«Arte desde la emergencia» muestra de egresados de pintura de la PUCP

El 24 de enero se inauguró la muestra ARTE DESDE LA EMERGENCIA, exposición de egresados de pintura de la Facultad de Arte y Diseño PUCP, en la Galería del ICPNA San Miguel.

En la muestra los egresados de la PUCP de la especialidad de pintura que participan son Nataly del Carmen Salazar, Yaniré Ccerhuayo Calderón, Juan Carlos Sánchez Sabogal, Sibboney Gómez Sócola, Gabriela Fernández-Concha, Pablo Fernández Grandez, Luciana Espinar Protto, Marisol Díaz Gonzales, Maria Jimena Lahura Rios y María Alejandra Rosales.

Lima Gris llegó hasta la muestra y conversó con Alonzo Costa, coordinador de la Especialidad de Pintura de la Facultad de Arte y Diseño Pucp. También con Jaime Romero, pintor y docente. Además, entrevistamos a algunos artistas participantes.

Aquí la nota de nuestra cobertura.

Entrevista con Alonzo Costa.

¿Cuál es la importancia de esta muestra para la Facultad de Arte de la PUCP?

La importancia de la muestra es que damos a conocer a un grupo de artistas que ya egresaron el año pasado y, con esta exposición, se están dando a conocer en los espacios culturales. Es su primera exposición como profesionales. Es una muestra en donde cada uno hace una propuesta diferente con temas que son de nuestros tiempos y sociedad, temas sensibles. Ellos expresan una visión como artistas no solo visual o estética sino social.

Es interesante porque esta muestra tiene un poco de todo: diversos formatos, técnicas, hiperrealismo por un lado, por el otro hay técnicas de papel y tejido crochet. Se muestra la variedad que tiene el alumnado de la PUCP

La técnica está totalmente supeditada a la propuesta de cada uno de los alumnos. En sus años de formación experimentan con diversos tipos de materiales y luego, a partir de un tema que proponen en los dos últimos años, ellos ven la técnica idónea, el formato o la dimensión de esta técnica que pueda expresar su verdadera magnitud.

Entrevista con Gabriela Fernández.

Háblanos sobre tu obra. Según veo es una técnica mixta…

Sí, es una técnica mixta: dibujo de lápiz sobre papel con tejido de crochet que yo los hice. El proyecto comenzó como un homenaje a mi abuela porque ella ha tejido mucho. Entonces sentí que las figuras femeninas de mi familia tenían este ejercicio manual muy presente. Mientras lo iba construyendo, lo relacionaba con el mar ya que tengo un fuerte vínculo con él. Pero fui descubriendo que hablaba más sobre mí que sobre mi abuela, sobre mi familia y ese legado, el mar y también con el tejido.

Tu soporte es totalmente diferente porque a veces se discute el hecho de saber qué es pintura y qué no. Entonces, ¿cuál es tu forma de ver la pintura?

Es un poco diferente estando en una facultad con una especialidad de pintura pero últimamente se aceptan muchas técnicas y el arte contemporáneo ha ayudado bastante. Siempre es bueno experimentar nuevas técnicas.

Imagino que tendrás planes. ¿Qué se viene luego de la PUCP? El hecho de salir de la facultad significa exponer tus trabajos a la crítica misma.

Seguir trabajando, experimentar y ya veremos qué sigue luego.

¿Algún maestro o artista peruano o extranjero del que estés atenta a sus trabajos?

De hecho, en la facultad tenemos muy buenos profesores que también son artistas como Eduardo Tokeshi o Rhony Alhalel. Son para nosotros la primera inspiración.

Entrevista con Juan Carlos Sánchez Sabogal.

Juan Carlos, ¿el hecho de hacer hiperrealismo en tiempos donde lo conceptual está bastante posicionado de alguna forma es insistir en la tradición?

De cierto modo, porque siempre me interesó bastante lo académico. También por el hecho de estar metido en el taller. En estos tiempos es problemático. Estar en las redes sociales hace que el trabajo se complicado. Regresar al taller es una tarea que todo artista debería tomar. Para mí es importante porque se trata de estar alejado otra vez. Estar cerca a nuestro ser que está muy alejado en esta época.

Una de las cosas básicas que todo artista debe saber es dibujar. A muchos artistas les cuesta eso pero veo que tu tienes mucho talento. ¿qué buscas expresar con estos rostros?

Arrugas y Superfluo fueron proyectos para encontrar a estos seres que estaban abandonados en asilos. Por eso me tomé la molestia de reencontrarlos con sus familiares. Fue una tarea difícil pero la universidad me dio los permisos. Ellos ahora son prácticamente fantasmas y yo los presento aquí gigantescos porque me pareció importante recordar lo fundamental de la familia y sobre todo las cabezas de ellas, la tradición, la cultura, y lo que pueden brindar a las nuevas generaciones. Es importante rememorarlos.

Veo también que hay un tema social. Hablando de la belleza. Ésta se encuentra en todos lados, ¿verdad?

Siempre ha estado presente en mi trabajo y por medio de estas arrugas, estos planos, todas estas dimensiones que creé a través del volumen encuentro una belleza particular. Cada uno tiene mucho qué decir a través de la piel. Cada textura, cada lunar nos cuenta una historia. A través de ella vemos la línea de tiempo de su vida.

¿Qué opinas sobre el arte conceptual?

A mí me encanta particularmente. Hago lo mío por interés propio, por necedad, terquedad, seguir mi rebeldía. Es mi gran maña. Estoy involucrado en esto desde niño. Hacer lo que siempre quise hacer y me mantengo al tanto.

Pero eres consciente que las galerías buscan otra cosa

Mi trabajo no está enfocado en satisfacer a una galería. Yo quiero expresar una realidad social y es importante hablar de esto a través del arte.

Entrevista con Yaniré Ccerhuayo Calderón.

Yaniré, háblanos de tu trabajo, sobre este tríptico que estas presentando…

Este tríptico es en realidad una acuarela con tres cuerpos. Cada uno de ellos es una acuarela enmarcada dentro de un trabajo que yo he realizado de investigación a nivel plástico y también investigación teórica sustentada. Yo suelo trabajar con escenarios y utilizando técnicas mixtas, dibujo y pintura. Esto dentro de un tema de investigación sobre juegos y ejercicios de poder entre las relaciones humanas justo para evidenciar que son situaciones en las cuales cada uno de nosotros puede verse inmerso.

¿Los tres son acuarelas?

Sí, miden 3,50 metros por 1,90 metros con el marco. Son acuarelas en formato grande sobre tela. Hay un escenario que está atravesando todo el proyecto que yo misma he compuesto. Yo suelo trabajar con fotografía, registros, maquetas en pequeña escala a un nivel experimental. En este caso, la maqueta consta de varias sillas. En base a ello voy componiendo los escenarios y las situaciones que se ven evidenciadas en estos tres cuadros.

Siempre escucho que ha muchos artistas les cuesta ‘cocinar’ el color pero tú lo manejas muy bien. ¿Qué tiempo le has dedicado a la exploración del color?

Para mí, tanto el color como el dibujo son fundamentales. Son etapas de mi trabajo. Yo suelo hacer muchos dibujos antes de llevarlos a un formato más grande. En cada uno de mis proyectos, no solamente a nivel plástico, sino a nivel gráfico publicitario. Todo lo que he desarrollado parte del dibujo. En este caso el corazón del trabajo está marcado por el dibujo y por el escenario. El color es un interés personal que he desarrollado a la par con el dibujo. Porque es muy difícil llevarlos a la par. En mi proceso artístico siempre intento llevar las dos cosas de la mano y con los escenario ya serían tres cosas.

Siempre hay una competencia sana entre Bellas Artes y La Católica. ¿Consideras que tu promoción dará de qué hablar?

Sí, hay propuestas que se manifiestan adversas en esta posición. Definitivamente, pienso que la existencia de las escuelas de arte en el país suma. Es bueno que las corrientes de estas escuelas sigan desarrollando sus líneas. Depende de los integrantes de las promociones de las escuelas. Yo he visto que hay una corriente muy fuerte a nivel local e internacional con las expresiones como el dibujo y pintura que quedan relegadas. Depende del artista si las mantiene. En mi caso, pienso que mi trabajo revalora el dibujo y la pintura.

En una entrevista, Luis Lama dijo que muchos artistas jóvenes se prostituyen para vender. Es decir, las galerías marcan las pautas para el negocio.

Él hace estas declaraciones en base a una realidad que es palpable. Por un lado, están las galerías, el circuito. Por el otro, la producción artística. y finalmente está el artista. Pienso que cada artista sabrá, en base a sus intereses personales, a qué dar prioridad. En este caso, desde el principio he tratado de ser fiel al proyecto. Hasta ahora no he tenido algún tipo de inconveniente. No he estado ni estaría en la situación de traicionarme como artista.

Entrevista con  Jaime Romero, pintor y docente.

Jaime, siendo tú el profesor ¿aquí están los alumnos más destacados?

La promoción es más grande pero la sala no daba para más. Posiblemente los restantes alumnos expongan luego. Sería ideal que toda la promoción muestre. A veces no se puede por los espacios que hay. Yo he sido profesor en el tercer año y luego ellos avanzaron con otros profesores.

Es interesante los formatos que manejan los alumnos. Ha habido total libertad en ese sentido, ¿no?

Claro, esa es una de las características y fortalezas de la universidad. Cada artista y persona es formado de acuerdo a su lenguaje. Cada uno tiene su forma de expresarse, de ser el cronista de su época pero todo en una misma escuela.

Se cree que La Católica apuesta por el arte conceptual. ¿Es una realidad o mito?

Creo que todos los artistas se inclinan por el arte conceptual pero acá hay un poco de todo, no solamente conceptual. Esa es la riqueza, que cada uno maneje su lenguaje. Luego cada de uno de ellos derivará en el arte conceptual.

¿Hasta cuándo va la muestra?

Va a durar 15 días. Ojalá pudiera durar más. Es tanto trabajo para mostrarlo en poco tiempo.

Ese es otro problema: el espacio. ¿cómo trabajar eso?

Lo ideal sería que haya más galerías. Sobre todo, galerías culturales que dan más espacio y son una vitrina para mostrar el arte joven que tenemos.

Como profesor, ¿confías en la gestión que pueda hacer Salvador del Solar?

Espero que pueda llevar a buen puerto lo que es el arte. Hubiésemos querido que sea una persona más entregada a lo que es artes plásticas ya que él está en el arte de las tablas, pero le deseamos una buena gestión de todas formas.

La exposición podrá visitarse hasta el 18 de Febrero de Lunes a Sábado de 11:00 a.m. a 8:00 p.m.

Visitas guiadas y actividades: sábado 11 de febrero a las 5pm