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Escultura

LA ATLÁNTIDA NO ESTÁ PERDIDA: Escultura Subacuática de Jason deCaires Taylor

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LA ATLÁNTIDA NO ESTÁ PERDIDA

Jason deCaires Taylor

Por Edwin Cavello Limas


Obras exhibidas en el Underwater Art Museum del Parque Nacional Marino de Cancun, México


Antes de leer esto  toma aire, que nos sumergiremos al mundo de Jason deCaires Taylor,   un artista  con un fuerte amor por la naturaleza, sin duda, pasar su infancia en los arrecifes de coral de Malasia, marcó su vida alimentando esa sensibilidad que con el tiempo se convertiría en una fuerte pasión, hijo de padre Ingles y Madre guayanesa, creció entre Europa y Asia, su relación con el mar fue profunda en todo sentido, trabajó como instructor de buceo,  descubriendo la belleza submarina; la vena artística estaba despertando, primero desarrolló fotografía subacuática, luego dio un salto al grafiti, donde se notaba fuertemente el interés por el arte y su preocupación por el medio ambiente.

Después de distintas experiencias trabajando en espacios públicos, sucede lo que ya nadie podía detener, ingresa   al Instituto de las Artes de Londres y se gradúa  en  1998,  con una licenciatura y Mención de Honor en Escultura y Cerámica. No conforme con esto se instala en la catedral de Canterbury alimentándose de una gran experiencia, ahí  aprendió  las técnicas tradicionales de talla de piedra.

Su gran proyecto que comenzó en su infancia, tiempos que soñaba despierto, jugando sumergido, acariciando la tibieza de la profundidad del mar, sale a flote  en el 2006, crear arrecifes artificiales era el grito que por mucho tiempo se escuchaba en las profundidades, es así que  creó el primer parque de escultura bajo el agua en Granada, Indias Occidentales;  actualmente Taylor es  fundador y Director Artístico del Museo Subacuático de Arte (MUSA) en Cancún, México.

La obra de Taylor, tiene ese misterio de un reloj de arena,  juega con el tiempo recreando un mundo submarino, una Atlántida perdida, compuesta  por cientos de esculturas; diversas expresiones y situaciones que cautivan por su belleza natural, seres petrificados que duermen  un profundo sueño. Taylor saca provecho de la magia del mundo acuático,  que despierta en las esculturas un espíritu divino, una alanza a los dioses; todo va cambiando bajo el agua, todo se transforma, las esculturas sufren una metamorfosis que le da personalidad, con ayuda de peces, moluscos y todo ser microscópico  que conforma ese  ecosistema, se  va construyendo una “Evolución silenciosa”.

Alejado de las salas de las galerías de arte, la genialidad  de Taylor se humedece, para utilizar un nuevo espacio, proponiendo algo nuevo, dando un respiro esperanzador, alejándose de paradigmas clásicos; Taylor con su obra dispara un mensaje contundente, este mundo es de todos y hay que cuidarlo.

EL DATO

Este museo subacuático, también llamado MUSA, consta de 4 instalaciones: La Jardinera de la Esperanza, Coleccionista de los Sueños, Hombre en Llamas y The Silent Evolution (La Evolución Silenciosa), que contienen cerca de 403 esculturas, las cuales ocupan un área de 420 metros cuadrados y en conjunto tienen 180 toneladas de peso.

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Cultura

Felipe Escalante Chuñocca: 25 años de creación, arte y cultura

El escultor peruano inaugurará el 11 de noviembre una nueva individual en el Centro Cultural de Ate-Vitarte.

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El reconocido artista Felipe Escalante Chuñocca, presentará una nueva exposición individual titulada 25 Años de creación Arte y Cultura. El escultor celebra más de dos décadas de egresado y medalla de plata de la Escuela Superior Nacional de Bellas Artes del Perú (1996) en la especialidad de Escultura.

El escultor Escalante Chuñocca, reúne en su individual 25 obras ejecutadas y realizadas a lo largo de sus años, muchas de estas obras pertenecen al autor y otras a coleccionistas privadas, ha utilizado diversos materiales como piedra, madera y piedra reconstituida. La exposición se inaugura el jueves 11 de noviembre del 2021 a las 4:00 pm, en el Centro Cultural de Ate-Vitarte (Km 7.5 de la Carretera Central).

25 Años de creación, Arte y Cultura, gira en torno a los fundamentos personales del escultor, quién desde que ingresa a la Escuela de Bellas Artes (1991) —seis años de estudio en esa época—, su quehacer escultórico, como aspiraciones estéticas y técnicas, presenta la evolución desde su formación y sus procesos. Desde el plano personal su influencia a las vivencias criollas unidas a la sensibilidad y emociones en relación con la creación artística, siempre inmerso en ese proceso de investigación constante, donde lo practicado es fruto de lo aprendido y viceversa. Dentro de los espacios de su taller, muestra una gran variedad de bocetos tridimensionales, técnicas, procesos y materiales que emplea, que le permite plasmar a través de sus obras sus ideas, proposiciones y pensamientos, estructurándose como lenguaje que requiere de los medios técnicos adecuados, de un conocimiento previo del idioma empleado, cada una de sus obras, llevan un aspecto técnico, estético y cultural” menciona Rina Zamalloa, Gestora Cultural.

Escalante ha sido docente en la Escuela de Formación Artística Francisco Laso en Tacna y en la Escuela Superior Nacional de Bellas Artes del Perú en Lima, desde el año 1999 a la fecha trabaja en el Banco Central de Reserva del Perú en el Departamento de Diseño de Monedas y Medallas. Ha recibido diversos premios, condecoraciones.

El ingreso a la exposición es libre y permanecerá abierta al público hasta el viernes 10 de diciembre.

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Cultura

Emblemática escultura del “Petiso” fue retirada por la Municipalidad de Lima

La escultura del “Petiso” del artista Humberto Hoyos fue retirada de la Plazuela Pérez Araníbar. La Asociación de Artistas Plásticos del Perú mediante un comunicado solicitan a la Municipalidad de Lima que la escultura se instale nuevamente en su lugar.

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Escultor Humberto Hoyos, obra el "Petiso" y alcalde Jorge Múñoz.

La Municipalidad de Lima retiró la escultura del “Petiso” que formaba parte del patrimonio monumental de Lima. La obra dedicada al niño fallecido estaba ubicada entre la intersección del jirón Conde de Superunda y el jirón Camaná, frente al Convento de Santo Domingo en el centro histórico de Lima.

El sábado 23 de octubre, trabajadores encargados de la remodelación de la Plazuela Pérez Araníbar, quitaron la escultura con su base y solo atinaron a mencionar: “hay una orden de retirarlo”. Cuando se les preguntó si el Petiso iba a retornar al lugar, no hubo respuesta.

Los trabajos vienen siendo realizados por PROLIMA. La escultura ya no se encuentra en el lugar.

La escultura en bronce fue realizada por el escultor peruano Humberto Hoyos Guevara en 1984, luego de enterarse de la trágica muerte de un niño en 1993. El menor de edad era conocido como “Petiso” por sus compañeros y trabajaba como lustrabotas en la Plaza San Martín. Una noche de llovizna el pequeño de aproximadamente 7 años buscó refugio en una de las cajas reflectoras de la plaza pero el cableado estaba expuesto y mientras dormía el niño chocó con sus pies los cables eléctricos y falleció electrocutado. Al día siguiente se encontró el cuerpo pero nadie lo reclamó.

El artista Hoyos Guevara en su taller creó la obra del Petizo que en un primer momento participó de un concurso en la Galería Forum pero la obra no ganó ningún premio o mención honrosa. Luego de eso la escultura fue parte de la primera exposición individual del escultor en la Galería Sol. Ese momento fue clave, ya que se hizo público el monumento del Petiso. “En ese acto la intención era recuperar su espíritu”, menciona el artista.

La obra dio un salto a las páginas de la prensa, fue así que el exalcalde de Lima Alfonso Barrantes Lingán adoptó la escultura en 1984; para la recepción se hizo una ceremonia donde estuvo presente Henry Pease y Barrantes. “El Petiso fue recibido por las autoridades de la Municipalidad de Lima, desde ahí viene un poco el respeto. Para hacer la escultura la municipalidad pagó la fundición, yo no cobré un centavo, no era mi intención hacer negocio”, comenta Humberto Hoyos.

Emblemática obra del escultor Humberto Hoyos.

Curiosamente el creador de la escultura vive solo a tres cuadras del jirón Conde de Superunda y el jirón Camaná.  Cuando se acercó a preguntar dónde será trasladado el monumento, no tuvo respuesta por parte de los trabajadores. La preocupación del artista Humberto Hoyos radica en que también ha sido retirado el pedestal, una señal que indicaría que la escultura no volverá al lugar.

Ante lo sucedido, conversamos vía telefónica con el escultor Humberto Hoyos, él nos señaló: “En ningún momento PROLIMA se comunicó conmigo. Eso que algunos de ellos me conocen. En una oportunidad les dije que, si tienen que hacerle alguna intervención a mi Petiso, que por favor me avisen y me pidan participación. Y eso lo dije porque lo que están haciendo con otros monumentos a mí no me gusta, esa no es la técnica. Yo voy a aplicar la verdadera técnica como experto para obtener la recuperación. Lamentablemente el sol a reventado el barniz y está carachoso”.

El escultor toca un punto importante sobre los trabajos en restauración que viene realizando la Municipalidad de Lima. Estos trabajos lamentablemente no usan la técnica adecuada para la recuperación de esculturas y monumentos. Pero lo sorprendente es que la empresa Qhapaq Ñan S.A.C cobró un millonario contrato de S/. 1,495,000.00 de soles, por el Servicio de Restauración de Monumentos Emblemáticos en el Centro Histórico de Lima. Es decir, casi 1 millón y medio de soles. La empresa mencionada tiene como Gerente General a Erika Lorena Anticona Peche. Curiosamente esta misma empresa tiene otros jugosos contratos con distintas instituciones del gobierno. Sin duda, un tema de interés público que será abordado en otro informe.

Fuente: OSCE.

El retiro de la escultura resulta penoso para el artista Humberto Hoyos, ya que con la obra del Petiso inició de su carrera escultórica. Pero a unos metros del Petiso también se encontraba otra escultura que fue retirada, se trata del busto de Augusto E. Pérez Araníbar, recordado médico y filántropo que gestionó grandes obras de alcance social como director de la Sociedad de Beneficencia Pública de Lima.

Para el maestro Humberto Hoyos, la Municipalidad de Lima debe corregir estos hechos: “Las esculturas tienen que volver. Busquemos la forma de poder resarcir para continuar gozando de la tranquilidad social, artística y cultural en beneficio de Lima”.

Busto también fue retirado de la plaza que lleva su nombre.

La Asociación de Artistas Plásticos del Perú “Trascenderes” publicó un comunicado donde se lee: “La Asociación insta a las autoridades que una vez terminada la remodelación de la Plazuela, instale nuevamente dicha escultura en su lugar de origen. También pide a la comunicad estar atentos a dichos pedidos”.

Conversamos con Florentino Díaz, regidor de Cultura de la Municipalidad de Lima, y nos informó que se comunicó con PROLIMA, y le señalaron que la escultura del Petiso se encuentra en restauración y lo van a reponer apenas concluyan la recuperación de las calles del sector de Conde de Superunda. No hay una fecha fija para su retorno, y esto debido a que los restauradores y conservadores tienen procedimientos especiales.

Regidor de Cultura Florentino Díaz.

Esperemos que la escultura del Petiso regrese a la plazuela. Ojalá que la gestión del alcalde Jorge Muñoz no cometa un nuevo error desterrando y ocultando las dos obras antes mencionadas.

Ministerio de Cultura

Para el artista Humberto Hoyos el MINCUL en este momento se encuentra sumergido en un proceso de inoperancia debido a los continuos cambios de ministros.

“El Ministerio de Cultura ha sufrido una especie de “desorden”, porque hubo cambios y recambios. Con esa política no se puede hacer ni esperar nada. El Ministerio de Cultura no está ensamblada como para atender estos asuntos minúsculos pero que no dejan de ser importantes. Si se tiene que pronunciar el MINCUL, tendría que ser señalando que se respete el patrimonio monumental de nuestra ciudad de Lima. Otra cosa, para el bicentenario no se ha hecho lo que se tendría que hacer en el tema de monumentos escultóricos representativos y alegóricos”, expresa el artista.

Además, cuando fue consultado si alguna vez el Ministerio de Cultura lo convocó por su gran experiencia, el maestro Hoyos Guevara mencionó: “Nunca. Porque incluso cuando nos acercamos con la Fundación Víctor Humareda para colocar un busto mío de Humareda en calidad de donación para el espacio del Ministerio de Cultura, no nos aceptaron, cruzamos cartas y oficios, pero nunca se hizo efectivo. Al final, esa escultura de Humareda lo tienen en el Museo de Guayasamín en Ecuador”.

La realidad es que el Ministerio de Cultura desde su creación no cumple con una de sus principales funciones: realizar acciones de conservación y protección del patrimonio cultural. Esperemos que la viceministra de Patrimonio Cultural Claudia Ruiz, se pronuncie sobre lo sucedido con las esculturas del centros histórico de Lima.

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Cultura

Ministerio de Cultura autorizó el retiro de la escultura de Francisco Bolognesi

La escultura de Francisco Bolognesi será reemplazada por un héroe abatido.

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Foto: Diario Expreso.

Una nueva decisión del ministro Alejandro Neyra ha desatado la polémica en el Congreso de la República, ya que el Ministerio de Cultura pretende retirar la escultura de Francisco Bolognesi que se encuentra en la plaza que lleva su nombre.

La actual escultura de Francisco Bolognesi, fue realizada por el artista Alberto Ocaña, quien representó a un héroe con el pecho y el símbolo patrio en alto. El retiro de la obra fue solicitado por el alcalde de Lima, Jorge Múñoz, quien pretende colocar a un Francisco Bolognesi abatido. Este reemplazo que se busca justo a pocas semanas de celebrar el bicentenario del Perú, despertó fuertes críticas en el Congreso de la República.

Según lo publicado por el diario Expreso, “Se intenta reubicar una obra realizada en 1905 por el artista español Agustín Querol, la cual ganó un concurso convocado por el gobierno peruano de entonces. Esa obra fue removida durante el régimen del dictador Manuel Odría, luego de años de críticas”.

En tiempos donde existen otras prioridades de vida o muerte, a los funcionarios de las gestiones de Jorge Muñoz y de Alejandro Neyra les parece que esta es una prioridad para el país.

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Arte

Convocatoria La Fabrique: Residencias para artistas en la Alianza Francesa

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La Alianza Francesa de Lima invita a artistas, investigadores y colectivos de las artes escénicas y visuales, nacionales y extranjeros residentes en el Perú, a participar en la convocatoria de LA FABRIQUE, Residencias para artistas AF 2020. Podrán presentar su proyecto hasta el 15 de noviembre enviado a: z.rodriguez@alianzafrancesa.org.pe Charla informativa 22.10 a las 6:00pm vía Facebook /afculturalima

La residencia: La Alianza Francesa de Lima, entre sus múltiples iniciativas en apoyo a los artistas y a la cultura en general, y más aún en el actual momento de crisis sanitaria, ha decidido lanzar un programa de Residencias para Artistas AF 2020, que consiste en la acogida de 10 proyectos artísticos en 10 salones de clase que por el momento están vacíos por la crisis sanitaria. Las residencias para artistas se desarrollarán en su sede de Miraflores.

Con el fin de impulsar la creación artística y reflexionar sobre la importancia del arte en la sociedad, la Alianza Francesa de Lima abre sus puertas a artistas de distintas disciplinas y se convierte en un laboratorio de creación de las artes escénicas y visuales. Así, LA FABRIQUE será un centro de creación, de formación y de difusión para artistas, colectivos artísticos, compañias, autores y compositores nacionales o extranjeros residentes en el Perú, en el cual no solo se beneficiarán de espacios para trabajar a lo largo de 3 meses, sino de un acompañamiento profesional.

LA FABRIQUE será un laboratorio de experimentación, en donde los artistas podrán investigar y crear sin las presiones de producción de resultados o productos terminados; en LA FABRIQUE se les da mayor importancia a los procesos de creación, a la reflexión, al intercambio y la discusión, así como a la exploración.

Los salones estarán a disposición de las y los artistas entre el 30 de noviembre al 20 de febrero de 2021, y contarán con servicio de Wifi. Asimismo, se habilitará una zona ventilada para el encuentro entre artistas, un lugar en el que se pueda almorzar y compartir experiencias y visiones.

Beneficios para las y los artistas: Durante los tres meses de residencia, los artistas serán parte de un programa de acompañamiento profesional, gracias a una serie de encuentros y conferencias como:

Residencias para artistas en Francia, Becas de posgrado para estudiar en Francia, Funcionamiento de los Centros Regionales de Arte en Francia y otras instituciones públicas dedicadas al arte, Funcionamiento de los Teatros Nacionales, Escenarios Nacionales, Centros Coreográficos Nacionales y Centros Dramáticos Nacionales, Centros de Documentación para las Artes en Francia, Charla: Arte, cultura e industrias culturales, establezcamos las diferencias, Estrategias para la comunicación, ¿cómo armar un dossier artístico que impacte?, Otras asesorías de acuerdo a los perfiles de las y los artistas residentes.

Informes y presentación de proyectos: Para resolver consultas y enviar los proyectos:  z.rodriguez@alianzafrancesa.org.pe 

Aquí un comentario del director de la Alianza Francesa, Nicolás Mezzalira, sobre la convocatoria para la residencia de artistas.

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Arte

Cultura sin respirador artificial

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Con la reciente emergencia se desnuda, una vez más, la enorme precariedad del sector cultura en nuestro país. Es cierto que la pandemia ha sido un tremendo golpe a los que trabajan en el área del arte, cultura y espectáculos a lo largo del mundo. La diferencia radica en cómo se viene abordando desde el sector público de cada país el apoyo y reimpulso a la actividad, donde el Perú se encuentra a la zaga, incluso en la región, por no decir inexistente.

La última cereza del pastel es la reciente revelación de las observaciones de la Contraloría General de la República al Ministerio de Cultura, en referencia al listado para el bono de apoyo a artistas y gestores culturales afectados por la pandemia, y que solicitan subsidios monetarios, dónde según el ente de control gubernamental: no se identificó que la Dirección General de Industrias Culturales y Artes, haya hecho uso de su sistema de información cultural o haya empleado el registro de personas naturales y jurídicas que administra y supervisa para verificar y filtrar la información recibida por los particulares.

Una acusación grave, porque con casi diez años de existencia, lo menos que se podía exigir al ente rector de la cultura en el país es que se contara con una base de datos confiable del sector a nivel nacional. Ahora se anuncia la creación de una Unidad de Estudios Económicos para llevar a cabo la tarea, pero independientemente de la nueva oficina, era obligación de las direcciones existentes el llevar adelante este recojo y renovación de información permanente en sus diversas áreas, establecida en el propio Reglamento de Organización y Funciones. Por lo demás, y gracias a la cooperación internacional, en el pasado se pudo sacar adelante importantes iniciativas informativas como el Atlas de Infraestructura y Patrimonio Cultural de las Américas, y la Plataforma de Información Estadística Infocultura.

Ahora se pide la cabeza de la ministra, como si un enésimo cambio de titular en el sector en lo que va de este gobierno, pudiera significar algo nuevo y mejor, y no más de lo mismo. Y no faltan, como siempre, los que claman por el cierre del Ministerio, olvidando lo que fue en su momento el maltratado Instituto Nacional de Cultura.

En realidad el problema de este Ministerio es estructural, y está más allá de las personas que estuvimos allí. Tiene un problema de origen, en las postrimerías del segundo gobierno de Alan García, creándose más por razones de figuración política del mandatario, que en respuesta a una política cultural organizada, que no existía. Por eso en la práctica fue un cambio de nombre y rango del INC, al que se agregó el viceministerio de interculturalidad, por la iniciativa de legisladores nacionalistas, aunque con el mismo presupuesto de la anterior entidad.

Para el Estado la cultura siguió siendo algo accesorio, dedicado a administrar el patrimonio y vivir del mismo, como lo reveló la propia ministra en referencia a los ingresos de Machu Picchu en su última intervención virtual con el Congreso, y tratar de gestionar actividades y concursos en diferentes sectores artísticos. Cualquier iniciativa chocaba con la invariable resistencia del MEF, uno de cuyos funcionarios mencionó alguna vez “que de cultura nadie se muere”. Pero también con la propia dinámica de un estado fraccionado, donde Promperú por ejemplo podía disponer ingentes cantidades de dinero para promover la marca Perú con artistas escogidos a dedo, saltándose por encima cualquier esfuerzo del Ministerio de Cultura por formalizar la relación del sector. Agréguese a lo anterior la situación de enorme precariedad de las direcciones culturales en las regiones, con la notoria excepción de la cusqueña, y la escasa o nula coordinación (cuando no rivalidad) con las oficinas y departamentos de cultura en los gobiernos regionales y municipales.

El Ministerio de Cultura debió ser el ente rector de la cultura a lo largo de todo el territorio, y no superponer funciones ni acciones, buscando optimizar y potenciar los escasos recursos disponibles, propiciando la participación más abierta de todos. Pero una cierta tendencia economicista, que se acentuó en los últimos años con todo el discurso marketero de la “economía naranja” promovido por el BID, privilegió la acción en las industrias culturales –como si ya estuvieran consolidadas en el país- centrándose en los intereses y necesidades de los productores, obviando a los otros actores y trabajadores del sector. Eso se evidencia en la negativa a abordar, e incluso disminuir, los derechos laborales de los trabajadores audiovisuales en la nueva Ley de Cine, y el abandono de las mejoras de la Ley del artista. No extraña por ende que después no se tenga la data de sectores invisibilizados, y se tenga que recurrir a una empresa para obtenerla, no obstante contar con un Registro Cinematográfico (así como lo había también de los Puntos de Cultura) desde antes de la creación del Ministerio. La cultura antes de ser empresas, logos y obras, son personas de carne y hueso que lo hacen posible, como esta pandemia lo demuestra.

Ministra de Cultura, Sonia Guillén.

No deja de ser llamativo que a pesar de haber incrementado su presupuesto en estos años, por ejemplo, la Dirección del Audiovisual, la Fonografía y los Nuevos Medios (DAFO) del Ministerio no cuente a la fecha con una base de datos de todas las películas peruanas realizadas con o sin presupuesto público, con sus fichas técnicas y artísticas completas como las que se ponen a disposición, de acceso público, en otros países de la región. Tampoco que se pueda disponer de un archivo de películas nacionales para ponerlas en red, lo que fue evidenciado en la cuarentena. Tal vez eso explique la resistencia de tantos años al tema de la Cinemateca Peruana, porque siempre es más cómodo y seguro seguir administrado lo existente antes que arriesgarse a lo nuevo.   

El Ministerio de Cultura requiere un cambio radical. No es solo más presupuesto, que es necesario e imprescindible, sino un giro en sus planes y metodologías, en todas las áreas (para no hablar de lo que sucede en las de Patrimonio o Interculturalidad, cuya ausencia, más allá de lo retórico, sobre la situación de las comunidades indígenas en la selva es alarmante). Por supuesto que nadie esperaba un evento como el Covid19, sin embargo su capacidad de respuesta ha sido tan lenta, cuando no burocrática, que exasperó con justa razón a los desesperados artistas y gestores culturales, que empezaron levantando firmas y pedidos ante el silencio oficial. En estas circunstancias, la única garantía posible es la organización y agremiación, independiente y no sometida al Ministerio ni ninguna autoridad, para luchar y demandar por los derechos y reivindicaciones elementales en las leyes, como cualquier trabajador, más allá de la ayuda inmediata, que urge para los que no tienen ninguna seguridad de ingreso a fin de mes. 

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Actualidad

ELLAS, TAMBIÉN LO SON

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Los escultores, son una suerte de magos, pues de un simple trozo de madera o con una gran roca, crean figuras muchas veces de inigualable belleza. Desde los albores de la humanidad, cuando aún no se había descubierto el sentido por lo bello, el hombre  hizo arte, sin saberlo. Las venus del paleolítico son una muestra de ello y ni qué decir de aquellas obras de grandes escultores como Cellini, Miguel Angel  que nos sorprenden por lo perfecto de sus líneas o aquel bordado en piedra increíblemente logrado.

En este universo de creadores, no son muchas las mujeres que han emprendido el vuelo del cincel y el martillo y a excepción de  Camille Claudel que más que discípula y amante del  escultor francés Augusto Rodin, fue una excepcional escultora que según se afirma, superó con creces al creador de “El Pensador”, no tenemos noticias de otras notables.

En Perú, la arquitectura estuvo unida a la escultura, como lo apreciamos en Caral, Chan Chan y con las cabezas clavas de los chavines. En tiempos modernos, unimos los nombres de mujeres seguidoras de esta disciplina a los de Artemio Ocaña, Piscoya, pero sin que hasta ahora podamos apreciar sus obras en algún parque o plaza de Lima, a excepción del realizado por Tilsa Tsuchiya  que se luce en la entrada del Gran Parque de Lima.

Entre estos nombres encontramos a Silvia Westphalen, Johanna Hamann, Margarita Checa Arias, Alicia Saco, que fue amiga de Mariátegui e integró su círculo colaborando en la revista Amauta. Cristina Planas,  nos sorprende con sus gallinazos, ave ligada a nuestros pueblos pre colombina. Planas, es la creadora de esos gallinazos de Villa El Salvador, como del templo de San Francisco y aquél que estuvo sobre el techo de la Biblioteca Nacional, en la avenida Abancay.

DE AREQUIPA A MOQUEGUA

María Luz Paucar de Geilich (Tacna, 1962), se decidió por la escultura gracias a una suerte del acaso, pues en Arequipa estudió Ciencias de la Comunicación Social en la Universidad Católica de Santa María y posteriormente Periodismo político y análisis cultural en la Universidad Antonio Ruiz de Montoya en Lima. Luego de una larga estadía en las principales ciudades de Alemania aprendiendo el idioma, dando clases de cocina difundiendo la quinua y trabajando como redactora en el periódico SHZ en Flensburg, decidió pernoctar en Arequipa, en donde estudió escultura en la Escuela Nacional de Arte Carlos Baca Flor del 2009 hasta el 2014.

A su pasión por el arte, se une una vocación de maestra, de ahí que periódicamente dicte cursos de reforzamiento escolar y arte para los niños en la comunidad de Pampa Ansa, en Cusco. Cuando la entrevistamos, hace algunos meses atrás unas veces la encontramos en Arequipa (donde reside y recibe clases en La Baca Flor para obtener una Maestría además de  estudiar inglés) y otras en Moquegua, ciudad de residencia de sus padres. Allí dictaba clases de arte a niños de diversa edad y preparó una exposición en el Banco de la Nación de Trujillo, con motivo del Día Internacional de la Mujer. En este periplo de actividades, estuvo por seis meses, viajando todos los días de Arequipa a Moquegua.

Antes de señalar sus múltiples reconocimientos  entre los que se cuenta  el primer puesto en escultura y ganadora absoluta de la VI Bienal Intercontinental de arte milenario, ancestral Piura 2016, preferimos conversar con esta señora que lleva el arte en la sangre, aunque no lo haya heredado de nadie.

“A mis padres, no les interesa este tipo de actividades y si llegan a mis exposiciones, es por casualidad,” nos cuenta risueña.

¿Por qué no existen escultoras en nuestro país?

“Es muy difícil, pues esta actividad puede resultar tediosa por el peso de los materiales, como grandes bloques de madera o piedra. Aparte de que las actividades de artes plásticas, no cuentan con el apoyo de las autoridades. Además, la sociedad no valora este trabajo, a mí misma, no me consideran que  lo sea, me llaman artesana. La artesanía es cierto, es algo muy interesante y maravilloso también pero es diferente. No podemos confundir lo uno con lo otro.

Sobre ese aspecto María Paucar no se hace problemas. Le basta recordar la cantidad de obras que ha dejado en diferentes países  donde expuso as Alemania, Dinamarca, Bolivia y Madrid y las innumerables exposiciones realizadas a partir del 2009 en ciudades como Arequipa, Moquehua, Cusco, Trujillo, Lima (entre estas se encuentra su participación en diciembre del 2018 con el grupo de Integramundos en el Museo Gráfico de Editora Perú del diario El Peruano). La suma alcanza  un número considerable, pues cada año efectúa tres o cuatro en diferentes salas y diversos lugares.

Decidí integrarme al equipo de escultores peruanos, después de haber vivido quince años en Alemania y trabajado como redactora en el diario SHZ. Esta determinación nace del deseo de interpretar la realidad nacional a través de la escultura.”

Notamos  en sus trabajos algo inacabado, a veces muy próximo a los rasgos del pintor Modigliani pero a la vez intencionalmente rústico. “Es cierto, lo hago adrede, porque está logrado algo en el Perú? ¡Nada! Y copio  en mis esculturas el estilo de los rostros alargados del artista italiano, porque me parece fascinante.”

María Luz Paucar, nos da a conocer detalles del proceso de su creatividad: “Hago los bocetos de mi obra y después trabajo con gubias (herramientas para tallar madera) que deben ser de distinto calibre, a veces lo hago directamente. Para hacerlo con piedras, viajo expresamente hasta Cusco donde las consigo y empieza mi trabajo utilizando el cincel y la comba, lo hago a pulso. No me gusta utilizar máquinas eléctricas pues no hay nada más bello que sentir cómo la materia va obteniendo la forma que tú decides, es como si se le confiriera vida.” En este punto recordamos el Génesis cristiano: “Tomó barro en sus manos y creó al Hombre”. Así nos explicamos la emoción de la escultora.

“Soy figurativa y el centro de mis obras es el ser humano. Mis esculturas son personajes cotidianos entre primitivas, minimalistas hasta expresionistas y busco en la pintura una aliada para darles más vida.”

Entre sus referentes cita a la boliviana Marina Núñez del Prado, Pablo Picasso, Alberto Giacometti, Henry Moore, Kathe Kollwitz, Wilhelm Lehmbruck, Ernst  Barlach. Entre los peruanos a Miguel Baca Rossi, Humberto Hoyos, Pablo Yactayo, Peruko Ccopaccaty y Miguel Angel Velit.

María Paucar ha expuesto colectivamente y virtualmente por el Día de la Madre, gracias a la Asociación Peruana de Artes Plásticas en la ciudad de Moquegua. La artista está preparando una exhibición virtual  personal para el Día del Campesino.

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Actualidad

CARTA ABIERTA AL PRESIDENTE DE LA REPÚBLICA DEL PERÚ MARTÍN VIZCARRA CORNEJO

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Dentro de el estado de emergencia hay muchos sectores de la población que trabajan de forma independiente, entre ellos figuran los artistas y diversos trabajadores del sector cultural que han sido gravemente afectados por la cuarentena que se sigue extendiendo debido al COVID-19.

Aquí publicamos la carta dirigida al presidente Vizcarra, que ha sido realizada por Myriam Reátegui, educadora del arte, actriz, directora teatral y gestora cultural.

CARTA AL PRESIDENTE MARTÍN VIZCARRA

Señor Ingeniero Martín Vizcarra

Presidente de la República del Perú

Sr. Vicente Zevallos

Presidente del Consejo de Ministros del Perú

Sra. María Antonieta Alva Luperdi

Ministra de Economía del Perú

REFERENCIA.

*LA EMERGENCIA DE LOS ARTISTAS Y EL NECESARIO APOYO DEL ESTADO*.

El Ministerio de Cultura y su Ministra la señora Sonia Guillén, no representan a los miles de artistas trabajadores autogestionarios, independientes del Perú, ni a la cultura viva. Ayer 03-04-20 la Ministra Sonia Guillén con evidente desinterés sobre su sector, en su lacónica exposición, dijo que le llegaron “listados de personas, que a su vez ella derivó….”. Dio a entender sin expresarlo, que el MINCUL no tiene una base de datos de artistas clasificada que demuestre quienes pueden recibir el bono de S/. 380 soles. Reveló desconocimiento y nulo contacto con asociaciones artísticas que pudieron ser portavoces. Fue indiferente con la emergencia que vivimos los gestores de la cultura viva y el arte del Perú. No de Lima, del Perú. No mencionó los 260 Puntos de Cultura del país (PDC), soporte ad-honorem de imagen su institucional. Los PDC pudimos ser el referente para convocar a los artistas de a pie y sus familias, que están en emergencia como miles de peruanos.

Señor Presidente, señores Ministros, con el debido respeto.

Señor Presidente. Es grato saludarlo y me dirijo a Usted y a los Señores Ministros, como educadora de Arte en la Educación; como trabajadora actriz y directora teatral; y como gestora cultural. Mi nombre es Miryam Reátegui con DNI 07236010. Trabajo más de 50 años como profesional de artes escénicas y represento al Centro Cultural Nosotros fundado en 1976 y a la Asociación Peruana de Literatura Infantil y Juvenil-Lima. Soy una persona conocida en la Cultura y el Teatro tanto en el país como el extranjero; con más de 70 años, preocupada por la situación laboral del Artista peruano que sin Beneficios Sociales ni jubilación digna, contribuye al fomento artístico nacional. Hoy su inestabilidad socio-laboral lo coloca en situación vulnerabilidad. Esta carta es la voz también de cientos de artistas y creadores culturales urbanos y regionales, autogestionarios, de las diversas disciplinas artísticas de todo el país, de todas las edades, conscientes de la emergencia que afecta el trabajo en todos los sectores y que en nuestro caso es crítica. Pero es también un reclamo de las comunidades indígenas que necesitan preservar su identidad cultural, pero que solo están mencionadas en el papel, porque nada hacen por ellas.

Ha sido decepcionante que la señora Ministra Sonia Guillén no mencionara a los artistas como trabajadores en situación crítica, ni se dirigiera al sector con alguna palabra de aliento, como lo esperábamos y como lo han hecho los ministros de su gabinete. Tomo el ejemplo de Ministros de Cultura de Colombia, Ecuador, Argentina, Brasil, que tienen políticas culturales de promoción del arte y la cultura y trabajan estrechamente con sus gremios artísticos y creadores. (Ministra de Colombia : https://www.youtube.com/watch?v=OK–Bi7LCzk – Ministro de Ecuador : https://www.elcomercio.com/tendencias/artistas-beneficio-programa-cultura-covid19.html )

La Ministra Guillén dijo “Estamos recibiendo listados de personas que creen que deben ser atendidas para recibir este apoyo. Estos listados los estamos dirigiendo al MIDIS y al Ministerio de Trabajo para que evalúen a éstas personas…” No mencionó ARTISTAS, y piensa que somos gente extraña que toca la puerta del MINCUL pidiendo limosnas porque “creen, alucinan” merecer los S/. 380 soles. Y se lavó las manos. ¿Quién le dio esos “listados”, si no hay manera de inscribirse en ningún portal? Sabemos que la Dirección de Artes de Industrias Culturales llamó a sus conocidos para que rápidamente armaran “listados” para la señora Ministra ante la frecuencia de preguntas que le hacían a Usted, Señor Presidente, sobre el sector artístico. No haberse expresado en términos de las necesidades de los Artistas, ni abogar por la falta de trabajo, es inaceptable.

Hoy 05-04-20, repentinamente el MINCUL está circulando en redes una “Encuesta nacional sobre el impacto del estado de emergencia por el COVID-19 en el sector de las artes, museos e industrias culturales y creativas”  ¿Reaccionaron ante la evidencia?

El sector artístico atraviesa la peor crisis de su historia y sabemos continuará todo el año. El MINCUL en su burbuja, no tiene una visión socio-económica del arte y la cultura a nivel nacional, no sabe quién es quién, y no presenta proyectos para mejorar el presupuesto para la promoción cultural. Sin embargo mantiene a miles de empleados y gasta todo el presupuesto de Cultura en sueldos, sin conectarse con el sector que les da la razón de existir. Por transparencia deberían declarar, qué porcentaje del presupuesto destinan realmente para fortalecer las artes y la cultura viva. No quieren informar sobre el tema.

Los proyectos individuales o colectivos que se presentan a  Dirección de Artes tienen como respuesta: “NO HAY PRESUPUESTO. Esperen y participen en los fondos concursables”. Los fondos concursables si bien son estímulos importantes para la creación; los ganadores son pocos y el dinero concursable es apenas S/. 210,000 y son cientos los postulantes. Pero los concursos no es lo único que debe hacer un Ministerio de Cultura. Una oficina con 2 personas es suficiente para eso. Entonces ¿Qué hacen Industrias Culturales y la Dirección de Artes todo el año?

El MINCUL fue creado el 2011, sobre una débil directriz que ampliaba el entonces Instituto Nacional de Cultura y pasó administrativamente al naciente Ministerio. Le tocaba a éste fortalecer el sector con políticas culturales de promoción de la identidad nacional mediante las artes, los artistas, la cultura viva y el Patrimonio histórico material e inmaterial. Los sucesivos Ministros (13 hasta hoy), no convocaron a los especialistas en gestión, en arte, cultura, historia, etc., y si lo hicieron, fue para alguna comisión. Llamaron a sus recomendados a ocupar los cargos más importantes y se olvidaron del Arte, los artistas y la cultura viva. Con esta práctica, después de 9 años no hay resultados visibles de gestión que haya incidido en el desarrollo artístico-cultural. La población no recibe propuestas artísticas estimulantes que fomenten su creatividad, salvo algunas iniciativas particulares.

El desarrollo cultural-artístico en las regiones está estancado hace años por falta de gestión especialmente. El MINCUL no creó estrategias ni esfuerzos para trabajar con los gobiernos locales. No se vinculó con artistas ni gestores culturales. No tiene presencia en la población. Más allá de Lima a 20 km, a excepción de los interesados, ¿Quién conoce el Ministerio de Cultura y sabe qué hace? Ni en los conos saben de su existencia, en provincias es peor. Sin embargo en 9 años lo que creció significativamente fueron los empleados y la burocracia con el presupuesto de cultura para miles de empleados que no sabemos en que trabajan.

¿Trabajan realmente? En su web, en sus canales, no hay información del movimiento cultural del país, ni un mensaje a los artistas, no hay noticias, no hablan del patrimonio. ¿Qué hacen? Amerita una fiscalización y evaluación de cada Dirección del MINCUL.

El MINCUL no tiene personal idóneo de trayectoria que conozca las artes y la cultura; Gestores Culturales con experiencia demostrada que diseñen estrategias, que sepan de la visión y misión institucional, con voluntad política, empáticos con la cultura del Perú. No tiene ayuda de los artistas, para enriquecer la actividad cultural, porque no los convoca. Lastimosamente la actual oficina de Industrias Culturales y la Dirección de Artes, en 9 años han demostrado incapacidad de acción y falta de liderazgo; sin ideas ni planes estratégicos, sin conocer de gestión, se reducen a cumplir un horario y hacer burocracia para que un papel sea respondido 6 meses después de su ingreso.

Es el colmo que el MINCUL en toda su existencia, no haya podido elaborar una base de datos que identifique quién es quién en el arte y la cultura peruana, siendo el fundamento para realizar cualquier plan nacional de desarrollo cultural. Esa base de datos es sumamente importante para el Estado porque es vinculante. ¡Qué ineficiencia! Eso nos hace invisibles en este momento que los artistas necesitamos que el Estado nos atienda.

Entonces, sin base de datos, sin directorio nacional ¿para quién trabaja el MINCUL?

Tampoco tenemos un registro completo de los bienes históricos patrimoniales Materiales e Inmateriales a nivel nacional, permanecen olvidados a su suerte. Con voluntad política y presupuestos  mínimos, su registro y puesta en valor daría trabajo cientos de profesionales de investigación artística, de ciencias sociales, historia, gestores; se potenciaría la cultura viva y el turismo. Excusarse con NO HAY PRESUPUESTO permanentemente y esperar el fin de mes para cobrar, es una ofensa, una burla a la nación. ¡Que se vayan a su casa y los reemplacen!. El Estado pierde muchos millones en empleocracia privilegiada que no aporta al crecimiento artístico-cultural del país,  acentuando nuestra pobreza.

El Proyecto Qapac Ñan como DAFO, casi tienen nombre propio y no se pueden involucrar en este análisis.

Señor Presidente, esa es la realidad y es evidente que la Ministra de Cultura no tiene herramientas para responder sobre su sector con eficiencia, ni a los artistas con empatía. El MINCUL le presentará informes positivos a la PCM, pero el papel aguanta todo. Otra cosa es la realidad concreta.

Entonces, Señor Presidente ¿Porque mantiene el Estado a un personal ineficiente, burocrático, que recibe sueldos equivalentes a 2, 3, 4, 5 UITs si no muestra resultados positivos después de 9 años? ¿Qué trabajo vinculante ha hecho con los Gobiernos Regionales y locales, otros ministerios, para la promoción de las artes y la cultura? ¿Qué impacto tiene el MINCUL en la población general, conocen su trabajo? ¿Qué ha hecho por la actividad artística peruana, no solo en Lima-San Borja? ¿Qué ha hecho por la preservación de la cultura de las comunidades indígenas? Son preguntas porque el Presupuesto de Cultura se ha gastado solo  en honorarios, ese dinero es de todos los peruanos, y que los artistas podríamos haber recibido en esta crisis. El gasto no se justifica legalmente y menos  si no hay resultados de crecimiento esperados en cultura y en arte. Que demuestren con evidencias concretas su trabajo, y pueda corroborarse. No en papeles, que los informes escritos aguantan todo.

Si el MINDES y el Ministerio de Trabajo reciben los “listados” de la Ministra, éstos no incluyen a los artistas vulnerables del país que somos cientos; se elaboraron en 2 días y eso no es serio. Compromete a la Ministra Guillén.

Permítame extender la oportunidad, para hacer de su conocimiento la situación de los Artistas peruanos.

Señor Presidente, los artistas mayoritariamente somos profesionales, y si no hay público no tenemos trabajo. Me refiero a los ACTORES que actúan en teatros, o en eventos, en espacios alternativos, en casas, que se dividen el ingreso si no hay contratos; a los MÚSICOS que trabajan tocando sus instrumentos en la calle recogiendo la voluntad del transeúnte, o tocan en fiestas, iglesias, restaurantes, porque no hay orquestas que los reúna para conciertos; a los PINTORES que exponen sus cuadros y venden como pueden en la calle o bajo otra modalidad porque las galerías son muy pocas y exclusivas; a los DANZARINES que escasamente pueden bailar porque no hay locales acondicionados y tienen pocas oportunidades de presentarse; a los ESCRITORES que no pueden publicar hasta convencer a una editorial para su impresión porque el libro es caro, se suma a que no hay librerías o bibliotecas suficientes; a los muchos GRUPOS DE ROCK músicos también, que no tienen donde presentarse, no hay festivales, encuentros y si pueden tocan en locales pequeños o en la calle. Hay muchos artistas en Lima y en provincias. La TV o los reality shows pueden ser trabajos excepcionales, no es lo habitual. La radio no promociona actividades artísticas, menos la TV. Hay que pagar o ser recomendados.

RESUMIENDO:

La situación laboral y social del ARTISTA es precaria y muy difícil en estos tiempos sin trabajo. El Estado, los Municipios, se han desatendido de las artes. No cumplen con la Ley de Municipalidades Art. 82 y malversan el presupuesto para Cultura, educación y recreación. Somos una clase trabajadora cansada de ser auto gestionaría de su propio trabajo y si no lo hace, no come. Se debe reconocer oficialmente el valor de las Artes y del artista, y el bienestar social que generan. Debe crearse las condiciones para su formalidad laboral. El Estado, los medios de comunicación y la población en general, desvalorizan las artes, la cultura viva y a los artistas por discriminación, desconocimiento, falta de sensibilidad. Se atreven a pedir presentaciones, conciertos, pinturas, libros, GRATIS. ¿No es trabajo y estudios lo que hacemos? ¿Porque no tiene valor monetario? ¿Trabajan gratis las demás profesiones?

Trabajamos también en  espacios públicos, la calle, y recibimos monedas del público que es un reconocimiento, y de eso vivimos. ¿Porque Serenazgo prepotente, nos agrede como ambulantes informales de venta de comida y nos retiran a la fuerza? ¡Pero si somos violinistas, pintores, actores, cantantes! El MINCUL conoce esta vulnerabilidad pero es incapaz de emitir una resolución a los municipios considerando al artista un trabajador intangible que hay que preservar, bastaría solo eso. El arte para muchos es una actividad prescindible, innecesaria “los artistas son superficiales que debieron estudiar, ahorrar y no perder el tiempo. Ahora piden…” (sic). Para desmitificar esto, el Estado debe educar, que la población sepa que el Arte contribuye a la salud emocional, mental e influencia en el desarrollo personal, mejora la calidad de vida. No es culpa de la población ignorarnos, es falta de políticas de reconocimiento. Lo que no se ve, no se consume.

El 90% de trabajadores artistas no tenemos beneficios ni seguridad social, ni jubilación ni bonificaciones, ni CTS ni ONP ni AFP, por eso nuestro trabajo es informal e irregular.

Hoy estamos muy afectados porque laboramos para el sector de servicios: restaurantes, centros culturales, teatros, eventos, locales comerciales, en espacios públicos, etc. Todos paralizados. Con dificultades y perseverancia mantenemos hace mucho tiempo, una industria cultural autogestionaria pequeña, sin intervención del Estado, hacemos nuestras propias producciones y las ofrecemos. Como autogestores la profesión es nuestro y lo hacemos con dignidad, pero no significa que nuestra situación laboral esté resuelta, es muy inestable.

La UNESCO considera el Arte y la Cultura como pilares para el desarrollo integral que eleva la calidad vida. Son políticas que necesitamos para fortalecer el esfuerzo de los artistas. Los países desarrollados han resuelto el tema laboral de sus artistas, los consideran su imagen y patrimonio cultural vivo; no permiten que vivan precariamente como nosotros. Por ejemplo, las artes se incluyen obligadamente en todos los niveles de la educación, y los maestros son los mismos artistas. La práctica artística es considerada indispensable para preservar la salud emocional, mental, de ayuda para superar índices de violencia, inseguridad, falta de autoestima, desde pequeños. Sería muy importante que su Despacho revise las políticas culturales de los Ministerios de Cultura de Francia, Alemania, Brasil, México, Colombia, ¿Por qué no las podemos imitar?

Con sensibilidad, empatía y voluntad política puede revertirse el estado[U1]  de abandono artístico-cultural del Perù, único en toda América. No es cuestión económica, es equidad.

Por lo expuesto, Señor Presidente y Señores Ministros permítanos proponerles:

1. Que el Estado considere los espectáculos artístico-cultuales en emergencia y nos permitan continuar trabajando a partir de Mayo 2020, y ser comprendidos entre las medidas estratégicas que van a tomar.

2. Que el INEI alcance la relación de artistas y centros culturales censados en el Perú y se complete con la relación de empadronados de los municipios del Perú, para obtener el bono compensatorio de S/. 380.00 por ser de justicia.

3. Que el Estado considere dentro los S/. 30’000,000 millones de subsidios la “autogestión de artistas como Industria Cultural micro-empresarial y reciba este beneficio para reactivar su economía con proyectos artísticos”, que el Estado puede inclusive ampliar con directivas que faciliten el acceso a créditos de excepción, con el sistema financiero.    (Aclaramos que la propuesta de Industria Cultural micro empresarial de artistas independientes, se diferencia de las Industrias Culturales grandes de Lima, que tienen otro comportamiento económico. Son empresas lucrativas institucionalizadas como centros culturales que manejan auditorios, teatros, locales, tienen talleres, dictan idiomas, etc., libres de impuestos. Contratan artistas, gestores, marketing y sostienen planillas altas.      Los artistas independientes no tienen dinero para invertir, pero sus proyectos pueden ser exitosos y lucrativos en proporción, que pueden generar ingresos para devolver el crédito.)

4. Solicitamos que Usted señor Presidente y Ministra de Economía, intercedan ante la ONP para que encuentre la modalidad de incluir a los artistas en el sistema de Beneficios sociales, jubilación digna y compensaciones profesionales.

5. Solicitamos para la Cultura un aumento presupuestal de 0.7% a 1.5% anual, divididos en 50% para las Artes, Cultura viva, Artistas y Patrimonio, 20% para creación de infraestructura y 30% para empleados y servicios. Es una propuesta esperanzada que urge para el sector.

6. Solicitamos la re-organización del Ministerio de Cultura, que incluya fiscalización y auditoria económica. Ocho (8) años es suficiente para medir resultados e incidencia del MINCUL en la población. No se trata de informes tras informes sin ser contrastados con la “población beneficiada”. El papel aguanta todo. Se trata de tocar la raíz del problema. El MINCUL fue creado con un fin, y no funciona por inoperancia, ha gastado el Presupuesto de Cultura cada año solo en sueldos, y 10 años después las Artes, la Cultura, Artistas, Patrimonio, Infraestructura, y las culturas indígenas, siguen en abandono, peor, o más vulnerables que antes. La re-organización es imperativa, que su Gobierno no puede ocultar.

7. Solicitamos la formación de una comisión intersectorial, que incluya a artistas y personas de la cultura, para que en 3 meses se estudien las políticas culturales que no se aplican, y propongan soluciones y sugerencias que activen a un Ministerio de Cultura que tenga presencia nacional, que se identifique con los artistas, con sus gestores culturales, con las artes, con la cultura viva, con las expresiones de los pueblos originarios, con nuestra historia cultural, con el patrimonio material e inmaterial, de todo el Perú.

Disculpen la extensión de esta Carta.

Muchas gracias por su atención. Quedo de ustedes,

Atentamente,

Miryam Reátegui Espinoza

Centro Cultural Nosotros

Punto de Cultura R.D. 00445/2012

Jr. Francisco de Zela 1183 – Jesús María

Telf. 985 372 461 / (01) 472 5856


 [U1]

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TEO UGARTE, EL ARTE DE LUCHAR

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Escribe:  José David Ugarte Boluarte

En la vida  uno tiene héroes, estos son muy poderosos y cariñosos,  sobre todo cuando uno es niño. Yo tuve varios, mi padre, mi abuelo y tíos paternos. Hoy, quiero hablar de uno de esos héroes que a través de los años se hizo mi amigo y cada vez lo vi más humano. Un hombre alegre, amoroso, honesto y sobre todo, sincero.  Ese fue mi tío Teo.

En reuniones, espacios más íntimos de los Ugarte Vega Centeno, gocé de muchas historias y anécdotas vividas de la familia extensa y cerrada. Esto me dio un grado de complicidad con todos ellos que son parte de mi historia de vida, gracias  a todos ellos por haberme dado las semillas de mi identidad familiar.

Tío Teo te recordaremos, como un buen hijo, un buen padre, un buen esposo, un buen hermano, un gran tío que fue un espartano, un luchador en la maratón más difícil que te tocó correr, la de enfrentarse a su enfermedad.

Distintos pensadores señalan que en todas las tradiciones espirituales, se aconseja vivir con la muerte, si hay día, hay noche y si hay vida hay muerte. Hay que hacernos de la idea que somos mortales, hay que tomar la muerte en serio, saber aceptar la muerte y aprender a despedirnos de nuestros muertos. Nuestra cultura es conservadora con la idea de la muerte, pero también es sabia al darle un  escenario de dialéctica pura cuando partimos.

Cuando un ser amado muere, se lleva mucho de nosotros, pero así como se lleva parte de nuestras vidas, también nosotros nos quedamos con parte importante de ellos, en nuestros actos, en nuestras costumbres, en nuestro ADN, ellos se perennizan. Tía Doris, prima Iveth, papa, tíos, familia, amigos queridos, que la alegría y la lucha por la vida del tío Teo sea el sendero de aprender a vivir.

Tía Doris, Prima Iveth toda la familia agradecida con ustedes, ustedes dirán ¿de qué, por qué?  Tía, yo tenía ocho años cuando ustedes se casaron, asistí con buzo y chuzos de fútbol ese día, me di tremenda licencia anecdótica de asistir así, a tan bello evento de amor por sentirlos siempre muy cerca mío.

Han pasado más de 30 años de ese juramento de amor y somos testigo que tu amor por el tío no solo fue en los momentos felices, sino en la adversidad, y peor aún en la enfermedad. Tu juramento de amor ante Dios, ante nuestro Teo fue melifluo, demiurgo, fue sincero, y de ese amor mutuo que se hizo carne, nació Iveth.

Tía Doris, amiga, colega de pasión, compañera de Teo; prima Iveth, los abrazamos, nuestro cariño y respeto es grande, por los valores de amor mostrados hacia nuestro Teo,  sino también,  porque ustedes son la parte viva que hoy brilla de él.

Familia, nuestro Teo partió, el ser amado se ha reencontrado con la pachamama, el tío querido, el hombre de la risa forajida, de la risa contagiosa y conchuda ya no está, pero deja un legado, deja un mensaje. Luchó por la vida, murió robándole a la vida el último suspiro. Ese era mi tío Teo, un hombre feliz aún en la adversidad, un hombre alegre aún en la enfermedad.

Tu gran obra tío no solamente está en las esculturas de vírgenes, de los Túpac Amaru II, José Carlos Mariátegui que están repartidos por el Perú y algunos países de Centro América, y que gozan del calor y reconocimiento humano. Apasionado en su trabajo, escultor gitano, visitante de los museos de arte más importantes del mundo, conservador lítico, hiciste docencia del arte. Dejas un libro concluido, el mejor homenaje será publicar la síntesis de tu experiencia y sabiduría en tu profesión. Como diría Picasso “La escultura es el arte de la inteligencia”, adiós ingenioso Teo.

Tío Derrotaste, controlaste varias veces al cáncer, es el cáncer aliado a este sistema precario de atención de la salud, que nos quitó a nuestro querido  Teo.

Socialista, zurdo, guevarista, porque siempre luchaste contra las desigualdades de este nuestro Perú querido, desde el lugar que te tocó. Desde el arte siempre fuiste un camarada firme.

Me  despido de ti, recordando una frase del Gran Mariátegui, sobre la agonía del cristianismo de Unamuno, en el que habla de la agonía como expresión de la vida misma, de la lucha del hombre por mantenerse vivo.

Decía el Amauta: “Agonía no es preludio de la muerte, no es conclusión de la vida. Agonía, como Unamuno escribe en la introducción de su libro, quiere decir LUCHA. Agoniza aquel que vive luchando, luchando contra la vida misma. Y contra la muerte”.

Adiós, luchador. Adiós, ingenioso Teo. Adiós, sangre de nuestra sangre. Adiós, tío Teo. Te recordaremos siempre. Tu sobrino Davico que te quiere tanto.

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