Connect with us

Pintura

Expo “El Paraíso del Diablo” de Christian Bendayán

Published

on

EL PARAÍSO DEL DIABLO DE CHRISTIAN BENDAYÁN

La Sala Luis Miró Quesada Garland de la Municipalidad de Miraflores presenta la exposición “El Paraíso del Diablo” del artista Christian Bendayán. Esta muestra bajo la curaduría de David Flores-Hora, será inaugurada el próximo viernes 24 de febrero a las 7.30 p.m., y podrá ser visitada hasta el viernes 16 de marzo; en horario de martes a domingo de 11 a.m. a 10 p.m., en la sala ubicada en el cruce de la Av. Larco con Diez Canseco, Miraflores. El ingreso es libre.

Esta exposición representa un quiebre en la pintura de este artista, quedando de lado aquel rostro de la exuberancia tropical, el desborde perpetuo y estridente y costumbres de la ciudad de selva para dar paso a una pintura más reflexiva, que alude a la historia de la Amazonía peruana, y sus diversos saqueos, atropellos y vejámenes. La pintura de  Bendayán estalla, coteja, interpela y sacude a las enciclopedias y discursos oficiales de la Amazonía. El paisaje se fusiona con la arquitectura, lo indígena se vuelve actual, lo cotidiano en espacio ancestral, la mirada foránea se impregna de lo amazónico hasta convertirla en algo novedoso e inclasificable.

La serie de cuadros que conforman “El Paraíso del Diablo” alude a sucesos como el  descubrimiento del río Amazonas, la barbarie que significó la explotación del caucho y la corrupción actual y destrucción sistemática de la selva originada por los propios gobiernos.

En 1963 el pintor amazónico César Calvo de Araujo realizó el mural “El Encuentro del Amazonas” en el Palacio Municipal de Maynas (Plaza de Armas de Iquitos). Este mural fue definitivamente una de las obras cumbres del arte amazónico. El año 2009, y en circunstancias que aún se investigan, el alcalde del momento comenzó las obras de demolición del Palacio Municipal, lo cual implicó la destrucción del mencionado mural y un atentado contra las artes visuales y la representación histórica de la Amazonía peruana. En esta exposición Christian Bendayán aborda estos acontecimientos, la destrucción sistemática del patrimonio artístico peruano, recreando y haciendo una versión particular de este mural “El Encuentro del Amazonas”.

Comentarios
1 Comment

1 Comment

Leave a Reply

Su dirección de correo no se hará público. Los campos requeridos están marcados *

Cultura

Un Amaru de todos los pueblos

Published

on

Caminando hacia el nevado de Pariacaca, ubicado entre Lima y Junín, por los Andes Centrales, nos sorprenderá la presencia de una enorme serpiente petrificada muy cerca de la laguna Culebrayoc. El reptil se ha eternizado con la leyenda que fue recogida en Huarochirí por el doctrinero Francisco de Avila  (siglo XVI) dando lugar al famoso “Manuscrito Quechua de Huarochirí, como puntualiza el investigador Eduardo Vásquez Monge.

Ese documento que guarda creencias ancestrales ahora casi perdidas, relata la pelea que tuvo lugar en aquél sagrado lugar entre el dios Pariacaca, conformado por cinco hombres y el temible Amaru, terrible reptil que causaba terremotos, tal como lo creyeron también los Incas de Cusco. Pariacaca decidió convertir en piedra a tan feroz enemigo, dejando para la eternidad su cuerpo regado por el camino.

¿Quién fue el Amaru y cómo lo vieron los conquistadores? Según la creencia andina, se trataba de una gigantesca serpiente que con el movimiento de su cola, producía los terremotos. Los hispanos la asemejaron a la bíblica serpiente, forma demoníaca que atormenta a los humanos desde la creación del mundo.

Pero no son los andinos los únicos que la conocieron e incorporaron a sus creencias religiosas, pues la encontramos también en México vestida de pájaro y serpiente con el nombre de Quetzalcóatl, lo mismo que entre los dieguitas, pueblo ubicado al noroeste argentino y también ha sido venerada por las culturas del Collao.

Obra de Alfredo Amaru.

 Fue tan trascendente su presencia en la cultura andina, que Felipe Topa o Túpac Amaru, descendiente de Huayna Cápac  y último gobernante de Vilcabamba, fuera bautizado con este nombre que significa “serpiente resplandeciente”. A Túpac Amaru primero, lo mandó ejecutar  el Virrey Francisco de Toledo en 1572, pero su nombre lo heredó el gran cacique de Tungasuca y Surimama, José Gabriel Túpac Amaru II, que habría de encabezar la más grande rebelión independista de América del Sur en 1780.

El Amaru en el arte

En el ideario andino, persiste aún  el Amaru, como un hito de resistencia y fue un artista de múltiples facetas que decidió adoptarlo como segundo nombre.

Alfredo Díaz Huamán, natural del distrito de Maras, provincia de Urubamba, profesor de las especialidades de Dibujo y Pintura de la hoy Universidad Diego Quispe Ttito de Cusco, ha escogido como seudónimo artístico el nombre de “Alfredo Amaru” y para ello creó un sello en donde aparecen dos serpientes. Una nos confesó es él como padre y la otra es su hijo Stephano como heredero de esa tradición mitológica.

El artista que radica en Cusco, pero se siente parte de todos los pueblos, está participando en la Exposición de Camélidos (galería Eiffel-Jr Ucayali 170, Cercado de Lima) hasta el 10 de enero y nos refiere que es respetuoso de la tradición. Sus obras son de carácter trascendental, atemporales, tomando en cuenta el pasado que combina con el presente.

Los estilos de Alfredo Amaru, son múltiples y él que ha viajado por el extranjero llevando su trabajo creativo, ha sabido reconocer las diferentes corrientes y estilos que le pueden servir de inspiración. Su dominio del color que a veces nos recuerdan a un Caravaggio o de repente  a los del pintor tupiceño, Guillermo Tejerina, o a los de un César Gavancho Chávez y Adolfo Sardón Abarca, artistas  cusqueños, nos muestran su actitud de independencia tanto en las formas como en la coloración.

Alfredo Amaru.

Pero esto no es todo, pues Díaz Huamán, también ha incursionado en el hiper realismo que lo aplica principalmente en el retrato, como nos demuestra el ejecutado con gran maestría al músico cubano Ibrahim Ferrer. Entre sus inclinaciones se cuentan además la artesanía (imaginería) y la música, siendo ejecutante aprovechado de la quena.

Ibrahim Ferrer formó parte de la banda “Buena Vista Social Club”.

Lima Gris, conversó con este talentoso artista para que nos acerque a su uni verso creativo, en donde reina como deidad absoluta, el AMARU.

Usted eligió el seudónimo de “Alfredo Amaru” en referencia  al nombre de Túpac Amaru y/o también al de la gran serpiente, esa divinidad de los inkas  ¿causante de los terremotos? Me habló de Dos Amarus , uno usted como padre y el  segundo, su hijo . ¿Es el mismo simbolismo del Amaru de dos cabezas?

Siempre he tenido pasión por esa deidad totémica andina, el Amaru, símbolo de sabiduría, guardián de la cosecha, dador de vida, comunicador entre el hombre y el cosmos; Dios Elemental, muchas veces representado por un rayo, una serpiente, agua, fuego, etc. De Allí nace el seudónimo unido con mi nombre pila. También tengo mucho respeto a José Gabriel Condorcanqui Noguera, conocido posteriormente como Túpac Amaru II  caudillo indígena quechua y precursor de la independencia Americana.

“Dos Amarus” representa una marca (dos serpientes Amaru en vuelo, dentro de un eterno circulo), es la representación de dos generaciones, asociadas en un proyecto audiovisual y estudio fílmico, el primer Amaru es mi hijo Stephano mi crítico y mano derecha, y el segundo Amaru soy yo.

He visto dentro de la diversidad de sus obras, que no se ajusta a un solo estilo y eso hace más atractiva su creatividad. Sin embargo en todas se puede apreciar un acercamiento andino, es algo innato o casual?

Soy un artista plástico libre, no tengo parámetros obtusos a la hora de mi creación y expreso con línea y color lo que siento al momento de componer y realizar mis obras, la vida es cíclica nunca está quieta.

Nací en Maras, viví mi infancia en T’iobamba, un pequeño pueblo, en una meseta de las entrañas del Ande muy cerca del valle sagrado, jamás tuve que elevar mi rostro para conversar con los dioses tutelares del Chicon, Pumahuanca o el Pitusiray y el cosmos, nos tuteábamos por así decir. Mi vida ha sido una constante lucha de progreso y entendimiento con la Cosmovisión Andina y esta realidad.

Noto la influencia de los grandes maestros del Renacimiento como Caravaggio en algunos de sus trabajos, ¿qué otros referentes ha tomado en cuenta?

He aprendido a valorar obras de grandes maestros y encandiladamente estudiarlos, sus técnicas, la fantasía y maestría de las composiciones de Jheronimus van Aken, el arte exquisito de ser parte de “La torre de Babel” del Neerlandes  Pieter Bruegel de Oude, o ser testigo de acontecimientos bíblicos en primera fila junto al gran Michelangelo Merisi el Caravaggio a Rubens por mostrarme la ampulosidad de la carne y que un simple boceto vale igual que una gran obra de arte acabada. Al final agradezco a todos ellos y  a muchos otros maestros más, pues ellos han enriquecido a mis obras.

¿Qué es lo primero que les recomienda a sus alumnos? ¿permite su independencia creativa  o les impone un modelo determinado?

Cuando uno se vuelve maestro, lo primero que enseña a sus discípulos es, conocer las cosas en su forma real (sensu stricto), su peso, color, intensidad, elasticidad, masa, temperatura, etc. Para luego pasar a la composición, armonía, técnica y con una base bien cimentada dar rienda suelta a su imaginación y que no se detengan jamás.

¿Cuál es el criterio que impera en Cusco sobre las artes plásticas? Se continúan copiando los modelos indigenistas y post indigenistas o ¿hay más apertura de estilos?

Los estilos contemporáneos han comenzado a empoderarse sobre los estilos del siglo pasado, la globalización de la Internet permite que todo esté conectado y por ende también el conocimiento de las vanguardias del arte contemporáneo,  haciendo una especie de hibridación de Arte Andino-Contemporáneo, con temas de la Cosmovisión andina mezclados con la realidad.

Descubro que es también un gran retratista como lo evidencia ese que realizó al gran músico cubano Ibrahim Ferrer. Le dedica un tiempo a esta especialidad.

El tema del retrato es una pasión por entender la expresión del ser humano, pongo muchas horas en estudiar rostros de hermanos poetas, músicos, campesinos, del vecino, la compañera, literatos, científicos,…  pues amo nuestra hermosa nave espacial a quien le llamamos Tierra, que solitaria surca el vasto Universo y a la vida que hay en ella. Un retrato lo dice todo.

Incluye entre su temática, la artesanía. Cuántas imágenes ha producido para el Santurantikuy? Seguirá por esa veta?

Hace ya 39 años comencé a pintar, y lo hice realizando copias de la famosa Escuela Cusqueña de Arte, pues hacer este tipo de expresión es considerado como artesanía, considerando que el arte nace de ella. En la actualidad mi producción artesanal es poca. La feria artesanal Navideña tampoco es la de antes, hoy día sea convertido en una expresión netamente mercantilista por parte de los entes que supuestamente velan nuestra cultura DDC, DIRCETUR,  Municipio  (Emufec). Donde esta tradición ya casi ha muerto y los verdaderos expositores de la artesanía y hacedores de esta expresión cultural son desterrados a ser ambulantes (son los hermanos campesinos que traen cada año la venta de sus helechos, rocas, gramas, flores silvestres, para adornar el pesebre para así llevar algo de sustento a la canasta familiar que en caso de ellos su economía está perdida, los hermanos Qollas que tren sus tiestos, parafernalias de animales duendes  alasitas realizados en cerámica tampoco están en su totalidad), pues ese era el espíritu de esta feria.

Como artista todista, también incursiona en la música. Su proyecto de intervenir en el cine con un motivo de quena, cuándo y en qué producción se concretará?

Siento que en el arte estoy haciendo poco (se podría decir que, recién estoy comenzando). La creación de “Dos Amarus” abre el horizonte de crear más arte, actualmente estamos en la realización de un corto animado basado en el bicentenario y que estamos estudiando la incursión de instrumentos andinos de viento como la quena en la banda sonora de este proyecto que de seguro estará a la altura de los mejores estudios audiovisuales existentes y esperamos también que contribuya en el engrandecimiento de hermandad de la humanidad. Estamos completamente seguros, que la creación no debe tener límites frente a la tecnología actual y que el ser humano es capaz de seguir creando sueños en un mundo cada vez más virtual; sueños, que sin perder el horizonte son realidad.

Sean bienvenidos a compartir este viaje con nosotros.

Comentarios
Continue Reading

Cultura

Gary Nader: “Mi pasión sigue siendo el arte latinoamericano”

Una exclusiva entrevista con el coleccionista de arte latinoamericano más importante del mundo.

Published

on

Luego de casi seis horas de viaje Lima Gris llegó hasta la ciudad de Miami para conocer y conversar con uno de los coleccionistas más reconocidos del arte latinoamericano en el mundo. En medio de un montaje de su una exposición Gary Nader, nos abrió las puertas de su galería, un fabuloso espacio donde conversamos sobre su gran colección integrada por obras de Fernando Botero, Pablo Picasso, Marc Chagall, Damien Hirt, Albert Oehle, entre otros.

Gary Nader nació en República Dominicana en 1961 y actualmente maneja la galería de arte que lleva su nombre. La galería cuenta con una gran colección privada de arte latinoamericano y se encuentra ubicado en el corazón de Wynwood, el nuevo distrito artístico de Miami.

Aquí nuestro encuentro con Gary Nader.

Comentarios
Continue Reading

Cultura

Paola Denegri: azul-verde-acero

Pintar, fotear, escribir poemas entre clase y clase vía zoom, organizar una exposición, y además conducir en bicicleta (¡en Lima!) y sin perder jamás la sonrisa. Así es la vida de la artista Paola Denegri.

Published

on

Sonrisas desangeladas, sonrisas frías como una carta de tu ex que empieza por, “Estimado”;  y caras largas, eso es lo que más he encontrado entre pintores, y que decir de los escritores. Pero una sonrisa radiante, eso muy pocos artistas.  Paola Denegri es alguien distinta, sonríe, sonríe cuando expone una muestra como cuándo pinta. Sonreír, crear y seguir sonriendo, he ahí el misterio. “Me hace ser feliz ser artista, aunque no se hable tanto de mi trabajo como me gustaría”. Todavía.

 Muchas veces se cuestiona del arte cuando se la percibe como solo bonito. Bonito e interesante. Pero la obra de Paola es bonita e interpelante. Hay algo ahí que reconforta (el bienestar que produce la belleza) y luego está ese extraño rompecabezas de la interpretación que se ofrece, una insinuación, un significado escondido en los pliegues rugosos del papel japonés. Este es un breve perfil a la carrera de artista plástica de Paola, su servicio con alegría en el arte, y cómo a pesar de todo continúa con la misma o mejor actitud con la que empezó a los 20 años.

Como toda historia de un artista, está también empieza con un rotundo NO de la mamá ante la vocación adolescente  de su hija. “Te morirás de hambre. Además la primera de la clase no puede ir a Arte. Sería un desperdicio” recuerda Paola lo que le respondió su mamá cuando le manifestó su deseo de ser pintora apenas acabó el colegio. Como toda conversación sobre el destino de los hijos con los padres, esa también fue una charla breve. No quedó más remedio que estudiar psicología.

Poco después y al son de los coches bombas, apagones e hiperinflación, Paola migraría como otros cien mil peruanos al extranjero. De limpiar casas como ilegal en Londres, trabajando 16 horas al día, pero con felicidad, oyendo a Sting y robando el tiempo suficiente para tomar clases de serigrafía. Como todo inmigrante joven de 20 años, exploraría nuevos rumbos, esta vez viajaría a Boston, trabajando como una dependienta en una tienda donde no entraba nadie. La primera de su clase se empecinaría en estudiar con aplomo su Oxford Dictionary todos los días mientras leía libros de fotografía y soñaba con hacer retratos como Irving Penn.

Cuando la situación empezó a calmarse en Perú, Paola regresaría con intención de meterse por algún resquicio del arte. Empezó en la fotografía, en el blanco y negro para ser más preciso. De unas breves prácticas de foto callejera en la Lima caótica de 1990, en la cual duró muy poco pues como menciona ella “mi aspecto llamaba a qué me roben”, paso al foto retrato. Sabía que por ahí podía hacer lo que le gustaba y hacer dinero. “A los 20 años uno cree que puede hacerlo todo”. Y ella se salió con la suya.

Aterrizaje. Obra de Paola Denegri.

Cuando Lima era arrasada por hordas de combis, una primera exposición del trabajo de Denegri atrajo la mirada de un entonces aún no muy viejo Luis Lama. Un año después Paola expondría en el Miró Quesada Garland, su carrera como fotógrafa en exposiciones comenzaba a despegar. Lamentablemente a Lama dejaría de gustarle su trabajo por haberse vuelto su fotografía “comercial”. En fin, la suma de los cuadrados de los catetos es igual al cuadrado de la hipotenusa. Con esto quisiera decir que artista que no come, no crea, y lograr ser comercial en años de economía en recuperación es un mérito y no un estigma curatorial.

Los mediados de los 90s llegaban con la crisis de la toma de rehenes de la embajada de Japón, la recesión del 98 y el auge en plena crisis de una corriente nueva de artistas y cineastas. Paola entonces ya era mamá de dos varones, su fotografía alcanzaba cotos de paisajística poética, un clima de nostalgia donde las sombras se volvían piezas protagónicas y reinventaban la realidad. “En la fotografía hay que captar el momento, ser uno con la cámara. ¿Qué sería de la luz sin las sombras?”. En una Punta Hermosa desangelada un niño solo ante una mesa, globos y un pastel. Las sombras de los globos reconfiguran toda la escena, las sombras de los globos parecen más reales que los mismos globos. Una foto preciosa pero también el retrato de nuestros felices y no felices años 90s: un cumpleaños a solas. Ahí está reflejado el espíritu de la Generación X.

First Birthday. Foto: Paola Denegri.

Hacia 2005 otra vez el viaje, nuevos cielos, y esta vez el color. “Yo empecé a pintar en Canadá. Aquí aprendí de colores, de la mejor manera sobre los cambios de los colores, a través de los cambios de las estaciones.  Cuando llegué a Canadá mi percepción cambió y fui mutando a la técnica mixta. Usaba fotos y óleos. Encontré en la pintura una libertad que no la encontraba en la cámara. Y luego encontré el papel japonés que tiene muchos grosores y colores maravillosos, y que cuando los mezclas en capas te dan otros colores. Siento que con la cámara estás en el momento. Pero para ir más hacia adentro me gusta más la pintura”.

Algunos años más tarde, y después de exposiciones en EE.UU. y Canadá, Paola regresaría al Perú. Mientras continúa con su trabajo también se da a la docencia, y a veces entre bocetos de naturalezas muertas escribe haikús y alguno que otro poema. Sobre su escritura hay algo más que no está en sus pinturas y fotos, una rara sensación del proceso (no el resultado) de su fragmentación.

Murmura

Inevitable

                    Su

Suda hasta      Locura

Olor rancio

Observa desde su ventana

Azul,     acero

Verde

Un pájaro

          Mil pájaros

Obra de Paola Denegri.

Paola trabaja casi todos los días en su estudio. “Cuánto más trabajo más inspiración encuentro, porque al crear eres uno con el pincel. Y eres con la cámara una sola cosa”. Ahora ella va por otro camino, dibuja y cose sobre papel, armando rompecabezas de cariátides. “Creo que trato de recomponer lo que he roto. Así como Nietzsche decía, el hombre es un ser fragmentado y por eso es incompleto. Me encanta esto de recoger mis fragmentos y ser un ser menos fragmentado. El arte permite adentrarme en mi ser y descubrir cosas sobre mí y que se dan en el papel. Cuando encuentro la disposición de las formas, ahí encuentro algo sublime. No lo sabría explicar, pero ahí en la pieza lo veo con  claridad, pero tú no necesariamente, puedes ver otra cosa o nada. Es que yo me esfuerzo mucho para que el otro no me comprenda”.

Su fotografía y su pintura reflejan esa búsqueda de sí misma, que no es otra cosa que una reafirmación de una actitud: Paola ante la amargura o la tristeza elige ser feliz. Y eso es precisamente el arte de vivir.

Comentarios
Continue Reading

Cultura

Un encuentro con Gary Nader en Miami

Art Basel es el evento más importante de arte en el mundo. Nuestro corresponsal Ricardo Terrones, llegó hasta Miami para la inauguración de la gran feria. Además, conversó con el gran coleccionista de arte Gary Nader.

Published

on

Gary Nader y Ricardo Terrones.

Lima Gris llegó hasta Miami para conocer al coleccionista más importante de arte latinoamericano en el mundo. Su nombre es Gary Nader, nació en República Dominicana en 1961 y actualmente maneja la galería de arte que lleva su nombre. La galería cuenta con una gran colección privada de arte latinoamericano y se encuentra ubicado en el corazón de Wynwood, el nuevo distrito artístico de Miami.


En nuestro encuentro previo a la entrevista, Gary Nader nos abrió las puertas de su galería en pleno montaje de la muestra de su colección de arte. Entre las adquisidores del afamado coleccionista aparecen obras del artista colombiano Fernando Botero, Pablo Picasso, Marc Chagall, Damien Hirt, Albert Oehle, etc. Según especialistas, Gary Nader tiene la colección más grande de Botero.

Nader acababa de llegar de Nueva York donde presentó una muestra de su colección privada del artista cubano Wilfredo Lam, y donde se cerró una venta de una obra por el valor de 5 millones de dólares. A pesar de su agitada agenda, el coleccionista nos recibió para conocer más de su trabajo alrededor del arte latinoamericano.

La muestra que será inaugurada el 01 de diciembre y donde Lima Gris estará presente, se expondrán obras de los artistas Roberto Matta, Julio Larraz, Claudio Bravo, Wilfredo Lam, Rufino Tamayo, Rafael Soto, Tomás Sánchez, Mario Carreño, Joaquín Torres García, entre otros artistas latinoamericanos.


Nuestro enviado especial Ricardo Terrones, llegó hasta Miami para entrevistar a Gary Naider y también realizar una cobertura especial de la nueva edición de Art Basel, el evento de arte más importante del mundo, que se inaugura el 30 de noviembre.

La Feria de arte abrirá a invitados VIP desde el martes 30 de noviembre y durará hasta el 04 de diciembre. En la entrevista que publicaremos pronto en Lima Gris, Gary Nader habló sobre sus inicios en el arte, su primera galería en Miami, el arte peruano, la tecnología y la relación con el arte. Además, reflexionó sobre la situación de los jóvenes artistas que tienen el compromiso de construir un lenguaje propio.

Comentarios
Continue Reading

Cultura

III Salón Internacional de Arte Independiente

Una muestra internacional de arte con la participación de 35 artistas de diversos países.

Published

on

La Coalición Independiente de Artistas (35 artistas internacionales) sumando esfuerzos al equipo de Círculos Cultura mediante la Dirección del Artista y gestor Martin Ferro se unen en esta 3era Edición Latinoamérica – Virtual para la realización de la exposición.

Entre los 35 artistas que participan se encuentran:  Margarita Ninapaytan, Martin Ferro, Jorge Miyagui, Martín Yépez, Katia Landauro, Karry Carrión, Rebeca Dorich, Karina Aguilar, Franco Espinoza, Silvana Ponce, Denice Culqui, Luis Cruzado, Willy López, Abel Salazar, Jhon Rojas y Rosadina Güere (Perú), Liliana Rothschild, Alberto Machicado y Diana Viera (Argentina), Álvaro Bonilla (Colombia), MATT 13 (Costa Rica), Adner Guevara y José Luis Lorenzo (Cuba), Francisco Barahona y Renato Ulloa (Ecuador), Graciela Guerrero (México), Zulaika Vega (Panamá), Wilmer Colón (Puerto Rico), Réjane Limnios (Francia), Emily Shih (Taiwán), Mahima Gupta (USA), Ekatherine Vanderbiezen-(Holanda). Sumados a la presentación de los destacados músicos: Fernando Mogollón y Alberto Fabián Alva y la participación literaria con Paul Flores E.

Esta acción cultural educativa y artística de integración sin fines de lucro se ha desarrollado en Perú, Chile y Ecuador desde el año 2016, como producto de la colaboración entre destacados artistas ahora de 12 países. En una amalgama de talento y creatividad se integran interdisciplinariamente los temas musicales vinculados a la identidad cultural y la libertad: Articulándose como una nación y raza humana mediante la iconografía de las artes y la identidad como cultura latinoamericana.

La exposición ya se encuentra online desde el 12 de octubre del 2021 en la plataforma virtual de Círculo Cultural la exposición virtual. Las obras estarán durante un mes mediante la gestión en equipo dirigida por el artista gestor y difusor cultural Martin Ferro.

Esta exposición se desarrolla en formato Virtual donde se puede apreciar la riqueza visual y de contenido humanista del collage multicultural e interdisciplinario propio de Latinoamérica la cual cuenta con material pictórico, literario, musical y audiovisual.

Ingresar a la dirección Facebook del Círculo Cultural: Perú.

Exposición virtual activa semana a semana: htps://www.facebook.com/martin.ferro.artes/

Comentarios
Continue Reading

Cultura

La artista Jeanette Villarreal participará en la IV Bienal De Arte Contemporáneo de Salerno Italia

El arte peruano estará presente en la Bienal Internacional de Arte que se inaugurará en unas semana en el Viejo Continente.

Published

on

La artista peruana Jeanette Villarreal ha sido invitada para exponer su obra en la IV Bienal de Arte de Contemporáneo de Salerno Italia que se realizará del 06 al 21 de noviembre en las instalaciones del Palazzo Fruscione.

 Villarreal es artista visual, docente y gestora cultural egresada de la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes del Perú con la más alta distinción en la especialidad de Pintura (1992). Desde 1990 ha participado en importantes exposiciones colectivas nacionales e internacionales. Sus obras forman parte de diferentes colecciones en el Perú y en el extranjero como en Chile, Colombia, Ecuador, Argentina, México, Costa Rica, EEUU, Holanda y Francia. 

Además, es co-fundadora de la Institución Educativa Ana María Kan (1994) y Directora de Illamar Galería Arte y Diseño (2010) en Carabayllo; desarrollando importantes actividades artísticas y culturales como Gestora Cultural.

¿Invisibles? No.

Desde el 2010 ha impulsado actividades artísticas y culturales en el distrito de Carabayllo y en Lima norte, realizando talleres pedagógicos, concursos inter escolares y exposiciones artísticas para el desarrollo de la comunidad emergente de esta gran zona de Lima. Desde el 2002 es integrante de la Asociación de Artistas Plásticos del Perú Trascenderes, y desde el 2016 es integrante del Colectivo Femenino de Artistas  Pintoras Perú.

Jeanette Villarreal participará con dos obras: Hagamos florecer las cosas buenas y Las manos del artista, dos pinturas que reflejan la espiritualidad y las raíces de la creación de los artistas. Su pinturas pasaron por una etapa de selección que realizó el Comité científico de la Bienal, conformado por curadores, artistas y profesionales destacados.

En la IV Bienal de Arte Contemporáneo de Salerno Italia, participan más de 200 artistas de todo el mundo.

“Los artistas peruanos buscamos nuevos horizontes y nuevos lugares para mostrar nuestro trabajo”, menciona Villarreal.

Pero en esta exposición internacional en el Viejo Continente en total son 10 los artistas peruanos que participan: Jeanette Villarreal Kan, Wilfredo Navarrete Arellano, Juan Manuel Champi, Martin Amado Mamani, Jhon Zapata Carreño, Carmen Flores Quispe, José Antonio Peralta Lozada, Dandy Ruíz Estrada, Ximena Heraud y Juan Gómez Flores.

Comentarios
Continue Reading

Cultura

14 artistas exponen obras que se gestaron durante la pandemia

Covid-19. Arte en confinamiento.

Published

on

Pintura de Ado Martín.

A finales de 2020 los artistas plásticos Ado Martín (Premio a la crítica de pintura, de la promoción 2014 de la ENSABAP), Hugo Salazar Chuquimango (ganador del XII Salón Nacional de Pintura ICPNA 2012) y el escritor José Miguel Vásquez (Ganador de la Primera Convocatoria Pesopluma 2019) se reunieron para fundar Casa Rubens, un espacio cultural y laboratorio artístico, que funciona también como galería y casa taller, e inaugura ahora la muestra “20 20, reflejos de una época”, donde 14 artistas se autorretratan  frente al confinamiento en tiempos de pandemia.

El resultado se aprecia en obras de formatos bidimensionales, en su mayoría pinturas, dibujos, tallados y una instalación. La temática tratada pone a pie la facultad del artista en poder crear no solo una buena factura en simples retratos, a cambio y como excusa, se sigue toda una narrativa en donde la ironía, la insinuación, el sosiego, la esperanza o el miedo, corresponden a lo acontecido.

“Somos seres sociables por naturaleza, por más que en estos tiempos de pandemia las redes sociales se hayan convertido en un refugio. Hemos decidido apelar, de manera crítica, a esa realidad para elaborar un documento que vincule creativamente ambas dimensiones, exterior e interior, pues, quiérase o no, somos el reflejo de una época”, sostiene Hugo Salazar Chuquimango, curador y artista que participa en esta exposición colectiva junto a John Chauca Laurente, Kledy Dongo, Zoraya Cánepa, Millard Llanque, Luis Bardales, Fredy Carreño, Judith Vergara, Alejandra Rojas, Ado Martín, Elizabeth López, José Crespo, Lautaro Arrau y JUDA, Ben Hur.

La muestra va hasta el 1 de octubre en el nuevo espacio cultural de Pueblo Libre: Casa Rubens, ubicado en calle Benigno Cornejo 447, ex Mariano Necochea, a cuatro cuadras de la municipalidad distrital, de martes a domingo de 10:00 a.m. a 7:00 p.m. previa coordinación escribiendo en el Facebook o Instagram casarubenspe. Cuenta con todos los protocolos de bioseguridad. El ingreso es libre.

Comentarios
Continue Reading

Cultura

Víctor Humareda, el hombre que pintó Lima

En el ICPNA del Centro de Lima se termina esta semana una de las muestras más importantes del año, la dedicada al inmenso Víctor Humareda.

Published

on

Foto: Herman Schwarz.

En 2020 la pandemia frustró muchas actividades importantes, entre ellas la celebración del centenario del nacimiento de Víctor Humareda, uno de los pintores expresionistas más importantes que ha tenido el Perú. Este año, sin embargo, y gracias a las ayudas económicas del MINCUL, el ICPNA del Centro Histórico inauguró la muestra “Víctor Humareda. Dominar el color/ver la realidad”, dedicada a la obra del artista, bajo la curaduría de Víctor Mejía.

A diferencia de otras exposiciones, en esta oportunidad se han reunido cuadros pertenecientes a colecciones particulares, libretas de apuntes del pintor (que empezó a utilizar luego de que perdiera el habla), suplementos, revistas y periódicos de la época, y una muestra de publicaciones sobre su obra. Es una apuesta sumamente valiosa que se acompaña además de material audiovisual donde uno puede oír a Humareda conversando sobre arte y sobre la Lima que él escogió retratar.

Humareda nació en Lampa, el 6 de marzo de 1920. En 1941 ingresó a la Escuela de Bellas Artes, dirigida entonces por José Sabogal y tuvo por maestros a pintores como Julia Codesido, Ricardo Grau y Juan Manuel Ugarte Eléspuru. En 1950 viajó becado a Buenos Aires, donde estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de la Nación Ernesto de la Cárcova. En 1966 viajó a Barcelona y París, donde permaneció apenas un mes, retornando al Perú e instalándose en el Hotel Lima, ubicado en la popular zona de La Parada, en la habitación 283. Este hotel, convertido actualmente en una galería comercial, ha mantenido sellada la habitación donde vivió el pintor durante todos estos años.

La personalidad excéntrica de Víctor Humareda construyó en el imaginario colectivo un estereotipo inexacto de bohemio y despreocupado. Nada más alejado de la verdad, no tomaba alcohol, prefería la manzanilla con mucha azúcar. Fue un pintor metódico, comprometido con su obra y su condición de artista que eligió la soledad. Admirador de Velázquez, Rembrandt, Goya, Monet y Toulouse-Lautrec, Humareda se confiesa un explorador del color. Por eso es que esta muestra es tan importante: porque desmitifica esa imagen errada y nos entrega al ser humano. Algunos cuadros están acompañados de los bocetos que hizo Humareda antes de llevarlos al lienzo. Se puede entender a partir de ahí la construcción de toda su obra.

Humareda murió en Lima el 21 de noviembre de 1986, dos días después de entregar su último cuadro: La quinta Heeren de noche, que le encargó el Banco Central de Reserva. Descansa en el Cementerio Presbítero Maestro desde entonces. Esta muestra, que debió terminar en agosto, ha sido extendida hasta el 11 de septiembre en el Espacio Juan Pardo Heeren, Jr. Cuzco 446, Cercado de Lima. INGRESO LIBRE. No se la pueden perder.

Comentarios
Continue Reading
Advertisement

LIMA GRIS TV

LIMA GRIS RADIO

PRNEWS

PARTNER

CONTACTO

Síguenos en Twitter


LIMA GRIS RADIO

Trending