vemos como se crispa, es un espanto individual, hacia el terror colectivo, no podemos evitar el desconcierto. ¿Es posible que los muertos puedan aparecer en sueños? O simplemente la vida es un sueño que termina cuando despertamos…” (Virginia Woolf).

El inicio: una movilización, la calle, ahí donde se deshace la individualidad, donde se organiza la vida civil, cuna de la modernidad, para gritar el desgarro, vomitar las molestias y luego ese paisaje lunar, de piedras gigantes, seres ancestrales que han presenciado el inicio de la galaxia, desde antes que los Imperios, los Virreinatos y los Estados, por donde se inician los relatos.

Un documental entregado en el momento casi preciso, quizás atrasado, como la justicia humana, tan precaria. Ese aparataje institucional de engranajes que termina por oxidarse y toda esa masa de zombis, mirando algo por Netflix, aclamando ese mundo edulcorado que presenta el regreso a ese apellido, o marca. Es como si realmente fuéramos a un corte comercial, entre verdad y verdad, aparece Keiko-Cola. Esos episodios pasan de la ironía a la  amargura, aparece el valor del archivo, están ahí las señales de la evidencia y sin embargo no las vemos, pasamos por alto los actos de una cadena de sicopatías. Estamos absortos, mirando las pantallas,  convertidos en ejércitos de consumo.

El modus operandi se reitera, la repetición, ese estándar de la locura: jóvenes desaparecidos, estudiantes, jamás vistos, asesinados a quemarropa, indígenas vejadas, la historia de Latinoamérica y la desaparición. Porque el poder hace alarde de su crueldad y es parte de Nerón hacerlo, exhibirlo en la plaza pública. Fue parte del nazismo; es lo que hizo Fujimori, y el legado de su hija. No entendemos cómo es posible que ante nuestras narices haya personas que estén en el poder, que nos mientan en la cara y aún así deseen ser presidentes de un país. Y peor aún, que sean elegidos por nuestros pares.

Fotograma del documental “Nunca más señora K”.

Volvemos a la calle, escuchamos los gritos y vemos una bandera gigante, llevada por un grupo de manifestantes, en ella se refleja la sombra del realizador. No hay nada inconsciente en esa decisión. Pero a estas alturas, ¿será necesario exacerbar los valores patrios que representa ese símbolo? O más bien habría que cuestionarlos para llegar a su disolución? No existe un tal Perú, ni un tal Bolivia, ni un tal Chile…, si no fuese por la matanza y las inversiones extranjeras, para que esto pasara. Esta repartija de tierra entre familias blancas-mestizas,  este genocidio constante contra el pueblo. Alguien diría no es le tema del documental, pero al final este es el tema. La construcción del Estado moderno ha sido la edificación de sus símbolos. No habría Keiko, sin esto, el Estado es el que alberga los vicios para que esto se produzcan y por lo tanto, el que propicia la cancha para albergar este juego de relaciones tóxicas.

Es un documental necesario, porque siempre es necesaria la denuncia. ¿Cuántos relatos faltan para que despertemos? ¿Y cuántas acciones faltarían para provocar una bofetada activa en la cara del fujimorismo? Que ya es sinónimo de neoliberalismo, corrupción, ultraderecha, narcotráfico. ¿Qué acto mítico sería necesario para derrocarlo?

El documental de Fernando Vílchez es una propuesta formal, suerte de seguidillas de documentales de denuncia política que ha realizado en torno a la pesadilla del fujimorismo. Esta vez a través de entrevistas, y archivos busca reconstruir lo indecible, él se filtra, es una bisagra de la memoria, logra grabarlo, montarlo, tratar de entrar en la secuencia de los documentales de denuncia histórica, gran peso, gran talla: la calle, la gente, el Estado, el humanismo, finalmente.

Hay una especie de final esperanzador, ¿sería esta la proyección del futuro presentada al fin de cuentas por el realizador? Cuerpos femeninos tocan una batucada. La mujer, esa construcción moderna, sinónimo de conflictos, epicentro de la tendencia política. Nos imaginamos que es el centro de la capital, el lugar donde se inicia la movilización ciudadana. La metrópolis, el lugar del poder en donde supuestamente transcurre la vida civil. ¿Es ahí en donde la voces tendrían más valor? ¿es ahí donde estaría la solución?

Imaginemos, que estos gritos, son la catarsis de liberación de un pueblo que se revela definitivamente, sin reiterar el horror.

Aquí puedes ver el documental.

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Cine

Película peruana es premiada en Europa

’Samichay, en busca de la felicidad’ obtuvo la Biznaga de Plata, a Mejor Director, en la sección ZonaZine del Festival de Málaga.

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La película peruana ‘Samichay, en busca de la felicidad’, dirigida por Mauricio Franco Tosso y filmada en las provincias de Quispicanchi y Canchis a más de 4 mil metros de altura, obtuvo la Biznaga de Plata, a Mejor Director, en la sección ZonaZine del Festival de Cine de Málaga, que se clausuró en España.

Ópera prima del cineasta peruano Mauricio Franco Tosso, ‘Samichay, en busca de la felicidad’, filmada íntegramente en quechua y en blanco y negro, fue reconocida en la Sección ZonaZine de la más reciente edición del Festival de Málaga por “saber sumar y poner de manifiesto un guion singular, la interpretación de un reparto extraordinario, por introducir al público en un universo tan atrayente como implacable, y mantener el rigor de una puesta en escena áspera, pero también lógica”, según se anunció durante la premiación.

El premio fue recibido en España por Sergio García Locatelli, productor de la película quien manifestó su agradecimiento a los miembros del jurado por el premio. “A nombre de Quinta Imagen Producciones y de Quechua Films queremos agradecer por la oportunidad de presentar nuestra película en este festival”, mencionó.

Cabe señalar que ‘Samichay, en busca de la felicidad’, fue galardonada en nuestro país en el Festival de Cine de Lima PUCP con mención de honor a ‘Mejor Ópera Prima’ y ‘Mejor Película Peruana’ del 2020. Además, ha participado en el Neighboring Scenes: New Latin American Cinema, del Lincoln Center.

“Quisiera resaltar que este es un premio colectivo, yo no podría haber dirigido esta película sin mi equipo. Si bien hubo una idea que partía de mí, he recibido apoyo e ideas que hicieron avanzar el proyecto. Para nosotros, con todos los errores y aciertos que tenemos, hacer cine –sobre todo el cine que queremos lograr– es un camino y no un fin, lo hemos venido practicando hace años y ‘Samichay’ ha sido realmente un avance, un destape en ese sentido”, comentó Mauricio Franco Tosso.

Mauricio Franco Tosso.

‘Samichay, en busca de la felicidad’ cuenta con la participación del reconocido actor puneño Amiel Cayo, quien protagoniza a Celestino, un ermitaño campesino que vive en las alturas de los andes peruanos junto a su vaca criolla Samichay.

Es importante mencionar que ‘Samichay, en busca de la felicidad’ es una película que ha contado con el patrocinio de diversas empresas e instituciones como el Programa Ibermedia, Fundación Obra Pía de los Pizarro, Cemento Andino, Plaza Vea, ABC Tours y Umbrella Comunicaciones. Además, ha sido beneficiaria de la línea de apoyos Covid-19 del Ministerio de Cultura.

Premiación de ‘Samichay, en busca de la felicidad’ en la ceremonia de clausura del Festival de Málaga.

Conferencia de prensa de ‘Samichay’ en el Festival de Málaga.

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Cine

Entrevista con David Duponchel, director del Festival de Cine Al Este

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En el programa Lima Gris Radio, se contó con la participación de David Duponchel, organizador y director desde hace 12 años en Perú, del Festival Al Este, de Europa Central y Oriental.

Aunque en esta edición y desde la anterior en 2020, el evento cinéfilo se desarrolló de forma online.

Duponchel, conversó de los diferentes cineastas internacionales que esta vez brindan sus películas al público peruano, y que ya vienen con un prestigio detrás, tomando en cuenta que muchas han sido galardonadas en recientes festivales internacionales, como el caso de la estupenda cinta: “Quo Vadis Aída?” de la directora bosnia Jasmila Žbanić, y que incluso, hoy por la mañana brindó un masterclass en línea, a todos los seguidores del festival Al Este.

Luis Felipe Alpaca, indicó lo atractivo que significa adquirir los tickets en línea a un único costo de S/49 soles, y que da derecho a ver más de 70 películas, las veces que se desee, durante 24 días, en la comodidad del hogar y en compañía de toda la familia y/o amigos, a través de la plataforma virtual elekran.

Asimismo, los estudiantes solamente pagarán S/29 soles por el ticket y, además, en estos momentos, el festival está exhibiendo 5 películas, mas todos los cortos con acceso gratuito.

Finalmente, Duponchel señaló que el próximo año, el festival se hará de forma hibrida; es decir, esperan organizarlo, tanto de forma presencial, como virtual. 

El XII Festival Al Este en Perú, va del 26 de mayo al 18 de junio de 2020.

Aquí el programa completo:

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Actualidad

El sombrero del legendario Indiana Jones será subastado en Hollywood [VIDEO]

La pieza que fue confeccionada en 1984, para “Indiana Jones y el templo de la perdición”, será subastada el próximo 29 de junio, con una suma estimada de entre $150,000 y $250,000 dólares.

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Mientras, los seguidores y fanáticos del legendario héroe de la arqueología Indiana Jones, están esperando la próxima entrega cinematográfica que dará fin a la saga, el sombrero que utilizó el famoso aventurero será subastado en junio.

Aquella pieza, fue confeccionada en 1984, para que el protagonista Harrison Ford la estrene en la segunda entrega “Indiana Jones y el templo de la perdición”, y el próximo 29 de junio, será subastada con una suma estimada de entre $150,000 y $250,000 dólares.

Sombrero que será subastado en vivo el 29 de junio en Prop Store.

El director de la casa de ventas Prop Store, Brandon Alinger, señaló que el sombrero fue encargado por la producción al prestigioso especialista londinense Herbert Johnson un año antes del inicio del rodaje:

“Ellos no se conformaban con entrar en la tienda y tomar un sombrero de un estante. Combinaron las características de ciertos sombreros para hacer lo que se ha convertido en el sombrero de Indiana Jones, posiblemente hoy en día una de las películas más reconocibles”, añadió Alinger.

Entre tanto, el icónico Harrison Ford, está a punto de cumplir 79 años de edad, pero de todas formas protagonizará su papel de aventurero para el último episodio de la famosa saga.

Asimismo, un total de 1,200 piezas icónicas de la industria de Hollywood se pondrán a la venta entre junio y julio, entre ellas, el guion que leyó Carrie Fisher, la actriz que interpretó a la princesa Leïa en El imperio contraataca de la saga Star Wars, y la espada que empuñó Tom Cruise en El Último Samurai. Además, El carrito de golf que condujo Brad Pitt en Había una vez en Hollywood, última cinta del director Quentin Tarantino. Así como, la varita mágica y los lentes que utilizó Daniel Radcliffe en los dos últimos episodios de Harry Potter, que fueron donados por los estudios Warner Bros. y cuyo producto de la venta será destinado a obras de caridad.

Según Brandon Alinger, las reliquias cinematográficas están muy de moda y su valor viene aumentando para los coleccionistas:

“Piezas como los cascos Stormtrooper que se han vendido en el pasado, vemos que han subido de precio en las últimas ventas, a medida que más y más personas se dan cuenta de que se pueden coleccionar o invertir en disfraces de Star Wars”, añadió Alinger.

En esa línea, el año pasado, un traje de Darth Vader que se utilizó para promocionar la legendaria película de George Lucas, fue rematado en $ 287,500 dólares.

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Cine

67° Festival de cine Kurzfilmtage Oberhausen nuevamente online

Oberhausen premia vídeos musicales, documentales y cortos de ficción. Tecnofilia, transparencia y teosofía destacan entre otros ejes temáticos.

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El festival de Oberhausen representa el festival de cortometraje de mayor tradición y prestigio en Alemania. El festival es una ventana hacia vanguardias y tendencias estéticas del mundo a través de cerca de 400 obras seleccionadas en 8 categorías y concursos.

El espíritu innovador se adopta también en la organización, pues la 66. edición fue el primer festival mayor que se llevó a cabo en línea luego de entrar en vigencia las restricciones por pandemia en Alemania. Las dinámicas aprendidas entonces se reflejan en la reciente edición: los espacios del chat mediante Spatial son moderados por personal del festival, ávido por recibir retroalimentación de los asistentes y hacer mejoras sobre la marcha.

A diferencia de los eventos que apuestan por las salas cerradas de Zoom, en Spatial el intercambio entre realizadores, periodistas, curadores y público en general puede darse libremente, tal como si estuvieras caminando por un ambiente entre diversas conversaciones, Spatial permite escuchar varias conversaciones a la vez y acercarse a seguir e intervenir en la que te interesa más. La ceremonia de premiación del festival en cambio contrasta con lo anterior, pues consiste en la reproducción de mensajes pregrabados por parte del jurado y los realizadores. Así que no hay sorpresas, salvo por los premios del público.

Premios otorgados en Oberhausen

El principal MuVi Award por video musical es otorgado a UWE por JUNGE MILLIARDÄRE (JÓVENES BILLONARIOS) en el que mediante la técnica del deep fake se proyecta el rostro de Elon Musk sobre aquel del protagonista. La realizadora Yuri Muraoka recibe el gran premio de la ciudad de Oberhausen por TOUMEI NA WATASHI (TRANSPARENT, I AM.), que torna la pandemia en una ocasión para hacer un inventario personal de su vida. “Un relato que explota todos los recursos cinematográficos, varias técnicas de animación, found footage e imágenes fijas. De esta manera, la cineasta logra una narración no-lineal que brinda espacio al espectador para sus propias interpretaciones y fantasías ”, sostiene el jurado. El gran premio internacional online de la ciudad de Oberhausen, concurso creado recientemente, va para KALSUBAI de Yudhajit Basu, una película etnográfica sobre la leyenda de la diosa Kalsu de Mahadeo Koli, “por el diálogo entre el pasado y el presente, que la película crea a través de su etnografía lírica ”.

El premio de la competencia alemana lo recibe el cineasta y director de teatro berlinés Adrian Figueroa por su largometraje PROLL! nacido de la necesidad de adaptar una obra de teatro para el cine durante las restricciones por pandemia en el que sigue a tres personas definidas como “trabajadores pobres”. El jurado elogió el hecho de que la película “no crea ningún terreno común sentimental donde no hay un terreno común. Una película sobre la soledad de nuestro tiempo ”. El Premio Principal del Jurado Internacional va para Su Zhongl por  8’28”, una película de una sola toma sobre la violencia y la sangre en un mundo turbulento y que dura lo que el título indica.

Un festival se define por sus premios

Más que por los contenidos son los premios los que lo definen y le dan continuidad a un festival. Oberhausen cuenta con premios del público, la crítica, de adquisición por canales de televisión, de escuelas de medios, de organizaciones vinculadas a las iglesias y de la ciudad de Oberhausen. En éstos se reflejan los ejes temáticos de los contenidos. El festival de Oberhausen ha sabido ganarse no sólo a los jóvenes, estudiosos y un público que hace de multiplicador, ha logrado también establecerse como plataforma de intercambio entre creativos y abrir vías hacia la industria y canales de distribución para el cortometraje.

De América Latina destacan TRAMPA DE LUZ de Pablo Marín, que explora la tradición del cine y la música concreta y el animado NUEVO RICO de Kristian Mercado, que combina estéticas del anime, el cyberpunk, religión yoruba, discursos postcoloniales y reguetón.

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Cine

Amiel Cayo: “El arte es fundamental para construir mejores ciudadanos”

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Amiel Cayo es protagonista de la película peruana Retablo, que cuenta con más de 27 premios a nivel internacional, es hablada en quechua y a través del cual nos expresa sentimientos encontrados del ser humano, además es la ópera prima del cineasta peruano Álvaro Delgado Aparicio que se estrenó días atrás en la ciudad lacustre de Puno. Charlamos con el artista plástico, actor puneño y promotor cultural, Amiel Cayo acerca de su carrera artística. 

Hablemos sobre sus inicios en el teatro y el cine. 

Me inicié como actor de teatro a la edad de los 16 años, junto con el director y actor cusqueño Raúl Tomaylla y otros artistas fundamos la agrupación Escena Inka en el año de 1986, con el que hicimos tres montajes: El médico a Palos del dramaturgo francés Moliere, La Rebelión de las Zampoñas del dramaturgo puneño Alfredo Macedo Arguedas y Jatun Juez del dramaturgo cusqueño Jiliat Zambrano. En 1987 cierro esta etapa inicial y en 1988 fundo el Centro de Investigación y Producción Teatral Yatiri, institución con el cual desarrollamos una intensa actividad teatral durante más de diez años; paralelamente, me voy incorporando al grupo Yuyachkani de Lima, con quienes trabajé veinte años. 

En cuanto al cine, he incursionado hace unos diez años, participando hasta el momento en ocho producciones, de los cuales seis ya han salido al público, dos están en proceso de edición y una última que vengo grabando; aparte, también he realizado cortometrajes y participado en la serie de TV Perú El último Bastión. 

Aparte de la película Retablo ¿qué otras películas grabó? 

Participé en las películas: NN, del director Héctor Gálvez, La Deuda, del director Barney Elliot, Extirpador de Idolatrías, del director Manuel Siles, El Viaje Macho, de Luis Basurto, Retablo, del director Álvaro Delgado Aparicio. 

Willka Nina ¿es su mejor obra literaria? 

Hasta la fecha afirmaría que sí. La narrativa no es mi profesión, es algo que voy desarrollando en mis tiempos libres, con el afán de sistematizar mi experiencia y que esta se pueda transmitir a las futuras generaciones en forma de relatos o historias que perennicen mi visión sobre la vida. 

¿Cuál es el mensaje de sus libros El gato pany y El zorro y el cuy?   

El Gato Pany, es un libro que contiene dos historias para niños, está la historia de un niño que adopta un gato como mascota, pero con la llegada de los aparatos tecnológicos a su hogar la relación con su gato se quiebra; pero finalmente en un acto heroico, Pany, su gato logra salvar del ataque de un perro a su amo; esta acción valerosa de Pany, hace que el niño valore más el vínculo con su mascota. El mensaje obviamente es como la tecnología que se introduce en los hogares, produce el resquebrajamiento de la familia, si permitimos que esto así suceda. La otra historia, El Zorro Antuco, se refiere al valor que uno debe tomar, enfrentando un inminente peligro para afrontarlo. 

El Zorro y El Cuy, es una adaptación del cuento de tradición oral para el teatro; pero, en esta obra pude recrear otras historias basadas en la fábula. El tema de fondo que abordo en esta historia, es la problemática de la tenencia de tierras, del cual nuestros hermanos comuneros, dueños legítimos de las tierras desde sus ancestros, son despojados por parte de los grupos de poder, para realizar diversas actividades que finamente depredan las riquezas y nos dejan un suelo contaminado e inservible para seguir habitando. 

Escena de la película Retablo.

¿Verdad que de no ser actor, artista plástico, dramaturgo y narrador qué le hubiese gustado ser? 

Soy muy feliz con lo que hago; en mi vida desde niño he tratado de hacer otras cosas, como vender caramelos, helados, trabajé como ayudante de ladrillero, de joyero y otros oficios menores; pero el arte siempre ha sido mi gran sueño y un reto permanente para seguir superándome; eso no lo cambiaría por nada. Yo vivo del arte y para el arte. 

¿Qué nos puede hablar sobre las máscaras que elabora Ud.? 

Desde la edad de seis años, aprendí a dibujar y pintar, a los catorce años, me integro al Grupo Quaternario, gran colectivo de artistas plásticos, donde destacan hasta el día de hoy maestros como Aurelio Medina Pacheco-Moshó, Martín Gómez, José Luis Barriga, entre otros, de quienes me he nutrido como artista; sin embargo, al empezar la actividad teatral, las artes plásticas pasaron a un segundo plano; años más tarde, cuando conozco al grupo Yuyachkani, descubro que la máscara es un elemento extraordinario para la representación, y a la vez es una obra de arte plástica. Entonces me interesó construir máscaras y hasta el día de hoy no he dejado de hacer máscaras. Fue una manera de canalizar mis habilidades en las artes plásticas, en un elemento teatral y de la danza. La máscara me acompaña siempre y el cual también es reconocido en el Perú y otros países. 

Puede citar actores puneños, nacionales y/o extranjeros, que han influido en su gestión operadora? 

En Puno, no hay actores que han trascendido, del cual yo pueda haber tomado como influencia; por lo menos no los conozco. En el Perú, mi gran referente han sido mis propios compañeros y compañeras del grupo Yuyachkani, de quienes he aprendido el sentido de profesionalismo en el teatro y el arte en general. De los extranjeros, he aprendido de actores del Grupo Odin Teatret de Dinamarca, su disciplina y profesionalismo con el que se entregan a su trabajo es algo que siempre voy a admirar. 

¿Ud. Cree que existe una juventud que se quiera dedicar al cine y al teatro? 

Hay mucho temor en los jóvenes en tomar al arte como una opción de vida, debido a que el mercado para el arte es limitado. Hace falta políticas culturales que permitan el desarrollo de las artes en las ciudades del Perú. Las autoridades de turno, no toman al arte como una alternativa de desarrollo social y económico, solo lo ven como un gasto innecesario; sin embargo, esta visión de la cultura debe ser desterrada. El arte es fundamental para construir mejores ciudadanos. Los teatros, galerías de exhibición, deben convertirse en centros culturales con una administración profesional, para que estos espacios cumplan con los objetivos y fines para que has sido construidos. En nuestra región hay teatros que están cerrados y los pocos que abren, no tienen las condiciones técnicas para ofrecer al público obras y espectáculos de calidad. No existen arquitectos e ingenieros con la capacidad suficiente de construir verdaderos espacios para realizar estas actividades, para ejemplo, tenemos el Teatro Municipal de Puno, remodelado hace unos años atrás, pero en vez de mejorar la infraestructura, han deformado el recinto y prácticamente hacer una actividad de artes escénicas es complicado. La corrupción que también campea en estos proyectos hace mucho daño a las ciudades. 

Junro a la actriz Magaly Solier en la película Retablo.

Alguna anécdota curiosa que haya ocurrido en su vida teatral. 

En mis inicios como actor, he realizado teatro en las plazas, donde aprendí a dominar al público con humor fino, sin caer en lo grotesco. Recuerdo que traté de crear un personaje niño llamado Manuelito el lustrabotas, para esto encontré en la casa de mi abuelo Ignacio Coaquira, un gorro viejo de aviador, el cual era la característica del personaje, pero, un día el gorro desapareció y con él también los sueños de seguir desarrollando este personaje. 

¿Cuál de los dos factores predomina en su actividad literaria: la inspiración o el oficio? 

Para mí es la inspiración. Como te mencioné, no soy un literato de oficio, sino que solo por la necesidad de plasmar en escritura ideas o historias que de pronto asaltan mi mente y para no dejarlos ir u olvidarme, los escribo. Tengo varios cuadernos donde tengo en manuscrito historias, que algún día los revisaré para que sean publicados. 

Bien, a esta altura se impone una definición: ¿cuál debe ser el rol del cineasta peruano en un país dependiente y subdesarrollado, como el nuestro? 

Definitivamente el cine debe ser industria para que tenga un verdadero desarrollo; para esto, se tienen que involucrar diferentes entidades tanto privadas como gubernamentales. Estamos luchando por una ley de cine que favorezca el desarrollo de esta actividad en todo el país, ya que el cine genera muchos puestos de trabajo, en diferentes niveles; al mismo tiempo, el cine, también es una manera de promover el desarrollo de nuestro país. ¿Cuánto conocemos de EEUU por sus películas? La galardonada película Retablo, del cual soy protagonista, está dando conocer al mundo, nuestra cultura, nuestro idioma quechua y la gente en diferentes países está empezando a valorar todo este legado. Por eso es importante el desarrollo de la industria cinematográfica para un país como el nuestro. 

Algún mensaje para los jóvenes que se quieran dedicar al teatro y al cine 

El arte en general, es una profesión digna, como cualquier otra profesión, el cual requiere de mucha dedicación, disciplina y estudio. El talento no es todo, es solo una mínima parte del cual podemos empezar; pero, sin la disciplina y la mística jamás vamos a lograr obras que trasciendan en el tiempo y que se conviertan en herramienta de transformación social. 

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Actualidad

China censura victoria de cineasta Chloé Zhao tras ganar el Oscar

Polémica tras galardón a directora de origen chino tras conocerse que ganó premios como mejor película y mejor directora.

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Pareciera que la Gran Muralla China en la actualidad tratara de encerrar todo lo relacionado con información y libertad de expresión pues la reciente victoria de una cineasta china no le caído bien a los gobernantes de ese país asiático.

Y esto se remonta desde el mes pasado cuando Chloé Zhao, nacida en Beijing, obtuviera el premio a mejor película en los Globos de Oro.

En un primer momento, esto fue motivo de orgullo en China. Sin embargo, poco después la euforia se tornó en rabia, en las altas esferas del gobierno, al conocerse que Zhao había declarado que China es “un lugar donde hay mentiras por todas partes”.

Esto motivó a las altas esferas chinas a tomar cartas en el asunto cuando se conociera que Zhao repetiría lo mismo en la última ceremonia de los premios Óscar borrando todo lo relacionado con su victoria, su nombre, o algo relacionado a ella en la red social Weibo, el Twitter de China, invisibilizando tremendo logro pues se trata de la primera mujer asiática en ganar el premio como mejor directora en 93 años de existencia de ese evento.

“El control de la opinión pública de China es escandaloso. Tras la estelar victoria de Chloe Zhao en los Oscar, no hay nada de ella en Weibo”, escribió un usuario ayer al mediodía, en rechazo a la censura del gobierno chino.

Solo el diario Global Times, de Hong Kong, publicó un mensaje en Twitter anunciando el premio, un texto y un editorial en el que restó interés de la cinta para el público chino y apostó por el rol de Zhao como mediadora entre Estados Unidos y China, si bien le reclamó “mayor madurez”.

Semanas atrás las cadenas de cine chinas optaron por retirar de sus salas de cine la película de Chloé Zhao tras revelarse su postura contra el actual Gobierno chino. Ante ello, la cineasta de 39 años se refirió a este hecho: “He estado pensando mucho últimamente en cómo seguir adelante cuando las cosas se ponen difíciles.”

Cabe mencionar que Chloé Zhao no solo dirigió la película “Nomadland”, lo que le valió incontables premios a nivel internacional, sino que además fue productora y guionista de la misma película; algo realmente meritorio por parte de la cineasta china que no sobrepasa los 40 años de vida.

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