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Cine

“Bicentenaria” mega proyecto que revela el autorretrato femenino del Perú a 200 años de la independencia

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BICENTENARIA, un megaproyecto audiovisual liderado por mujeres peruanas, y que pondrá a la mujer en primer plano a través de una serie de cortometrajes que en su conjunto, revelan un autorretrato femenino inédito del Perú a 200 años de la independencia. El lanzamiento de la serie se realizará el sábado 10 de julio a las 5.30 pm a través de un especial que será transmitido por la señal de TV Perú a nivel nacional y por redes.

Esta iniciativa surge desde Teatro La Plaza a partir de una idea original de Chela de Ferrari, con la participación de 5 directoras profesionales y un equipo de productoras, técnicas y 30 actrices y performers. El objetivo: atender la necesidad de reflexionar sobre qué idea de nación se construye desde la mirada hegemónica; dar visibilidad a las omisiones de la historia oficial de la independencia del Perú y repensar el rol de las mujeres que hicieron y hacen historia.

La serie completa incluye más de 40 videos que se presentarán en tres series en las que mujeres representan personajes de nuestra historia, desde sus miradas y sus cuerpos. En la primera serie, se podrá ver seis cortometrajes en los que seis actrices se apropian de palabras, imágenes y discursos de personajes hombres reconocidos por la historia oficial, para construir retratos que cuestionan el rol del patriarcado y los pensamientos que han marcado la constitución y el desarrollo de nuestro país.

Los cortos de la primera temporada están dirigidos por Lucero Medina, Enrica Pérez y Marisol Palacios. Y los personajes son José de San Martín, interpretado por Alejandra Guerra; Javier Prado por Anaí Padilla; Augusto B. Leguía por Rebeca Ralli; Alberto Fujimori, por Biviana Goto; Carlos Hualpa, feminicida de Eyvi Agreda, interpretado por Yolanda Rojas; y Ronald Anayhuamán, interpretado por Tatiana Astengo; juez que absolvió un caso de violación alegando como prueba el calzón rojo de la víctima.

El primer cortometraje de la serie aborda el histórico discurso de José de San Martín desde un enfoque crítico. Este corto se estrenará el miércoles 14 de julio por las redes de Teatro La Plaza. Enrica Pérez, la directora, ha trabajado el texto desde la ironía, a través de la mirada femenina y la actuación de la actriz Alejandra Guerra. Un supuesto homenaje a las mujeres, condecorándolas, en el fondo resulta muy condescendiente al destacar el reconocimiento “al patriotismo de las más sensibles”.

El siguiente corto en difundirse corresponde a la segunda serie; es un homenaje a Victoria Santa Cruz que se presentará el sábado 17 a las 5.30 pm por TV Perú y por facebook y el IG de Teatro La Plaza. Este corto está dirigido por la performer y documentalista Diana Daf y le pone cuerpo a Victoria Santa Cruz, la activista afroperuana Sofía Carrillo.

La segunda serie la integra una decena de cortometrajes, dirigidos por Diana DAF Collazos, que recuerdan a diez luchadoras históricas y a las herederas de sus luchas. Se trata de un tributo a las ciudadanas peruanas que han gestado proyectos y luchas sociales que han influido en el desarrollo de nuestro país, pero que fueron invisibilizadas por la historia. Es una denuncia de la vigencia y urgencia de estas luchas.

La tercera serie propone una mirada al futuro del país. Diez jóvenes líderesas de distintas partes del Perú, participan en talleres virtuales de creación escénica y audiovisual para escribir, interpretar y grabar sus propios discursos para el Perú que sueñan construir.La dirección de esta serie está a cargo de Claudia Tangoa.

#BICENTENARIA es también una invitación a la ciudadanía a unirse a esta gran cruzada liderada por mujeres, compartiendo y comentando las miradas y reflexiones que proponen en cada cortometraje. #Bicentenaria es una producción de La Plaza Media, la unidad de cine y audiovisuales de La Plaza, y se ha hecho posible gracias al apoyo del Programa de las Naciones Unidas para el Desarrollo, PNUD; Instituto de Radio y Televisión del Perú IRTP, y organizaciones que defienden derechos de las niñas como Save The Children, Tierra de Hombres, Aldeas Infantiles.

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Cine

No home movie, de Chantal Akerman (Bélgica, 2015)

La crítica de cine de la semana de Mario Castro Cobos.

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Pareciera que el hogar, para un cineasta, es la imagen, un lugar justo, más equidistante, que no se deja, en los mejores casos, arrastrar por el sentimentalismo, que busca algún tipo de verdad más perdurable que eso.

La casa de la madre, y la madre como casa, como origen, como principio y fin de todo, y junto con esto la necesidad de partir, de salir, de dar vueltas por el ancho mundo, tal vez para tratar de reconectarse con esa otra madre, la naturaleza, si existe algo así.

Las cosas, la casa, hablan. Chantal Akerman las ve, las escucha, las toca con su cámara. La compartimentación de los espacios, las formas de los objetos que la componen, las presencias de los cuerpos humanos, también vistos como cosas, como casas dentro de casas, más frágiles y evanescentes que los objetos.

La madre es objeto de adoración y de tenaz observación. Y sin miedo a lo cotidiano. Es curioso: las imágenes más cálidas, y esto es típico de Akerman, son las que, en otro sentido, son las más distantes, me refiero a las imágenes de la madre por skype. La imagen en un sentido menos definida parece atravesar el interior, hace más visible y sensible el vínculo amoroso.

El tema de Aushcwitz se menciona pero el documental lo muestra más a las claras en la propia figura de la cineasta, cuya vida, cuya obra, cuyas imágenes concretas, también aquí, de alguna manera dialogan con la vieja figura del judío errante. Dado el estado del mundo, no solo la casa, sino que el mundo mismo, es también una trampa.

La libertad y estremecimiento en los espacios ‘vacíos’. El viento sobre un árboel, el desietro, las inmensidades. Que igual se ‘llenan’ de alguna cosa o de varias. La presencia de lo no-humano, que no es necesariamente un enemigo nuestro, que además nos envuelve y completa el sentido.

El espacio de la casa, donde la cámara-cuerpo, la cámara en mano, la cámara que reacciona acaso de manera espontánea e impredecible se combina o alterna con planos fijos, que atestiguan la geometría de esta construcción humana, que nos protege y que también nos encarcela y ahoga.

Chantal Akerman se distancia conforme la madre desmejora y nos niega imágenes dramáticas. El plano final es elocuente acerca de esa decisión. Es un plano compuesto, perfecto y frío, cruel, o simplemente revela un orden que rebasa nuestra condición.

Película
https://zoowoman.website/wp/movies/no-home-movie/

Otros textos sobre Chantal Akerman
https://limagris.com/jeanne-dielman-chantal-akerman-1975/
https://limagris.com/experiencias-de-una-joven-belga-je-tu-il-elle-de-chantal-akerman/
https://limagris.com/hotel-monterey-1972-de-chantal-akerman/
https://limagris.com/del-este-de-chantal-akerman-1993/
https://limagris.com/sur-de-chantal-akerman-1999/
https://limagris.com/del-otro-lado-de-chantal-akerman-2002/

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Cine

Ministerio de Cultura premió con más de S/ 1.3 millones de soles a Proyectos de Gestión Cultural para el Audiovisual

El 13 de setiembre se dio a conocer a los 20 ganadores del Concurso Nacional de Proyectos de Gestión Cultural para el Audiovisual 2021. Cada ganador se llevó entre S/ 50 mil y S/ 120 mil soles. ¿Los premios aportan al desarrollo de una industria cultural? Conversamos con Jorge Delgado, experimentado cineasta y productor.

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En la Resolución Ministerial N° 000425-2021-DGIA/MC del Ministerio de Cultura se señala que los premios son parte de los Estímulos Económicos y que los ganadores se llevan entre S/ 50 mil y S/ 120 mil soles cada uno.

En el documento de los ganadores se menciona: “De conformidad con lo dispuesto en la Ley N° 29565, Ley de creación del Ministerio de Cultura, el Decreto de Urgencia N° 022-2019, Decreto de Urgencia que promueve la actividad cinematográfica y audiovisual, y su reglamento, aprobado por Decreto Supremo N° 017-2020-MC, así́ como, el Decreto Supremo N° 005-2013-MC, que aprueba el Reglamento de Organización y Funciones del Ministerio de Cultura”.

Desde Lima Gris, siempre hemos señalado que los Estímulos Económicos que entrega el MINCUL ha funcionado para disuadir la crítica del sector cultural; es decir, las personas, agrupaciones y/o asociaciones o empresas que permanentemente ganan los premios del Ministerio de Cultura, jamás han denunciado algo, ni levantado la voz por los actos de corrupción eventualmente evidenciados, o por la mediocre gestión de la cartera.

Su silencio es recompensado con dinero; pero, además, varios de los ganadores son los eternos “caseritos” que año a año se meten a los bolsillos miles de soles. También hay que aclarar que algunos de estos ganadores en realidad se merecen el premio obtenido; uno de ellos es la empresa Cinco minutos Cinco, que organiza el Festival de Cine de Villa María del Triunfo, dirigido por Efraín Agüero, quien durante ocho años viene llevando una selección de calidad de cortometrajes y largometrajes a los barrios más vulnerables de Lima Sur.

Festival de cine de Villa María del Triunfo.

Pero, de esos ejemplos en una mano me sobran dedos. En la lista de las 20 empresas beneficiarias aparecen festivales paupérrimos, sin relevancia ni impacto en la población, que en realidad son empresas que pululan año a año en busca del dinero del Estado.

Uno de los problemas de estas organizaciones es que la mayoría de los responsables no conoce de cine ni de festivales; y mucho menos, saben organizar un evento, ni tienen un plan para llegar al público. Y eso claramente ha sido palpable al encontrarnos con proyecciones donde los asistentes en las proyecciones no superan las dos cifras.

Una pregunta pertinente es ¿Ha servido entregar dinero para los Proyectos de Gestión Cultural para el Audiovisual o para la realización de películas? Los antecedentes nos dicen que no. Seguimos siendo un país sin una industria cinematográfica, sin una ley de cine respetable y sin una cuota de pantalla firme frente a la artillería hollywoodense. ¿Saben que pasa cuando una película peruana la programan en una sala de cine de los famosos centros comerciales? Les dan los peores horarios y no duran ni una semana. 

Lo que existe en Perú es casi una movida amateur de gente que intenta crear un mercado; es decir, estamos a años luz de tener una industria cinematográfica. Y los responsables que deberían trabajar para que esto cambie, son precisamente los funcionarios del Ministerio de Cultura, en las direcciones como DAFO, o el Viceministerio de Patrimonio Cultural e “Industrias Culturales”, —por cierto, un nombre pretencioso para un país sin industria— ellos han debido consolidar en estos 11 años de existencia, el camino de la producción cinematográfica nacional. Pero nada de esto se ha cumplido, porque, ni siquiera tenemos una cinemateca nacional. Sinvergüenzas.

Entre los recientes beneficiaros del ‘Concurso Nacional de Proyectos de Gestión Cultural para el Audiovisual – 2021’, aparecen las siguientes personas jurídicas:

Para conocer más de la realidad de estos premios y la situación del cine en el Perú, conversamos con Jorge Delgado, comunicador, cineasta y productor cultural.

Sobre la relación de los ganadores el experimentado cineasta menciona: “Estoy viendo algunos nombres que se repiten y que cada año le dan su premio; o sea, ya son caseritos. Los premios no pueden ser simplemente una ocurrencia, los premios creo que tienen que obedecer a una estrategia del MINCUL, porque está buscando supuestamente desarrollar una industria”.

Jorge Delgado.

“Yo no veo que en cuarenta años se haya desarrollado una industria a partir de premios. Acá la gran parte de películas que se hacen es para presentarlas en los festivales, porque saben que esas películas no van a entrar al mercado; o sea, el Ministerio de Cultura financia películas que simplemente van a ir a festivales, porque esas películas no llegan ni al mercado nacional, ni mucho menos al mercado internacional”, agregó el cineasta Delgado.

¿Qué entendemos en Perú por el “audiovisual”? Jorge Delgado lo define así: “El audiovisual lo es todo, el cine es parte del audiovisual. El audiovisual también son producciones para la televisión, producción de publicidad, animación, videojuegos, los videoclips. Por ejemplo, no hay una promoción del desarrollo de la industria de la música vinculada a la industria audiovisual, eso no existe”.

Sobre el trabajo del Ministerio de Cultura y la gestión del ministro Ciro Gálvez, el productor y cineasta señaló: “Creo que todo esto es una continuación del gobierno anterior, e incluso viene de lo que fue el CONACINE. Sigue el piloto automático y este gobierno todavía no ha tomado el auto por el timón; simplemente se ha subido al auto y como lo encuentra funcionando así está marchando, porque Santiago Alfaro ya ha renunciado a la Dirección de Industrias Culturales y es el primero que ha firmado, pero ha puesto su cargo a disposición y todavía no hay remplazo. Creo que el ministro tendría que responder y responsabilizarse de esto”.

Otro de los temas que preocupa sobre los premios, es que no se sabe si ese dinero entregado a los ganadores, en realidad es destinado para realizar dichas realizaciones; es decir, no existe un control real del gasto de los premios que entrega el Ministerio de Cultura.

Sobre el tema, Delgado comentó: “Que yo sepa, no existe un control del dinero de los premios. Hay un caso antiguo de CONACINE: José Carlos Huayhuaca recibió un premio para hacer una película sobre Huamán Poma, pero la plata la usó para comprarse un departamento. En CONACINE se sabía y nunca se dijo nada. El amiguismo es terrible”.

Para finalizar, el comunicador y cineasta señaló que: “Los premios están financiando la vida de algunas personas, porque veo que se repiten. Además, estos premios son entregados sin condicionar nada; es decir, tú puedes hacer la película que quieras. El Estado peruano puede decir: estamos en el año del bicentenario, por lo tanto, las películas que se van a presentar a los premios, la temática tiene que ser de conmemoración del bicentenario de la república. Si por lo menos hicieran eso, tendríamos un bagaje de películas que se podrían pasar en la televisión, por ejemplo; por qué no pensar que la televisión es el mejor medio de presentación y difusión de películas. Pero los cineastas no piensan en la televisión, para ellos eso no existe. Ellos prefieren los festivales, la alfombra roja, los Óscar, Cannes, Venecia, o sino, el festival de Ayacucho, pero siempre que sea un festival”.

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Cine

Festival de Cine de Áncash viene presentando más de 30 películas en competencia

Conoce las diversas películas que se presenta en el festival, dirigidas y presentadas por invitados nacionales e internacionales del rubro audiovisual, artístico y cultural.

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El cine se viste de gala en Áncash y de manera semipresencial. Con la finalidad de incentivar, reconocer y difundir las obras audiovisuales creadas en nuestro país, la primera edición del Festival de Cine de Áncash viene proyectando filmes nacionales y extranjeros hasta el 18 de septiembre.

“Es momento de mostrar el cine de Áncash al mundo, será un festival hecho por jóvenes de distintas disciplinas con temas de interés para la audiencia nacional. Tendremos muchas actividades virtuales y presenciales, entre ellas un concurso de cortometrajes, conversatorios, talleres y mucho más porque vivimos orgullosos de la cultura ancashina”, señaló Cynthia Ramírez, directora del Festival de Cine de Áncash.

La convocatoria tuvo mucha aceptación entre jóvenes realizadores y cineastas independientes de Áncash y del resto del país. A continuación, presentamos los detalles del concurso de cortometrajes:

  • Los cortometrajes seleccionados, serán exhibidos del 8 al 18 de septiembre a través de la plataforma de Cinestesia      (www.cinestesia.pe)
  • Son 34 cortometrajes en competencia, 24 nacionales y 10 de la región.
  • El jurado que tendrá a cargo la elección de los ganadores en competencia será conformado por cuatro personalidades representativas del medio audiovisual, artístico y cultural, escogidos por la organización del festival.
  • Los cortometrajes ganadores se exhibirán en las salas de CineStar – Chimbote.
  • El proyecto ganador de la competencia de la región Áncash se hará acreedor de un plan de distribución y exhibición gracias a Chullpi – Cine Sur.

A lo largo del festival, se viene realizando diversas actividades dirigidas y presentadas por invitados nacionales e internacionales del rubro audiovisual, artístico y cultural. Estas actividades son:

  • Talleres formativos virtuales:
  • TALLER DE GUION PARA CORTOMETRAJES a cargo de Paola Molina.
  • TALLER DE CORTOMETRAJE COLECTIVO a cargo de Jaisia Figueroa Idrogo y Ralp León Arias
  • Conversatorios virtuales:
  • GUION Y DIRECCIÓN a cargo de Miguel Ángel Moulet
  • Conversatorio presencial:
  • CONVERSATORIO SOBRE LA DIRECCIÓN EN “EL FUGITIVO DE LOS ANDES” en el hotel Selinacon de Luis Tarazona
  • Paneles virtuales:
  • PRODUCCIÓN DE CINE con Tania Medina Caro, Miguel Barreda y Dalia Carranza.

Cabe mencionar que el festival cuenta con el apoyo de la Universidad Nacional Santiago Antúnez de Mayolo, de la Dirección Desconcentrada de Cultura de Ancash y del hotel Selina de la ciudad de Huaraz y es producido por Ari Crew en alianza con Pop Corn – Cineclub.

Este se viene presentando desde las redes oficiales del Festival de Cine y, como se ha mencionado, en la plataforma de Cinestesia (www.cinestesia.pe).

Para mayor información ingrese a www.festivalcinedeancash.com , puedes encontrarnos en redes sociales como @festivaldecinedeancash en Facebook e Instagram y comunicarte con nosotros en prensa@festivalcinedeancash.com

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Cine

Una carta desde Hiroshima, de Nobuhiro Suwa (Japón, 2002)

Lee la crítica de cine de la semana de Mario Castro Cobos.

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Habría que pensar en una carta como en la cristalización de una ausencia. La ausencia siempre es grande. Expansiva. Lo que hay que hacer. Aunque sea imposible. Sortear la ausencia. Saltar la distancia. El dispositivo carta, en tanto lo que sucede en el interior, es una materialización esforzada y delirante de lo estrictamente invisible. Se busca. La fisonomía de un sentimiento, de un alma.

Una tragedia colectiva. Pero olvidarse no es recuperarse. El más terrible estrago de la guerra. Hiroshima. Hay una humildad bonita en que la representación de lo irrepresentable sea representado precisamente por la antigua y renovada magia de las palabras. ¿Cuánto pueden las palabras?

La escena entre la emisaria del director que acude en lugar suyo a la cita -director jugando al fantasma, y disimulando (o no tanto) que lo hace- y la actriz convocada para que escriban juntos el guión de la película, es un modelo fascinante de los poderes sutiles de la actuación. La cuidadosa y atenta secuencia estáhecha por una delicada construcción de gestos de la actriz al recibir noticias de parte del director ausente, una filigrana, como si la actuación fuese un autoesculpirse en vivo, detalle por detalle.

La invitación a la actriz para el proyecto, el encuentro que casi no se produce (un clímax al borde de la nada), el claro cálculo tras de esto, tal vez todo sea para que brote una relación más pura con los hechos, desde el recogimiento de la soledad, que puede inducir la aparición de las fuerzas más elementales.

Robert Kramer ya está muerto, le dejó a Suwa una carta. La ausencia del amigo. La presencia de su carta. La lectura de su carta. La ausencia de la película que ambos… La carta cuenta entre otras cosas la experiencia del padre de Kramer, médico en Hiroshima. Su conmoción. Su incapacidad de verbalizar tal experiencia. Lo que no se puede decir, lo que es difícil decir, lo que no sabes cómo decir, haz una película.

La actriz es coreana, Kramer y su padre norteamericanos, Suwa nació en Hiroshima, su hijo también. Nadie va a sentir lo mismo, es imposible, pero cada quien podría hablar desde sí, todos podrían escucharse, respetando la diferencia, será lo mejor y más humano que se puede hacer. Contra el terrorismo de las -supuestas- verdades únicas.

Aquí la película.


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Cine

Filmación de la película Transformers en Machu Picchu genera preocupación por nuestro patrimonio arqueológico

La filmación de la película Transformers en Machu Picchu ha causado un revuelo. La preocupación se centra en que en la grabación dañe el patrimonio arqueológico. La Paramount solo paga S/ 8,000 mil soles por día de grabación. Aquí todos los detalles de la filmación en la ciudad imperial.

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En la ciudad de Cusco existe entusiasmo y preocupación porque se grabará una superproducción fílmica en el Parque arqueológico Machu Picchu. Desde hace algunas semanas estuvieron llegando impresionantes carrozas para las escenas de acción de la película Transformers: The Rise of the Beasts, sin embargo, el jefe del Parque Arqueológico de Machu Picchu, José Bastante, ha sido tajante al señalar que no permitirá el ingreso de ningún robot o equipo de filmación de grabación que dañe nuestro patrimonio.

El permiso para la grabación

El permiso para la filmación de la película viene de hace dos años atrás, donde los representantes de Paramount estuvieron eligiendo entre Brasil y Perú los escenarios para la película. Al final la producción se decidió por Perú. Las ciudades elegidas han sido Cusco y Tarapoto.

Para los permisos los directivos de la Paramount se reunieron con la exministra del MINCETUR, Rocío Barrios y con el exministro de Cultura, Alejandro Neyra. Antes de esto la aprobación pasó por Dirección Audiovisual, la Fonografía y los Nuevos Medios (DAFO) que en ese tiempo estaba como director Pierre Emile Vandoorne Romero, quien hoy curiosamente se encuentra trabajando para Netflix.

¿Por qué se permite la grabación de películas en Machu Picchu?

Sucede que el Parque Arqueológico Machu Picchu cuenta con un tarifario de servicios que es administrado por el Ministerio de Cultura. Es decir, cualquiera puede presentar la solicitud de filmar una película. Esto primero lo evalúa la DAFO y luego emite una opinión; con eso se realiza la aprobación.

En el caso de la filmación de Transformers en Machu Picchu, las condiciones han sido bastante tajantes. Ya que las grabaciones no pueden afectar las visitas turísticas. Además, se han firmado cartas de compromiso de no afectación al patrimonio.

¿Cuánto paga la Paramount por filmar en Machu Picchu?

A pesar que Machu Picchu ha sido considerada una de las maravillas del mundo, el costo que estaría pagando la Paramount para filmar Transformers, según el tarifario sería de S/ 8, 000 mil soles por día. La grabación durará ocho días, esto arroja un total de S/ 64,000 mil soles, un verdadero regalo. A esto, hay que sumarle los boletos de entrada que se pagan diariamente por el equipo de 50 personas y los dos actores: Anthony Ramos y Dominique Fishback.

Hay que señalar que el equipo de producción de Paramount esta comprando diariamente un aproximado de 200 entradas, y esto lo hace porque en el reglamento vigente una persona que compra su entrada solo puede permanecer un máximo de 4 horas en Machu Picchu. Cada entrada tiene un costo de 60 dólares, esto hace un total aproximado de 12, 000 dólares por día.

La filmación

La producción hollywoodense cuenta con los permisos del Ministerio de Cultura y con los de la Municipalidad del Cusco, por ello también se van a realizar filmaciones en la ciudad imperial, y para facilitar el desplazamiento se cerrarán calles cercanas al centro histórico.

En Machu Picchu, el jefe del Parque Arqueológico, José Bastante viene realizando una inspección permanente para que se respete todo lo estipulado. Los camiones no subirán a la ciudadela inca, tampoco se permitirá el ingreso de equipos que afecten el patrimonio arqueológico. Los lugares elegidos para las grabaciones son la Plaza Principal, Tres Portadas y Entrada a Puente Inca, los cuales por el momento no se encuentran abiertos para los turistas.

Tráileres y equipos de producción de la película se encuentran en Cusco.

Preocupación por el daño al patrimonio arqueológico

Gracias al registro del Dr. Manuel Chávez Ballón, se tiene conocimiento que, en noviembre del año de 1978, el gobierno peruano en la gestión del general Francisco Morales Bermúdez, ordenó que se retirará el monolito central de la Plaza Principal de Machu Picchu. El monolito que estuvo ubicado en medio de la plaza principal de Machu Picchu fue retirado, para permitir el aterrizaje del helicóptero que transportaba a los reyes de España Juan Carlos I y la reina Sofía. Un hecho insólito de la destrucción de nuestro patrimonio realizado por el propio gobierno.

Registro fotográfico de Eduard Ingris en la exposición de arqueólogo José Bastante.

Helicóptero de los reyes de España aterrizó en Machu Picchu.

Según la información existente, en 1989 el monolito fue removido por segunda vez; en esta oportunidad el motivo fue la reunión de los presidentes de los países que conformaban el Pacto Andino (en la actualidad CAN – Comunidad Andina de Naciones), bajo la orden del gobierno de Alan García Pérez. La finalidad también fue el aterrizaje de los helicópteros que transportaban a los presidentes iberoamericanos.

Esperemos que el Ministerio de Cultura haya dispuesto por seguridad, el registro permanente de toda la filmación hollywoodense, y al final se presente un informe para conocer si se han cometido daños a nuestro valioso patrimonio arqueológico.

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Cine

Kandahar, de Mohsen Makhmalbaf (Irán, 2001)

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Hay una textura algo ruda y abrupta —’documental’— en las imágenes de Kandahar. Lo que la hace perfecta para la realidad que retrata. Si ves algo tan áspero como gente corriendo en muletas para conseguir piernas ortopédicas lanzadas en paracaídas desde un avión —a Buñuel le hubiera encantado esta imagen— no puedes dejar de divertirte y a la vez estremecerte, y eso es lo que busca el director. ¿Pero busca algo más? El humor negro es parte del juego, y de lucidez en medio del absurdo, y, siendo acaso lo mejor de la película, no será un juego que se juegue a fondo.

Se trata de lograr una distancia que te permita ver. La decisión de hacer que la protagonista sea afgana, periodista, refugiada viviendo en Canadá, que grabe una especie de diario o carta para animar a su hermana, a quien busca con desesperación para intentar evitar su muerte. Decisión útil para un cierto equilibrio, mezclando intimidad y objetividad, cosa que elude el simplón y manipulador drama barato. Esto no es Hollywood. Esto no es cine imperialista de los colonizadores. Nada de final feliz o redondo. El personaje que comento pertenece a dos mundos, y nos sirve de puente de ida y vuelta entre ambos. Es una suerte de traductora de un universo ‘diferente y extraño’ que nos fascina, nos choca y nos cuestiona.

La situación expuesta, la odisea desorientada, seca y tortuosa, dentro de la burka, es expuesta bastante linealmente; la protagonista como puede va cruzando puntos, entre accidentes, peligro constante, personajes que son descansos, alivios, desviaciones u obstáculos, y hasta en ocasiones todo junto. Está el romántico idealista que busca a Dios y acaba ayudando a la gente haciendo de médico en contraste con la gente del lugar que tiene que ingeniárselas para exprimirle unos dólares más a quienes tengan la suerte de tenerlos en medio de ese desértico infierno.

Otra imagen que se queda clavada es la de las niñas advertidas sobre las muñecas-bomba que pueden matarlas o mutilarlas. O los niños, recitando, cantando y repitiendo pasajes del Corán. Y en medio de eso un niño saca un arma. Han pasado 20 años desde el estreno de esta película. Los talibanes han vuelto a tomar el poder. ¿Cuánto cambió la situación? La politóloga Nazanín Armanian: “El geógrafo inglés Halford Mackinder llamó Heartland ‘la región cardial’ a Asia Central, y advirtió: quien la domine dominará el mundo. Y ahora que EEUU no ha podido apoderarse de ella, planea hundirla en un estado de conflicto permanente”.

Otro texto sobre Kandahar
http://lacinefilianoespatriota.blogspot.com/2008/04/kndahar-2001-de-mohsen-makhmalbaf.html

Película
https://zoowoman.website/wp/movies/kandahar/

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Cine

Estreno. Abraza tu zapato, de Mario Castro Cobos (2021)

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Mario Castro, realizador y crítico de cine, estrena en Lima Gris —con acceso libre— su largo número once. Que es (casi nada) su quinto largo en 2021.   

Hug your shoe! (Mario Castro Cobos, Perú, 2021, 87 min). Footage “found” in archives that compose a raw yet legitimate portrait of the middle class and, moreover, the mentality of the political right wing. Unwittingly. It is a slightly fictional or a fantasy version of a “normal” family while it fades away.

Abraza tu zapato, de Mario Castro Cobos (Perú, 2021, 87 min). Material de archivo, ‘encontrado’, que compone un retrato duro pero fidedigno de la clase media, y, de paso, de la mentalidad de la derecha. Como quien no quiere la cosa. Se trata de una versión relativamente ficcionalizada o imaginada de una familia ‘normal’ en el momento de su desaparición.

Aquí el enlace para ver la película completa.

https://drive.google.com/drive/folders/1tU2jdvYliibAGhH8JH8Z1dHGL2x3-rh-?fbclid=IwAR0Hr-9XvQPkH3j7v20zYraeLQS5405xQMIhazQkrDiEwGzz0teBcRdStco

Las otras diez películas del mismo director

10. Doda Lingua en Limalandia (2021, en codirección con Karla Ramírez y Marco Ramos)

9. Convergencia (2021, en codirección con Marco Ramos)

8. De qué mierda estamos hablando (2021)

7. Ganga Narayana (2021):

6. Adentro hay un loro (2020):

5. Animales perdidos (2020):

1. Cuaderno de notas (2018), 2. Gracias por la donación (2019), 3. Descartes (2019, en codirección con Carlos Benvenuto) y 4. Agujero (2019):

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Cine

Hogar, de Jano Burmester (Perú, 2021)

La crítica de cine de Mario Castro Cobos sobre el documental “Hogar” del cineasta peruano Jano Burmester.

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Pequeña pregunta. ¿Qué fue aquello que se perdió en el camino… en el camino de la vida de cualquiera? De ti, de mí, de todos. Quieras o no quieras. ¿Hay manera de saberlo? Quién sabe. Lo que sí. Hay maneras de intentar saberlo.

La búsqueda. De todas maneras obsesiva, del propio yo… (bienvenido al infierno). Que incluye una multiplicidad de contradicciones de vértigo: la búsqueda puede ser (o parecer) abarcadora y autista, generosa y mezquina, sublime y ridícula, luminosa y confusa, trascendental y banal, necesaria e imperativa para quien la practica… incluso a pesar suyo, y, anecdótica, curiosa, entretenida, y rara… o ni tanto… o todo lo contrario, y —qué miedo o a mí qué me importa— contingente para los demás. Y desesperante y frustrante para uno. Esquizofrenia entre plenitud y vacío.

Pero la compulsión manda. Hay un algo, qué duda cabe, ineludible, que es… entre admirable y vergonzoso —y de veras arriesgado— en la enunciación misma de la primera persona en singular, cuando la cosa se plantea mínimamente en serio.

Separaciones, fusiones y confusiones fructíferas. El mayor interés de la película no está, sin embargo, en las imágenes que saltan por diversos espacios y tiempos, o en los diferentes diálogos con seres familiares o extraños, sino en cómo todo eso se concentra en el propio protagonista (definido en cierto modo por el ansia y la angustia). O, mejor dicho, en el personaje que crea. En el yo que se rebusca para repararse y reintegrarse (ante una ausencia o insuficiencia de sentido).

Personaje. Notablemente obsesionado en franco ‘estilo adolescente’ consigo mismo, con su pasado, con un agujero en el centro de su identidad, y, en consecuencia, con la tentación/tentativa de reconstitución (encantadora, mágica, imposible) de un paraíso perdido (en 8mm) que, aunque lo embriague y lo arrebate y lo succione con su imagen idílica, descubre también (aunque no termina de meter el dedo hasta el corazón palpitante de la llaga) regiones oscuras, inquietantes, ante las que ni la sola inocencia ni la pura obsesión bastan.

A la persona-personaje, en estado de entusiasmo constante; un ser emotivo, frágil, adicto a mitologías románticas y (con)sagrados valores burgueses, se le podría reprochar fácilmente (demasiado fácilmente, y salvadas las distancias) lo que una vez escribió Jonathan Rosenbaum sobre el cine de Brakahge; su indiferencia social ya que casi no salía del círculo de ‘mi mujer, mi casa, mi perro’. Uno podría, más suavemente, acusarlo cariñosamente de una suerte de narcisismo benigno.

Pero también, o igual, y hasta mejor, podrías voltear la acusación, acusando al cine ‘del otro lado’ de ser básicamente cobarde, acomodaticio y miserablemente impersonal, arrodillado crónicamente, sin pena ni gloria, ante las exigencias —no precisamente llenas de un deseo de exploración e innovación artísticas— del maldito mercado. ¿Industria cultural por encima de la autonomía de la expresión individual, consustancial a la democracia y al progreso (no se rían)? ¿Y qué queda del arte, entonces (tampoco se rían)?

En resumen. Esta película no penetra mares abisales para devolvernos animales fantásticos pero valoro su sinceridad y su afán de búsqueda.

Nota. Tal vez mis imágenes favoritas son dos. Los ex submarinistas como niños pasando la mano por sus antiguos juguetes. La anciana en silla de ruedas, del parque a la torta, celebrando la vida.

En contra. El plano Dios, Patria & Familia. Plano admirativo y acríptico de un poder fáctico uniformado.

Final. El hogar buscado es el arte, el cine, la ficción, la obra, el juego discursivo (la investigación existencial) con las irrenunciablemente ambiguas y complejas imágenes.

El hogar es la honestidad de la incertidumbre que vive en las preguntas siempre abiertas.

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